Edvard Munch ເປັນນັກແຕ້ມຊາວນໍເວທີ່ຕັ້ງຢູ່ໃນການປ່ຽນແປງຈາກສະຕະວັດທີ 19 ຫາສະຕະວັດທີ 20, ແລະຖືວ່າເປັນພໍ່ຂອງການສະແດງອອກ. ວຽກງານຂອງລາວ, ທີ່ເປັນຕາຢ້ານຕໍ່ຫຼາຍໆຄົນ, ໄດ້ກະຕຸ້ນຄວາມຊົມເຊີຍຂອງນັກສິລະປິນຫນຸ່ມແລະປະຊາຊົນທີ່ບໍ່ແມ່ນຜູ້ຊ່ຽວຊານ. ສິ່ງເຫຼົ່ານີ້ຖືກລະບຸດ້ວຍຄວາມວິຕົກກັງວົນທີ່ເກີດຈາກການຫັນເປັນອຸດສາຫະກຳຢ່າງວ່ອງໄວ ແລະກົນໄກທີ່ແຜ່ລາມໄປ. ສໍາລັບຂະແຫນງການອະນຸລັກ, ມັນອາໄສຢູ່ໃນຄວາມຈິງທີ່ວ່ານັກແຕ້ມໄດ້ກ່າວເຖິງຫົວຂໍ້ຕ່າງໆເຊັ່ນ: ຄວາມຮັກ, ແລະ, ເຫນືອສິ່ງອື່ນໃດ, ຄວາມເຈັບປ່ວຍແລະຄວາມຕາຍ, ຄວາມຫຼົງໄຫຼທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ຂອງລາວ.

ຮູບແບບຂອງລາວແມ່ນເປັນເອກະລັກຍ້ອນຄວາມຈິງທີ່ວ່າລາວສ້າງ ພາ​ສາ​ທີ່​ແທ້​ຈິງ​ແລະ​ຕົ້ນ​ສະ​ບັບ​, ຜົນ​ສະ​ທ້ອນ​ຂອງ​ການ​ສົນ​ທະ​ນາ​ຢ່າງ​ເສລີ​ກັບ​ການ​ປະ​ທັບ​ໃຈ​ຫຼັງ​, art nouveau ແລະ avant​-garde​. ສໍາລັບເຫດຜົນນີ້, ເຖິງແມ່ນວ່າ Munch ເປີດປະຕູຂອງການສະແດງອອກ, ລາວບໍ່ສາມາດຖືກຕິດສະຫຼາກໃນການເຄື່ອນໄຫວໃດໆ. ໂດຍການເບິ່ງຜົນງານທີ່ສຳຄັນຂອງລາວ, ພວກເຮົາຈະເຂົ້າໃຈວ່າເປັນຫຍັງ Munch ຈຶ່ງເປັນສິລະປິນທີ່ເປັນເອກະລັກ ແລະ ຊ້ຳບໍ່ໜຳ.

1. The Scream , 1893

Above - Edvard Munch: The Scream , 1893. oil and pastel on cardboard. ຂະໜາດ 91 x 73.5 ຊມ. ຫໍວາງສະແດງແຫ່ງຊາດຂອງນໍເວ, Oslo.

ຂ້າງລຸ່ມນີ້ - ສະບັບທີ່ແຕກຕ່າງກັນຂອງ The Scream , ໂດຍ Edvard Munch

The Scream ແມ່ນການເຮັດວຽກຂອງ Munch ທີ່ມັນປ່ອຍອອກມາ. ກະທູ້ຫຼາຍຂື້ນ ແລະຢ່າງໃດກໍ່ຕາມ, ມື້ນີ້ມັນຖືວ່າເປັນ ໂມນາລິຊາ ຂອງສິນລະປະຮ່ວມສະໄໝ. ເປັນຕົວແທນຂອງບຸກຄົນDance of Life , 1899

Edvard Munch: The Dance of Life , 1899, oil on canvas, 125 x 191 cm, National Museum of Art, Architecture and Design , Oslo.

ການເຕັ້ນຂອງຊີວິດ ເປັນການປຽບທຽບສຳລັບຂັ້ນຕອນຂອງຊີວິດ ແລະຄວາມຮັກ. ມັນເປັນສາກກາງແຈ້ງ, ເຊິ່ງພື້ນຫຼັງຂອງມັນແມ່ນທ້ອງຟ້າສີຟ້າເຂັ້ມຜ່ານທະເລສາບນໍເວ. ຢູ່ເທິງທ້ອງຟ້າ, ພວກເຮົາເຫັນດວງຕາເວັນທາງເໜືອ ແລະ ການສະທ້ອນຂອງມັນຢູ່ໃນນ້ຳ, ເຊິ່ງເປັນສັນຍາລັກອັນໜຶ່ງທີ່ຊ້ຳບໍ່ໜຳໃນຮູບແຕ້ມຂອງນັກແຕ້ມ.

ຢູ່ເບື້ອງໜ້າ, ພວກເຮົາເຫັນຜູ້ຍິງຄົນດຽວກັນໃນສາມຂັ້ນຕອນ: ໜຸ່ມຄົນໜຶ່ງ. maiden ໃນສີຂາວໄປທາງຊ້າຍ. ຢູ່ເບື້ອງຂວາ, ຜູ້ຍິງໂດດດ່ຽວນຸ່ງສີດຳ. ຢູ່ໃຈກາງ, ຜູ້ຍິງແລະຜູ້ຊາຍຂອງນາງເຕັ້ນລໍາຄືກັບວ່າໂລກບໍ່ມີຢູ່. ສີແດງຂອງ dress symbolizes ຊີວິດແລະຄວາມ passion. ຄູ່ຜົວເມຍອາດຈະເປັນ Tulla Larsen ແລະ Munch.

