Το κίνημα του ιμπρεσιονισμού αντιπροσωπεύει ένα σημείο καμπής στην ιστορία της δυτικής ζωγραφικής. Αν και δεν μπορεί να χαρακτηριστεί ως τέχνη της πρωτοπορίας, μπορεί να ειπωθεί ότι ο ιμπρεσιονισμός άνοιξε το δρόμο σε αυτό που ορισμένοι ειδικοί αποκαλούν "θέληση για διαφοροποίηση του ύφους" μεταξύ των καλλιτεχνών, η οποία τελικά επέτρεψε τη βλάστηση του πνεύματος της πρωτοπορίας (Pierre Francastel).

Edouard Manet: Γεύμα στο γρασίδι . 1863. Λάδι σε καμβά. 208 cm × 264,5 cm.

Γύρω στο 1867, ο ζωγράφος Edouard Manet εξέθεσε σκανδαλώδεις πίνακές του στο Salon des Refusés στο Παρίσι. Ολυμπία y Γεύμα στο γρασίδι Η κριτική επιτροπή δεν το έκρινε αντάξιο του Επίσημου Σαλόνι, όπως και το έργο σχεδόν τριών χιλιάδων καλλιτεχνών.

Άλλοι καλλιτέχνες όπως ο Κλοντ Μονέ, ο Έντγκαρ Ντεγκά ή ο Πιερ-Ογκίστ Ρενουάρ είχαν επίσης απορριφθεί συστηματικά. Όλοι τους είχαν κάτι κοινό: ήταν πεπεισμένοι ότι είχαν κάτι καινούργιο να δείξουν και ότι η άποψή τους ήταν πολύτιμη. Τι ήταν όμως αυτό που πρότειναν και τι τους έκανε τόσο σημαντικούς;

Μια νέα ματιά

Καλλιτέχνες όπως οι Monet, Renoir, Berthe Morisot, Guillaumin, Degas, Sisley και Pissarro, μεταξύ πολλών άλλων, μοιράστηκαν κοινές πλαστικές αξίες και αρχές. Αρχικά, πρότειναν μια κατ' εξοχήν τέχνη του πολίτη.

Ενώ η εκβιομηχάνιση προχωρούσε και οι ευρωπαϊκές πόλεις εκσυγχρονίζονταν, οι κριτές του Salon Officiel de Paris παρέμεναν προσκολλημένοι στα προ-μοντέρνα θέματα: ποιμενικά τοπία, ο κόσμος των φυτών, οι μεγάλες ιστορικές μυθολογίες κ.λπ.

Οι ιμπρεσιονιστές, από την άλλη πλευρά, αναγνώρισαν τη σύγχρονη πόλη ως τοπίο, επειδή κατάλαβαν ότι οι ιστορικές αλλαγές επηρέαζαν και τη λειτουργία της τέχνης.

Για παράδειγμα, ενώ στο παρελθόν οι άνθρωποι έπρεπε να διαθέτουν πολλά χρήματα και χρόνο για να παραγγείλουν ένα πορτρέτο, τώρα, με την εφεύρεση της φωτογραφίας, αυτό ήταν εφικτό μέσα σε λίγα λεπτά και με πολύ χαμηλό κόστος, με το πλεονέκτημα ότι η εικόνα μπορούσε να αναπαραχθεί.

Αυτοί οι αντικομφορμιστές καλλιτέχνες αναρωτήθηκαν: θα παραμείνει βιώσιμη μια τέχνη που απλώς "καταγράφει" τον κόσμο των αρχαίων ιδεών και της οποίας η γλώσσα δεν εξελίσσεται; Θα είναι χρήσιμη μια τέχνη που περιορίζεται στην τέλεια απεικόνιση της φύσης; Η φωτογραφία είναι για τα πορτρέτα! Φυσικά, η τέχνη μπορεί να κάνει πολύ περισσότερα από αυτό! Είναι θέμα προοπτικής, θα πουν.

