Gustav Klimt (1862-1918) este considerat cel mai important artist al modernismului vienez. Opera sa se învârte în jurul figurii feminine, a senzualității și a utilizării aurului. A fost creatorul unor compoziții de mari dimensiuni care arătau realitatea dintr-o altă perspectivă, ca icoane moderne ale dorinței, plăcerii și misterului.

1. Sărutul

Palatul Belvedere, Viena, Austria

Acesta este, fără îndoială, cel mai cunoscut tablou al lui Gustav Klimt, o imagine care a devenit parte din imaginarul colectiv și care poate fi văzută pe tot felul de produse.

Deși lucrarea sa se axa pe reprezentarea femeilor, aici a decis să se concentreze pe o femeie. cuplu în mijlocul unei partide de amor În timp ce în mai multe dintre picturile sale se poate vedea femeia fatală, arogantă și dominantă, în acest caz, ea se dăruiește complet.

În "Sărutul" (1907-1908), aurul care îi înconjoară conferă compoziției iluzia unei comori, iar frumoasa ornamentație îndepărtează "tabu-ul" de subiect și distrage privitorul de la ceea ce se întâmplă sub pătură.

La vremea respectivă, se credea că piesa reprezintă reconcilierea sexelor și alianța dintre ele, dar astăzi, poziția dominantă a bărbaților și cea supusă a femeilor anulează această idee. Modelul masculin pare mai degrabă să o supună, iar figura feminină stă pe marginea abisului cu ochii închiși. .

Din acest motiv, sunt unii care postulează că tabloul ar veni să confirme incompatibilitatea prin natură, de unde și formele pătrate pentru bărbați și cele circulare pentru femei.

S-ar putea să vă intereseze: Kiss de Gustav Klimt

Portretul lui Adele Bloch Bauer

Galeria Neue, New York, Statele Unite ale Americii

În 1897 a fost fondată Secesiunea vieneză, noua generație de artiști care doreau să se desprindă de academism și conservatorism. Aceștia doreau să se îndepărteze de mercantilism și doreau libertatea de a experimenta. Klimt a devenit președintele acestui grup și a lucrat timp de doi ani la revista acestuia. Ca urmare, a obținut recunoaștere publică și a reușit să obțină lucrări care i-au permis săindependența economică și posibilitatea de a inova, pe care și le dorea atât de mult.

În această perioadă, a început să portrete pentru burghezie Astfel, el a inaugurat un stil nou care a devenit marca sa înregistrată. Acesta a fost creat după modelul mozaicurilor bizantine. Aceste reprezentări religioase, pe care le văzuse în 1903 în Italia, erau încastrate în pereții templelor și se remarcau prin folosirea aurului. Prin încorporarea acestui element, a reușit să le dea un aer de Maiestate pentru cadrele lor.

Deși subiectul său preferat era erotismul, nu putea să-l expliciteze în aceste comenzi plătite. Prin urmare, s-a concentrat pe îmbrăcăminte Rochiile se contopesc cu corpurile și sugerează subtil ce se află dedesubt. De asemenea, a folosit opulență, opulență motive florale și geometrice Iradierea erotică a pozelor, a privirilor și a gesturilor este distrasă de coafuri ondulate și de o multitudine de detalii.

Unii critici contemporani au considerat că Klimt a reușit să reflecte frustrarea pe care o purtau din cauza sexului, a clasei sociale și a sloganului datoriei de a fi. Astfel, aceste modele, care par atât de calme, reușesc să ascundă un mister și să devină obiectul dorinței privitorului.

În 1907, Klimt a realizat această lucrare de mari dimensiuni (138 x 138 cm) pentru soția industriașului de zahăr Ferdinand Bloch-Bauer. Aici a folosit tehnica uleiului și a aurului pe pânză, ceea ce face din acest tablou o parte importantă a operei sale. "epoca de aur". Doamna apare așezată, dar pare să plutească pe o mare splendidă, în timp ce rochia și fundalul se contopesc, transformându-se astfel într-un fel de icoană de neatins.

Printre influențele sale pentru acest portret se numără gravura clasică japoneză, care poate fi observată în eliminarea spațiului și în bidimensionalitatea figurii. Există, de asemenea, o aluzie clară la Lumea egipteană Centrul rochiei sale este decorat cu ochiul lui Horus Simbolul solar care reprezintă ordinea.