ຢູ່ອ້ອມຮອບພວກເຂົາ, ມີຕົວລະຄອນອື່ນໆເຕັ້ນລໍາ. ຢູ່ທາງຫລັງຂອງແມ່ຍິງໃນສີດໍາ, ມີຜູ້ຊາຍ grotesque ພ້ອມທີ່ຈະຂົ່ມເຫັງແມ່ຍິງ. ຄວາມສໍາຄັນຂອງວຽກງານນີ້ແມ່ນຢູ່ໃນວິທີທີ່ Munch ຄຸ້ມຄອງເພື່ອຖ່າຍທອດຄວາມຊັບຊ້ອນຂອງຄວາມກັງວົນພາຍໃນຂອງລາວໃນທົ່ວຂັ້ນຕອນຂອງຊີວິດ, ເຊິ່ງລາວຈໍາກັດຄວາມຮັກ.

15. The Death of Marat , 1907

Edvard Munch: The Death of Marat , 1907, oil on canvas, 153 × 148 cm, Munch Museum, Oslo .

ໃນລະຫວ່າງຊີວິດຂອງລາວ, Munch ໄດ້ອຸທິດຕົນໃຫ້ກັບການສ້າງ The Death of Marat ສະບັບຕ່າງໆ. ລະຫວ່າງເຫຼົ່ານີ້ສະບັບ, ພວກເຮົາສະເຫນີສະບັບຫນຶ່ງທີ່ອະທິບາຍໃນປີ 1907. Marat ເປັນນັກຂ່າວແລະນັກການເມືອງຝຣັ່ງໃນສະຕະວັດທີສິບແປດ, ຜູ້ທີ່ຖືກລອບສັງຫານໂດຍ Charlotte Corday.

ຊຸດດັ່ງກ່າວເບິ່ງຄືວ່າ Munch ຕົນເອງເປັນຜູ້ຊາຍອ້າງອີງ, ດັ່ງນັ້ນຈຶ່ງລວມເອົາແນວຄວາມຄິດທີ່ວ່າ ຈິດຕະກອນຮູ້ສຶກຄືກັບຜູ້ເຄາະຮ້າຍຂອງແມ່ຍິງ. ຈາກທັດສະນະກ່ຽວກັບຄວາມງາມ, ວຽກງານທີ່ໂດດເດັ່ນສໍາລັບການນໍາໃຊ້ເສັ້ນເປັນຮູບແບບຂອງການໃສ່ສີ. ມັນເປັນປະເພດຂອງ rayonism ທີ່ແຕກແຍກກັບຮູບແບບທີ່ທັນສະໄຫມຂອງເສັ້ນໂຄ້ງແລະການນໍາໃຊ້ພື້ນຜິວສີທີ່ຫນາແຫນ້ນ.

16. Men Bathing , 1907

Edvard Munch: Men Bathing , 1907, oil on canvas, 206 × 227 cm, National Gallery of Finland, Helsinki.

Munch's Bathing Men ໂດດເດັ່ນດ້ວຍລັກສະນະທີ່ເບີກບານມ່ວນຊື່ນ ແລະ ມີຊີວິດຊີວາ, ເຊິ່ງກົງກັນຂ້າມກັບບັນຍາກາດອັນເປັນຄື້ນ ແລະ ມືດມົວຂອງຜ້າໃບຂອງລາວຫຼາຍອັນ. ສາກໄດ້ພັນລະນາເຖິງກຸ່ມຜູ້ຊາຍຢູ່ໃນຫາດຊາຍ nudist, ບ່ອນທີ່ Munch ກໍາລັງພັກຜ່ອນເປັນໄລຍະ. ເຕັກນິກທີ່ປະຕິບັດໄດ້ດຶງດູດເອົາຫຼັກການ impressionist ແລະ rayonist ແລະ, ໃນບາງດ້ານ, ເບິ່ງຄືວ່າຢູ່ໃນການສົນທະນາກັບ Fauvism.

17. The Sun , 1909-1911

Edvard Munch: The Sun , 1909-1911, fresco, 452 x 788 cm, University of Oslo.

The Sun ແມ່ນຮູບແຕ້ມທີ່ໃຫຍ່ຫຼວງໂດຍ Edvard Munch ພົບເຫັນຢູ່ໃນມະຫາວິທະຍາໄລ Oslo. ໃນນັ້ນ, Munch ຄົ້ນຫາພາສາຢາງໃໝ່ໆທີ່ເຮັດໃຫ້ລາວເຂົ້າໃກ້ກັບ avant-garde abstract, ໂດຍສະເພາະ Kandinsky, ຜູ້ຕາງຫນ້າຂອງກຸ່ມ Der Blaue Reiter, ແລະ lyrical abstraction.

ສັນຍາລັກຢູ່ທີ່ນີ້ເຖິງການສະແດງອອກສູງສຸດ. ແສງຕາເວັນກາຍເປັນຄໍາປຽບທຽບສໍາລັບອັນສູງສົ່ງ, ເຊິ່ງເຮັດໃຫ້ແສງສະຫວ່າງຂອງມັນແຜ່ລາມໄປທົ່ວໂລກແລະເຮັດໃຫ້ເງົາຂອງຄວາມໂງ່ຈ້າ. ດ້ວຍວຽກງານນີ້, Munch ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງສິດເສລີພາບໃນຄວາມຄິດສ້າງສັນຂອງລາວອີກເທື່ອຫນຶ່ງ, ເຊິ່ງອະທິບາຍວ່າເປັນຫຍັງລາວບໍ່ສາມາດຖືກຕິດສະຫຼາກໃນຮູບແບບດຽວຫຼືການເຄື່ອນໄຫວ. Munch ເປີດເຜີຍຕົນເອງວ່າເປັນນັກສິລະປິນທີ່ເປັນເອກະລັກໃນນະວັດຕະກໍາຢ່າງຕໍ່ເນື່ອງ.

ທ່ານອາດຈະສົນໃຈໃນ: ການສະແດງອອກ: ຄຸນລັກສະນະ, ຜົນງານ ແລະນັກຂຽນ.

18. Galloping Horse , 1912

Edvard Munch: Galloping Horse , 1912, oil on canvas, 148 x 120 cm, Munch Museum, Oslo.