Πρώτον, οι ιμπρεσιονιστές χρησιμοποίησαν προς όφελός τους το γεγονός ότι η φωτογραφία ήταν ασπρόμαυρη. Στη συνέχεια, οι βιομηχανικές εξελίξεις διευκόλυναν ορισμένες μεταμορφώσεις στους τρόπους παραγωγής τέχνης. Για παράδειγμα, χάρη στη βιομηχανοποίηση, οι καλλιτέχνες μπορούσαν να έχουν λαδομπογιές σε σωληνάρια, γεγονός που τους επέτρεπε να βγαίνουν και να ζωγραφίζουν σε εξωτερικούς χώρους χωρίς να φοβούνται ότι η μπογιά θα στεγνώσει.

Δουλεύοντας αθόρυβα στο ύπαιθρο, η φιλοδοξία τους ήταν να απεικονίσουν όμορφα αλλά στιγμιαία φαινόμενα φωτός που απαιτούσαν ταχύτητα για να αποτυπωθούν στον καμβά: ένα ηλιοβασίλεμα, την αντανάκλαση του φωτός στο νερό, τον τρόπο που ο φωτισμός αλλάζει το χρώμα των πραγμάτων κ.ο.κ.

Έτσι, άρχισαν να αναπτύσσουν μια νέα τεχνική που έμελλε να γίνει μια πραγματική σχολή ζωγραφικής, με επίκεντρο το φως και το χρώμα. Ας δούμε τις τεχνικές και τα χαρακτηριστικά που καθόρισαν τον ιμπρεσιονισμό.

Χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού

Οι ιμπρεσιονιστές αντιλαμβάνονταν την πραγματικότητα ως ένα συνεχές γίγνεσθαι και όχι ως ένα να είναι Για αυτούς τους καλλιτέχνες, τα πράγματα δεν είναι, με απλά λόγια, τα πράγματα φαίνεται να είναι .

Ήταν επομένως ανοιχτοί στην αισθητηριακή αντίληψη της στιγμής, της ανεπανάληπτης στιγμής που έπρεπε να καταγραφεί άμεσα και γρήγορα. Μεταξύ των χαρακτηριστικών στοιχείων του ιμπρεσιονισμού έχουμε:

Το φως ως θεμελιώδες ενδιαφέρον

Σειρά Camille Pissarro Boulevard de Montmartre . 1897.

Αριστερά: Ανοιξιάτικη μέρα . cen..: Χειμωνιάτικο πρωινό . Der ....: Νύχτα .

Οι ιμπρεσιονιστές καθιέρωσαν ως θεμελιώδες σημείο τη μελέτη του φωτός μέσω της ζωγραφικής τεχνικής. Κατάλαβαν ότι τα χρώματα δεν είναι ιδιότητα των αντικειμένων, αλλά το αποτέλεσμα της διάθλασης του φωτός στην ύλη.

Μέχρι τώρα, το φως είχε μελετηθεί στην τέχνη ως σύμβολο της θεότητας ή της γνώσης (γοτθική τέχνη) ή ως πλαστικό στοιχείο για την επίτευξη καθορισμένων όγκων και νατουραλιστικών και αληθοφανών αναπαραστάσεων (Αναγέννηση, κλασικισμός).

Οι ιμπρεσιονιστές έθεσαν το ίδιο το φως στο επίκεντρο του ενδιαφέροντος και, ως εκ τούτου, επικεντρώθηκαν στην αναπαράσταση των αποτελεσμάτων του. Με άλλα λόγια, μελέτησαν το φως ως φαινόμενο: τη συμπεριφορά του, την εξέλιξή του στη στιγμή, τον τρόπο με τον οποίο αλληλεπιδρά με τα αντικείμενα. Έτσι, όλες οι τεχνικές και τα χαρακτηριστικά που ανέπτυξαν βασίζονται σε αυτό το θεμέλιο. Αυτό θα φανεί στα σημεία που ακολουθούν.

Καινούργια πλαισίωση και οπτικές γωνίες

Edgar Degas: Πρόβα μπαλέτου στη σκηνή Ca. 1874, μικτή τεχνική, Μέγεθος: 54.3 x 73 cm.

