Ο Έντβαρτ Μουνκ είναι Νορβηγός ζωγράφος της μετάβασης από τον 19ο στον 20ό αιώνα και θεωρείται ο πατέρας του εξπρεσιονισμού. Το έργο του, σκανδαλώδες για πολλούς, προκάλεσε τον θαυμασμό των νέων καλλιτεχνών και του μη ειδικού κοινού, που ταυτίστηκε με την αγωνία που δημιουργούσε η ραγδαία εκβιομηχάνιση και ο μηχανικισμός που επικρατούσε.

Για τους καθιερωμένους καλλιτέχνες, ο λόγος του σκανδάλου ήταν η τεχνική ελευθερία του Μουνκ- για τους συντηρητικούς, ήταν το γεγονός ότι ο ζωγράφος ασχολήθηκε ανοιχτά με θέματα όπως ο έρωτας και, κυρίως, η ασθένεια και ο θάνατος, οι μεγάλες εμμονές του.

Το ύφος του ήταν μοναδικό, καθώς δημιούργησε μια αυθεντική και πρωτότυπη γλώσσα, αποτέλεσμα ενός ελεύθερου διαλόγου με τον μεταϊμπρεσιονισμό, την art nouveau και τον πρωτοποριακό γαρδισμό. Επομένως, παρόλο που ο Μουνκ άνοιξε τις πόρτες του εξπρεσιονισμού, δεν μπορεί να καταταγεί σε κανένα κίνημα. Μια ματιά στα σημαντικότερα έργα του θα δείξει γιατί ο Μουνκ είναι ένας μοναδικός και ανεπανάληπτος καλλιτέχνης.

1. Η κραυγή , 1893

Πάνω - Edvard Munch: Η κραυγή Λάδι και παστέλ σε χαρτόνι. 91 x 73,5 εκ. Νορβηγική Εθνική Πινακοθήκη, Όσλο.

Παρακάτω - διαφορετικές εκδόσεις του Η κραυγή από τον Edvard Munch

Η κραυγή είναι το πιο σκανδαλώδες έργο του Μουνκ, αλλά σήμερα θεωρείται το σημαντικότερο από όλα τα έργα του Μουνκ. Μόνα Λίζα Απεικονίζει ένα ανδρόγυνο άτομο του οποίου το πρόσωπο εκφράζει την αγωνία στην πιο εκφραστική της μορφή μετά το άκουσμα ή την εκφορά μιας κραυγής. Το υποκείμενο αντιλαμβάνεται συνεπώς τον κόσμο ως μια κυματιστή, τσιριχτή μάζα. Κανείς άλλος εκτός από τον Μουνκ δεν το είχε κάνει αυτό στο παρελθόν στην τέχνη.

Το έργο επινοήθηκε μετά την περίοδο κατά την οποία μία από τις αδελφές του ήταν έγκλειστη για απόπειρα αυτοκτονίας, γεγονός που υποδηλώνει κάποια σχέση με το επεισόδιο. Ένα περίεργο γεγονός σχετικά με το Η κραυγή Η πιο διάσημη έκδοση είναι αυτή του 1893, η οποία εκλάπη το 1994 και βρέθηκε λίγο αργότερα.

2. Άγχος , 1894

Πάνω - Edvard Munch: Άγχος 1894, λάδι σε καμβά, 94 x 74 cm, Μουσείο Μουνκ, Όσλο.

Κάτω - Κάτω - Κάτω - Κάτω - Κάτω Η κραυγή (αριστερά) και Βραδιά στην οδό Karl Johan (δεξιά), του Edvard Munch.

Ναι Η κραυγή είναι η εικόνα της ατομικής απελπισίας, Άγχος Έτσι, ο Μουνκ δεν είναι ένας καλλιτέχνης που περιορίζεται στην καταγραφή της ατομικής κακοδαιμονίας, αλλά είναι ευαίσθητος στη γενική κακοδαιμονία που επηρεάζει την κοινωνία στα τέλη του 19ου αιώνα, η μεταμόρφωση της οποίας είναι πολύ πιο γρήγορη από την ικανότητά της να επεξεργάζεται τις αλλαγές.