ໃນຮູບແຕ້ມ Galloping Horse , ພວກເຮົາເຫັນມ້າໂຕໜຶ່ງກຳລັງດຶງຫິມະກັບຊາຍຄົນໜຶ່ງຢູ່ເທິງເຮືອ. ລາຍ​ລະ​ອຽດ​ທີ່​ໂດດ​ເດັ່ນ​ແມ່ນ​ຢູ່​ໃນ​ຖະ​ຫນົນ​ຫົນ​ທາງ​, ຊຶ່ງ​ເປັນ​ຈຸດ​ເດັ່ນ​ສໍາ​ລັບ​ການ​ແຄບ​ຫຼາຍ​ເກີນ​ໄປ​ສໍາ​ລັບ​ການ feat ໄດ້​. ເດັກນ້ອຍທີ່ຢູ່ເບື້ອງຂວາພະຍາຍາມຫນີໄປ, ໃນຂະນະທີ່ຜູ້ໃຫຍ່ຢູ່ເບື້ອງຊ້າຍລໍຖ້າຢ່າງບໍ່ຢຸດຢັ້ງກ່ອນທີ່ຈະເຄື່ອນຍ້າຍ. ມັນ​ເປັນ​ວິ​ທີ​ການ​ໃຫມ່​ຂອງ​ຄວາມ​ຢ້ານ​ກົວ​ແລະ​ຄວາມ​ກັງ​ວົນ​, ສະ​ນັ້ນ​ປະ​ຈຸ​ບັນ​ຢູ່​ໃນ​ຜູ້ຂຽນ.

19. ຄົນງານໃນຫິມະ , 1913

Edvard Munch: ຄົນງານໃນຫິມະ , 1913, ນ້ຳມັນໃສ່ຜ້າໃບ, 163 x 200 cm, Munch Museum, Oslo .

Edvard Munch ຍັງມີຄວາມອ່ອນໄຫວຕໍ່ກັບຄວາມເປັນຈິງທາງສັງຄົມທີ່ອ້ອມຮອບລາວ. ຫຼັກຖານສະແດງຂອງນີ້ແມ່ນຮູບແຕ້ມທີ່ແຕກຕ່າງກັນທີ່ລາວເຮັດກ່ຽວກັບຄົນງານ, ເຊັ່ນ: ຜ້າໃບນີ້ເອີ້ນວ່າ ຄົນງານໃນຫິມະ .

ຢູ່ເບື້ອງຫຼັງ, Munch ເປັນຕົວແທນຂອງຄົນງານສາມຄົນທີ່ຢືນຢູ່ຕໍ່ໜ້າຜູ້ຊົມ, ໂດຍມີ ໃບມີດຂອງພວກເຂົາເປັນຈຸດສະຫນັບສະຫນູນ. ໃນພວກມັນເຈົ້າສາມາດຮູ້ສຶກວ່າມີຄວາມເຂັ້ມແຂງ, ແຕ່ຍັງມີຄວາມເມື່ອຍລ້າແລະຜູ້ສູງອາຍຸ. ຜູ້ຊາຍສາມຄົນນີ້ປະກົດຂຶ້ນຢູ່ໃນແຂນ. ຢູ່ເບື້ອງຫຼັງສາມຕົວລະຄອນນີ້, ຄົນງານຄົນອື່ນໆສືບຕໍ່ເຮັດວຽກຂອງເຂົາເຈົ້າ, ໂດຍຫຼົງລືມການແນມເບິ່ງນັກສິລະປິນ ແລະສັງຄົມ.

20. ຮູບຕົນເອງລະຫວ່າງໂມງກັບຕຽງ , 1940-1943

Edvard Munch: ຮູບຕົນເອງລະຫວ່າງໂມງກັບຕຽງ , 1940-1943 , oil on canvas , Munch Museum, Oslo.

ຮູບຕົນເອງລະຫວ່າງໂມງກັບຕຽງ ເປັນຮູບແຕ້ມຈາກຍຸກສຸດທ້າຍຂອງ Munch. Munch ໃຊ້ປະໂຫຍດຈາກຜ້າໃບເພື່ອເປັນສັນຍາລັກເຖິງຄວາມໃກ້ຊິດຂອງຄວາມຕາຍ, ວາງຮູບຂອງລາວລະຫວ່າງໂມງຂອງພໍ່ຕູ້ແລະຕຽງນອນ. ໂມງສະແດງເຖິງການຜ່ານເວລາທີ່ບໍ່ຢຸດຢັ້ງ, ແລະຕຽງນອນສະແດງເຖິງຄວາມຕາຍເປັນຕຽງສຸດທ້າຍ, ເປັນການພັກຜ່ອນນິລັນດອນ.

Aລາຍ​ລະ​ອຽດ​ຢືນ​ອອກ​ໂດຍ​ກົງ​ກັນ​ຂ້າມ​: ໃນ​ຂະ​ນະ​ທີ່​ໂມງ​ມີ​ການ​ອອກ​ແບບ​ວັດ​ຖຸ​ບູ​ຮານ​, ຜ້າ​ປູ​ນອນ​ມີ​ການ​ອອກ​ແບບ geometric ທັນ​ສະ​ໄຫມ​. ດ້ວຍເລື່ອງນີ້, Munch ສະແດງຄວາມຮັບຮູ້ຂອງລາວກ່ຽວກັບການປ່ຽນແປງຢ່າງຫຼວງຫຼາຍໃນໄລຍະເວລາທີ່ລາວມີຊີວິດຢູ່. ເຊິ່ງລາວໄດ້ອຸທິດຄວາມພະຍາຍາມທັງໝົດຂອງລາວ.

ເບິ່ງ: ການວິເຄາະພາບແຕ້ມ The Scream ໂດຍ Edvard Munch.

ຊີວະປະຫວັດ

Edvard Munch ເປັນຊ່າງແຕ້ມຮູບ ແລະຊ່າງພິມນອກແວ ທີ່ເກີດໃນວັນທີ 12 ເດືອນທັນວາ ປີ 1863 ແລະເສຍຊີວິດໃນວັນທີ 23 ມັງກອນ 1944.

