Luis Buñuel: główne filmy i etapy geniuszu hiszpańskiego kina

Melvin Henry 27-06-2023
Melvin Henry

Luis Buñuel był jednym z najbardziej osobliwych twórców filmowych w całej kinematografii. Jego język filmowy i sposób rozumienia kina służyły jako punkt odniesienia dla wielkich reżyserów w całej historii.

W prawie całej filmografii aragońskiego reżysera możemy dostrzec cechy jego osobowości. Jego kino mówi o osobie, która była nonkonformistyczna wobec swoich czasów i bardzo krytyczna wobec burżuazyjnych i religijnych konwencjonalizmów, co doprowadziło go nawet do opuszczenia rodzinnego kraju i walki z ówczesną cenzurą.

Jego twórczość ma na celu otwarcie oczu konformistycznemu widzowi, atakując ustalony porządek społeczny i skupiając się na tematach takich jak społeczeństwo, rodzina, religia, burżuazja i polityka, nawiązując do świata snów i wewnętrznego świata jednostki, tematów, które zawsze go obsesyjnie interesowały.

Luis Buñuel w swoich ostatnich latach.

Nie ma wątpliwości, że filmy Luisa Buñuela wyznaczyły wielki etap w historii kina. Reżyser wykorzystał sztukę filmową jako rodzaj płótna, na którym uchwycił wszystkie niepokoje, które działy się w jego wewnętrznym świecie.

Buñuel dokonał czegoś, co udało się niewielu twórcom tamtych czasów: sprawił, że kolejne pokolenia odziedziczyły jego filmy i mimo upływu czasu nadal poruszają one sumienia i skłaniają do refleksji.

1. scena surrealistyczna

W połowie lat 20. Buñuel udał się do Paryża, gdzie dzielił się pomysłami z różnymi artystami tamtych czasów i, nie zamierzając tego robić, po raz pierwszy zetknął się z ruchem surrealistycznym, kiedy poznał André Bretona.

Później stał się członkiem grupy surrealistów, z którą sympatyzował i doprowadził ruch do maksymalnej ekspresji w medium kinematograficznym filmem Pies andaluzyjski (1929).

Pies andaluzyjski (1929)

Kadr z filmu Pies andaluzyjski. Mężczyzna wydłubuje kobiecie oko brzytwą.

To jest jego opera prima Uznawany jest za jedno z największych surrealistycznych dzieł w historii kina, a jego premiera odbyła się w 1929 roku w paryskim Teatrze Narodowym. Studium urszulanek i wywołał ogromne kontrowersje wśród ówczesnych krytyków.

Zobacz też: Luis Buñuel: główne filmy i etapy geniuszu hiszpańskiego kina

Jest to film, który zaprasza widza do wejścia w świat snów, pozostawiając rzeczywistość na boku. Wykracza poza to, gdzie prowadzą nas nasze zmysły lub rozum. Króluje nierzeczywistość, otwierając drzwi do nielogicznej narracji, która czyni ją otwartą na różne interpretacje.

Od pierwszej chwili film jest szokujący: mężczyzna (Buñuel) pojawia się na balkonie ostrząc brzytwę, a następnie wycina kobiecie oko, co jest jedną z najsłynniejszych scen w filmie.

Od tego momentu film pogrąża się w prawdziwej grze ujęć, które choć pozornie nic nie znaczą, dzięki wspaniałemu montażowi potrafią wywołać w widzu sensacje.

Doskonałym przykładem jest sytuacja, w której mrówki wychodzą z ręki rowerzysty i nagle zamieniają się we włosy pod pachami kobiety, a następnie w jeża.

Mrówki wychodzą z jednej ręki.

Zrywa również z linearnością dzięki niespójnemu zastosowaniu śródtytułów, które zamiast orientować widza, wprowadzają go w błąd: "Dawno, dawno temu", "Osiem lat później", "O trzeciej nad ranem", "Szesnaście lat wcześniej" i "Wiosną".