Ο καμβάς Άγχος βασίζεται σε δύο παλαιότερους πίνακες του Μουνκ. Το τοπίο που βλέπουμε στο Άγχος έχει ανακτηθεί από τον καμβά Η κραυγή Οι χαρακτήρες, από την άλλη πλευρά, έχουν ληφθεί από Βραδιά στην οδό Karl Johan Η στρατηγική της λήψης στοιχείων από προηγούμενους πίνακες επαναλαμβάνεται στο έργο του Munch. Ο ζωγράφος όχι μόνο "απεικονίζει" σκηνές, αλλά τα στοιχεία που τις συνθέτουν εκλαμβάνονται ως δικά του σύμβολα.

3. Το άρρωστο κορίτσι , 1885-1886

Πάνω - Edvard Munch: Το άρρωστο κορίτσι 1885-1886, λάδι σε καμβά, 120 × 118,5 εκ., Εθνικό Μουσείο Τέχνης, Αρχιτεκτονικής και Σχεδιασμού, Όσλο.

Παρακάτω - διαφορετικές εκδόσεις του Το άρρωστο παιδί.

Το άρρωστο κορίτσι Ο καμβάς απεικονίζει τη μικρότερη αδελφή του Μουνκ, τη Σόφι, στο νεκροκρέβατο της από φυματίωση. Η νεαρή γυναίκα ήταν τότε περίπου 15 ετών.

Όπως συνήθιζε, ο Μουνκ δημιούργησε διαφορετικές εκδοχές αυτού του θέματος, το οποίο αποτελούσε γι' αυτόν μόνιμη πηγή πόνου και ενοχής, λόγω του γεγονότος ότι ο ζωγράφος, ο οποίος έπασχε από φυματίωση σε ηλικία 13 ετών, αισθανόταν ότι έπρεπε να είχε πεθάνει αυτός αντί για την αδελφή του.

4. Αγάπη και πόνος (Βαμπίρ) , 1893

Edvard Munch: Αγάπη και πόνος (Βαμπίρ) 1893, λάδι σε καμβά, 91 cm x 109 cm, Μουσείο Μουνκ, Όσλο.

Ο Μουνκ ονόμασε αυτό το έργο Αγάπη και πόνος Σε αυτό, απεικόνιζε μια γυναίκα να αγκαλιάζει έναν άνδρα που βρίσκεται στην αγκαλιά της, σαν να αναζητά παρηγοριά. Αν και ο Μουνκ δεν αποκάλυψε ποτέ το προσωπικό νόημα του έργου, ο αρχικός τίτλος μιλάει για πολλά. Ωστόσο, όταν το έργο αυτό αποκαλύφθηκε, προκάλεσε μεγάλο σκάνδαλο.

Οι άνθρωποι είδαν σαδομαζοχιστικά σημάδια σε αυτόν και ερμήνευσαν ότι η γυναίκα δαγκώνει το λαιμό του εραστή της σαν βαμπίρ. Κατά συνέπεια, ο πίνακας έγινε γνωστός ως το Βαμπίρ Το σκάνδαλο ήταν τέτοιο που, χρόνια αργότερα, αυτός ήταν ένας από τους πολλούς πίνακες του Μουνκ που λογοκρίθηκαν κατά τη διάρκεια της ναζιστικής κατοχής της Νορβηγίας.

5. Madonna , 1894

Edvard Munch: Madonna 1894, λάδι σε καμβά, 91 cm × 70,5 cm, Εθνική Πινακοθήκη Noriega, Όσλο.

Ο πίνακας γνωστός ως Madonna είχε αρχικά τον τίτλο Γυναίκα εραστής o Γυναίκα που αγαπάει Ανατιτλοφορήστε το έργο Madonna Ο Μουνκ δημιούργησε τουλάχιστον πέντε γνωστές εκδοχές αυτού του έργου.