ຕັ້ງແຕ່ອາຍຸຍັງນ້ອຍ ລາວຕ້ອງຮັບມືກັບພະຍາດແລະຄວາມຕາຍ. . ພະຍາດວັນນະໂລກທໍາອິດໄດ້ເອົາຊີວິດຂອງແມ່ຂອງລາວ, Laura Cathrine Munch, ເມື່ອເດັກຊາຍອາຍຸພຽງແຕ່ 5 ປີ. ຈາກ​ນັ້ນ, ລາວ​ໄດ້​ເຮັດ​ໃຫ້​ນ້ອງ​ສາວ​ຂອງ​ລາວ​ເສຍ​ຊີວິດ, ໂຊ​ຟີ; ວ່າຂອງລຸງຂອງລາວແລະ, ປີຕໍ່ມາ, ຂອງພໍ່ຂອງລາວ, Christian Munch. ແມ່ນແຕ່ Edvard Munch ຕົນເອງໄດ້ທົນທຸກຈາກພະຍາດດັ່ງກ່າວເມື່ອອາຍຸໄດ້ 13 ປີ.

ເຫດການເຫຼົ່ານີ້ເຮັດໃຫ້ຊ່າງແຕ້ມຮູບເກີດເປັນໄພຂົ່ມຂູ່ຕໍ່ການເຈັບປ່ວຍແລະຄວາມຕາຍຢ່າງຮ້າຍແຮງ ແລະດັ່ງນັ້ນ, ລາວຈຶ່ງທົນທຸກຈາກຄວາມວິຕົກກັງວົນ ແລະ ຊຶມເສົ້າຕະຫຼອດຊີວິດ, ເຊິ່ງໄດ້ກໍານົດ ການສອບຖາມດ້ານສິລະປະຂອງລາວ.

Munch ເລີ່ມຮຽນວິສະວະກຳໃນປີ 1879, ແຕ່ບໍ່ດົນກໍປະຖິ້ມອາຊີບນີ້ເພື່ອອຸທິດຕົນໃຫ້ກັບການແຕ້ມຮູບ. ລາວໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກສິລະປະຝຣັ່ງໃນສະຕະວັດທີ XIX ຂອບໃຈການເດີນທາງທີ່ລາວໄດ້ໄປປາຣີ. ປະມານປີ 1890 ເພິ່ນໄດ້ເລີ່ມແຕ້ມໂຄງການ The frieze of life , ເປັນຊຸດຂອງຮູບແຕ້ມທີ່ສະແດງເຖິງຈຸດສຳຄັນຕ່າງໆໃນຊີວິດຂອງມະນຸດ, ໂດຍອີງໃສ່ປະສົບການຂອງຕົນເອງ.

ເຖິງວ່າຜົນງານຂອງລາວເປັນສາເຫດຂອງ ກະທູ້ໃນຕອນເລີ່ມຕົ້ນ, ສິ້ນສຸດລົງເຖິງການໄດ້ຮັບສະຖານທີ່ສໍາຄັນໃນພິພິທະພັນຂອງປະເທດແລະເອີຣົບ. ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ຫຼັງຈາກ Nazi ຍຶດຄອງນໍເວ, ປະມານ 1940, ຮູບແຕ້ມຂອງ Munch ໄດ້ຖືກ censored ໂດຍ invaders ແລະຖອນອອກຈາກງານວາງສະແດງ. ຢອກໃນການຮັບຮູ້ວຽກງານສິລະປະຂອງລາວທີ່ອຸດົມສົມບູນ. ສອງປີຕໍ່ມາ, Munch ໄດ້ເສຍຊີວິດຄົນດຽວ.

ວຽກງານດັ່ງກ່າວໄດ້ຕັ້ງຂຶ້ນຫຼັງຈາກໄລຍະທີ່ເອື້ອຍນ້ອງຄົນໜຶ່ງຂອງລາວໄດ້ພະຍາຍາມຂ້າຕົວຕາຍ, ແນະນຳຄວາມສຳພັນກັບຕອນ. ຄວາມ​ຈິງ​ທີ່​ຢາກ​ຮູ້​ຢາກ​ເຫັນ​ກ່ຽວ​ກັບ The Scream ແມ່ນ​ວ່າ Munch ເຮັດ​ສີ່​ສະ​ບັບ​ທີ່​ມີ​ຄວາມ​ແຕກ​ຕ່າງ​ກັນ​ເລັກ​ນ້ອຍ​ລະ​ຫວ່າງ​ເຂົາ​ເຈົ້າ, ເປັນ​ການ​ປະ​ຕິ​ບັດ​ທົ່ວ​ໄປ​ຫຼາຍ​ສໍາ​ລັບ​ການ painter ໄດ້. ລຸ້ນທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດແມ່ນລຸ້ນຈາກປີ 1893, ເຊິ່ງຖືກລັກໄປໃນປີ 1994, ແລະໄດ້ຄືນມາໃນໄວໆນີ້.

2. Anxiety , 1894

Above - Edvard Munch: Anxiety , 1894, oil on canvas, 94 x 74 cm, Munch Museum, Oslo.

ຂ້າງລຸ່ມນີ້ - The Scream (ຊ້າຍ) ແລະ Evening on Karl Johan Street (ຂວາ), ໂດຍ Edvard Munch.

ແມ່ນແລ້ວ The Scream ແມ່ນຮູບພາບຂອງຄວາມສິ້ນຫວັງຂອງບຸກຄົນ, ຄວາມກັງວົນ ແມ່ນການສະແດງອອກຂອງຄວາມທຸກທໍລະມານລວມທີ່ Munch ຈັບໄດ້ຢູ່ໃນຈິດວິນຍານຂອງນໍເວ. ດັ່ງນັ້ນ, Munch ບໍ່ແມ່ນນັກສິລະປິນທີ່ຈໍາກັດພຽງແຕ່ການບັນທຶກຂອງ malaise ບຸກຄົນ, ແຕ່ມີຄວາມອ່ອນໄຫວຕໍ່ກັບ malaise ທົ່ວໄປທີ່ສົ່ງຜົນກະທົບຕໍ່ສັງຄົມໃນທ້າຍສະຕະວັດທີ 19, ການປ່ຽນແປງຂອງມັນແມ່ນໄວກວ່າຄວາມສາມາດໃນການປະມວນຜົນການປ່ຽນແປງ.

