10 malerier for å komme inn i Leonora Carringtons verden

Melvin Henry 31-05-2023
Melvin Henry

Å observere maleriet av Leonora Carrington (1917 - 2011) er å la deg rive med av et magisk og fantasiunivers. Det er en mørk verden, full av fantastiske skapninger og det ubevisstes mysterier. Faktisk ble hun kalt "vindens brud" av gruppen av surrealistiske kunstnere som hun trente med.

Hun dedikerte seg til kunst, skulptur og forfatterskap. I sitt arbeid utøste han det selvbiografiske og alle sine intellektuelle bekymringer. Hennes ønske om å gi kvinner plass som et selvstendig vesen, førte til at interessen for figuren hennes ble gjenvunnet med nyutgivelser av bøkene hennes, forskjellige utstillinger rundt om i verden og med opprettelsen av Leonora Carrington Museum i 2018 i Mexico, landet hvor hun arkiverte .

1. Selvportrett (The Inn of the Dawn Horse)

Metropolitan Museum of Art, New York, USA

Dette er malerens mest kjente maleri og fungerer som et prinsipperklæring . Leonora Carrington ble født inn i en velstående familie i England og faren introduserte henne for kong George V for å finne en ektemann til henne. Men siden hun var barn følte hun en tilbøyelighet til å male, og derfor bestemte hun seg for å studere kunst i London.

Det var der hun møtte Max Ernst, en fremtredende kunstner som var 26 år eldre og gift. . Til tross for at dette forholdet skandaliserte familien hans, flyttet Leonora med ham til Paris. Der borteDenne opplevelsen var avgjørende for å forstå tradisjonene og religiøse praksiser, så vel som forholdet mellom dette folket og naturen.

Med inspirasjon fra renessansens triptyker, skildret han de tre kongedømmene som eksisterer side om side i Maya-kosmogonien. . I den nedre delen er Xibalbá, underverdenen styrt av sine herrer og menneskenes ånder. Så, i sentrum av maleriet, er jorden, bebodd av mennesket som utfører sitt daglige liv, som å høste og utføre ritualer. Til slutt, på himmelen, kan du se månen som det feminine prinsippet, solen som det maskuline prinsippet, og Venus, en planet assosiert med Kukulkan, en gud representert som den fjærkledde slangen.

Et annet viktig element i komposisjonen er treet som kan sees i nedre høyre hjørne. For mayaene var det et hellig element, fordi det med sine røtter forbinder underverdenen med jorden og med sine grener når det himmelen, og tillater forbindelsen mellom de tre nivåene i kosmos.

10. The Return of Boadicea

Museum of Modern Art, Mexico City

Siden hun var barn, følte Leonora Carrington en tilhørighet til historier og legender, spesielt de av keltisk opprinnelse som kvinnene i livet hans fortalte ham: hans bestemor, hans mor og hans vaktmester, alle av irsk opprinnelse. Stilt overfor en verden av strenge regler og plikter, lærte den lille jenta å søke tilflukthans fantasiunivers.

Senere var dette imaginære det han overførte til maleriet sitt, der mystiske vesener, mystiske karakterer av ekte eller imaginær opprinnelse, livløse gjenstander som våkner til liv og dyr med menneskelige egenskaper bor. I dette maleriet han gjorde i 1969 kan du se hans tolkning av dronning Boadicea , en keltisk leder som beseiret romerske inntrengere.

Portrettet av mektige kvinner var en viktig del av dens skapelse , og det er derfor den har blitt knyttet til feminisme. I barndommen kjente han forskjellene i oppdragelsen med hensyn til brødrene. Mens de fikk full frihet, var den unge kvinnen alltid bestemt av kjønnet hennes. Det samme skjedde med henne på de forskjellige katolske skolene hun gikk på, hvor hun ble utvist på grunn av sin opprørske karakter.

Senere, med gruppen surrealistiske kunstnere, levde hun den samme opplevelsen, siden hun la merke til at de bare aksepterte henne som en muse, men ikke som en likeverdig. På denne måten fokuserte hans arbeid på frihet og uttrykk for hans indre verden. I intervjuene sine refererte hun til vanskelighetene kvinnelige kunstnere møtte, og på 1970-tallet ble hun med i den meksikanske feministbevegelsen som hun laget en plakat for kalt "Mujer Conciencia".