Ο καλλιτέχνης απεικονίζει τη γυναίκα σαν εικόνα, για να μεταδώσει την αίσθηση λατρείας που προκαλεί η ομορφιά της. Το κόκκινο φωτοστέφανο γύρω από το κεφάλι της παραπέμπει στη σχέση μεταξύ αγάπης και πόνου, ακόμη και κατά την ολοκλήρωση της συνουσίας.

Edvard Munch: Madonna χάραξη.

Η υπόθεση αυτή δικαιολογείται από το γεγονός ότι ο Μουνκ δημιούργησε μια εκδοχή χαρακτικής, το πλαίσιο της οποίας περιλάμβανε διακοσμητικά μοτίβα σπερματοζωαρίων που συγκλίνουν σε ένα μακάβριο έμβρυο. Συμπερασματικά, ο πίνακας αποτελεί σύμβολο του κύκλου της ζωής που περνά μέσα από την επιθυμία, την τεκνοποίηση και τον θάνατο.

6. Στάχτες , 1894

Edvard Munch: Στάχτες 1894, λάδι σε καμβά, 120,5 x 141 εκ., Εθνικό Μουσείο Τέχνης, Αρχιτεκτονικής και Σχεδιασμού, Όσλο.

Στάχτες θεωρείται ένα από τα πιο όμορφα αισθητικά έργα του Μουνκ, λόγω της πλέξης των γραμμών και του χρωματισμού. Στη σύνθεση, βλέπουμε έναν άνδρα στα μαύρα, το χρώμα του σκοταδιού και του θανάτου. Ο άνδρας στέκεται σε μια γωνία, σαν να κρύβει το πρόσωπό του από ντροπή, με τα χέρια στο κεφάλι. Μας θυμίζει τον απελπισμένο άνδρα στο Αγάπη και πόνος (Βαμπίρ) .

Πίσω του, μια γυναίκα με λευκό φόρεμα, το χρώμα της αγνότητας, και κόκκινο μπούστο, το χρώμα του πάθους, σηκώνει επίσης τα χέρια της. Το πρόσωπό της εκφράζει θλίψη και ανησυχία. Το πέπλο του πάθους έχει σκιστεί.

Η σχέση μεταξύ της εικόνας και του τίτλου παραπέμπει σε ένα παράδοξο: όταν το πάθος καταναλώνεται, διαλύεται. Η φωτιά του πάθους αφήνει μόνο στάχτες. Αλλά επίσης, οι χειρονομίες των χαρακτήρων προκαλούν ενοχή και απόγνωση. Αυτό αποκαλύπτει ότι η πράξη αψηφά έναν ηθικό κώδικα. Είναι μοιχεία; Είναι βιασμός; Θα πρέπει να το αποκρυπτογραφήσει ο θεατής.

7. Εφηβεία , 1894-1895

Edvard Munch: Εφηβεία 1894-1895, λάδι σε καμβά, 151,5 x 110 cm, Εθνική Πινακοθήκη της Νορβηγίας, Όσλο.

Στο Εφηβεία Αντί να συμβολίζουν τη σεμνότητα και την αθωότητα, οι χειρονομίες συμβολίζουν τον φόβο και την καταπίεση του ερωτισμού που υπέστη ο Μουνκ στα νιάτα του, δεδομένης της θρησκευτικής αυστηρότητας του πατέρα του και του πλαισίου της εποχής.

Η μυστηριώδης διάθεση της σκηνής επιβεβαιώνεται από την ακατανόητη σκιά στο βάθος, η οποία μοιάζει με ένα είδος παραμονεύουσας φαντασμαγορίας. Η σημασία αυτού του πρώιμου έργου του Μουνκ έγκειται στο γεγονός ότι αντιπροσωπεύει το σημείο καμπής μεταξύ της "ιμπρεσιονιστικής" γραμμής και της απελευθέρωσης της τεχνικής στην υπηρεσία του ψυχολογικού κόσμου του καλλιτέχνη.