ຜ້າໃບ ຄວາມວິຕົກກັງວົນ ແມ່ນອີງໃສ່ສອງຮູບແຕ້ມກ່ອນໜ້ານີ້ໂດຍ Munch. ພູມສັນຖານທີ່ພວກເຮົາເຫັນຢູ່ໃນ ຄວາມວິຕົກກັງວົນ ໄດ້ຮັບການຟື້ນຕົວຈາກຜ້າໃບ The Scream . ໃນທາງກົງກັນຂ້າມ, ຕົວລະຄອນໄດ້ຖືກເອົາມາຈາກ ຕອນບ່າຍຢູ່ຖະໜົນ Karl Johan . ຍຸດທະສາດການເອົາອົງປະກອບຈາກຮູບແຕ້ມທີ່ຜ່ານມາແມ່ນເກີດຂຶ້ນໃນ Munch. ນັກແຕ້ມບໍ່ພຽງແຕ່ "ເປັນຕົວແທນ" ສາກ, ແຕ່ອົງປະກອບທີ່ປະກອບໃຫ້ເຂົາເຈົ້າ conceived ເປັນສັນຍາລັກຂອງຕົນເອງ.

3. The Sick Girl , 1885-1886

Above - Edvard Munch: The Sick Girl , 1885-1886, oil on canvas, 120 × 118.5 cm, ຫໍພິພິທະພັນແຫ່ງຊາດສິລະປະ, ສະຖາປັດຕະຍະກໍາ ແລະການອອກແບບ, Oslo.

ຂ້າງລຸ່ມນີ້ - ສະບັບທີ່ແຕກຕ່າງກັນຂອງ ເດັກຍິງເຈັບ.

ເດັກຍິງເຈັບ ກົງກັບ ແບບຕົ້ນໆໃນການເຮັດວຽກຂອງ Munch, ເຊິ່ງໃກ້ຊິດກັບຄວາມປະທັບໃຈ. ຜ້າໃບສະແດງເຖິງນ້ອງສາວຂອງ Munch, Sophie, ຢູ່ເທິງຕຽງຂອງນາງທີ່ເສຍຊີວິດຍ້ອນວັນນະໂລກ. ໃນເວລານັ້ນ, ເດັກຍິງອາຍຸປະມານ 15 ປີ.

ຕາມປະເພນີຂອງລາວ, Munch ໄດ້ອອກຮູບແບບທີ່ແຕກຕ່າງກັນຂອງຫົວຂໍ້ນີ້, ເຊິ່ງເປັນແຫຼ່ງຄວາມເຈັບປວດ ແລະຄວາມຮູ້ສຶກຜິດຂອງລາວຢ່າງຖາວອນ. ອັນນີ້ເກີດມາຈາກຄວາມຈິງທີ່ວ່າຊ່າງແຕ້ມຮູບ, ຜູ້ທີ່ເປັນພະຍາດວັນນະໂລກໃນອາຍຸ 13 ປີ, ຮູ້ສຶກວ່າລາວຄວນຈະຕາຍແທນນ້ອງສາວຂອງລາວ.

4. Love and Pain (Vampire) , 1893

Edvard Munch: Love and Pain (Vampire) , 1893, oil on canvas, 91 cm x 109 cm , Munch ພິພິທະພັນ, Oslo.

Munch ຫົວຂໍ້ນີ້ເຮັດວຽກ ຄວາມຮັກແລະຄວາມໂສກເສົ້າ . ໃນມັນ, ລາວເປັນຕົວແທນຂອງຜູ້ຍິງທີ່ໂອບກອດຜູ້ຊາຍນອນຢູ່ເທິງຕັກຂອງນາງ, ຄືກັບວ່າຊອກຫາຄວາມສະດວກສະບາຍ. ເຖິງແມ່ນວ່າ Munch ບໍ່ເຄີຍເປີດເຜີຍຄວາມຫມາຍສ່ວນຕົວຂອງວຽກງານ, ແຕ່ຫົວຂໍ້ຕົ້ນສະບັບເວົ້າຫຼາຍ. ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ເມື່ອຊິ້ນສ່ວນນີ້ຖືກເປີດເຜີຍ, ມັນເຮັດໃຫ້ເກີດເລື່ອງຂີ້ຄ້ານອັນໃຫຍ່ຫຼວງ.

ຜູ້ຄົນເຫັນອາການໂສກເສົ້າຢູ່ໃນນັ້ນ, ແລະຕີຄວາມໝາຍວ່າຜູ້ຍິງກຳລັງກັດຄໍຄົນຮັກຂອງນາງຄືກັບຜີຮ້າຍ. ດັ່ງນັ້ນ, ຮູບແຕ້ມດັ່ງກ່າວເລີ່ມເປັນທີ່ຮູ້ຈັກໃນນາມ Vampire . ດັ່ງກ່າວເປັນເລື່ອງຂີ້ຄ້ານທີ່ຫຼາຍປີຕໍ່ມາ, ນີ້ແມ່ນຮູບແຕ້ມໜຶ່ງໃນຫຼາຍຮູບແຕ້ມໂດຍ Munch ຖືກເຊັນເຊີໃນລະຫວ່າງການຍຶດຄອງຂອງນາຊີຂອງນໍເວ.

5. Madonna , 1894

Edvard Munch: Madonna , 1894, oil on canvas, 91 cm × 70.5 cm, Noriega National Gallery, Oslo.

ຮູບແຕ້ມທີ່ຮູ້ກັນໃນນາມ Madonna ມີຊື່ວ່າ Loving Woman ຫຼື Loving Woman . ການປ່ຽນຊື່ວຽກ Madonna ແນ່ນອນວ່າເປັນການກະຕຸ້ນໃຈ. Munch ໄດ້ຜະລິດອອກມາຢ່າງໜ້ອຍຫ້າລຸ້ນທີ່ຮູ້ຈັກຂອງຊິ້ນສ່ວນນີ້.

