Gustav Klimt (1862-1918) è considerato l'artista più importante del modernismo viennese. La sua opera ruota attorno alla figura femminile, alla sensualità e all'uso dell'oro. Fu il creatore di grandi composizioni che mostravano la realtà da una prospettiva diversa, come moderne icone del desiderio, del piacere e del mistero.

1. Il bacio

Palazzo del Belvedere, Vienna, Austria

È senza dubbio il quadro più famoso di Gustav Klimt, un'immagine che è entrata a far parte dell'immaginario collettivo e che si può vedere su ogni tipo di merce.

Sebbene il suo lavoro fosse incentrato sulla rappresentazione delle donne, in questo caso decise di concentrarsi su un personaggio femminile. coppia che fa l'amore Mentre in molti suoi dipinti si vede la donna fatale, altera e dominante, in questo caso si dona completamente.

Ne "Il bacio" (1907-1908), l'oro che li circonda dà l'illusione di un tesoro alla composizione, e il bellissimo ornamento allontana il "tabù" dal soggetto e distrae lo spettatore da ciò che sta accadendo sotto la coperta.

All'epoca si credeva che l'opera rappresentasse la riconciliazione dei sessi e la loro alleanza, ma oggi la posizione dominante degli uomini e quella sottomessa delle donne negano questa idea. Il modello maschile sembra piuttosto sottometterla e la figura femminile si trova sull'orlo dell'abisso con gli occhi chiusi. .

Per questo motivo, c'è chi ipotizza che il dipinto sarebbe arrivato a confermare l'incompatibilità per natura, da cui le forme quadrate per gli uomini e circolari per le donne.

Potrebbe interessarti: Bacio di Gustav Klimt

Ritratto di Adele Bloch Bauer

Galleria Neue, New York, Stati Uniti

Nel 1897 fu fondata la Secessione viennese, la nuova generazione di artisti che voleva staccarsi dall'accademismo e dal conservatorismo, allontanarsi dal mercantilismo e avere la libertà di sperimentare. Klimt divenne presidente di questo gruppo e collaborò per due anni con la loro rivista, ottenendo così il riconoscimento del pubblico e la possibilità di ottenere opere che gli permisero diindipendenza economica e la possibilità di innovare che tanto desiderava.

Durante questo periodo, ha iniziato a ritratti per la borghesia Così, ha inaugurato un nuovo stile che è diventato il suo marchio di fabbrica. È stato modellato sui mosaici bizantini. Queste rappresentazioni religiose, che aveva visto nel 1903 in Italia, erano incastonate nelle pareti dei templi e si distinguevano per l'uso dell'oro. Incorporando questo elemento, riuscì a conferire loro un'aria di maestosità ai loro quadri.

Sebbene il suo soggetto preferito fosse l'erotismo, non poteva renderlo esplicito in queste commissioni retribuite. Pertanto, si concentrò sulla abbigliamento Gli abiti si fondono con i corpi e suggeriscono sottilmente ciò che si nasconde sotto di essi. Ha usato anche opulenti, opulenti motivi floreali e geometrici L'irradiazione erotica di pose, sguardi e gesti è distratta da acconciature ondulate e da una miriade di dettagli.

In generale, i personaggi sembrano nascondere un segreto. Alcuni critici contemporanei hanno visto che Klimt è riuscito a riflettere la frustrazione che portavano con sé a causa del loro genere, della loro classe e dello slogan del dovere-essere. Così, questi modelli, che sembrano così composti, sono in grado di nascondere un mistero e diventare l'oggetto del desiderio dello spettatore.

Nel 1907 Klimt realizzò quest'opera di grandi dimensioni (138 x 138 cm) per la moglie dell'industriale dello zucchero Ferdinand Bloch-Bauer, utilizzando la tecnica dell'olio e dell'oro su tela, che rende questo dipinto una parte importante della sua produzione. "Età dell'oro". La signora appare seduta, ma sembra galleggiare su uno splendido mare, mentre l'abito e lo sfondo si fondono, trasformandosi così in una sorta di icona irraggiungibile.

Tra le sue influenze per questo ritratto c'è la classica stampa giapponese, che si può notare nell'eliminazione dello spazio e nella bidimensionalità della figura. C'è anche una chiara allusione alla Mondo egiziano Il centro dell'abito è decorato con il occhio di Horus Il simbolo solare che rappresenta l'ordine.

