Західне мистецтво пройшло різні періоди у своєму прагненні репрезентувати людину та її реальність. У наступній добірці ми розглянемо ті роботи, які стали частиною культури та колективної уяви.

На виставці будуть представлені представники Ренесансу, бароко, імпресіонізму, абстракціонізму та поп-арту, серед іншого, картини та художники, які позначили "до" і "після" своєю тематикою, технікою або зухвалістю, з якою вони намагалися шокувати публіку.

1. Мона Ліза або Джоконда - Леонардо да Вінчі

Музей Лувр, Париж

Безперечно, ця картина є однією з найвідоміших у світі і стала частиною популярної культури. Її використовують у рекламі, мультфільмах, телевізійних програмах, і це перший образ, який спадає на думку, коли ви думаєте про мистецтво.

Її створив один з найвідоміших художників в історії Леонардо да Вінчі (1452 - 1519) в епоху італійського Відродження, коли почали змінюватися техніки живопису та перспективи.

Фактично, Мона Ліза (1503-1510) встановила канон для портретів того часу, і да Вінчі надав їй великої виразності, зобразивши її ближче до краю картини та погравши з перспективами світла.

Вона також зосередилася на певних деталях, таких як майже непомітна вуаль, що вкриває її волосся, вишивка на декольте або блиск рукавів, що контрастує з розмитим пейзажем на задньому плані.

Хто є моделлю?

Хоча існує багато теорій щодо особи жінки, найбільш поширеною є та, що її замовив торговець шовком, який хотів мати портрет своєї дружини, Лізи де Джокондо. Картина так і не була передана родині, оскільки художник завершив її через кілька років.

Загадка обличчя Мони Лізи

Перше, що впадає в око на цій картині - загадкова посмішка. Втім, такий тип зображення був досить поширеним, оскільки положення рота і рук відповідає ідеалу цнотливості того часу, який також використовувався при написанні Богородиці.

Публіку зачарував її погляд, адже її очі мають вираз і блиск, незвичні для картин жінок того періоду.

Чим він завдячує своїй популярності?

Своєю популярністю ця робота завдячує кільком інцидентам. 1911 року її викрали і вона пропала на два роки, поки злодій не спробував її продати і її не знайшли. Зображення з'явилося в кількох тогочасних засобах масової інформації, і це призвело до її міжнародної популярності.

Тоді, у 1919 році, французький художник Марсель Дюшан був першим, хто втрутився в це, створивши свою роботу "L.H.O.O.Q." Він використав поштову листівку, яка відтворювала картину, і намалював на ній олівцем вуса і бороду. Цим жестом він прагнув порвати з баченням мистецтва як чогось сакрального. З того моменту він став об'єктом споживання, і сьогодні його можна побачити на всіх видах продукції.

Постійні атаки

Це одна з робіт, яка зазнала найбільше нападів. 1956 року чоловік кинув у неї камінь, розбивши захист і здерши фарбу з ліктя. Через пошкодження було вирішено захистити її броньованим склом.

Пізніше, у 1974 році, під час гастролей у Токіо, жінка на інвалідному візку облила його червоною фарбою, щоб показати своє роздратування відсутністю пандусів. У 2009 році росіянка кинула в нього чашку через своє невдоволення тим, що їй відмовили в громадянстві.

Останній напад стався у травні 2022 року, коли чоловік, замаскований під стареньку в інвалідному візку, кинув у неї торт на знак протесту проти зміни клімату.

Вас може зацікавити картина да Вінчі "Моналіса" або "Джоконда", "Скельна діва" Леонардо да Вінчі, Леонардо да Вінчі: 11 найважливіших робіт

2. зоряна ніч - Вінсент Ван Гог

MOMA, Нью-Йорк

Інтенсивність була однією з характерних рис Ван Гога (1853 - 1890). Його кар'єра тривала лише десять років, і за цей час він створив близько 800 картин і малюнків.

Голландського походження, він переїхав до Парижа, де відкрив свій стиль після знайомства з імпресіонізмом. Йому було притаманне створення фактур, очевидних мазків пензля, а також надання особливого значення кольору.