Na przestrzeni lat pojawiały się różne interpretacje tego filmu, choć żadna z nich nie jest do końca trafna. Sam Buñuel tak go opisał:

Film jest niczym innym jak publicznym wezwaniem do morderstwa.

W rzeczywistości, chociaż nigdy tak naprawdę nie wyjaśnił powodu powstania tego filmu, istnieją elementy, które pozostaną w jego karierze, takie jak na przykład jego obsesja na punkcie śmierci, świata snów i podświadomości.

Jednak nawet jeśli każda analiza filmu może być ważna, Pies andaluzyjski ma na celu pozostawienie wrażenia na odbiorcy tak, aby wspominając film, nie próbował znaleźć argumentu, ale raczej starał się opisać emocje, których doświadczył podczas oglądania.

Złoty wiek (1930)

Plakat filmu Złoty wiek z 1930 roku.

Na początku lat 30. Buñuel wydał swój drugi surrealistyczny film, tym razem francuskojęzyczny film dźwiękowy, przełomowe i wyjątkowe dzieło sfinansowane przez wicehrabiego de Noailles, członka arystokracji. Premiera filmu wywołała skandal i zakaz jego wyświetlania przez francuski rząd.

Buñuel krytykuje w nim zwyczaje i tradycje ówczesnego burżuazyjnego społeczeństwa. Sam reżyser opisał film jako:

Instynkt seksualny i poczucie śmierci stanowią esencję tego filmu, romantycznego filmu zrealizowanego z surrealistycznym szaleństwem.

Jest to walka dwojga kochanków o kontynuowanie ich namiętnej miłości w społeczeństwie zdominowanym przez zasady. Nie ma wątpliwości, że film jest egzaltacją szalonej, absolutnie wolnej miłości i jest przede wszystkim potępieniem wszystkich tych czynników, które zakłócają jej rozwój, ogólnie rzecz biorąc, konwencje burżuazyjnego społeczeństwa.

Narracja, która rozpoczyna się od dokumentu o życiu skorpionów, uderza od pierwszej chwili i być może włączenie obrazów nakręconych w 1912 roku nie jest przypadkiem, biorąc pod uwagę, że Buñuel miał obsesję na punkcie owadów.

Następnie przestępcy próbują uciec ze swojej chaty, podczas gdy grupa biskupów odprawia rodzaj rytuału przed morzem, a ostatecznie okazuje się martwa na plaży.

Grupa ludzi przybywa na łodzi, aby oddać cześć duszom biskupów. Ceremonię przerywa hałas kochanków, mężczyzny i kobiety, którzy dają upust swojej miłości na plaży. Mężczyzna zostaje w końcu aresztowany.

Od tego momentu film kręci się wokół kobiety, która mieszka w zamożnym domu i próbuje spełnić swoje seksualne pragnienia w obliczu przeszkód ze strony otaczającego ją społeczeństwa.

Jego najbardziej krytyczna analiza pojawia się wraz z wstawieniem ujęć, które pozostały w pamięci widzów, na przykład obraz zmumifikowanych biskupów, bohater ssący duży palec posągu czy krowa na eleganckim mieszczańskim łóżku.

Może Cię również zainteresować Surrealizm: charakterystyka i główni artyści.

2. etap Drugiej Republiki Hiszpańskiej

Skandal wywołany przez Złoty wiek, W 1931 roku Buñuel przekroczył Atlantyk, zwabiony ofertą Metro Goldwyn Mayer, aby dołączyć do tamtejszego systemu filmowego, ale różne drwiny Buñuela i poniżanie najwyższych urzędników branżowych sprowadziły go z powrotem do Hiszpanii.

Ziemia bez chleba (1933)

32-letnia kobieta z wolem w dokumencie.

Wkrótce po powrocie nakręcił film dokumentalny Ziemia bez chleba Ma odzwierciedlać życie w Las Hurdes (Estremadura), gdzie sytuacja była naprawdę dramatyczna, choć Buñuel nieco ją wyolbrzymia.