ສິນລະປິນພັນລະນາໃຫ້ຜູ້ຍິງຄືກັບວ່ານາງເປັນໄອຄອນ, ເພື່ອບົ່ງບອກເຖິງຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ໜ້າຮັກທີ່ສ້າງຄວາມງົດງາມຂອງນາງຂຶ້ນມາ. halo ສີແດງທີ່ອ້ອມຮອບຫົວຂອງນາງຫມາຍເຖິງຄວາມສໍາພັນລະຫວ່າງຄວາມຮັກແລະຄວາມເຈັບປວດ, ເຖິງແມ່ນວ່າໃນໄລຍະການມີເພດສໍາພັນ.

Edvard Munch: Madonna , ການແກະສະຫລັກ.

ສົມມຸດຕິຖານນີ້ແມ່ນສົມເຫດສົມຜົນເພາະວ່າ Munch ສ້າງສະບັບໃນ engraving, ເຊິ່ງກອບປະກອບມີ motifs ຕົກແຕ່ງຂອງ spermatozoa.ທີ່ converge ໃນ fetus macabre ໄດ້. ສະຫຼຸບແລ້ວ, ຮູບແຕ້ມແມ່ນສັນຍາລັກຂອງວົງຈອນຂອງຊີວິດທີ່ຜ່ານຄວາມປາຖະຫນາ, ການເກີດ ແລະການຕາຍ.

6. Ashes , 1894

Edvard Munch: Ashes , 1894, oil on canvas, 120.5 x141 cm, National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo.

Ashes ຖືວ່າເປັນໜຶ່ງໃນຜົນງານທີ່ງາມທີ່ສຸດຂອງ Munch ເນື່ອງຈາກການຕິດເສັ້ນ ແລະ ການໃສ່ສີ. ໃນອົງປະກອບ, ພວກເຮົາເຫັນຜູ້ຊາຍໃນສີດໍາ, ສີຂອງຄວາມມືດແລະຄວາມຕາຍ. ຜູ້ຊາຍໄດ້ສູນເສຍໄປໃນແຈຫນຶ່ງ, ຄືກັບວ່າເຊື່ອງໃບຫນ້າຂອງລາວໃນຄວາມອັບອາຍ, ດ້ວຍມືຂອງລາວຢູ່ຫລັງຫົວຂອງລາວ. ລາວເຕືອນພວກເຮົາກ່ຽວກັບຜູ້ຊາຍທີ່ໂສກເສົ້າໃນ ຄວາມຮັກແລະຄວາມເຈັບປ່ວຍ (Vampire) .

ຢູ່ເບື້ອງຫຼັງຂອງລາວ, ແມ່ຍິງໃນຊຸດສີຂາວ, ສີຂອງຄວາມບໍລິສຸດ, ແລະ bodice ສີແດງ, ສີ. ຂອງ passion, ພຣະອົງຍັງຍົກມືຂອງຕົນ. ໃບຫນ້າຂອງລາວສະແດງຄວາມໂສກເສົ້າແລະຄວາມເປັນຫ່ວງ. ຜ້າມ່ານແຫ່ງຄວາມມັກຖືກຈີກຂາດແລ້ວ.

ຄວາມສຳພັນລະຫວ່າງຮູບ ແລະຫົວເລື່ອງຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງຄວາມຜິດຖຽງກັນ: ເມື່ອຄວາມມັກຖືກທຳລາຍ, ມັນຈະຫາຍໄປ. ໄຟຂອງ passion ພຽງແຕ່ປ່ອຍໃຫ້ຂີ້ເທົ່າ. ແຕ່ຍັງ, ທ່າທາງຂອງຕົວລະຄອນເຮັດໃຫ້ເກີດຄວາມຮູ້ສຶກຜິດແລະຄວາມສິ້ນຫວັງ. ອັນນີ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນວ່າຄວາມຈິງນັ້ນຂັດຂວາງລະຫັດສິນທໍາ. ມັນເປັນການຫລິ້ນຊູ້ບໍ? ຈາກການຂົ່ມຂືນ? ມັນຕ້ອງແມ່ນຜູ້ຊົມທີ່ຖອດລະຫັດມັນ.

7. Puberty , 1894-1895

Edvard Munch: Puberty , 1894-1895, oil on canvas, 151.5 x110 ຊຕມ, ຫໍພິພິທະພັນແຫ່ງຊາດຂອງນໍເວ, ອອສໂລ.

ໃນ ໄວໜຸ່ມ , Munch ບັນຍາຍເຖິງເດັກຍິງໄວລຸ້ນທີ່ເປືອຍກາຍ. ຍິງຫນຸ່ມມີໃບຫນ້າທີ່ຢ້ານກົວແລະເຊື່ອງສ່ວນສ່ວນຕົວຂອງນາງ. ຫຼາຍກວ່າສັນຍາລັກຂອງຄວາມສຸພາບອ່ອນໂຍນແລະຄວາມບໍລິສຸດ, ທ່າທາງເປັນສັນຍາລັກຂອງຄວາມຢ້ານກົວແລະການກົດຂີ່ຕໍ່ຕ້ານ eroticism, ເຊິ່ງ Munch ໄດ້ປະສົບໃນໄວຫນຸ່ມຂອງລາວ, ຍ້ອນຄວາມເຄັ່ງຄັດທາງສາສະຫນາຂອງພໍ່ຂອງລາວແລະສະພາບການຂອງເວລາ.