Bibliografi

Aberth, Susan L. (2004). Leonora Carrington: Surrealisme, alkymi og kunst . Turner.

han kom i kontakt med den surrealistiske bevegelsen og noen av dens mest fremtredende medlemmer som André Breton, Luis Buñuel og Salvador Dalí.

Selv om gruppen hevdet å være åpen og fri, fortsatte hensynet til kvinner langs en veldig patriarkalsk linje. Av denne grunn forsøkte Leonora gjennom sitt arbeid å demonstrere sin autonomi.

I 1938 malte hun dette portrettet av seg selv , og tok stilen til surrealistene. På grunn av dette er boksen fylt med symboler . I første omgang vises den i en ganske maskulin positur , med bena åpne og med klær der formene ikke kan skjelnes. Hun ser ut som en androgyn figur, bortsett fra de høyhælte skoene og det løse håret , som kan forstås som hennes opprør mot reglene .

Foran av henne er det en ammende hyene , som demonstrerer hennes visjon om tradisjonelt morskap. Med høyre hånd peker han på dyret og løfter pekefingrene og småfingrene. Dette skiltet refererer til et tegn på en forbannelse, som viser at det fordømmer den typecasting.

Hun er kledd i rideklær, en aktivitet hun praktiserte i barndommen, og det er to hester på stedet . Den første er et leketøy og står på veggen bak henne. Det symboliserer det familien hennes forventet at hun skulle være: et ordnet og livløst eksemplar.

Men kunstneren ønsker å være som den galopperende hestensom ses gjennom det åpne vinduet, som løper fritt og etter eget ønske i omverdenen. Fargen på buksene hennes blunker til hennes identifikasjon med det bildet, mens hun føler seg stiv i det tomme huset der ingenting tilfredsstiller henne.

2. Lord Candlestick's Meal

Privat samling

Dette maleriet fra 1938 er et av høydepunktene i hans tidlige produksjon. Faktisk sies det at den berømte beskytteren og kunstsamleren, Peggy Guggenheim, var fascinert av det.

Scenen viser et måltid som representerer den privilegerte klassen hun tilhørte . Det er en kritikk av en livsstil som ikke er klar over andres behov. Det råder bare luksus, fråtsing, overskudd og nytelse.

27 historier du bør lese en gang i livet (forklart) Les mer

Eksotiske dyr kan observeres ved bordet som bare de kan få tilgang. Figuren til et nyfødt barn blant festen er interessant. En av kvinnene, distrahert, stikker en gaffel inn i ham og etterlater ham blødende, noe ingen ser ut til å legge merke til. Dette kan tolkes som offeret som aristokratiet gjør av sine egne barn , som det underkaster seg samfunnets krav, så lenge de tilhører det miljøet. Det antas at det var en direkte melding til faren hennes, som aldri støttet henne i hennes ønskeruavhengighet.

3. Portrett av Max Ernst

National Gallery of Scotland, Edinburgh

Etter et kort opphold i Paris, flyttet Ernst og Carrington til landsbyen Saint-Martin, nær Avignon. Det var en fredelig tid hvor de levde stille og fokuserte på arbeidet sitt. På denne tiden dedikerte han seg mer til å skrive, men i 1939 malte han dette maleriet der han portretterte sin elsker.

Han representerer ham som et magisk vesen, halvt menneske og halvt dyr , siden han kan sette pris på en hale. Han går rolig på isen og i hånden bærer han en slags grønn lampe inni som er en liten hest . Dette bildet har blitt forstått som kunstneren selv, låst i verden og påvirkningen fra den mannen.

Berst kan du se en forsteinet hvit hest , som ser ut til å være en del av islandskapet . Dette vil være et ganske hyppig symbol i hans arbeid og representerer ønsket om frihet . Den viser til Epona, den keltiske gudinnen for fruktbarhet og natur, som ble hennes beskyttende bilde.