Film pokazuje obrazy tego obszaru, podczas gdy lektor Zaczyna się od infografiki sytuacyjnej, pokazującej mapę Europy i stopniowo przechodzi do bardziej szczegółowego opisu sytuacji. zoom i wskazuje dokładny punkt do omówienia, podczas gdy głos prowadzi narrację:

W niektórych częściach Europy znajdują się kieszenie niemal paleolitycznej cywilizacji. W Hiszpanii, 100 km od Salamanki, miejsca wysokiej kultury, Las Hurdes są odizolowane od świata przez trudno dostępne góry (...).

Film jest jak spacer Buñuela po okolicy, widz widzi to, co widzą jego oczy. Stara się pokazać w "neutralny" sposób życie tamtejszych ludzi. Pokazuje biedę, choroby, dzieci i niedożywienie.

Uderzający jest przesadny ton narratora w opisywaniu tego, co widzi, czasem podejrzanie prawdziwy, czego dobitnym przykładem jest opis kobiety cierpiącej na wole, która według narratora ma 32 lata, choć wydaje się to nieprawdopodobne.

Celem Buñuela w tym filmie jest sprowokowanie do zwrócenia uwagi na populację żyjącą w nędznych warunkach, pomimo bliskości rozwiniętych i kulturalnych miejsc.

Z drugiej strony reżyser chce pokazać najbardziej wiejską i zacofaną Hiszpanię tamtych czasów, w czasach rzekomego rozwoju, zapomnianą przez polityków i przywódców.

Pokazuje również hipokryzję Kościoła, porównując chrześcijańskie miejsce, w którym chłopi mieszkają w zrujnowanych domach, z bogactwem Kościoła.

Ostatecznie republikański rząd zakazał wyświetlania filmu, uzasadniając to złym wizerunkiem Hiszpanii, ale nie przeszkodziło to Buñuelowi w późniejszym wprowadzeniu go do sprzedaży za granicą.

3) Etap wygnania: Meksyk

Wraz z wybuchem wojny domowej Buñuel, który pozostał lojalny wobec strony republikańskiej, musiał udać się na wygnanie, najpierw do Francji, gdzie mieszkał przez pewien czas, a następnie do Hollywood. Po okresie spędzonym w Ameryce Północnej udał się do Meksyku z zamiarem nakręcenia filmowej adaptacji dzieła Dom Bernardy Alba i choć ostatecznie do tego nie doszło, postanowił się tam osiedlić.

W 1949 roku w Meksyku postanowił wznowić swoją karierę reżysera filmowego, która zatrzymała się na początku wojny. W tym okresie nakręcono jedne z najważniejszych filmów w filmografii Buñuela, wśród których wyróżniają się następujące:

Zapomniani (1950)

Postacie Pedro i Jaibo w filmie, grane przez aktorów Alfonso Mejía i Roberto Cobo.

W tym filmie reżyser po raz kolejny pokazuje swoją troskę o problemy społeczne. Podobnie jak w przypadku dokumentu Ziemia bez chleba, Zaczyna się od wskazania, że w cieniu bogactwa dużych miast leżą najbiedniejsze i najbardziej pokrzywdzone obszary.

Tym razem, zamiast skupiać się na swoim kraju pochodzenia, zastanawia się nad slumsami Mexico City i po raz kolejny skupia się na najbardziej bezbronnej populacji: dzieciach.

Fabuła obraca się wokół Jaibo, nastolatka, który ucieka ze szkoły poprawczej i wraca do swojej okolicy. Kilka dni później popełnia morderstwo na oczach swojego przyjaciela Pedro, chłopca, który stara się być dobry. Od tego momentu Jaibo prowadzi Pedro na manowce, a ich losy zostają przerwane.

Ten film jest odą do surowej rzeczywistości, a okrucieństwo, z jakim porusza kwestie takie jak męski szowinizm i alkoholizm w społeczeństwie, które odzwierciedla, jest zdumiewające.