Замість того, щоб зображати реальність такою, якою він її бачив, він вирішив створювати форми зі своєї фантазії, показуючи життя у відтінках своєї уяви.

Як з'явилася ця картина?

Перебуваючи в санаторії Сен-Ремі, він написав картину "Зоряна ніч" (1889). Портрет природи завжди був дуже важливим для художника, але пов'язаний з його почуттями. Ось чому в цьому нічному пейзажі виділяється рух покручених і хвилястих ліній, а також використання глибоких кольорів.

Інтерпретація картини

Цікавим є контраст між містом і прямими лініями, що протистоять вигинам неба. Таким чином, картину можна інтерпретувати як зображення протилежних сил, як постійні зусилля і прагнення людини доторкнутися до зірок, які знаходяться за межами її розуміння.

Міф про божевілля

Навколо Ван Гога існує багато легенд, оскільки вважається, що його мистецтво походить від хвороби, божевілля і його труднощів у пристосуванні до світу. Такі епізоди, як той, коли він відрізав собі вухо, постійно згадуються, і це те, що дійшло до масової свідомості.

Однак його мистецтво було інструментом регулювання світу, воно було тим, що змушувало його зберігати здоровий глузд у світі, який не мав для нього сенсу.

Хоча він не здобув слави за життя, сьогодні його вважають одним з найвидатніших художників, а його картини продаються за мільйони доларів.

Вас може зацікавити картина Ван Гога "Зоряна ніч

3. "Крик" - Едвард Мунк

Національна галерея Осло

Норвезький художник Едвард Мунк (1863 - 1944) вважається частиною символістського мистецтва, але його роботи досліджували вираження людських страждань, що зробило його сильним впливом на рух експресіонізму.

"Крик" (1893) - його найвідоміша картина, і протягом багатьох років він створив кілька версій одного і того ж сюжету. Хоча це не зовсім красива картина і спочатку шокувала публіку, вона стала іконою популярної культури. Багато хто бачить в ній своєрідне передбачення всіх катастроф, що вразили 20 століття.

Що означає крик?

У цій роботі домінує суб'єктивність: людина в момент екзистенційного болю та відчаю. Пейзаж і все, що її оточує, кружляє і обертається, створюючи враження звуку через візуальний ритм.

Це також можна розуміти як зображення художника як незрозумілої і замученої істоти. Важливо враховувати, що Мунк втратив матір у ранньому віці, мав напружені стосунки з батьком, а також сімейну історію психічних проблем і депресій.

Чи кричить персонаж, чи приймає крик світу в жаху - це ще одне велике питання, дискусія, яка залишається відкритою для кожного глядача.

Як виникла ідея картини?

Для створення цього образу він спирався на особистий досвід: під час прогулянки сонце сідало, і художник відчув, як червоний колір неба передає нескінченний крик природи.

Андрогінна фігура створена на основі перуанської мумії, яку він побачив на виставці під час своєї поїздки до Парижа. Нечітко окреслені риси надихнули його на створення більш універсального об'єкта.

Крадіжки та вартість

Оригінал картини був викрадений у 1994 році, але знайшовся через два місяці; інша версія була викрадена в 2004 році і вважалася зниклою протягом двох років, поки не була знайдена.

Інша версія була продана на аукціоні в Нью-Йорку в 2012 році за 119,9 мільйонів доларів, що є однією з найвищих цін в історії мистецтва.

Вас може зацікавити картина "Крик" Едварда Мунка

4. "Поцілунок" - Густав Клімт

Палац Бельведер, Відень

Густав Клімт (1862 - 1918) - видатний представник віденського модерну. У той час Відень був одним з найважливіших культурних центрів світу, а мистецтво розривалося між традиціями та сучасністю.

Буржуазія була панівним соціальним класом, а її схильність до помпезності та розкоші означала, що такі художники, як Клімт, мали змогу виливати свою уяву у вражаючі роботи.

Так, художник зосередився на картинах, насичених деталями, з використанням золота, пишних фігур, великих портретів і відкрито дав простір сексуальності.

Коронація його золотої фази

Одна з речей, яка найбільше вражає тих, хто може побачити роботи Клімта на власні очі, - це повторюване використання золота, яке раніше використовувалося лише у візантійських іконах як характеристика божественності.