Dessverre ble Max Ernst i september 1939 identifisert som en fiende og arrestert av franske myndigheter. Artisten flyktet til Spania og fikk et nervøst sammenbrudd, som førte til at familien hennes sendte henne inn på et mentalsykehus i Santander.

Se også: Requiem for a Dream: analyse, sammendrag og karakterer av filmen

Dette var en av de tøffeste opplevelsene i livet hennes.Han ble der i seks måneder, og lider som han fanget i boken sin Minner nedenfra . Takket være hjelpen fra den meksikanske diplomaten og forfatteren, Renato Leduc, som giftet seg med henne for å hjelpe henne, klarte hun å rømme til New York. Kort tid etter at de ble skilt og han bestemte seg for å bosette seg i Mexico.

4. Grønn te (The oval lady)

MOMA, New York, USA

I 1942 flyttet han til Mexico , som skulle bli hans definitive hjemsted . Der etablerte han et forhold til det intellektuelle miljøet og andre europeiske kunstnere som hadde emigrert på grunn av andre verdenskrig. Dette var en periode med kunstnerisk frihet, hvor han fant sin definitive stil , preget av skapelsen av drømmeverdener, hvor det okkulte og det symbolske råder.

I tillegg har han her til lands møtte Emerico Weisz, en ungarskfødt fotograf. De giftet seg, fikk to barn og ble sammen til Weisz døde i 2007.

I 1939 skrev Carrington en novelle kalt "The Oval Lady" som forteller historien om Lucretia, en ung kvinne som befinner seg i en kamp mellom hennes ønske om uavhengighet og en far som vil dempe henne. Dermed tok han opp det selvbiografiske i dette maleriet der han representerer Lucrecia selv fra historien. Den viser henne fanget i en sirkel som hun ikke kan komme seg ut fra og innhyllet i et svart og hvitt tøy, som kan tolkes som kampen mellomå ville og å måtte være .

Noen symboler er tilstede, for eksempel den hvite hesten , som denne gangen er bundet opp, siden hovedpersonen ser henne løslatt. Du kan også se en ammende tispe , som igjen viser til farens ønske om at hun skal bli kone og mor. Til slutt, i bakgrunnen, kan du se engelske felt som blunker til hjemlandet.

5. The Temptation of Saint Anthony

Privat samling

I dette maleriet fra 1946 bruker Carrington det religiøse temaet til Saint Anthony, som han skildrer i hvitt, med henvisning til til dens renhet. På sin side tilsvarer fristelsen kvinner med fargede kjoler. Ved hans føtter står en gris, som symboliserer det urene. Landskapet minner om stilen til renessansemalerier , og anerkjenner dermed dens inspirasjon, siden fristelsene i San Antonio var et høyt bearbeidet motiv i den periodens kunst.

Her kan det også bemerkes at I tillegg til surrealisme, hadde kunstneren en viktig innflytelse fra den fantastiske imaginære av Hieronymus Bosch og Brueghel . Verket ble auksjonert i 2014 for den ekstraordinære sum av 2.629.000 euro.

6. The Giantess

Privat Collection

Begynner med "The Giantess" (1947), stilen som preget Leonora Carrington kan verdsettes fullt ut. Selv om det fortsatt er spor av surrealisme medsom ble dannet, er det en estetikk som spesielt definerer den. Det er en type maleri som fremkaller tidligere tider, med bruk av mørkere toner og teknikker som minner om renessansekunst.

Selv om han fortsatte å praktisere bruken av surrealistiske bilder hele livet, hans interesse for magi, okkultisme, Keltiske legender, alkymi og tarot, gjorde sine kreasjoner til en ugjentakelig virkelighet.

Karakteren til kjempen kan assosieres med modergudinnen , siden det kvinnelige bildet var alltid avgjørende i produksjonen. I høyre hånd holder han et egg, som kan tolkes som hans evne til å skape liv.

Nedenfor, i perspektiv, de bittesmå menneskene som utfører sine aktiviteter og tilber denne moder jord som er avleren til universet.

7. Og så så vi datteren til minotauren

Privat samling

Se også: 40 anbefalte bøker du må lese i 2023

En av egenskapene som gjorde at denne maleren skilte seg ut var hennes evne til å bringe sammen ulike situasjoner på samme tid innenfor samme maleri. Den fantastiske atmosfæren lar ulike bilder eksistere som ser ut til å fungere uavhengig.

