Jak sama nazwa wskazuje, sztuka minimalistyczna odnosi się do dzieł sztuki skonstruowanych przy użyciu minimalizmu. minimalna liczba przedmiotów Celem projektu jest pomoc dzieciom i młodzieży, aby mogli żyć w społeczności, pozbawiając ich wszystkiego, co nie jest niezbędne.

Mottem tego ruchu jest prostota i właśnie dlatego używają oni materiały przemysłowe Porządek seryjny i obiektywność dzieła sztuki.

W przeciwieństwie do większości współczesnych artystów, nie starają się oni generować krytycznego myślenia ani wznosić haseł, chcą jedynie odkrywanie naturalności i czystości przedmiotów .

Poświęcają się tworzeniu rzeźb, gatunku, który wydawał się wyczerpany, ale który udało im się ożywić, proponując wizualne doświadczenie, w którym związek z przestrzenią kosmiczną i jej zamieszkiwalnością .

Jak powstał minimalizm?

Ruch ten powstał w latach dziewięćdziesiątych XX wieku 1960 w Stanach Zjednoczonych i składała się z grupy młodych artystów, którzy mieli nadzieję na innowację poprzez prostotę.

W tamtych latach Pop Art W odpowiedzi ten nowy trend opowiadał się za obiektywnym charakterem sztuki i surową, trzeźwą ekspresją.

Jedną z najciekawszych rzeczy w jego nomenklaturze jest to, że termin ten został ukuty w 1965 roku przez filozofa sztuki Richarda Wollheima, aby odnieść się do sposobu, w jaki sztuka została uproszczona na przestrzeni lat. Paradoksalnie, w swojej analizie odnosił się do artystów, którzy nie byli związani z tym trendem.

Podczas gdy minimalizm początkowo nie był dobrze rozumiany jako artystyczny, z biegiem lat ugruntował swoją pozycję szczególnie w architekturze i designie, rozszerzył się na inne obszary, takie jak muzyka, a nawet zaczął być rozumiany jako sposób na życie.

Cechy

Obecność przestrzenna

To, co charakteryzuje sztukę minimalistyczną, to przejście od płaskiej ściany do otwartej przestrzeni sali wystawowej. Z tego powodu geneza każdego dzieła będzie ściśle związana z jego lokalizacją.

Rzeczywiście, chodzi o to, aby wywrzeć wpływ na miejsce, w którym są zainstalowane, a także na tych, którzy wezmą udział w wystawie i zajmą ten obszar.

Znaczenie obiektu

Ten rodzaj prac definiuje ich prostota, a artyści priorytetowo traktują obiekty, które wkraczają w przestrzeń poprzez swój rozmiar i układ, a także wykorzystanie materiałów przemysłowych, takich jak drewno i stal.

Koncentrują się na geometrycznych i seryjnych formach, które odrzucają podstawy nowoczesnej rzeźby, ponieważ nie nawiązują ani nie odnoszą się w symboliczny lub metaforyczny sposób do niczego; uprzywilejowują obiekt sam w sobie, bez powiązanej ideologii lub metafizyki.

Zmiana roli widza

Sztuka nowoczesna opowiadała się za jasną publicznością, która wchodzi w interakcję z dziełem i analizuje je, podczas gdy dla minimalistów nie ma już potrzeby zastanawiania się nad znaczeniem tego, co się obserwuje, ale raczej obiektywnego postrzegania wystawy i odczuwania, jak wpływa ona na przestrzeń życiową widza.

Tło ruchu

To, co widzisz, jest tym, co widzisz

Frank Stella

W latach 50. artyści tacy jak Robert Rauschenberg (Stany Zjednoczone, 1925-2008) i Jasper Johns (Stany Zjednoczone, 1930) zaczęli tworzyć prace, w których dominowały elementy wyprodukowane; przestali tworzyć obrazy i skupili się na tworzeniu dzieł, które podkreślały naturę obiektu i jego przesłanie.

"Coca Cola Plan", Robert Rauschenberg, 1958 r.