Fapt amuzant

Acest tablou a devenit celebru pentru bătălia juridică în care a fost implicat. Persoana care l-a pictat a murit în 1925 și i-a cerut soțului ei să doneze cele cinci tablouri pe care le dețineau Galeriei Naționale Austriece. Cu toate acestea, odată cu apariția nazismului, toate proprietățile lui Ferdinand Bloch-Bauer au fost confiscate. Deși a stipulat în testament că a lăsat tablourile nepoților și nepoatelor sale, după moartea sa, a fost nevoit să le doneze Galeriei Naționale Austriece.moarte în 1945, au fost lăsate în grija guvernului austriac.

Una dintre moștenitoare, Maria Altman, a inițiat mai multe încercări în 1999 pentru a recupera tablourile lui Klimt care aparținuseră familiei sale. În cele din urmă, în 2006, guvernul austriac a fost obligat să le restituie. A fost cea mai importantă restituire de opere furate de naziști de până acum, mai ales că mica colecție a fost evaluată la 150 de milioane de dolari.

Tablourile au fost expuse la Los Angeles County Museum of Art timp de câteva luni, după care "Portretul lui Adele Bloch Bauer" a fost vândut lui Ronald Lauder pentru 135 de milioane de dolari și se află acum la Neue Gallery din New York.

În 2015, a fost realizat un film bazat pe acest caz, numit Doamna de aur cu Helen Mirren și Ryan Reynolds în rolurile principale.

Judith I

Palatul Belvedere, Viena, Austria

În 1901, Klimt a realizat acest tablou în care înfățișează pe arhetipul femeii fatale Cu "Judith I" a abordat una dintre marile teme ale vremii: dominația femeii asupra bărbatului, înfățișând o femeie încrezătoare în sine, care știe că poate obține orice își dorește cu ajutorul senzualității și frumuseții sale.

Mândră și rezervată, privirea ei este primitoare, dar în același timp poartă o aură de mister care face imposibilă înțelegerea mesajului ei. Rama și fundalul auriu îi conferă caracterul unei icoane. Între chip și ornamente se creează un contrast aproape fotografic.

Inspirația sa pentru acest tablou a fost Judith, personaj din Evangheliile apocrife Femeia funcționează ca un exemplu de curaj și tenacitate, dar este și o eroină castratoare. În figura ei se întâlnesc Eros și Thanatos (iubirea și moartea).

Era o temă care fusese destul de mult prelucrată în artă, dar de data aceasta Klimt a rupt tiparul a ceea ce se aștepta de la el. A prezentat-o ca pe o tânără contemporană, îmbrăcată în bijuterii de epocă. În plus, a decis să iasă din portretul bietei tinere care a îndeplinit o misiune oribilă din datorie. Această fată pare să se bucure de sexualitatea și puterea ei. .

În acest fel, el nu a dorit să reproducă momentul relatat în Biblie, ci a căutat să prezinte o femeie împuternicită. El a portretizat-o în mod deliberat într-o postură sexuală, cu ochii pe jumătate închiși și buzele ușor întredeschise, ca și cum ar fi în extaz orgasmic. În același timp, în partea dreaptă, ea ține capul victimei sale, demonstrându-și mândria dominatoare și puterea mortală.

Danae

Galeria Wurth, Viena, Austria

Figura feminină a fost una dintre marile teme ale lui Klimt. El a căutat să le expună în toate stările lor și a folosit adesea teme istorice sau mitologice ca pretext pentru nudurile sale. În acest tablou din 1908, el se referă la Mitul Danae Acolo a fost vizitată de Zeus care, sub forma ploii, a fertilizat-o și mai târziu i-a dat naștere lui Perseus.

Pictorul a decis să înfățișeze momentul exact în care Zeus a posedat-o, arătând-o pe momentul concepției, când zeul a intrat în trupul adormit al tinerei femei.

Deși poza fetei este pasivă, modelul răspunde parametrilor stabiliți pentru femeile fatale în acei ani, cu părul roșcat și gura întredeschisă. Astfel, Danae se instalează ca o simbol al frumuseții și al senzualității.

Acest tablou a stârnit o mare controversă, deoarece relatează povestea unui viol și pune pe spectator în locul unui voyeur care observă o scenă erotică în care se poate simți extazul iubirii.

Deși unii artiști faimoși, precum Titian și Rembrandt, au tratat acest subiect, Klimt a folosit o perspectivă foarte ingenioasă. Arătând-o pe Danae în poziție fetală, el conferă tabloului un sentiment compozițional foarte dinamic, în spirală. În plus, ploaia aurie conferă tabloului un efect magic.

5. Moartea și viața

Muzeul Leopold, Viena, Austria

Acesta a fost unul dintre ultimele tablouri ale artistului, care, în 1916, simțea deja efectele bătrâneții și a decis să lucreze la una dintre marile teme ale perioadei: viața și moartea.