ຄວາມລຶກລັບ. ອາລົມຂອງ scene ໄດ້ຮັບການຢືນຢັນໂດຍເງົາ indecipherable ໃນພື້ນຫລັງ, ເຊິ່ງຄ້າຍຄືປະເພດຂອງ ghost lurking. ຄວາມສໍາຄັນຂອງການເຮັດວຽກໃນຕອນຕົ້ນນີ້ໂດຍ Munch ແມ່ນຢູ່ໃນຄວາມຈິງທີ່ວ່າມັນສະແດງເຖິງຈຸດປ່ຽນລະຫວ່າງເສັ້ນ "impressionist" ແລະການປົດປ່ອຍຂອງເຕັກນິກໃນການບໍລິການຂອງໂລກຈິດຕະນາການຂອງຈິດຕະນາການ.

8. ຮູບຕົນເອງກັບຢາສູບ , 1895

Edvard Munch: ຮູບຕົນເອງກັບຢາສູບ , 1895, ນ້ຳມັນໃສ່ຜ້າໃບ, 130.5 x 115 ຊມ, ຊາດນໍເວ Gallery , Oslo.

ຮູບຕົນເອງກັບຢາສູບ ແມ່ນໜຶ່ງໃນຜົນງານທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງ Munch, ພ້ອມທັງເປັນຮູບຕົນເອງທີ່ຮູ້ຈັກດີທີ່ສຸດໃນບັນດາຜົນງານທີ່ລາວຜະລິດ. ຢູ່ເທິງຜ້າໃບ, ຜູ້ຂຽນໄດ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນຄວາມເຂົ້າໃຈແລະຄວາມຊໍານິຊໍານານຢ່າງແທ້ຈິງຂອງເຕັກນິກເພື່ອເປັນຕົວແທນຂອງແສງສະຫວ່າງໃນທ່າມກາງຄວາມມືດແລະຄວັນໄຟ.

ດ້ວຍສິ່ງນີ້, Munch ສ້າງບັນຍາກາດທີ່ລຶກລັບທີ່ດຶງດູດຄວາມສົນໃຈກັບໃບຫນ້າຂອງລາວແລະ ມືຂອງລາວ. ໃບຫນ້າເບິ່ງຄືວ່າລະຫວ່າງ puzzled ແລະປະຫລາດໃຈ, ໃນຂະນະທີ່ມື, ນອກເຫນືອຈາກການຖືຢາສູບ, ໄດ້ຖືກຍົກຂຶ້ນມາໃນລະດັບຂອງຫົວໃຈ. ຖ້າໃບຫນ້າແມ່ນເຄື່ອງຫມາຍຂອງຕົວຕົນພາຍໃນຂອງວິຊາ, ໄດ້ຮັບຜົນກະທົບຈາກຄວາມບໍ່ສະຖຽນລະພາບທາງດ້ານຈິດໃຈ, ມືແມ່ນສັນຍາລັກຂອງສິລະປິນພາດສະຕິກ.

9. ການຕາຍໃນຫ້ອງ , 1895

Edvard Munch: ການຕາຍໃນຫ້ອງ , 1895.

ໃນໄວເດັກຂອງລາວ, Edvard Munch ເຫັນ ເສຍຊີວິດຫຼາຍສະມາຊິກໃນຄອບຄົວຜູ້ເຄາະຮ້າຍຈາກວັນນະໂລກ: ແມ່ແລະພໍ່ຂອງລາວແມ່ນບາງກໍລະນີ. ການເສຍຊີວິດໃນຫ້ອງ ສະແດງເຖິງຄວາມທຸກທໍລະມານຂອງຄອບຄົວຂອງລາວໃນການສູນເສຍນ້ອງສາວຂອງລາວ, Sophie, ຜູ້ທີ່ພວກເຮົາບໍ່ເຫັນ. ມັນເປັນຄວາມອັດສະຈັນຂອງຜູ້ຂຽນທີ່ຈະເນັ້ນໃສ່ຄວາມສົນໃຈຂອງຜູ້ເບິ່ງໃນຄວາມທຸກທໍລະມານທາງດ້ານຈິດໃຈຫຼາຍກວ່າຄວາມຕາຍ. ມັນເຊື່ອກັນວ່າຜູ້ຊາຍທີ່ເອນກັບກໍາແພງຫີນແມ່ນ Munch, ຜູ້ທີ່ຫັນກັບຄືນໄປບ່ອນໃນ scene (ເຖິງການເສຍຊີວິດ, ຄວາມຮັກແລະສັດທາ), ໃນຂະນະທີ່ເບິ່ງຊື່ກັບເງົາຂອງຕົນເອງ. ມັນຊີ້ໃຫ້ເຫັນຄວາມຈິງທີ່ວ່າສະມາຊິກແຕ່ລະຄົນໃນຄອບຄົວໄດ້ຮັບຄວາມທຸກທໍລະມານແຍກຕ່າງຫາກ.

10. ມະນຸດສອງຄົນ (ຜູ້ໂດດດ່ຽວ) , 1896

Edvard Munch: ມະນຸດສອງຄົນ (The Soliary) , 1896, ນ້ຳມັນໃສ່ຜ້າໃບ, 80 x 110 cm, ການເກັບກໍາສ່ວນຕົວ.

ຜ້າໃບ ມະນຸດສອງຄົນ ແມ່ນບໍ່ມີຫຍັງນອກເໜືອໄປກວ່າການກ່າວເຖິງຄວາມໂດດດ່ຽວ. ຢູ່ໃນນັ້ນພວກເຮົາເຫັນຜູ້ຊາຍແລະແມ່ຍິງໂດຍບໍ່ມີຕົວຕົນ, ກັບກັບຄືນໄປບ່ອນຂອງ viewer, contemplating ຂອບເຂດ inert ໄດ້. ເບິ່ງຄືວ່າມີໄລຍະຫ່າງທີ່ບໍ່ສາມາດຜ່ານໄດ້ລະຫວ່າງສອງຄົນ.