8. Αυτοπροσωπογραφία με τσιγάρο , 1895

Edvard Munch: Αυτοπροσωπογραφία με τσιγάρο 1895, λάδι σε καμβά, 130,5 x 115 cm, Εθνική Πινακοθήκη της Νορβηγίας, Όσλο.

Αυτοπροσωπογραφία με τσιγάρο είναι ένα από τα πιο διάσημα έργα του Μουνκ, καθώς και το πιο γνωστό από τα πολλά αυτοπορτρέτα του, στο οποίο ο καλλιτέχνης επιδεικνύει κατανόηση και μαεστρία στην τεχνική του, απεικονίζοντας τη λάμψη του φωτός μέσα στο σκοτάδι και τον καπνό.

Με τον τρόπο αυτό, ο Μουνκ κατασκευάζει μια σχεδόν μυστηριώδη ατμόσφαιρα που τραβάει την προσοχή στο πρόσωπο και το χέρι του. Το πρόσωπο μοιάζει κάπου ανάμεσα στην αμηχανία και την έκπληξη, ενώ το χέρι, εκτός από το να κρατάει το τσιγάρο, είναι υψωμένο στο επίπεδο της καρδιάς. Αν το πρόσωπο είναι το σημάδι της εσωτερικής ταυτότητας του υποκειμένου, που επηρεάζεται από τη συναισθηματική αστάθεια, το χέρι είναι το σύμβολο του εικαστικού καλλιτέχνη.

9. Θάνατος στο δωμάτιο , 1895

Edvard Munch: Θάνατος στο δωμάτιο , 1895.

Κατά τη διάρκεια της παιδικής του ηλικίας, ο Έντβαρτ Μουνκ είδε πολλά μέλη της οικογένειάς του να πεθαίνουν από φυματίωση, ανάμεσά τους η μητέρα και ο πατέρας του. Θάνατος στο δωμάτιο απεικονίζει τον πόνο της οικογένειάς του για τον χαμό της μικρότερης αδελφής του, της Σοφί, την οποία δεν βλέπουμε. Είναι ιδιοφυές να εστιάζει ο συγγραφέας την προσοχή του θεατή στον συναισθηματικό πόνο και όχι στον θάνατο.

Ο άνδρας που υψώνει τα χέρια του σε προσευχή είναι ο πατέρας του, ένας αυστηρός προτεστάντης κληρικός. Ο άνδρας που ακουμπά στον τοίχο θεωρείται ότι είναι ο Μουνκ, ο οποίος γυρίζει την πλάτη του στη σκηνή (στο θάνατο, την αγάπη και την πίστη), ενώ κοιτάζει ευθεία μπροστά τη σκιά του. Είναι αξιοσημείωτο ότι κάθε μέλος της οικογένειας υποφέρει ξεχωριστά.

10. Δύο ανθρώπινα όντα (The Lonely Ones) , 1896

Edvard Munch: Δύο ανθρώπινα όντα (The Lonely Ones) 1896, λάδι σε καμβά, 80 x 110 cm, ιδιωτική συλλογή.

Ο καμβάς Δύο ανθρώπινα όντα Σε αυτό βλέπουμε έναν άνδρα και μια γυναίκα χωρίς ταυτότητα, με την πλάτη τους στον θεατή, να ατενίζουν τον αδρανή ορίζοντα. Φαίνεται να υπάρχει μια ανυπέρβλητη απόσταση ανάμεσά τους.

Όπως και πολλά άλλα έργα του Μουνκ, ο πίνακας έχει διασκευαστεί πολλές φορές και με διαφορετικές τεχνικές, και τόσο το θέμα όσο και ο τρόπος απεικόνισής του επιβεβαιώνουν τον ανήσυχο, μοναχικό και καταθλιπτικό χαρακτήρα του καλλιτέχνη.

11. Το φιλί , 1897

Edvard Munch: Το φιλί 1897, λάδι σε καμβά, 99 x 81 cm, Μουσείο Μουνκ, Όσλο.