Denne litografien fra 1953 viser til Minotauren fra gresk myte . I motsetning til den originale historien, reduserer den skapningens voldsomhet, som slutter å se ut som et truende monster og virker mervel, et fredelig vesen som sitter ved bordet.

På den annen side henspiller den sentrale figuren med det grønne hodet til en nøkkelfigur i Carringtons verk, den hvite gudinnen . Denne kvinnen refererer til den kvinnelige kraften som fantes i gamle sivilisasjoner. Referansen ble tatt fra Robert Graves sitt essay The White Goddess fra 1940. Hennes lesning var en åpenbaring og fungerte som inspirasjon for flere av symbolene hennes.

Selv om det ikke er klart hvorfor disse vesenene har samlet seg, synes alt å tyde på at det er et slags ritual. Spesielt hvis du legger merke til danseren som vises på veggen, som fungerer som et lysfokus i nattscenen.

Du kan også finne aspekter ved hennes daglige liv, som for eksempel portrett av hennes to barn og hundene i høyre hjørne, siden hun var en stor elsker av dyr.

8. Syssigy

Privat samling

I dette maleriet fra 1957 kan du se kunstnerens interesse for å gjenskape merkelige verdener, fulle av fantasi . Til tross for at scenen ser ut til å vise en eldgammel epoke på grunn av klærne til hovedpersonene, bruker tre av karakterene solbriller.

De 20 beste latinamerikanske novellene forklart Les mer

The kvinne i senteret er den eneste som er portrettert med mer farge og er i total dedikasjon til ritualet utført av den eldre mannen. Denne personenHan fungerer som en slags seremonimester eller mellommann og i venstre hånd henger symbolet på uendelighet. Når man ser nøye etter, kan man legge merke til at den ligner Hermes Trismegistus, ansett som forfatter av Corpus hermeticum, bok som ga opphav til den filosofiske strømningen av hermetikk og som er kreditert med oppfinnelsen av alkymi .

I sin tur kommer tittelen på maleriet fra "syzygy", et begrep som har ulike tolkninger. I astronomi refererer det til justeringen av tre himmellegemer, som månen, jorden og solen. For hans del, for Carl Gustav Jung, som Carrington leste, innebærer det sammensetningen av motsetninger .

9. Mayaenes magiske verden

Mexico's National Museum of Anthropology

Carrington følte en fascinasjon for det mystiske, så oppholdet hans i Mexico betydde en tilnærming til en ny inspirasjonskilde i imaginærer av pre-spansk kultur.

Mellom 1963 og 1964 laget han dette veggmaleriet for National Museum of Anthropology of Mexico. For opprettelsen var den basert på Popol Vuh , en hellig bok av Quiché Maya. I tillegg bestemte han seg for å gjøre direkte observasjonsarbeid på skikker og tradisjoner til moderne mayafolk.

For dette tilbrakte han seks måneder i San Cristóbal de las Casas i Chiapas, sammen med den sveitsiske antropologen Gertrud Bloom. Dette

Melvin Henry

Melvin Henry er en erfaren forfatter og kulturanalytiker som fordyper seg i nyansene til samfunnstrender, normer og verdier. Med et skarpt øye for detaljer og omfattende forskningskompetanse, tilbyr Melvin unike og innsiktsfulle perspektiver på ulike kulturelle fenomener som påvirker menneskers liv på komplekse måter. Som en ivrig reisende og observatør av forskjellige kulturer, reflekterer arbeidet hans en dyp forståelse og verdsettelse av mangfoldet og kompleksiteten til menneskelig erfaring. Enten han undersøker teknologiens innvirkning på sosial dynamikk eller utforsker skjæringspunktet mellom rase, kjønn og makt, er Melvins forfatterskap alltid tankevekkende og intellektuelt stimulerende. Gjennom sin blogg Culture tolket, analysert og forklart, har Melvin som mål å inspirere til kritisk tenkning og fremme meningsfulle samtaler om kreftene som former vår verden.