Πολλοί ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες εξερεύνησαν γωνίες, προοπτικές και καδράρισμα που δεν είχαν ξαναδεί στη ζωγραφική. Η φωτογραφία εκείνη την εποχή ακολουθούσε την κλασική αισθητική της Αναγέννησης, αλλά είναι αλήθεια ότι νέες προσεγγίσεις και γωνίες είχαν ήδη αρχίσει να εμφανίζονται. Παρασυρμένοι από αυτές τις δυνατότητες, οι ιμπρεσιονιστές έσπασαν την κλασική, μετωπική και συμμετρική καδράρισμα και επέλεξαν μια πιο συμμετρική προσέγγιση.από απροσδόκητες γωνίες στον πίνακα.

Επιπλέον, οι ιμπρεσιονιστές ενδιαφέρονταν για τις απαρατήρητες στιγμές ή σκηνές που παραμένουν κρυμμένες από τα μάτια του θεατή, όπως αυτό το παράδειγμα του Edgar Degas. Στην παραπάνω εικόνα, ο Degas απεικονίζει μια πρόβα μπαλέτου στη σκηνή από το κοίλωμα της ορχήστρας, όπως υποδηλώνει το γέλιο ενός κοντραμπάσου στην κάτω αριστερή γωνία.

Εγκατάλειψη του σωστού σχεδίου

Henry de Toulouse-Lautrec: Χορός στο Moulin de la Galette . 1889. Λάδι σε καμβά. 88,5 x 101,3 εκ.

Το τέλεια περιγεγραμμένο σχέδιο έγινε ανέφικτο για τους ιμπρεσιονιστές, πολλοί από τους οποίους εξαλείφουν τη γραμμή και προβάλλουν τους όγκους των μορφών με απευθείας χρωματισμό, ο οποίος αποκαλύπτει μεγάλη μαεστρία.

Άλλοι, όπως ο Tolouse-Lautrec ή ο Edgar Degas, θα συνέχιζαν να χρησιμοποιούν τη γραμμή, αλλά δεν θα ήταν πλέον μια καθαρή, καθορισμένη γραμμή, αλλά ένας κάπως νευρικός ρυθμός, με ξαφνικές αναθεωρήσεις και εντυπώσεις.

Επικάλυψη χρωμάτων στον καμβά

Claude Monet: Η Madame Monet με τον γιο της . 1875. λάδι σε καμβά. 100 x 81 cm.

Τώρα οι ιμπρεσιονιστές δεν είναι υποχρεωμένοι να αναμειγνύουν τα χρώματα στην παλέτα. Στην πραγματικότητα, πολλοί από αυτούς απαλλάσσονται από αυτό το βήμα και βγαίνουν στην ύπαιθρο αναζητώντας τα φαινόμενα του φωτός. Επηρεασμένοι από τις οπτικές θεωρίες, οι ιμπρεσιονιστές αναμειγνύουν τα χρώματα απευθείας στον καμβά.

Αυτό το επιτυγχάνουν χρησιμοποιώντας δύο τεχνικές: είτε αναμειγνύουν το ένα χρώμα πάνω στο άλλο, είτε τοποθετούν τα βασικά χρώματα δίπλα-δίπλα, έτσι ώστε, παρατηρούμενα από μια ορισμένη απόσταση, η δόνηση μεταξύ τους να δημιουργεί την αντίληψη του δευτερεύοντος χρώματος. Αυτό απαιτεί μια ορισμένη συνενοχή εκ μέρους του θεατή.

Βλέπε επίσης Claude Monet και τα έργα του.

Πινελιές, πινελιές και τελείες

Georges Pierre Seurat: Κυριακάτικο απόγευμα στο νησί Grande Jatte . 1884. Λάδι σε καμβά.

Διαστάσεις: 207,6 cm × 308 cm.

Λεπτομέρεια.