Το φιλί από το 1897, είναι μία από τις εκδοχές του πίνακα που είναι γνωστός ως Το φιλί πίσω από το παράθυρο Ο τρόπος με τον οποίο ο ζωγράφος απεικόνισε τις δύο μορφές είναι αξιοσημείωτος. Διακρίνονται σαν να είναι ένα ενιαίο σώμα, χωρίς διαχωριστικές γραμμές μεταξύ τους. Οι χαρακτήρες δεν έχουν ταυτότητα, δεν έχουν δικά τους όρια.

Η συγχώνευση των χαρακτήρων δεν μπορεί να ερμηνευτεί ρομαντικά, καθώς η σκοτεινή και βαριά ατμόσφαιρα της σκηνής υποδηλώνει επίσης την εγγύτητα του θανάτου. Η επίδραση που προκάλεσε αυτή η σειρά ήταν τέτοια που ενέπνευσε το διάσημο θεατρικό έργο Το φιλί από τον Gustav Klimt.

Μπορεί να σας ενδιαφέρει: Ανάλυση των Το φιλί από τον Gustav Klimt.

12. Γονιμότητα , 1898

Edvard Munch: Γονιμότητα 1898, λάδι σε καμβά, 127 x 140 εκ.

Στον καμβά Γονιμότητα Ο πίνακας του Μουνκ δείχνει μια όρθια έγκυο γυναίκα να κουβαλάει τους άφθονους καρπούς του δέντρου. Μπροστά της, ο άνδρας κάθεται σε αντίθεση, σκυφτός και καμπουριασμένος. Στο πλάι του διακρίνεται ένα πεσμένο μπαστούνι. Υπάρχει συνέχεια μεταξύ του άνδρα και του δέντρου, καθώς ο άνδρας ακουμπάει το πόδι του στον κορμό του δέντρου.

Το δέντρο θα μπορούσε να ερμηνευθεί ως το δέντρο της ζωής, αλλά ένα κλαδί έχει κοπεί και έχει μείνει μόνο ένα κούτσουρο. Για να μπορέσει να δώσει καρπούς, το δέντρο έχει κλαδευτεί, έχει διαμελιστεί.

Οι πιο ριζοσπαστικές ερμηνείες υποστηρίζουν ότι ο Μουνκ εκφράζει την άρνησή του να κάνει παιδιά. Οι καρποί της θα αντιπροσώπευαν το τέλος των καρπών του. Η ερμηνεία αυτή βασίζεται στο γεγονός ότι ο πίνακας ζωγραφίστηκε όταν ο Μουνκ αντιμετώπιζε το ενδεχόμενο να αρραβωνιαστεί την Τούλα Λάρσεν, αρραβώνας που δεν ολοκληρώθηκε ποτέ.

13. Συνάντηση στο διάστημα , 1898

Edvard Munch: Συνάντηση στο διάστημα 1899, ξυλογραφία σε χαρτί, 18,5 x 25,5 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Μαδρίτη.

Στο Συνάντηση στο διάστημα Βλέπουμε έναν άνδρα και μια γυναίκα να βαρυκεντρίζουν στο χώρο. Το έργο αντιπροσωπεύει μια ερωτική στιγμή, που οριοθετείται όχι μόνο από τα σώματα και τις χειρονομίες, αλλά και επειδή οι γραμμές που παραπέμπουν σε σπερματοζωάρια κινούνται γύρω από τις φιγούρες. Τα πρόσωπα είναι απομακρυσμένα το ένα από το άλλο. Η γυναίκα φαίνεται σχεδόν αδιάφορη, ενώ ο άνδρας δείχνει αφοσιωμένος. Το έργο αποδεικνύει την τεχνική ευελιξία του συγγραφέα, καθώς και τηνκαθώς και σύμβολα και εκφραστικούς πόρους.

14. Ο χορός της ζωής , 1899

Edvard Munch: Ο χορός της ζωής 1899, λάδι σε καμβά, 125 x 191 cm, Εθνικό Μουσείο Τέχνης, Αρχιτεκτονικής και Σχεδιασμού, Όσλο.