Alți pictori ai vremii, precum Egon Schiele și Edvard Munch, s-au ocupat și ei de această reprezentare, dar în cazul lui Klimt există un viziune mult mai mult Personajele nu par să se simtă amenințate de iminența morții. Dimpotrivă, nici măcar nu par să simtă acest lucru.

Moartea se află în partea stângă și este înfășurată într-o mantie plină de cruci, ținând un sceptru în mâini și privind ființele umane cu un zâmbet macabru. În ceea ce-l privește, viața ocupă mult mai mult spațiu pe dreapta, este haotică și în mișcare. În mulțime se pot distinge diferite figuri: bărbați, copii, tineri și o bătrână în mijloc. Oamenii par să se bucure de existența lor, fără să privească în altă parte. În toți există un fel de acceptare a inevitabilului, pentru că, până la venirea acelui moment, este mai bine să se bucure de ceea ce au.

Despre Gustav Klimt

Născut la 14 iulie 1862 la Baumgarten, în apropiere de Viena, Austria, tatăl său a fost un cizelator de metale prețioase, de unde și interesul său pentru artă și ornamentație.

În 1876 a intrat la Școala de Arte și Meserii, unde a învățat diverse tehnici, printre care pictură, frescă și mozaic. Din 1879, împreună cu fratele său și cu prietenul său Franz Matsch, a primit comenzi pentru a decora palate, vile și muzee.

În 1888 a primit Medalia de Aur a Meritului pentru creația sa artistică. În timp, stilul său a început să se îndepărteze de academism și a devenit membru al Secesioniștilor, al căror președinte a devenit. Aceasta a fost mișcarea de avangardă din Viena din acea perioadă, care a susținut idealurile modernismului în artă.

După o călătorie în Italia, în 1903, a luat o cotitură în activitatea sa creativă: arta bizantină l-a impresionat și a decis să includă aurul în picturile sale, începând astfel "faza de aur", perioada din care provin cele mai cunoscute lucrări ale sale.

Deși a părăsit grupul secesioniștilor, și-a continuat rebeliunea împotriva establishment-ului. A păstrat o atitudine distantă față de cercurile care îl criticau și și-a urmărit idealurile artistice. A devenit un personaj excentric care, în viața privată, se îmbrăca în sandale și tunici.

Cu timpul, producția sa a început să stârnească interes în alte țări, a câștigat premii și distincții, iar unele galerii i-au achiziționat tablourile.

La 6 februarie 1918 a murit în urma unui atac cerebral, lăsând multe tablouri neterminate. Nu s-a căsătorit niciodată, dar în cea mai mare parte a vieții sale adulte a avut o relație cu designerul de modă Emilie Flöge. A avut și multe alte amante și, la moartea sa, a fost acuzat de paternitatea mai multor copii.

Stil

Klimt a trăit și și-a creat operele în Viena sfârșitului de secol, în ultima perioadă de înflorire a culturii înainte de declinul Imperiului Austro-Ungar. În această perioadă, burghezia era clasa conducătoare, iar gustul acesteia pentru pompă a ajutat stilul pictorului să devină cel mai dorit.

The influență pe care a primit-o de la Mozaicuri bizantine a fost vitală în producerea unui mod de creație diferit de orice alt mod de creație văzut până atunci. În opera sa, el a căutat să ducă până la extremă posibilități ornamentale și abstracte în artă Prin urmare, s-a concentrat pe picturi saturate de detalii, cu utilizarea aurului, figuri voluptoase A pictat portrete de mari dimensiuni și a acordat spațiu sexualității.

Unul dintre motivele recurente a fost femeia și erotismul ei Prin intermediul unor trasee caleidoscopice, s-a jucat cu abilitățile tehnice pentru a crea iluzii optice și lumi care fac trimitere la sacru.

Ca un om bun al timpului său, a pledat pentru estetica simbolistă Astfel, el s-a îndepărtat de reprezentarea realității și a ales să creeze o lume de vis în care motivele mitice, decorative și florale domnesc.

Ideea sa a fost de a depăși limitele decorului impus de societatea vieneză și a dorit, de asemenea, să discute incongruențele acesteia și să se joace cu reprezentarea corpului, deoarece în acei ani nuditatea în context religios sau istoric era acceptată, dar pe o femeie normală era cenzurată.

Bibliografie:

• Bolaños, María (2007). Interpretarea artei prin capodopere și cei mai universali artiști Contrapunct.
• Holzwarth, Hans Werner și Taschen, Laszlo (Eds.) (2011). A Artă modernă: O istorie de la impresionism până în zilele noastre Taschen.
• Néret, Gilles (1993). Klimt Taschen.