Αν ο στόχος είναι να τοποθετηθούν τα χρώματα όσο το δυνατόν πιο γρήγορα, ώστε να αποτυπωθεί η εφήμερη επίδραση του φωτός, είναι καλύτερο να γίνει οικονομία στις λεπτομέρειες. Οι ιμπρεσιονιστές θα προτιμήσουν επομένως να άμεσες κινήσεις συχνά με παχιές κινήσεις ή με εγκεφαλικά επεισόδια Θα χρησιμοποιήσουν επίσης την επικάλυψη σημεία για τη δημιουργία μαζών με όγκο.

Απουσία τελειωμάτων και καταστολή των λεπτομερειών υπέρ της συνολικής εμφάνισης.

Pierre Auguste Renoir: Γεύμα των κωπηλατών . 1881. Λάδι σε καμβά. 129,5 cm × 172,7 cm.

Λεπτομέρεια.

Δεδομένου ότι τα φωτεινά φαινόμενα είναι περιστασιακά και σύντομα, οι ιμπρεσιονιστές ζωγράφοι πρέπει να αποσιωπήσουν τις λεπτομέρειες, που τόσο θαυμάστηκαν στην τέχνη του παρελθόντος, προκειμένου να ευνοήσουν την παρατήρηση του συνόλου.

Όλες αυτές οι τεχνικές σημαίνουν ότι το έργο δεν έχει λεπτό φινίρισμα- οι πινελιές παραμένουν ανοιχτές, οι υφές πορώδεις και οι γραμμές, όταν υπάρχουν, ασύνδετες ή επικαλυπτόμενες.

Υπάρχει επίσης ένα ψυχολογικό παιχνίδι σε αυτό: η αντίληψη ολοκληρώνεται στον εγκέφαλο του θεατή, ο οποίος, παρά τις λεπτομέρειες αυτές, καταφέρνει να καταγράψει στον εγκέφαλό του μια οριοθετημένη εικόνα, υπό την προϋπόθεση ότι κοιτάζει το έργο ως σύνολο.

Περιστασιακά ή ασήμαντα θέματα

Claude Monet: Από τη σειρά: Σταθμός Saint Lazare . 1877. Λάδι σε καμβά.

Η προϊμπρεσιονιστική τέχνη, αλλά και άλλα παράλληλα κινήματα, επέμεναν στην αναπαράσταση υπερβατικού περιεχομένου ως δικαιολογία για την αξία του καλλιτεχνικού έργου. Κάθε γυμνή γυναίκα ήταν μια Αφροδίτη, ποτέ μια απλή γυναίκα. Ο θάνατος έπρεπε να είναι ηρωικός ή υπερβατικός, το τοπίο, ένα όνειρο άλλων εποχών, τα προσωπικά συναισθήματα, ένα λάβαρο προς υπεράσπιση, η φτώχεια, ένα θέμα προςκαταγγείλω.

Οι ιμπρεσιονιστές άφησαν πίσω τους αυτόν τον κόσμο και αναγνώρισαν την πραγματικότητα μπροστά τους: για τον ιμπρεσιονισμό, μια γυμνή γυναίκα ήταν μια γυμνή γυναίκα.

Για παράδειγμα, Ολυμπία ήταν ένας πίνακας του Μανέ εμπνευσμένος από το γνωστό Αφροδίτη του Ουρμπίνο που ζωγράφισε ο Τιτσιάνος τον 16ο αιώνα, αλλά τα χαρακτηριστικά της Αφροδίτης άλλαξαν σε εκείνα μιας πόρνης. Και τι σκάνδαλο! Παραλίγο να του κοστίσει τη λογοκρισία των πινάκων. Ολυμπία y Γεύμα στο γρασίδι a Manet.

Πάνω: Manet: Ολυμπία . 1863. Λάδι σε καμβά. 90 cm × 130,5 cm.

Κάτω: Τιτσιάνος: Αφροδίτη του Ουρμπίνο . 1538. Λάδι σε καμβά. 165 cm × 119 cm.