Z drugiej strony, pogląd dzieci na szkołę jest niezwykły: dla nich jest to jak kara. Kiedy Pedro idzie do szkoły, aby nauczyć się zawodu, myśli, że straci wolność, utożsamiając szkołę z więzieniem.

Podkreśla również ignorancję ludności, która trzyma się popularnych przekonań. Na przykład chora kobieta myśli, że zostanie wyleczona przez gołębia.

Filmowiec nie omieszkał również zagłębić się w świat snów, a czyni to poprzez postać Pedra. Technika spowolnienia, której używa do opisania świata snów chłopca, gdzie pokazuje zmartwienia bohatera, jest uderzająca.

Kadr z filmu podczas snu Pedra.

To, co Buñuel i Luis Alcoza, scenarzyści filmu, zamierzają pokazać w tej narracji, to hipokryzja między dwiema stronami tego samego medalu: z jednej strony ewolucja i bogactwo centrum dużego miasta, z zamożną populacją, a z drugiej biedne peryferia, gdzie przestępczość, bieda i inwolucja są głównymi problemami, problemami, które pozostają w cieniu systemu politycznego.

Z pełnym żołądkiem wszyscy czujemy się lepiej.

Reakcja po premierze filmu w Mexico City była daleka od życzliwej, choć później zyskał on uznanie na festiwalu w Cannes i został nominowany jako jeden z najlepszych filmów roku. Pamięć Świata przez UNESCO.

On (1952)

Oryginalny plakat filmu.

Film z 1952 roku, oparty na książce o tym samym tytule autorstwa hiszpańskiej pisarki Mercedes Pinto, opowiada historię Francisco, wysoko urodzonego mężczyzny, który ma obsesję na punkcie zdobycia miłości Glorii, dziewczyny swojego przyjaciela.

Ostatecznie kochankowie pobierają się, a ich małżeństwo staje się piekłem z powodu zazdrości i obsesji głównego bohatera.

W tym melodramacie pojawiają się również dwa podstawowe składniki filmów Buñuela: kościół i wysokie społeczeństwo. To właśnie w kościelnej scenerii rozpoczyna się narracja, podczas obchodów Wielkiego Czwartku, gdzie spotykają się bohaterowie, obaj z zamożnej klasy.

Wkrótce pojawia się jedno z fundamentalnych pojęć, które zyska na znaczeniu podczas oglądania filmu: paranoja. Niczym w studium rozumnego zwierzęcia, reżyser "rozbiera" umysł głównego bohatera. Jako widzowie jesteśmy świadkami tego, co dzieje się w jego umyśle. " "Podróż" Francisco w kierunku delirium poprzez subiektywną rzeczywistość i poszukiwanie własnego postrzegania rzeczywistości.

Na początku widać wyraźną uległość Glorii wobec męża, a nawet rodzaj "toksycznej tolerancji" wobec jego zachowania.

Stopniowo Francisco zaczyna wierzyć, że wszystko, co się dzieje, jest przeciwko niemu i uważa, że jego żona jest niewierna każdemu mężczyźnie, który się do niej zbliży, posuwając się nawet do fizycznego i psychicznego znęcania się nad nią.

Z drugiej strony widzimy, jak ówczesne społeczeństwo usprawiedliwia takie zachowanie mężczyzny wobec kobiety, gdy Francisco manipuluje swoją teściową i księdzem swoimi urojeniami, sugerując, że młoda kobieta musi spełniać zachcianki męża. Ksiądz posuwa się nawet do określenia jej zachowania jako "lekkiego".

Buñuel nie pomija również swojej obsesji na punkcie zwierząt, które, choć nie pojawiają się wprost, robią to poprzez wypowiedź bohatera na dzwonnicy, w której zrównuje on ludzi z robakami.