Ο χορός της ζωής Πρόκειται για μια υπαίθρια σκηνή που διαδραματίζεται σε έναν καταγάλανο ουρανό πάνω από μια νορβηγική λίμνη. Στον ουρανό βλέπουμε τον ήλιο του Βορρά και την αντανάκλασή του στο νερό, ένα από τα σύμβολα που επαναλαμβάνονται σταθερά στους πίνακες του ζωγράφου.

Σε πρώτο πλάνο, βλέπουμε την ίδια γυναίκα σε τρία στάδια: μια νεαρή κοπέλα με λευκά στα αριστερά- στα δεξιά, μια μοναχική γυναίκα ντυμένη στα μαύρα- στο κέντρο, η γυναίκα και ο άντρας της χορεύουν σαν να μην υπάρχει ο κόσμος- το κόκκινο του φορέματος συμβολίζει τη ζωή και το πάθος. Το ζευγάρι θα μπορούσε να είναι η Tulla Larsen και ο Munch.

Πίσω από τη γυναίκα με τα μαύρα, διακρίνεται ένας γκροτέσκος άντρας έτοιμος να κακοποιήσει μια γυναίκα. Η σημασία του έργου αυτού έγκειται στον τρόπο με τον οποίο ο Μουνκ καταφέρνει να μεταδώσει την πολυπλοκότητα των εσωτερικών του ανησυχιών για τα στάδια της ζωής, τα οποία περιχαρακώνει στον έρωτα.

15. Ο θάνατος του Μαράτ , 1907

Edvard Munch: Ο θάνατος του Μαράτ 1907, λάδι σε καμβά, 153 × 148 εκ., Μουσείο Μουνκ, Όσλο.

Κατά τη διάρκεια μιας περιόδου της ζωής του, ο Μουνκ αφιερώθηκε στο να φτιάχνει διάφορες εκδοχές του Ο θάνατος του Μαράτ Ανάμεσα σε αυτές τις εκδοχές, παρουσιάζουμε μία που παρήχθη το 1907: Ο Μαράτ ήταν Γάλλος δημοσιογράφος και πολιτικός του 18ου αιώνα, ο οποίος δολοφονήθηκε από τη Σαρλότ Κορντέι.

Η σειρά φαίνεται να έχει τον ίδιο τον Μουνκ ως ανδρικό σημείο αναφοράς, εδραιώνοντας έτσι την ιδέα ότι ο ζωγράφος αισθανόταν ότι ήταν θύμα των γυναικών. Από αισθητικής άποψης, το έργο είναι αξιοσημείωτο για τη χρήση των γραμμών ως μορφή χρωματισμού, ένα είδος ραγιαδισμού που έρχεται σε ρήξη με το μοντερνιστικό ύφος της καμπύλης γραμμής και τη χρήση πυκνών χρωματιστών επιφανειών.

16. Άνδρες λουόμενοι , 1907

Edvard Munch: Άνδρες λουόμενοι 1907, λάδι σε καμβά, 206 × 227 cm, Εθνική Πινακοθήκη της Φινλανδίας, Ελσίνκι.

Άνδρες λουόμενοι Η σκηνή απεικονίζει μια ομάδα ανδρών σε μια γυμνή παραλία, όπου ο Μουνκ περνούσε μια περίοδο ανάρρωσης, και είναι αξιοσημείωτη για τον χαρούμενο, ζωντανό χαρακτήρα της, ο οποίος έρχεται σε αντίθεση με τις σκοτεινές, κυματιστές ατμόσφαιρες πολλών από τους πίνακές του.

Ο Μουνκ επέδειξε την ικανότητά του στο ανατομικό σχέδιο, καθώς και την ικανότητά του στο χρωματισμό. Η τεχνική που χρησιμοποίησε αντλεί από τις αρχές του ιμπρεσιονισμού και του ραγιαδισμού και, από ορισμένες απόψεις, φαίνεται να βρίσκεται σε διάλογο με τον Φωβισμό.

17. Ο ήλιος , 1909-1911

Edvard Munch: Ο ήλιος 1909-1911, τοιχογραφία, 452 x 788 εκ., Πανεπιστήμιο του Όσλο.