Επιπλέον, η πόλη, ήδη τροποποιημένη από το βιομηχανικό τοπίο, είναι επίσης άξια αναπαράστασης, καθώς και όλα όσα υπάρχουν σε αυτήν: οι άνθρωποι, οι σιδηροδρομικοί σταθμοί, τα πάρτι, τα γεύματα, η μποέμικη ζωή, το πάρκο, οι πρόβες, το κοίλωμα της ορχήστρας, οι ιπποδρομίες, ο τζόγος, η λεωφόρος...

Αλλά στην πραγματικότητα το κάνουν αυτό όχι για να αξιοποιήσουν αυτά καθαυτά τα θέματα, αλλά για να επικυρώσουν τη σημασία της τέχνης και της πλαστικής γλώσσας έναντι του θέματος της αναπαράστασης. Γι' αυτούς, κάθε θέμα είναι μια δικαιολογία για μια καλή ζωγραφική. Δεν είναι το θέμα που κάνει ένα έργο σημαντικό: είναι ο τρόπος που απεικονίζεται. Με τον τρόπο αυτό, οι ιμπρεσιονιστές προχώρησαν στην πορεία της αυτονομίας της τέχνης.

Από τους απορριπτικούς στους ιμπρεσιονιστές: η προέλευση του όρου

Οι καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν με αυτόν τον τρόπο μοιράζονταν πολλούς από τους προβληματισμούς τους μεταξύ τους και ένιωθαν μέρος μιας συλλογικότητας. Εκτιμούσαν την πρωτοτυπία έναντι της τελειότητας. Απαιτούσαν επίσης έναν συμμέτοχο, τολμηρό θεατή που ήταν πρόθυμος να μοιραστεί μια νέα άποψη.

Αλλά αυτή η γενιά των λεγόμενων "ιμπρεσιονιστών" είχε να αντιμετωπίσει την απόρριψη, καθώς ήταν η πρώτη που αμφισβήτησε ανοιχτά την εικαστική παράδοση με βάση το σεβασμό της καθορισμένο σχέδιο το χωρικό βάθος το chiaroscuro και, πράγματι, η υπερβατικά ζητήματα (ιστορικά, μυθολογικά, θρησκευτικά, λογοτεχνικά και πορτρέτα μεγάλων προσωπικοτήτων).

Φυσικά, υπήρχαν κάπως πιο ελαφριά θέματα τον 19ο αιώνα. Υπάρχει μια μακρά παράδοση σκηνών με έθιμα, νεκρές φύσεις, ποιμενικά τοπία και θαλασσογραφίες, αλλά εκείνη την εποχή, για να συμμετάσχει ένα έργο στο επίσημο Μεγάλο Σαλόνι του Παρισιού, έπρεπε να ανταποκρίνεται στα μεγάλα θέματα και τις πλαστικές αξίες που ίσχυαν.

Το Επίσημο Σαλόνι υπήρχε από τον 18ο αιώνα και αποτελούσε το σημαντικότερο βήμα για την προώθηση του αγιασμού των καλλιτεχνών. Όλοι ανταγωνίζονταν για να είναι άξιοι να εμφανιστούν στο Σαλόνι. Αλλά οι ιμπρεσιονιστές απορρίπτονταν συστηματικά.

Το 1863, η κριτική επιτροπή του Επίσημου Σαλόνι του Παρισιού απέρριψε τόσα πολλά έργα που προκάλεσαν σκάνδαλο. Ως απάντηση στα παράπονα των καλλιτεχνών, οι οποίοι ήθελαν να έχει λόγο το κοινό, η γαλλική κυβέρνηση επιχορήγησε ένα Σαλόνι των Απορριπτόμενων, στο οποίο συμμετείχε ο Μανέ. Η καταστροφή ήταν τέτοια που η κυβέρνηση δεν επανέλαβε ποτέ την πρωτοβουλία αυτή.

Εμπνευσμένοι από τον Μανέ, τα νέα ταλέντα αποφάσισαν να δημιουργήσουν μια ανώνυμη εταιρεία ζωγράφων, γλυπτών και χαρακτών και, τελικά, το 1874, διοργάνωσαν το δικό τους Salon des Refusés. Η έκθεση πραγματοποιήθηκε σε έναν χώρο που προσέφερε ο φωτογράφος Nadar και πολλοί άνθρωποι ήρθαν από περιέργεια, αλλά χωρίς πίστη.