У "Поцілунку" (1907-1908) золото, що оточує пару, створює ілюзію скарбу, а гарний орнамент робить тему менш "табуйованою" і робить її успішною.

Що означає ця пара?

Вважається, що моделями на картині є сам Клімт та його коханка Емілія Фльоге, хоча він заперечував, що намалював себе.

Хоча спочатку вважалося, що робота представляє примирення статей та їхній союз, домінантна поза чоловіка і покірна позиція жінки заперечують цю ідею. Чоловік-модель, здається, скоріше підкорює її, а жіноча фігура стоїть на краю прірви із заплющеними очима в повній покорі.

З цієї причини є ті, хто постулює, що живопис прийшов, щоб підтвердити несумісність за своєю природою, звідси квадратні орнаментальні форми для чоловіків і круглі для жінок.

Вас може зацікавити Картина Густава Клімта "Поцілунок", найвідоміші роботи Густава Клімта (проаналізовано)

5 Народження Венери - Сандро Ботічеллі

Галерея Уфіцці, Флоренція

Алессандро Феліпепі на прізвисько Боттічеллі (1445 - 1510) був одним з найпопулярніших художників епохи Відродження, в цей час мистецтво зосередилося на зображенні міфів класичної античності, відійшовши від релігійних тем і надавши більшого значення людській природі.

Він працював на замовлення великих політичних та інтелектуальних родин Флоренції, таких як Медічі. Він був відомий тим, що зосереджувався на міфологічних сюжетах і малював фігури в натуральну величину, з великою точністю контурів і складок, наче це були скульптури, до яких глядач міг доторкнутися.

Богиня кохання

Ця картина (1485 - 1486) відсилає нас до Венери, римської богині кохання, краси та родючості. Згідно з міфом, Венера з'явилася з морської піни, коли Кронос відрізав геніталії її батька Урана і кинув їх у море.

Картина відтворює її прибуття на сушу. Ліворуч - бог вітру Зефір та богиня вітру Аура. Вони підштовхують Венеру до берега. На суші на неї чекає Весняна година, яка вкриє її своєю мантією.

Богиня прибуває в мушлі, символі жіночої родючості, а також роздає по дорозі квіти, оскільки вважається, що троянди вперше зацвіли завдяки її народженню.

Ідеал краси жінки епохи Відродження

При створенні Венери Боттічеллі надихався Симонеттою Веспуччі, яку вважали однією з найкрасивіших жінок Флоренції того часу.

У той час оголеність допускалася лише в релігійних уявленнях, тому ця картина була досить новаторською і є першою профанною - повністю оголеною - оголеною в епоху Відродження.

Вона стала частиною колективної уяви завдяки своїй чуттєвості, яка зумовлена не лише тим, що вона оголена, але й її поставою. Венера нахиляє стегна вправо, а голову вліво, скромно прикриваючи свої інтимні місця. Відчуття легкості досягається також завдяки зображенню хвилястого волосся та складок одягу на вітрі.

Вас може зацікавити картина "Народження Венери" Сандро Боттічеллі

6. дівчина з перловою сережкою - Йоганнес Вермеєр

Королівська картинна галерея Мауріцуїс, Гаага

Йоханеса Вермеєра (1632 - 1675) вважають живописцем інтимності. Він зосереджувався на зображенні сцен у приміщенні, де персонажі займаються буденними справами, такими як гра на інструменті або читання листа. Багато його сюжетів перебувають у процесі дії, надаючи сценам певної оповідності, щоб глядач міг грати зі змістом.

Хоча йому приписують лише 36 картин, він став одним з найбільш шанованих художників сучасності.

"Голландська Мона Ліза

"Дівчина з перлиною" (1665 - 1667) стала надзвичайно відомою і являє собою портрет загадкової молодої жінки з сугестивним поглядом. Дівчина дивиться прямо на глядача, її рот злегка відкритий, ніби вона розмовляє з аудиторією. З іншого боку, нахилена голова створює враження, що вона поглинута власними думками.

Нейтральне, темне тло дозволяє його образу виділятися і створювати фотографічний ефект. Його одяг має східний стиль, а синя чалма відсилає до моди того часу в Європі, де високо цінувалася екзотика.