On - Luis Buñuel

On jest być może jednym z najbardziej osobistych filmów w filmografii reżysera, a przynajmniej tak to przedstawiał przy niektórych okazjach, zapewniając, że "jest to być może film, w który włożyłem najwięcej siebie. W głównym bohaterze jest coś ze mnie".

To niewątpliwie krytyka mentalności ówczesnego społeczeństwa, opartej na konwencjonalizmach i przekonaniach zakorzenionych w ideach religijnych. Film, który choć nie odbił się tak szerokim echem jak inne produkcje reżysera, nikogo nie pozostawia obojętnym.

Próba przestępstwa (1955)

Archibald jako dziecko z pozytywką i swoją nianią.

Próba przestępstwa to również adaptacja powieści, tym razem meksykańskiego pisarza Rodolfo Usigli. Ta pełna czarnego humoru historia obraca się wokół postaci Archibaldo, rozpieszczonego dziecka z zamożnej rodziny, które ma obsesję na punkcie pozytywki swojej matki.

Jego guwernantka opowiada mu historię o pudełku, w której wyznaje, że pudełko ma moc spełniania życzeń, więc życzy swojej niani śmierci, a ona zostaje zastrzelona.

Od tego momentu wszystko, co dzieje się z Archibaldo, teraz dorosłym, obraca się wokół tego wydarzenia, gdy myśli, że jego życzenia zostały spełnione przez pudełko i ogłasza się winnym, przed sędzią, fali zbrodni, które rzekomo rozpętał.

Film rozpoczyna się od kontekstualizacji historii meksykańskiej rewolucji, podczas gdy lektor, Dorosły bohater opowiada o swoim dzieciństwie i o tym, jak od tego czasu jego życie było uwarunkowane przez wydarzenie, które miało miejsce w tamtym czasie. W tym momencie wprowadza katalizator historii: pozytywkę.

Przedmiot ten spowoduje zmianę w jego życiu jako dziecka, wraz z morderstwem jego niani, a później jako dorosły, gdy odzyska pudełko w sklepie z antykami. Interesujące jest to, jak jego dźwięk połączy wydarzenia z przeszłości i teraźniejszości.

Zastosowanie struktury kołowej oznacza, że film zaczyna się od jednej sceny, gdy Archibald wyznaje swoje rzekome zbrodnie przed sędzią po śmierci zakonnicy, i powraca do tej samej sceny pod koniec filmu. Reszta historii jest opowiadana przez retrospekcje.

Fundamentalną rolę odgrywa wyobraźnia postaci, cienka granica między pragnieniami bohatera a przypadkowością wydarzeń, które ostatecznie prowadzą do "szalonej historii".

Archibald wskazuje na przedmiot jako winowajcę obudzenia jego zbrodniczego instynktu, aż w końcu pozbywa się pudełka, wrzucając je do jeziora, jakby chciał pozbyć się swojej psychopatii.

Podobnie jak w innych filmach z tego okresu kariery Buñuela, pojawia się tu ostra krytyka burżuazyjnego społeczeństwa, niemal wszyscy bohaterowie są związani z tą klasą społeczną, a także z Kościołem.

Viridiana (1962)

Don Jaime próbuje zgwałcić Viridianę.

Na podstawie powieści Halma Chociaż jest to koprodukcja hiszpańsko-meksykańska, reżyser udał się do swojego rodzinnego kraju, aby go nakręcić.

Ostatecznie spotkał się z ostrą krytyką Watykanu, który uznał go za bluźnierczy, a reżim Franco zakazał go na piętnaście lat w Hiszpanii.

Film opowiada historię Viridiany, nowicjuszki, która opuszcza klasztor, aby odwiedzić swojego wuja Don Jaime, bogatego właściciela ziemskiego.

Wkrótce mężczyzna próbuje zgwałcić młodą kobietę, fantazjując o silnym podobieństwie do swojej zmarłej żony.

Chociaż w końcu żałuje i nie popełnia czynu, ostatecznie popełnia samobójstwo jako więzień swojego sumienia.