Ο ήλιος είναι μια μνημειώδης τοιχογραφία του Edvard Munch στο Πανεπιστήμιο του Όσλο, στην οποία ο Munch εξερευνά νέες πλαστικές γλώσσες που τον φέρνουν πιο κοντά στην αφηρημένη πρωτοπορία, ιδίως στον Kandinsky, εκπρόσωπο της ομάδας Der Blaue Reiter, και στη λυρική αφαίρεση.

Ο συμβολισμός φτάνει εδώ στην υψηλότερη έκφρασή του: ο ήλιος γίνεται μεταφορά του θείου, που λάμπει με το φως του στον κόσμο και απομακρύνει τις σκιές της άγνοιας. Με αυτό το έργο, ο Μουνκ αποδεικνύει για άλλη μια φορά τη δημιουργική του ελευθερία, γεγονός που εξηγεί γιατί δεν μπορεί να χαρακτηριστεί σε ένα μόνο στυλ ή κίνημα. Ο Μουνκ αποκαλύπτεται ως ένας μοναδικός καλλιτέχνης σε συνεχή καινοτομία.

Μπορεί επίσης να σας ενδιαφέρει: Εξπρεσιονισμός: χαρακτηριστικά, έργα και συγγραφείς.

18. Καλπάζον άλογο , 1912

Edvard Munch: Καλπάζον άλογο 1912, λάδι σε καμβά, 148 x 120 cm, Μουσείο Μουνκ, Όσλο.

Στον πίνακα Καλπάζον άλογο Η λεπτομέρεια που τραβάει τα βλέμματα είναι ο δρόμος, ο οποίος είναι πολύ στενός για το κατόρθωμα.

Η φοβισμένη έκφραση του αλόγου και η διάταξη των ανθρώπων στην άκρη του δρόμου υποδηλώνουν τον επικείμενο κίνδυνο. Τα παιδιά στα δεξιά προσπαθούν να απομακρυνθούν, ενώ οι ενήλικες στα αριστερά περιμένουν απτόητοι πριν κινηθούν. Πρόκειται για μια νέα προσέγγιση του θέματος του φόβου και της αγωνίας, που είναι τόσο παρόντα στο έργο του συγγραφέα.

19. Εργάτες στο χιόνι , 1913

Edvard Munch: Εργάτες στο χιόνι 1913, λάδι σε καμβά, 163 x 200 cm, Μουσείο Μουνκ, Όσλο.

Ο Έντβαρτ Μουνκ ήταν επίσης ευαίσθητος στην κοινωνική πραγματικότητα που τον περιέβαλλε, όπως αποδεικνύεται από τους διάφορους πίνακές του που απεικονίζουν εργάτες, όπως αυτός ο καμβάς με τίτλο Εργάτες στο χιόνι .

Σε πρώτο πλάνο, ο Μουνκ απεικονίζει τρεις εργάτες να στέκονται μπροστά στο θεατή, με τα φτυάρια τους ως άξονα στήριξης. Σε αυτούς μπορεί κανείς να αισθανθεί τη δύναμη, αλλά και την κούραση και τη γήρανση.

Η υψωμένη γροθιά του εργάτη στο κέντρο της εικόνας υποδηλώνει μια απαίτηση. Αυτοί οι τρεις άνδρες φαίνεται να βρίσκονται σε κατάσταση αγώνα. Πίσω από αυτές τις τρεις φιγούρες, οι άλλοι εργάτες συνεχίζουν τη δουλειά τους, αγνοώντας το βλέμμα του καλλιτέχνη και της κοινωνίας.

20. Αυτοπροσωπογραφία ανάμεσα στο ρολόι και το κρεβάτι , 1940-1943

Edvard Munch: Αυτοπροσωπογραφία ανάμεσα στο ρολόι και το κρεβάτι 1940-1943, λάδι σε καμβά, Μουσείο Μουνκ, Όσλο.