Fatto divertente

Questo dipinto è diventato famoso per la battaglia legale in cui è stato coinvolto. L'autrice morì nel 1925 e chiese al marito di donare i cinque dipinti che possedevano alla Galleria Nazionale Austriaca. Tuttavia, con l'avvento del nazismo tutti i beni di Ferdinand Bloch-Bauer vennero confiscati. Sebbene avesse stabilito nel suo testamento di lasciare i dipinti in eredità ai nipoti, dopo la sua morte fu costretto a donarli alla Galleria Nazionale Austriaca.morte nel 1945, sono stati lasciati al governo austriaco.

Nel 1999 una delle eredi, Maria Altman, ha avviato diversi tentativi per recuperare i dipinti di Klimt che appartenevano alla sua famiglia. Alla fine, nel 2006, il governo austriaco è stato costretto a restituirli. Si è trattato della più significativa restituzione di opere rubate dai nazisti fino ad oggi, soprattutto perché la piccola collezione era valutata 150 milioni di dollari.

I dipinti sono stati esposti al Los Angeles County Museum of Art per diversi mesi, dopodiché il "Ritratto di Adele Bloch Bauer" è stato venduto a Ronald Lauder per 135 milioni di dollari e si trova ora alla Neue Gallery di New York.

Nel 2015 è stato realizzato un film basato su questo caso, intitolato La signora d'oro con Helen Mirren e Ryan Reynolds.

Giuditta I

Palazzo del Belvedere, Vienna, Austria

Nel 1901, Klimt realizzò questo dipinto in cui raffigura il archetipo della femme fatale Con "Giuditta I" lavora su uno dei grandi temi dell'epoca: il dominio della donna sull'uomo, ritraendo una donna sicura di sé che sa di poter ottenere qualsiasi cosa desideri con la sua sensualità e bellezza.

Orgoglioso e riservato, il suo sguardo è invitante, ma allo stesso tempo porta con sé un'aura di mistero che rende impossibile cogliere il suo messaggio. La cornice e lo sfondo dorati le conferiscono il carattere di icona. Si crea un contrasto quasi fotografico tra il volto e gli ornamenti.

L'ispirazione per questo dipinto è stata Giuditta, personaggio dei Vangeli apocrifi La donna funge da esempio di coraggio e tenacia, ma è anche un'eroina castrante: nella sua figura si incontrano Eros e Thanatos (Amore e Morte).

Si trattava di un tema che era stato spesso trattato nell'arte, ma questa volta Klimt ha rotto gli schemi di ciò che ci si aspettava: l'ha mostrata come una giovane donna contemporanea, vestita con gioielli d'epoca. Inoltre, deciso di uscire dalla rappresentazione della povera giovane donna che ha compiuto una missione orribile per dovere. Questa ragazza sembra godere della sua sessualità e del suo potere. .

In questo modo, non ha voluto riprodurre il momento raccontato nella Bibbia, ma ha cercato di presentare una donna potenziata. L'ha volutamente ritratta in una posa sessuale, con gli occhi socchiusi e le labbra leggermente divaricate, come se fosse in estasi orgasmica. Allo stesso tempo, sul lato destro tiene la testa della sua vittima, dimostrando il suo orgoglio dominante e il suo potere mortale.

Danae

Galleria Wurth, Vienna, Austria

La figura femminile è stata uno dei grandi temi di Klimt, che ha cercato di esporla in tutti i suoi stati e ha spesso usato soggetti storici o mitologici come pretesto per i suoi nudi. In questo dipinto del 1908 fa riferimento alla Il mito di Danae Lì fu visitata da Zeus che, sotto forma di pioggia, la fecondò e in seguito diede alla luce Perseo.

Il pittore decise di ritrarre l'esatto momento in cui Zeus la possedette, mostrando il istante del concepimento, quando il dio entrò nel corpo addormentato della giovane donna.

Sebbene la posa della ragazza sia passiva, la modella risponde ai parametri stabiliti per le femme fatales di quegli anni con i capelli rossi e la bocca semiaperta. In questo modo, Danae è installata come una simbolo di bellezza e sensualità.

Questo dipinto ha suscitato molte polemiche, perché racconta la storia di uno stupro e mette in scena la figura di un uomo che ha subito uno stupro. spettatore al posto di un voyeur che osserva una scena erotica in cui si percepisce la estasi d'amore.

Sebbene alcuni artisti famosi come Tiziano e Rembrandt abbiano trattato questo soggetto, Klimt ha usato una prospettiva molto ingegnosa: mostrando Danae in posizione fetale, dà al dipinto una sensazione compositiva molto dinamica e a spirale. Inoltre, la pioggia dorata conferisce al dipinto un effetto magico.

5. Morte e vita

Museo Leopold, Vienna, Austria

Questo è uno degli ultimi dipinti dell'artista, che nel 1916 sente già gli effetti della vecchiaia e decide di lavorare su uno dei grandi temi dell'epoca: la vita e la morte.