Po tym wydarzeniu Viridiana dziedziczy majątek wuja i choć nie wraca do klasztoru, postanawia głosić dobro, przyjmując do domu grupę żebraków. Jednak jej dobroczynność prowadzi ją do zła.

Pewnego razu sam Buñuel określił głównego bohatera jako:

Viridiana to taki Kichot w spódnicy.

W pewnym sensie możemy postrzegać Viridianę jako słabą i bierną postać, która na początku filmu porusza się w oparciu o decyzje innych, ale stopniowo bohaterka ewoluuje zgodnie z wydarzeniami, które jej się przytrafiają i ostatecznie staje się bardziej dojrzałą i mniej wpływową postacią.

Po raz kolejny kościół jest elementem, który należy ocenić w tym filmie. W całym filmie pojawiają się różne reprezentacje świata kościelnego. Maksymalną reprezentację daje Viridiana, potencjalna zakonnica i wierząca. Inne elementy religijne, które się pojawiają, to: korona z kłosów kukurydzy i nóż w kształcie krucyfiksu. Chociaż być może jednym z najważniejszych momentów jest to, kiedy film jestpróbuje sklonować na scenie obraz Ostatnia Wieczerza Leonarda da Vinci.

Zobacz też: Serial Opowieść podręcznej: podsumowanie sezonu, analiza i obsada

Scena z filmu i kadr z Ostatnia Wieczerza.

Dzieło Buñuela wykazuje również poprawę estetyki fotograficznej, w odniesieniu do poprzednich filmów, obrazy w tym są czystsze i staranniej dobrane.

Viridiana Chociaż była to nieudana próba powrotu do ojczyzny i przedmiot ostrej krytyki, był to również jeden z najbardziej szanowanych filmów reżysera, który został zwycięzcą Nagrody Filmowej im. Złota Palma na Festiwalu Filmowym w Cannes.

Możesz być także zainteresowany Ostatnią wieczerzą Leonarda da Vinci.

Anioł zagłady (1962)

Po krótkim pobycie w Hiszpanii Buñuel powrócił do Meksyku, by kontynuować kręcenie filmów. W 1962 roku ukazał się film Anioł zagłady w którym po raz kolejny zagłębia się w mieszczańskie życie.

Fabuła obraca się wokół spotkania burżuazji, które odbywa się w luksusowej rezydencji pary Nóbile. Po długiej kolacji, gdy nadchodzi czas powrotu do domu, goście odkrywają, że z nieznanych powodów nie mogą opuścić salonu. Mija kilka dni, a sytuacja zmienia się z luksusowej kolacji w walkę o przetrwanie.

Surrealizm ponownie króluje w tym filmie, w którym widz, podobnie jak bohaterowie, zastanawia się: dlaczego nie mogą wyjść z domu?

Katalizatorem, który wzbudza podejrzenia co do tego, co mogło się wydarzyć, jest nagła ucieczka służby z rezydencji Nóbile, ale tajemnica nigdy nie zostanie odkryta.

Większość dyskursu rozgrywa się w tym samym miejscu, przez co widz ma wrażenie, że stracił poczucie czasu, gdyby nie dialogi, zmieniający się wygląd postaci, czy pojawiający się w tle z rzadka zegar.

Film można odczytywać jako antymieszczański, ukazujący prawdziwe oblicze klasy zamożnej.

Na początku historii, gdy zaczyna się impreza, wszyscy chowają się za fasadą hipokryzji i prowadzą ze sobą bezsensowne rozmowy, ale, jakby z reality show Stopniowo każdy z nich odkrywa swoją własną osobowość.

Okazuje się, że poddani "ekstremalnej" sytuacji nadal są zwierzętami z instynktem przetrwania, kiedy odzierają się ze swoich ozdób i bogactw, aby udowodnić, że nie są niczym więcej niż ktokolwiek inny.

4 Ostatni etap: Francja

Ostatni etap swojej kariery filmowej spędził we Francji, gdzie przeprowadził się i miał większe zasoby i środki, aby nakręcić niektóre z dzieł, które doprowadziły go na szczyt siódmej sztuki.