ວຽກງານດັ່ງກ່າວ, ເຊັ່ນດຽວກັບອີກຫຼາຍໆຢ່າງຂອງ Munch, ແມ່ນກວມເອົາຫຼາຍຄັ້ງ ແລະໃນເຕັກນິກຕ່າງໆ. ທັງ​ຫົວ​ຂໍ້​ແລະ​ວິ​ທີ​ການ​ຂອງ​ການ​ເປັນ​ຕົວ​ແທນ​ຂອງ​ສິນ​ລະ​ປິນ​ໄດ້​ຢືນ​ຢັນ​ລັກ​ສະ​ນະ​ກັງ​ວົນ​, ໂດດ​ດ່ຽວ​ແລະ​ຊຶມ​ເສົ້າ​ຂອງ​ຈິດ​ຕະ​ນາ​ການ​.

11. The Kiss , 1897

Edvard Munch: The Kiss , 1897, oil on canvas, 99 x 81 cm, Munch Museum, Oslo.

The Kiss , ຈາກປີ 1897, ແມ່ນໜຶ່ງໃນຮູບແຕ້ມທີ່ຮູ້ຈັກກັນໃນນາມ The Kiss Behind the Window , ໂດຍ Munch ເອງ. ວິທີການທີ່ນັກແຕ້ມຮູບເປັນຕົວແທນຂອງສອງຕົວເລກທີ່ໂດດເດັ່ນ. ພວກມັນເບິ່ງຄືວ່າເປັນຮ່າງກາຍດຽວ, ບໍ່ມີເສັ້ນແບ່ງລະຫວ່າງພວກມັນ. ຕົວລະຄອນຂາດເອກະລັກ, ຂີດຈຳກັດຂອງຕົນເອງ.

ການລວມຕົວຂອງຕົວລະຄອນບໍ່ສາມາດອ່ານໄດ້ຢ່າງໂລແມນຕິກ, ເນື່ອງຈາກບັນຍາກາດທີ່ມືດມົວ ແລະ ໜັກໜ່ວງຂອງສາກຍັງຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງຄວາມໃກ້ຕາຍ. ຜົນກະທົບທີ່ສ້າງຂຶ້ນໂດຍຊຸດນີ້ແມ່ນເປັນແຮງບັນດານໃຈຂອງຜົນງານທີ່ມີຊື່ສຽງ The Kiss , ໂດຍ Gustav Klimt.

ມັນອາດເຮັດໃຫ້ທ່ານສົນໃຈ: ການວິເຄາະຂອງ The Kiss , ໂດຍ Gustav Klimt .

12. Fertility , 1898

Edvard Munch: Fertility , 1898, oil on canvas, 127 x 140 cm.

On canvas ການຈະເລີນພັນ ພວກເຮົາເຫັນແມ່ຍິງຖືພາ, ຕັ້ງຊື່, ແບກໝາກໄມ້ທີ່ອຸດົມສົມບູນຂອງຕົ້ນໄມ້. ຢູ່ທາງຫນ້າຂອງນາງ, ກົງກັນຂ້າມກັບຜູ້ຊາຍນັ່ງ, ຫົວລົງແລະ hunched ຫຼາຍກວ່າ. ພະນັກງານທີ່ລົ້ມສາມາດເຫັນໄດ້ຢູ່ໃກ້ໆກັບລາວ. ມີຄວາມຕໍ່ເນື່ອງກັນລະຫວ່າງຜູ້ຊາຍກັບຕົ້ນໄມ້ ເພາະວ່າຄົນທຳອິດວາງຕີນຢູ່ເທິງລຳຕົ້ນຂອງຕົ້ນໄມ້.

ຕົ້ນໄມ້ສາມາດແປໄດ້ວ່າເປັນຕົ້ນໄມ້ແຫ່ງຊີວິດ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ສາຂາໄດ້ຖືກຕັດອອກ, ເຊິ່ງມີພຽງແຕ່ເຫງົ້າເທົ່ານັ້ນ. ເພື່ອໃຫ້ເກີດໝາກ, ຕົ້ນໄມ້ໄດ້ຖືກຕັດອອກ, ຕັດອອກແລ້ວ.

ການຕີຄວາມໝາຍທີ່ຮຸນແຮງທີ່ສຸດຊີ້ໃຫ້ເຫັນວ່າ Munch ສະແດງອອກເຖິງການປະຕິເສດການມີລູກ. ໝາກ ໄມ້ຂອງນາງຈະເປັນຕົວແທນຂອງ ໝາກ ໄມ້ຂອງລາວ. ການຕີລາຄາແມ່ນອີງໃສ່ຄວາມຈິງທີ່ວ່າຮູບແຕ້ມໄດ້ຖືກທາສີໃນເວລາທີ່ Munch ກໍາລັງປະເຊີນກັບຄວາມເປັນໄປໄດ້ຂອງການແຕ່ງງານກັບ Tulla Larsen, ການແຕ່ງງານທີ່ບໍ່ເຄີຍສິ້ນສຸດ.

13. Encounter in space , 1898

Edvard Munch: Encounter in space , 1899, woodcut on paper, 18.5 x 25.5 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid.

ໃນ Encounter in Space ພວກ​ເຮົາ​ເຫັນ​ຜູ້​ຊາຍ​ແລະ​ຜູ້​ຍິງ​ທີ່​ມີ​ຄວາມ​ດຶງ​ດູດ​ຢູ່​ໃນ​ອາ​ວະ​ກາດ. ວຽກງານດັ່ງກ່າວເປັນຕົວແທນຂອງປັດຈຸບັນ erotic, demarcated ບໍ່ພຽງແຕ່ໂດຍຮ່າງກາຍແລະ gestures, ແຕ່ຍັງເນື່ອງຈາກວ່າສາຍ alluding ກັບ spermatozoa ຍ້າຍປະມານຕົວເລກ. ໃບຫນ້າແມ່ນຫ່າງໄກຈາກກັນແລະກັນ. ແມ່ຍິງເບິ່ງຄືວ່າເກືອບ indifferent. ຜູ້ຊາຍເບິ່ງຄືວ່າອຸທິດຕົນ. ຊິ້ນສ່ວນສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຄວາມຄ່ອງແຄ້ວທາງດ້ານເຕັກນິກຂອງຜູ້ຂຽນ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບສັນຍາລັກ ແລະຊັບພະຍາກອນທີ່ສະແດງອອກ.

14. ໄດ້