Z tego powodu uciekli się do wykorzystania instalacji z przekazem nawiązującym do konsumpcji i amerykańskiej kultury popularnej, z ukłonem w kierunku Pop Art ale odchodząc od niego na rzecz prostoty.

"Flaga", Jasper Johns by profzucker, licencja CC BY-NC-SA 2.0.

Kolejny krok wykonał Frank Stella (Stany Zjednoczone, 1936) ze swoją serią obrazów Czarne farby. Dominowała w nich prostota, płaskość i negacja wszelkich odniesień do reprezentacji.

Z tego powodu powrócił do elementarnych form, malując czarne pasy i podążając za wzorem, pozostawiając płótno widoczne w obszarach, w których pozostała przestrzeń. Ta ostatnia była próbą powrotu do materialności malarstwa, czynnika, który będzie bardzo ważny dla minimalistów.

Stella dzieliła studio z Carlem Andre, jednym z wielkich przedstawicieli ruchu minimalistycznego, a podejście jego kolegi niewątpliwie zainspirowało jej geometryczne rzeźby.

"Jill", Frank Stella, 1959

Główne wykładniki

Dan Flavin (1933 - 1996)

W 1963 roku Flavin wystawił "The 25th of May Diagonal (for Robert Rosenblum)" i stał się kamieniem milowym sztuki współczesnej. Tym prostym gestem pokazał, że sztukę można zredukować do minimum ekspresji, wykorzystując obiekty przemysłowe i nie zmieniając ich struktury ani funkcjonalności.

Oznacza to, że brał tylko elementy, które układał w przestrzeni w schematyczny sposób i chociaż nie dążył do żadnej symbolicznej intencji, akt ten nadal funkcjonował jako wyraz artystyczny.

Zgodnie z jego wizją, dzieło było zdolne do reprezentowania samego siebie i nie potrzebowało wielkich deklaracji. Zaprzeczał również mistycznemu charakterowi swoich dzieł, które nazywał propozycjami i obrazami-obiektami.

"Przekątna z 25 maja (dla Roberta Rosenbluma)".

Reszta jego pracy rozwinęła się całkowicie poprzez instalacje, w których używał kolorowych rurek neonowych, które mieszał na różne sposoby.

Wśród jego rozważań bardzo ważne były aspekty architektoniczne miejsc, w których wystawiał swoje prace. Dla niego zestawienie przestrzeni i lamp było kluczowe, ponieważ tworzył gry światła, w których widzowie mogli poczuć się przeniesieni do atmosfery różnorodnych wrażeń.

Struktura i przejrzystość autorstwa Dana Flavina - Tate Modern Museum London by www.twin-loc.fr, licencja CC BY 2.0.

Sol LeWitt (1928 - 2007)

Pracował z geometrycznymi, monochromatycznymi strukturami wykonanymi z materiałów przemysłowych, takich jak aluminium, stal i bloki cementowe.

Propozycja artystyczna znajdowała się w sekwencyjnym schemacie, ponieważ ściśle rzecz biorąc, jego materialna realizacja mogła być przeprowadzona przez każdego. W ten sposób fizyczny obiekt jest drugorzędny w stosunku do koncepcji LeWitta, opartej na obliczeniach matematycznych i rozważaniach przestrzennych.

"Czarna struktura, stojąca otworem".

W 1964 roku wystawił "Estructura negra, abierta de pie", rzeźbę, która zaprzecza wszystkiemu, czego oczekiwano od dzieł artysty, bawiąc się ideą oszczędności środków poprzez strukturalny puryzm i prezentując dzieło o prostych liniach, które jest bliższe produkcji przemysłowej niż dziełu artystycznemu.

Carl Andre (1935)

Moje rzeźby łączy z nauką i technologią niepohamowane zainteresowanie nieodłącznymi cechami materiałów.

Innym wielkim punktem odniesienia dla ruchu minimalistycznego był Carl Andre, który rozumiał "rzeźbę jako miejsce". Począwszy od 1960 roku, zaczął tworzyć swoje prace w stylu minimalistycznym. Seria podstawowa w których używał prefabrykowanych materiałów, powtarzał elementy i ograniczał się do prac z podstawowymi wzorami.