Перлина також є ключовим елементом оповіді, адже хоча молода жінка приваблює своєю чуттєвістю, сережка є символом цнотливості.

Курйози

У 2003 році на екрани вийшов фільм Дівчина з перлиною Фільм зі Скарлетт Йоханссон і Коліном Фертом у головних ролях відтворює у вигаданій формі історію картини.

Вас може зацікавити "Дівчина з перлиною" Йоганнеса Вермеєра, Найвідоміші роботи Йоганнеса Вермеєра (проаналізовано)

7. Las meninas - Дієго Веласкес

Музей Прадо, Мадрид

Веласкес (1599 - 1660) є одним з найвизначніших художників іспанського бароко, а "Жінки" (1656) - одна з найзагадковіших робіт в історії мистецтва. Кілька художників створили власні версії, зокрема Гойя, Дега, Мане і Далі. Також було запропоновано численні інтерпретації, в тому числі філософ Мішель Фуко з його книгою Слова і речі .

Портрет про мистецтво портретного живопису

Найцікавіше в цій картині - її перспектива: Веласкес мав сміливість зобразити себе в межах картини, намагаючись прославити свою діяльність і своє мистецтво.

Робота розміщена в королівському палаці Алькасар у Мадриді. Художника можна побачити з лівого боку, він стоїть спиною до полотна і дивиться вперед. В іншій частині композиції зображені різноманітні персонажі, серед яких інфанта Маргарита, її фрейліни або меніни, придворні карлики і собака.

Шматок полотна також можна побачити з лівого боку, так що глядач приймає перспективу натурника, але на задньому плані є дзеркало, в якому відображаються королі Іспанії, що наводить на думку про те, що картина присвячена їм.

Роль глядача

Найбільше вражає в цій роботі те, що вона прямо запитує глядача, ніби Веласкес малює кожну людину, яка стоїть перед картиною. Більше того, картина величезна і зображує своїх персонажів у натуральну величину.

Інший аспект, який створює ілюзію присутності всередині сцени, пов'язаний з поглядами. Погляд художника виявляє гордість і впевненість у собі, він пильний, в той час як інші персонажі також уважно дивляться, ставлячи глядачів у роль королів, що є великою сміливістю для тогочасних протоколів.

Вас може зацікавити Картина Las meninas Дієго Веласкеса, Картина La venus del espejo Дієго Веласкеса, Diego Velázquez

8. створення Адама - Мікеланджело Буонаротті

Сикстинська капела, Рим

Мікеланджело (1475 - 1564) був одним з найвидатніших митців епохи Відродження, для якого характерне поєднання класичної греко-римської традиції з християнськими мотивами. Він був архітектором, живописцем і скульптором. Деякі з його творів є частиною колективної уяви, наприклад, скульптура Давида і П'єта.

Контекст створення

Папа Юлій ІІ замовив художнику розпис склепіння Сікстинської капели у Ватиканському палаці, де відправлялися папські меси та зустрічалися головні церковні сановники.

Робота тривала три роки і складається з понад 300 фігур зі Старого Заповіту і донині вважається одним з найвідоміших зображень творіння.

Що показує ця картина?

На цій фресці (1511 р.) зображено момент, коли Бог дає життя Адаму, доторкнувшись до нього пальцем. Одним з великих нововведень було представлення фігур горизонтально, оскільки Господь завжди знаходився у вищому положенні.

Бог наближається до землі у супроводі ангелів та жінки, яку ідентифікували як майбутню Єву, яка, хоча ще не існувала, але вже була в уяві Творця.

Легкість, динамічність і сила, з якою зображений Бог, контрастує з досить млявою позою Адама, який, здається, докладає великих зусиль, щоб дотягнутися до своєї руки. Цей чоловік, розміщений на землі на камені, отримує життєву енергію.

Портретна досконалість

У той період портрет Адама вважався ідеалом надприродної краси, завдяки вищості його форм, тоді як Бога уявляли сильним і динамічним старцем, чия постава створює враження ширяння у просторі.

Кількість деталей, які можна знайти в обличчях, волоссі та одязі, вражає. Хоча картина була на стелі і її можна було побачити лише з великої відстані, Мікеланджело дуже зосередився на досконалості лінії.