Anche altri pittori dell'epoca, come Egon Schiele e Edvard Munch, si sono confrontati con questa rappresentazione, ma nel caso di Klimt c'è un'attenzione particolare per i dettagli. visione molto di più I personaggi non sembrano sentirsi minacciati dall'imminenza della morte. Al contrario, sembra che non lo sentano nemmeno.

La Morte è sul lato sinistro, avvolta in un mantello pieno di croci, tiene uno scettro tra le mani e guarda gli esseri umani con un macabro sorriso. Da parte sua, La vita occupa molto più spazio a destra, è caotica e in movimento. Tra la folla si distinguono diverse figure: uomini, bambini, giovani e una donna anziana al centro. Le persone sembrano godersi la loro esistenza senza distogliere lo sguardo. In tutti loro c'è una sorta di accettazione dell'inevitabile, perché fino a quel momento è meglio godersi ciò che si ha.

Informazioni su Gustav Klimt

Nato il 14 luglio 1862 a Baumgarten, vicino a Vienna, in Austria, suo padre era un cesellatore di metalli preziosi, da cui l'interesse per l'arte e l'ornamento.

Nel 1876 entra nella Scuola di Arti e Mestieri, dove apprende varie tecniche, tra cui la pittura, l'affresco e il mosaico. Dal 1879, insieme al fratello e all'amico Franz Matsch, assume incarichi per la decorazione di palazzi, ville e musei.

Nel 1888 fu insignito della Medaglia d'oro al merito per la sua creazione artistica. Col tempo, il suo stile iniziò ad allontanarsi dall'accademismo e divenne membro dei Secessionisti, di cui divenne presidente. Si trattava del movimento d'avanguardia viennese dell'epoca che sosteneva gli ideali del modernismo nell'arte.

Dopo un viaggio in Italia nel 1903, la sua attività creativa subisce una svolta: l'arte bizantina lo colpisce e decide di incorporare l'oro nei suoi dipinti, dando così inizio alla "fase aurea", il periodo da cui provengono le sue opere più famose.

Pur uscendo dal gruppo dei secessionisti, continua la sua ribellione all'establishment, mantenendo un atteggiamento distante dagli ambienti che lo criticano e perseguendo i suoi ideali artistici. Diventa un personaggio eccentrico che, nella vita privata, si veste con sandali e tuniche.

Con il tempo, la sua produzione ha iniziato a suscitare interesse in altri Paesi, ha vinto premi e riconoscimenti e alcune gallerie hanno acquistato i suoi dipinti.

Il 6 febbraio 1918 morì per un ictus, lasciando molti dipinti incompiuti. Non si sposò mai, ma per la maggior parte della sua vita adulta ebbe una relazione con la stilista Emilie Flöge. Ebbe anche molte altre amanti e, alla sua morte, fu accusato di paternità di diversi figli.

Stile

Klimt visse e creò le sue opere nella Vienna di fine secolo, nell'ultima fioritura della cultura prima del declino dell'Impero austro-ungarico. In questo periodo la borghesia era la classe dominante e il suo gusto per la pomposità contribuì a rendere lo stile del pittore il più desiderato.

Il influenza che ha ricevuto dal Mosaici bizantini è stato fondamentale per produrre una modalità di creazione diversa da qualsiasi altra vista fino a quel momento. Nella sua opera ha cercato di portare all'estremo la possibilità ornamentali e astratte nell'arte Si è quindi concentrata su dipinti saturi di dettagli, con l'uso dell'oro, figure voluttuose Dipinge grandi ritratti e dà spazio alla sessualità.

Uno dei motivi ricorrenti era la la donna e il suo erotismo Attraverso tracciati caleidoscopici, ha giocato con le abilità tecniche per creare illusioni ottiche e mondi che rimandano al sacro.

Come un buon uomo del suo tempo, si è schierato a favore della estetica simbolista Si allontana così dalla rappresentazione della realtà e sceglie di creare un mondo onirico in cui regnano sovrani i motivi mitici, decorativi e floreali.

La sua idea era quella di superare i limiti del decoro imposti dalla società viennese, e voleva anche discutere le sue incongruenze e giocare con la rappresentazione del corpo, poiché in quegli anni la nudità in un contesto religioso o storico era accettata, ma su una donna normale era censurata.

Bibliografia:

• Bolaños, María (2007). Interpretare l'arte attraverso i capolavori e gli artisti più universali Contrappunto.
• Holzwarth, Hans Werner e Taschen, Laszlo (a cura di) (2011). A Arte moderna: una storia dall'Impressionismo ai giorni nostri Taschen.
• Néret, Gilles (1993). Klimt Taschen.