W 1969 roku wystawił "Stal i gładki magnez", 36-metrowy kwadrat wykonany ze stali i płyt magnezowych, podobny do szachownicy, który był częścią serii, w której próbował zbadać opcje oferowane przez różne metale.

Carl Andre/VAGA, Nowy Jork i DACS, Londyn 2020

Interesującą rzeczą w jego wizji była relacja, jaką nawiązał z przestrzenią wystawienniczą. Od tego momentu zaczął traktować podłogę jako punkt odniesienia w produkcji płaskich prac zainstalowanych na podłodze.

Dlatego podszedł do sztuki jako kreacji, która zawłaszcza miejsce za pomocą kwadratowych metalowych płyt, ułożonych w liniowe lub czworokątne formacje, o szorstkim, nieprzezroczystym wyglądzie. Jego celem było rozpoznanie materiału jako tego, czym jest, i pokazanie obiektu sztuki jako nieodłącznej części przestrzeni.

Eva Hesse (1936 - 1970)

Kiedy pracuję, interesują mnie tylko abstrakcyjne cechy: materiał, kształt, jaki przybierze, wymiar, skala, kierunek, z którego pochodzi, jego pozycja w stosunku do sufitu lub podłogi.

Była jedną z najbardziej dynamicznych artystek tego ruchu, dzięki wykorzystaniu lekkich i niedrogich materiałów, takich jak gaza, nici, tkaniny, siatka, lateks i włókno szklane.

Jest dziś pamiętana za próbę przesunięcia sztuki do nowych granic, głosząc pragnienie stworzenia nie-sztuki, która nie byłaby ani konotacyjna, ani antropomorficzna.

W rzeczywistości jego prace nie miały żadnego przesłania i nie miały żadnej teorii, chciał jedynie zbadać możliwości materiałów, dlatego skupił się na ekonomii środków, a także dosłownym i obiektywnym charakterze swoich propozycji artystycznych.

"Przystąpienie III

W "Adhesion III" z 1967 roku zbudował metalowy sześcian, otwarty u góry, i wywiercił otwory, w które włożył plastikowe rurki, nadając im wygląd gęstej tkaniny.

Chciał również zbadać kruchość materiałów, jak w swojej pracy "Eventual" (1970), w której wystawił osiem paneli z włókna szklanego i lateksu zawieszonych od sufitu do podłogi równolegle do siebie, tworząc kąt prosty ze ścianą.

W przeciwieństwie do jego współczesnych, nie było prawie nic przemysłowego w produkcji jego elementów, ponieważ szył, wiązał i manipulował nimi w bardzo prosty sposób.

"Ostateczny".

Donald Judd (1928-1994)

Był jednym z wielkich pionierów grupy w wykorzystywaniu możliwości przemysłowych technik produkcji, zlecając produkcję geometrycznych obiektów, które produkował seryjnie, unikając jakiejkolwiek subiektywności lub cech osobistych.

Starał się zbadać tworzenie identycznych i dopasowanych elementów, bawiąc się relacjami, jakie nawiązują z miejscem, które zajmują i zmieniają.

W ten sposób połączył różne kolorowe materiały, takie jak drewno, metale i akryle w drobiazgowe instalacje, które wydawały się być bardziej posłuszne projektowi niż idei obiektu artystycznego.

W 1969 roku wystawił pracę składającą się z dziesięciu kwadratowych jednostek ułożonych jedna na drugiej, zachowując absolutną obiektywność, nawet ich nie nazywając. Judd chciał, aby widz "poczuł" przestrzeń i to, jak formy w niej ją konfigurują.

"Bez tytułu" Donald Judd 1968-69 by oliworx, licencja CC BY 2.0.

Bibliografia

• Bolaños Atienza, María (2007). Interpretacja sztuki poprzez arcydzieła i najbardziej uniwersalnych artystów Kontrapunkt.
• Holzwarth, Hans Werner i Taschen, Laszlo (red.) (2011). Sztuka nowoczesna: historia od impresjonizmu do współczesności. Taschen.