Вас може зацікавити фреска Мікеланджело "Створення Адама

Нічна варта - Рембрандт Харменсзон ван Рейн

Національний музей Амстердама

Рембрандт (1606 - 1669) був одним з найвидатніших представників мистецтва бароко, для якого характерне використання світлотіні та створення творів у русі. Це були картини, сповнені контрастів і драматизму, немов театральна сцена, що намагається відобразити емоційну напруженість моменту.

Портрет у русі

"Нічна варта" (1639 - 1642) є чудовим прикладом Золотого віку голландського мистецтва, завдяки напрузі, яку можна спостерігати в групі.

Його замовила військова рота, яка відповідала за безпеку міста. Замість того, щоб написати портрет у класичній манері, Рембрандт вирішив погратися з композицією та додати динаміки фігурам, наче вони перебувають у русі, збираючись вирушити у своїх справах.

Плутанина з назвою

Початкова назва - "Військова рота капітана Франса Баннінка Кока і лейтенанта Віллема ван Руйтенбурга", дія картини відбувалася серед білого дня. Згодом вона стала популярною як "Нічна варта", оскільки накопичення бруду і окислення лаку зробили її схожою на нічну сцену.

Напади

У 1957 році чоловік завдав їй кілька ножових поранень, і, хоча її відновили, сліди все ще можна побачити. Потім, у 1990 році, інший чоловік облив її кислотою, завдавши поверхневих ушкоджень.

Курйози

Режисер Пітер Грінуей зняв фільм Нічна варта. у 2007 році, в якому він зобразив життя Рембрандта та історію цієї картини. Фільм грає з естетикою художника, і кожна сцена виглядає як одна з його картин. Потім, у 2008 році, він зняв документальний фільм про цю ж роботу під назвою Рембрандт's J'accuse в якому він досліджує власну інтерпретацію.

10. Авіньйонські дівчата - Пабло Пікассо

MOMA, Нью-Йорк

Пабло Пікассо (1881 - 1973) заклав основи першої революції в мистецтві, створивши картину "Авіньйонські дівчата" (1906 - 1907), яка відкрила двері кубістичному руху. Він став першим художником, який відійшов від правил емпіричного просторового зображення, природних кольорів і відтворення пропорційних тіл.

Інший спосіб оцінити наготу

Кубізм переслідує пластичні цілі, що включають різні перспективи художника при спостереженні за зображуваним об'єктом. Це вже не мистецтво імітації, а особиста репрезентація, саме тому цей живопис цікавиться не чуттєвістю, а дослідженням реальності через геометричні лінії в просторі.

Назва роботи відсилає до борделів Барселони. На ній зображено п'ять повій, які пропонують себе безпосередньо глядачеві, з розчепіреними ногами або піднятими вгору руками, демонструючи груди. Форми тіл незграбні та непропорційні, обличчя натякають на маски і не відповідають правилам перспективи, так, ніби вони зображені одночасно у фас і в профіль.час.

Знакова робота

Цю картину свого часу відкинули через непропорційне переважання плотських мотивів та незвично великий формат (понад два метри завдовжки). Однак сьогодні вона вважається однією з ключових в історії мистецтва, оскільки дала початок багатьом авангардним течіям 20 століття. Незважаючи на те, що вона пролежала 10 років, оскільки нікого не цікавила, її оцінюють у межах 500-1000 євро.мільйон.

Вас може зацікавити "Авіньйонські панянки" Пабло Пікассо

11. стійкість пам'яті - Сальвадор Далі

MOMA, Нью-Йорк

Сальвадор Далі (1904-1989) - один із найвидатніших представників сюрреалізму, мистецької течії, що виникла у міжвоєнний період і запропонувала мистецтво, відірване від раціональної логіки та зосереджене на розкритті підсвідомості людини.

Наслідуючи теорії Фройда, робота мала стати суб'єктивним дослідженням, в якому об'єкти позбавлялися їхнього повсякденного уявлення і вивчалися як символи.

Час і пам'ять

У фільмі "Персистентність пам'яті" (1931) годинник, що тане, показує, що хоча час є універсальною цінністю, він може відчуватися суб'єктивно, залежно від людини та обставин.