Αυτοπροσωπογραφία ανάμεσα στο ρολόι και το κρεβάτι είναι ένας πίνακας από την τελευταία δημιουργική περίοδο του Μουνκ. Ο Μουνκ χρησιμοποίησε τον καμβά για να συμβολίσει την προσέγγιση του θανάτου, τοποθετώντας τη φιγούρα του ανάμεσα σε ένα ρολόι και ένα κρεβάτι. Το ρολόι αντιπροσωπεύει το ασταμάτητο πέρασμα του χρόνου και το κρεβάτι τον θάνατο ως το τελευταίο κρεβάτι, ως αιώνια ανάπαυση.

Μια λεπτομέρεια είναι εντυπωσιακή από την αντίθεση: ενώ το ρολόι έχει σχέδιο αντίκα, το κάλυμμα του κρεβατιού έχει μοντέρνο γεωμετρικό σχέδιο. Με αυτόν τον τρόπο, ο Μουνκ εκφράζει τη συνείδησή του για τη δραματική αλλαγή της εποχής στην οποία έζησε.

Πίσω από τον Μουνκ διακρίνεται ένα είδος δωματίου στο οποίο υπονοείται η παρουσία έργων αναφοράς από την καλλιτεχνική του ζωή, στα οποία έχει αφιερώσει όλες του τις προσπάθειες.

Βλέπε επίσης: Ανάλυση διαγραμμάτων Η κραυγή του Edvard Munch.

Βιογραφία

Ο Έντβαρτ Μουνκ ήταν Νορβηγός ζωγράφος και χαράκτης που γεννήθηκε στις 12 Δεκεμβρίου 1863 και πέθανε στις 23 Ιανουαρίου 1944.

Από νεαρή ηλικία είχε να αντιμετωπίσει την ασθένεια και τον θάνατο. Η φυματίωση στοίχισε πρώτα τη ζωή της μητέρας του, Laura Cathrine Munch, όταν ο ίδιος ήταν μόλις πέντε ετών, στη συνέχεια τη μικρότερη αδελφή του Sophie, τους θείους και τις θείες του, και χρόνια αργότερα τον πατέρα του Christian Munch, και ακόμη και ο ίδιος ο Edvard Munch υπέφερε από την ασθένεια σε ηλικία 13 ετών.

Τα γεγονότα αυτά προκάλεσαν στον ζωγράφο έναν τρομερό τρόμο για την ασθένεια και τον θάνατο, με αποτέλεσμα να υποφέρει από άγχος και κατάθλιψη σε όλη του τη ζωή, που καθόρισαν τις καλλιτεχνικές του αναζητήσεις.

Ο Μουνκ άρχισε να σπουδάζει μηχανικός το 1879, αλλά σύντομα εγκατέλειψε τις σπουδές του για να αφοσιωθεί στη ζωγραφική. Επηρεάστηκε από τη γαλλική τέχνη του 19ου αιώνα μέσω των ταξιδιών του στο Παρίσι. Γύρω στο 1890 άρχισε να ζωγραφίζει το έργο Η ζωφόρος της ζωής μια σειρά από πίνακες που απεικονίζουν διάφορα ορόσημα της ανθρώπινης ζωής, βασισμένα στις δικές του εμπειρίες.

Παρόλο που το έργο του αποτέλεσε αρχικά πηγή σκανδάλων, τελικά απέκτησε σημαντική θέση στα μουσεία της χώρας του και της Ευρώπης, αλλά μετά τη ναζιστική κατοχή της Νορβηγίας γύρω στο 1940, οι πίνακες του Μουνκ λογοκρίθηκαν από τους εισβολείς και απομακρύνθηκαν από τις εκθέσεις.

Ωστόσο, το 1942 σηματοδότησε τον οριστικό διεθνή του καθαγιασμό, όταν του διοργανώθηκε έκθεση στη Νέα Υόρκη σε αναγνώριση του παραγωγικού καλλιτεχνικού του έργου. Δύο χρόνια αργότερα, ο Μουνκ πέθανε σε απόλυτη μοναξιά.