Claude Monet: Εντύπωση από τον ανατέλλοντα ήλιο . 1872. Λάδι σε καμβά. 48 cm x 63 cm.

Πράγματι, ο κριτικός Λουί Λερουά είχε βρεθεί εκεί και είχε μείνει ιδιαίτερα έκπληκτος από τον πίνακα του Κλοντ Μονέ με τίτλο Εκτύπωση ανατέλλοντος ήλιου Στη συνέχεια δημοσίευσε μια κριτική στον Τύπο η οποία έγραφε:

"Όταν κοίταξα το έργο σκέφτηκα ότι τα γυαλιά μου ήταν βρώμικα... Τι αντιπροσωπεύει αυτός ο καμβάς..., ο πίνακας δεν είχε σωστή ή λάθος πλευρά..., σίγουρα κάνει εντύπωση..., η εμβρυακή ταπετσαρία είναι πιο ολοκληρωμένη από αυτό το ναυτικό...".

Δυσαρεστημένοι, αλλά με οξυδέρκεια και κομψότητα, οι νέοι καλλιτέχνες πήραν τον αποκλεισμό ως όνομα του κινήματος: Ιμπρεσιονιστές! Ναι, αυτό θα είμαστε, και με μεγάλη τιμή: Ιμπρεσιονιστές!

Το ενδιαφέρον για τον ιμπρεσιονισμό ήταν τόσο μεγάλο που σήμερα αυτό το κίνημα, τόσο φευγαλέο όσο και τα ηλιοβασιλέματα που ζωγράφισε, έχει τα δικά του μουσεία στο Παρίσι: το Musée d'Orsay και το Musée de l'Orangerie.

Αλλά προσοχή! Είναι αλήθεια ότι το κίνημα ήταν βραχύβιο, αλλά η επιρροή του είναι παρούσα στην τέχνη των μεταγενέστερων, τόσο στην ευρωπαϊκή τέχνη όσο και στη λατινοαμερικανική τέχνη.

Δείτε επίσης 16 πίνακες του Βίνσεντ Βαν Γκογκ.

Κύριοι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες

Πολλοί είναι οι καλλιτέχνες που έδωσαν τον τόνο στο κίνημα του ιμπρεσιονισμού και σε αυτή την ενότητα θα αναφέρουμε μερικούς από τους σημαντικότερους που συμμετείχαν στην πρώτη έκθεση:

Edouard Manet (1832-1883)

Edouard Manet. Αυτοπροσωπογραφία . 1879.

Ήταν πραγματικά ένας μεταβατικός ζωγράφος που ποτέ δεν αισθάνθηκε απόλυτα άνετα με την τοποθέτησή του στο κίνημα του ιμπρεσιονισμού, ή τουλάχιστον όχι στην αρχή. Ωστόσο, αποτέλεσε σημαντική έμπνευση για τους νέους ζωγράφους, ιδίως μετά την έκθεσή του στο Salon des Refusés. Μεταξύ των διάσημων έργων του, ξεχωρίζουν τα εξής Πρωινό στο γρασίδι , Ολυμπία y Ένα μπαρ στο Folies Bergère.

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Αυτοπροσωπογραφία . 1886.

Ήταν σε θέση να επιτύχει μια λεπτή και εκπληκτική ανάπτυξη των φωτεινών εφέ σε όλους τους τύπους επιφανειών, όπως στα νούφαρα, το νερό, τις νεφελώδεις ατμόσφαιρες και τις υφές της βλάστησης. Μεταξύ των σημαντικότερων έργων του ξεχωρίζουν τα εξής Εντύπωση από τον ανατέλλοντα ήλιο και η σειρά των νούφαρα .

Βλέπε επίσης Claude Monet και τα έργα του: χαρακτηριστικά, ανάλυση και σημασία.