Дійсно, час пластичний, а пам'ять - це спосіб позначення часу за примхою людини, яка зберігає ці спогади.

Символи всередині коробки

На картині є й інші важливі символи: у центрі - силует сплячого, який відповідає профілю самого художника. Це натяк на сон як новий простір, у якому час є гнучким.

З іншого боку, з лівого боку можна побачити єдиний годинник, який не тане; він перевернутий догори дном і повний мурах. Ці комахи часто використовувалися Далі як символ гниття, тому він робить жест на застарілість універсально керованого часу.

Вас може зацікавити Пам'ятні картини Сальвадора Далі

12. Підступність образів - Рене Магрітт

Музей мистецтв округу Лос-Анджелес

Рене Магрітт (1898 - 1967) - один з найбільш революційних художників 20-го століття, учасник сюрреалістичного руху, який присвятив себе дослідженню виразних можливостей реальності.

Згідно з його концепцією, мистецтво - це живопис ідей, тому він надавав особливого значення рефлексії над таємницею, а також мові та її репрезентації.

У роботі "Зрада образів" (1928 - 1929) він у простий спосіб посилається на абстрактні поняття, які обговорювали лінгвісти та філософи мови в цей період. Для цього він показує трубку, а нижче підпис: "Це не трубка".

Що означає ця картина?

Раніше західне мистецтво характеризувалося репрезентативним зв'язком, тобто труба малювалася як посилання на трубу. Однак сучасність кинула виклик цим категоріям.

У цій картині він натякає на мову та її референтність. Мова має здатність створювати реальність, так само як і зображення. То що ж важливіше, зображення чи слово, яке його позначає?

У своїх роботах Магрітт заявляв: "Хто може курити люльку на одній з моїх картин? Ніхто. Тому це НЕ ЛЮЛЬКА". Таким чином, він змушує нас замислитися над тим, що все, що ми бачимо і читаємо, відповідає суб'єктивній репрезентації реальності, забарвленій баченням художника.

Вас може зацікавити: Картини, щоб зрозуміти таємницю Рене Магрітта

13. дві Фріди - Фріда Кало

Музей сучасного мистецтва, Мехіко

Фріда Кало (1907 - 1954) - одна з найвизначніших художниць нашого часу. У своїх роботах вона досліджувала сюрреалізм, натякаючи на своє життя і деякі трагічні події, такі як нещасний випадок у віці 18 років, який залишив її лежачою більше року, або постійні викидні. З цієї причини вона культивувала автопортрети, в образах яких біль, втрати ісмерть.

З часом її творчість набула великої сили для репрезентації жіночої та латиноамериканської уяви, яка багато років перебувала поза мистецьким каноном.

Сьогодні художниця є культовим об'єктом і стала частиною ринку, в тисячах об'єктів, що представляють її фотографію або картини.

Що уособлюють дві Фріди?

Ця робота (1939) - автопортрет двох особистостей художниці, завершений невдовзі після її розлучення з Дієго Ріверою, що відображає кризу її ідентичності.

На правій стороні зображена сторона, яку кохав її колишній чоловік, мексиканка Фріда в костюмі Техуани, яка тримає в руці амулет з портретом Рівери, а на лівій стороні - Фріда в мереживній сукні, яка представляє свою сторону, як незаміжня жінка.

Серця обох оголені і з'єднані артерією, незаміжня Фріда стікає кров'ю від втрати.

На задньому плані зображено загрозливе дощове небо, що відсилає до болю, який вона пережила в цій подвійності, і до спроби віднайти та визначити себе як автономну істоту.

Вас може зацікавити Cuadro Las dos Fridas de Frida Kahlo (Дві Фріди Фріди Кало)

14. Сніданок на траві - Едуард Мане

Музей Орсе, Париж

Початок модернізму в мистецтві був покладений у 1863 році картиною "Сніданок на траві", яка стала скандалом для мистецької сцени того часу.

Едуард Мане (1832 - 1883) був великим попередником імпресіоністів, завдяки використанню вільних мазків, які роблять фігури незавершеними, але більш живими.