Piękna za dnia (1967)

Catherine Deneuve gra Séverine.

Piękna za dnia jest oparty na powieści Belle de Jour Jest to wyraźna, ale subtelna krytyka współczesnego społeczeństwa, w której surrealizm typowy dla filmów Buñuela zostaje ponownie odzyskany.

Historia opowiada życie Séverine, młodej dziewczyny, która jest żoną lekarza i która nie może uprawiać seksu z powodu traumy z dzieciństwa, więc postanawia zmienić się na kilka godzin w Belle de Jour Jest prostytutką i potajemnie prowadzi podwójne życie, ale w końcu zostaje odkryta przez przyjaciela swojego męża.

Młoda Catherine Deneuve gra Séverine, niejednoznaczną i zdystansowaną postać, z którą trudno się utożsamić, żyjącą w mieszczańskim środowisku, w którym panuje chłód w relacjach osobistych. Pewnego dnia postanawia porzucić to "nudne życie", aby na kilka godzin stać się inną kobietą w burdelu.

Za pośrednictwem bohaterki Buñuel po raz kolejny zagłębia się w świat fantazji poprzez sceny, które stanowią część wyimaginowanego świata postaci, choć budzi w widzu wątpliwości, czy są one prawdziwe, czy nie, między tym, co jest fantazją, a tym, co jest rzeczywistością. Ciekawe jest to, że fantazje Séverine prawie zawsze wiążą się z jej upokorzeniem przez męża.

Z drugiej strony tematyka filmu to obnażanie wielu ówczesnych tematów tabu, takich jak prostytucja, w tym przypadku przeniesiona do sfery wyższych sfer, choć potraktowana w bardzo subtelny sposób.

Jest to prawdopodobnie jeden z najbardziej dopracowanych technicznie filmów reżysera, z dbałością o traktowanie koloru w zdjęciach i wykorzystanie atrakcyjnego kadrowania. Estetyka filmu świadczy o filmowej dojrzałości twórcy w jego ostatnim etapie.

Pomimo kontrowersji wywołanych przez odważną tematykę filmu, zdobył on nagrody Złoty Lew na Festiwalu Filmowym w Wenecji.

Dyskretny urok burżuazji (1972)

DYSKRETNA ENCHANTMENT OF BURGLARY Luisa Buñuela [zwiastun].

Dyskretny urok burżuazji to jeden z ostatnich filmów Buñuela, który uczynił go pierwszym hiszpańskim reżyserem nagrodzonym Oscarem dla najlepszego filmu zagranicznego.

Fabuła obraca się wokół sześciu postaci, trzech par, które z różnych powodów przerywają swoje zamiary wyjścia na kolację.

Ten innowacyjny i przełomowy w tamtym czasie film może równie dobrze mieć atrybut "ponadczasowy", ponieważ jego fabuła może być ekstrapolowana do teraźniejszości, nadal ma wpływ na widza.

Podobnie jak w filmie Anioł zagłady Przedstawia burżuazję jako klasę społeczną, która zawsze stara się zachować swoje maniery, elegancję i dobre maniery, nawet w najbardziej absurdalnych sytuacjach.

Jest to zabawny film, w którym uwaga nie skupia się na jednej postaci, ale ustępuje miejsca niejednoznacznemu i nierozwiniętemu chóralnemu protagonizmowi jednostek.

Grupowy protagonizm znajduje również odzwierciedlenie w technice, która uzasadnia rzadkie stosowanie zbliżeń, dając pierwszeństwo szerszym kadrom, w których to sami aktorzy wykonują wspaniałą "choreografię".

Buñuel nie porzuca również świata snów i trudności w odróżnieniu świata marzeń od świata rzeczywistego. Podejmuje ryzyko i idzie dalej, przedstawiając nawet sny w snach.