Camile Pissarro (1830-1903)

Camile Pissarro. Αυτοπροσωπογραφία . 1873.

Επηρεασμένος από τα ταξίδια του στην Καραϊβική, όπου μελέτησε τις επιδράσεις του φωτός στις ακτές της Βενεζουέλας, ο Πισαρό ζωγράφισε τους πίνακές του σαν να ήταν στιγμιότυπα, αποτυπώνοντας τα πολλαπλά πρόσωπα της ίδιας πραγματικότητας. Ανάμεσα στα σημαντικότερα έργα του,μπορεί να αναφερθεί η σειρά των Boulevard de Montmartre y Ηλιοβασίλεμα στο Éragny .

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Αυτοπροσωπογραφία. 1863.

Ο ζωγράφος αυτός είναι γνωστός για τη συστηματική ανάπτυξη θεμάτων όπως οι χορευτές, οι μουσικοί και τα άλογα. Εκτός από την πολύ καλή αποτύπωση των επιδράσεων του φωτός, όπως όλοι οι ιμπρεσιονιστές, ο Ντεγκά ενδιαφερόταν πολύ για καινοτόμες λήψεις και για στιγμιαίες ή φευγαλέες στιγμές. Γι' αυτό δεν έδινε σημασία στις "πόζες", αλλά στις συστροφές του σώματος που απορρίπτονται από την παράδοση γιαΗ "έλλειψη κομψότητας": μια γυναίκα που δένει τα παπούτσια της ενώ τα γόνατά της είναι υπό γωνία, η στιγμή που ένα σαπούνι πέφτει στην μπανιέρα και πρέπει να το μαζέψουν, κ.ά: Το μάθημα χορού y Αψιθιά .

Δείτε επίσης 14 εμβληματικά έργα του Edgar Degas.

Berthe Morisot (1841-1895)

Berthe Morisot. Αυτοπροσωπογραφία . 1885.

Κατάφερε να εκθέσει στο Σαλόνι του Παρισιού το 1864, αλλά σύντομα προσχώρησε στο κίνημα των ιμπρεσιονιστών. Ο Εντουράντ Μανέ ήταν προσωπικός της φίλος από το 1868, και από τότε η Μορισό έγινε επαναλαμβανόμενο θέμα στη ζωγραφική της.

Berthe Morisot: Η κούνια. 1872. Λάδι σε καμβά. Μέγεθος: 56 x 46 cm.

Το 1873, ήδη επηρεασμένη από το στυλ του ιμπρεσιονισμού, απορρίφθηκε από την κριτική επιτροπή του επίσημου σαλονιού, συμμετέχοντας έτσι στη μεγάλη έκθεση της ομάδας που θα της έδινε την πολυπόθητη επαγγελματική προβολή. Μεταξύ των πιο διάσημων πινάκων της μπορούμε να αναφέρουμε Η κούνια y Ο Eugene Manet στο Isle of Wight .

Pierre-August Renoir (1841-1919)

Pierre Auguste Renoir. Αυτοπροσωπογραφία. 1876.

Το ύφος του χαρακτηρίζεται από την πορώδη υφή των πινελιών του. Δημιουργεί ατμόσφαιρες με ακαθόριστους λεκέδες, χωρίς σαφή περιγράμματα, όπου τα χρώματα αναμειγνύονται και τα επίπεδα είναι δυσδιάκριτα, σαν να είναι όλα υφασμένα και προσκολλημένα σε κάθε στοιχείο. Είναι διάσημες οι σκηνές του που απεικονίζουν την αστική ζωή της εποχής του, γεύματα, πάρτι, βόλτες. Ο Ρενουάρ είναι διάσημος για το έργο του Χορός στο Moulin de la Galette y Γεύμα των κωπηλατών .

Μπορεί να σας ενδιαφέρει: Ρενουάρ: τα σημαντικότερα έργα του ιμπρεσιονιστή ζωγράφου

Άλλα ζωτικά ονόματα

Οποιοσδήποτε κατάλογος είναι συχνά άδικος. Υπάρχουν πολλά ονόματα ιμπρεσιονιστών ζωγράφων που υπήρξαν θεμελιώδεις στην ανάπτυξη του κινήματος. Δεν μπορούμε να τους αναπτύξουμε όλους, αλλά τουλάχιστον μπορούμε να καταγράψουμε όλα τα ονόματα που έλαβαν μέρος στην πρώτη έκθεση που έδωσε ώθηση στο κίνημα.

Εκτός από τους Μανέ, Μονέ, Ρενουάρ, Μορισό, Πισαρό και Ντεγκά, στην πρώτη έκθεση ιμπρεσιονιστών συμμετείχαν οι Άλφρεντ Σίσλεϊ, Πολ Σεζάν, Γκυστάβ Κολέν, Λουί Ντεμπράς, Αρμάν Γκιγιόμ, Λουί Λατούς, Λουδοβίκος-Ναπολέων Λεπίκ, Στανισλάς Λεπίν, Ζακαρί Αστρούκ, Αντουάν-Φερντινάν Αττεντού, Εντουάρ Μπελιάρ, Εντουάρ Μπουντέν, Φελίξ Μπρακκεμόν, Εντουάρ Μπράντον, Πιερ-Ισιντόρ Μπουρέ, Αντόλφ-Φελίξ, Πιερ-Ισιντόρ Μπρέιουρ, Πιερ-Ισιντόρ Μπουρέ...Cals, Jean-Baptiste-Léopold Levert, Alfred Meyer, Auguste de Moulins, Mulot-Durivage, Joseph de Nittis, Auguste-Louis-Marie Ottin, Léon-Auguste Ottin, Léopold Robert και Henri Rouart.

Από τότε, πολλοί άλλοι προσχώρησαν στο κίνημα, κάνοντας μια θεμελιώδη μετατόπιση προς την ανάπτυξη της μετα-ιμπρεσιονιστικής και πρωτοποριακής γλώσσας.

Γιατί ο ιμπρεσιονισμός δεν είναι κίνημα της πρωτοπορίας;

Παρά το γεγονός ότι ο ιμπρεσιονισμός έφερε επανάσταση στην τεχνική της ζωγραφικής, δεν θεωρείται σωστά κίνημα της πρωτοπορίας, αν και αναγνωρίζεται ότι έπαιξε καθοριστικό ρόλο στην ανάπτυξη αξιών όπως οι καλλιτεχνική πρωτοτυπία y προσωπικό στυλ .

Όποια επιρροή κι αν άσκησε, ο ιμπρεσιονισμός παρέμεινε προσκολλημένος σε μια κεντρική έννοια ολόκληρης της δυτικής ζωγραφικής παράδοσης: εξακολουθούσε να είναι μια τέχνη που μιμούνταν τη φύση, μια τέχνη νατουραλιστική τέχνη (δεν πρέπει να συγχέεται με το λογοτεχνικό και εικαστικό κίνημα που είναι γνωστό ως νατουραλισμός).

Αυτό σημαίνει ότι ο ιμπρεσιονισμός συνέχισε να εφαρμόζει τις βασικές αρχές της figuration y αληθοφάνεια Παρά το γεγονός ότι έχει έρθει σε ρήξη με την κυριαρχία της γραμμής, του χωρικού βάθους και του chiaroscuro, καθώς και με την υποχρέωση απεικόνισης υπερβατικών θεμάτων.

Με μια ανανεωμένη οπτική γλώσσα και περιστασιακά, μοντέρνα θέματα, οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες άνοιξαν την πόρτα στις νέες γενιές να εξερευνήσουν επαναστατικές ιδέες. Πράγματι, από τους μεταϊμπρεσιονιστές και την πρωτοπορία μέχρι τους σύγχρονους καλλιτέχνες, ο κόσμος έχει πολλά να ευχαριστήσει τον ιμπρεσιονισμό.

Μπορεί να σας ενδιαφέρει: Μεταϊμπρεσιονισμός: τα χαρακτηριστικά του, οι σημαντικότεροι καλλιτέχνες και πίνακες ζωγραφικής