Ten filmowy klejnot, skąpany w ironii i satyrze, pozostawia widzowi otwarte drzwi do różnych interpretacji, a jego oglądanie nie pozostawia nikogo obojętnym.

Krótka biografia Luisa Buñuela

Luis Buñuel był hiszpańskim filmowcem urodzonym w lutym 1900 roku w małym miasteczku w Aragonii, gdzie spędził dzieciństwo, a następnie przeniósł się do Saragossy, gdzie uczył się wraz z braćmi w szkołach religijnych.

Kiedy uczył się w szkole średniej, odkrył książkę Pochodzenie gatunku (W tym okresie rozwinął również zainteresowanie entomologią, która wraz z religią stała się jedną z jego wielkich obsesji i uwarunkowała jego twórczość filmową.

W 1917 r. przeprowadził się do Madrytu z zamiarem studiowania inżynierii rolniczej, choć ostatecznie nie udało mu się dostać na ten wydział. W stolicy mieszkał w "La Residencia de estudiantes", ośrodku krauzystów, gdzie poznał jednych z najwybitniejszych awangardowych artystów tamtych czasów, znanych jako tzw. Pokolenie '27 Ramón Gómez de la Serna, Rafael Alberti, Federico García Lorca i Salvador Dalí, z którymi był blisko zaprzyjaźniony.

Interpretacja pracy Don Juan Tenorio Buñuel jest drugi od prawej.

Pozostał w ośrodku studenckim przez siedem lat i kilkakrotnie zmieniał kierunek studiów, aż w końcu zapisał się na filozofię i sztukę. Okres spędzony w stolicy uwarunkował jego karierę, ponieważ dzięki zainteresowaniu awangardą stworzył podstawy, które wyjaśniły jego sposób rozumienia kina.

Pełna filmografia Buñuela

  • Pies andaluzyjski, 1929
  • Złoty wiek , 1930
  • Hurdes , 1933
  • Grand Casino , 1947
  • Wielka Calavera , 1949
  • Zapomniani , 1950
  • Susana , 1951
  • Córka oszustwa , 1951
  • Kobieta bez miłości , 1952
  • Wznoszenie się do nieba , 1952
  • Brutal , 1953
  • On , 1953
  • Iluzja podróżuje tramwajem , 1954
  • Robinson Crusoe , 1954
  • Próba przestępstwa , 1955
  • Rzeka i śmierć , 1955
  • To zorza polarna , 1956
  • Śmierć w ogrodzie , 1956
  • Nazarin , 1959
  • Ambitny , 1959
  • Młoda kobieta , 1960
  • Viridiana , 1961
  • Anioł zagłady , 1962
  • Pamiętnik kelnerki , 1964
  • Szymon z Pustyni , 1965
  • Piękna za dnia , 1967
  • Droga Mleczna , 1969
  • Tristana , 1970
  • Dyskretny urok burżuazji , 1972
  • Duch wolności , 1974
  • Ten mroczny obiekt pożądania , 1977

Melvin Henry

Melvin Henry jest doświadczonym pisarzem i analitykiem kultury, który zgłębia niuanse społecznych trendów, norm i wartości. Z dbałością o szczegóły i rozległymi umiejętnościami badawczymi Melvin oferuje wyjątkowe i wnikliwe spojrzenie na różne zjawiska kulturowe, które w złożony sposób wpływają na życie ludzi. Jako zapalony podróżnik i obserwator różnych kultur, jego praca odzwierciedla głębokie zrozumienie i docenienie różnorodności i złożoności ludzkiego doświadczenia. Bez względu na to, czy bada wpływ technologii na dynamikę społeczną, czy bada skrzyżowanie rasy, płci i władzy, pisarstwo Melvina zawsze prowokuje do myślenia i pobudza intelektualnie. Poprzez swojego bloga Kultura zinterpretowana, przeanalizowana i wyjaśniona, Melvin ma na celu inspirowanie do krytycznego myślenia i wspieranie znaczących rozmów na temat sił, które kształtują nasz świat.