Картина має розмір 214 х 219 см, і робота такого розміру з таким поширеним сюжетом ніколи раніше не була написана.

Чому це викликало скандал?

Ця картина була прямою провокацією академізму, який стверджував, що для того, щоб показати жіночу оголену натуру, вона має бути в символічному, релігійному або класичному контексті.

Це звичайна сцена, де група людей насолоджується трапезою в парку, але в той час як чоловіки одягнені за модою того часу і відволікаються на розмови, жінка дивиться прямо на глядача в зухвалій манері.

Ця робота була виставлена на "Salon des Refusés", виставці робіт, відхилених для Паризького Салону, щорічної виставки, організованої Французькою академією. Вона стала великим успіхом того року і знаменувала собою зміну тем і форматів, які дозволяло мистецтво.

15. Враження, Схід сонця - Клод Моне

Музей Мармоттана, Париж

Ця картина є однією з найвідоміших в імпресіоністичному русі, який прагнув відійти від канону, встановленого Академією, і запропонувати більш сучасний погляд на світ.

Клод Моне (1840 - 1926) був одним із перших, хто почав використовувати вільні, швидкі та прямі мазки, зображуючи безпосередні, "живі" сцени подій або повсякденні фігури, майже як замальовки.

Зміна перспективи

Для цієї групи головним було писати безпосередньо з натури, прагнучи зафіксувати ефемерні враження та настрої, а тому вони надавали життєво важливого значення використанню світла та кольору, чи то на воді, чи то на певних рослинах, чи то на місцях у місті.

Це був технічний прогрес, який дозволив їм працювати просто неба, адже в 1841 році з'явилися фарби в металевих тюбиках, які можна було запаювати, тож більше не потрібно було переносити пігменти чи робити суміші, що полегшило пересування.

Картина, що дала назву руху імпресіоністів

Ця робота була виставлена в 1874 році і викликала публічний скандал. Мистецтвознавець Луї Леруа на підставі цієї картини зневажливо назвав усю групу "імпресіоністами". Художники вирішили зробити цю назву своєю, і з нею вони увійшли в історію як перша течія, що розірвала з попереднім мистецтвом.

Вас може зацікавити Клод Моне та його творчість

16. "Сад земних насолод" - Ель Боско

Музей Прадо, Мадрид

"Сад земних насолод" (1503 - 1515) - найвідоміша картина Босха (1450 - 1516), одного з найзагадковіших художників в історії, завдяки своїй вражаючій образності, враховуючи період його створення. Багато фігур виглядають як щось із сучасного сюрреалістичного живопису.

Що являє собою кожен сегмент?

Цей триптих заснований на Біблії і має гріх як спільний знаменник. Спостерігач може легко загубитися в кількості елементів, які можуть здатися непосильними.

На першому панно зображено Адама і Єву в момент, коли вони були представлені Богом, до скоєння першого гріха. На середньому панно зображено фальшивий рай, наповнений насолодами, дивними створіннями і розпустою. У цій сцені переважає еротика і хіть. Нарешті, на останньому вівтарному панно зображено пекло, до якого потрапляють грішники.

Моралізаторський намір

П'єса мала на меті повчати і тішити, і, найімовірніше, була замовлена до весілля графа Генріха ІІІ Нассау-Бреди. У ті часи такі вистави використовувалися для того, щоб навчити молоде подружжя про небезпеку хтивості та надмірностей.

Вас може зацікавити "Сад земних насолод" Босха.

17. "Мерилін" - Енді Воргол

Тейт Модерн, Лондон

Енді Воргол (1928 - 1987) - провідний представник поп-арту. Його творчість була зі скандалом сприйнята тогочасними інтелектуальними колами. Однією з головних критик була зневага до творчої суб'єктивності, а також любов до грошей і знаменитостей.

Він створив себе як штучного персонажа, оскільки носив сиву перуку, сонцезахисні окуляри і мав безпристрасну позицію.

Що таке поп-арт?

Поп-арт тріумфував у 1960-х роках і зарекомендував себе як революція, адже це була перша мистецька течія, яка оспівувала популярне, ефемерне, дешеве, масове та надумане. Таким чином, мистецькі твори долучилися до ринку і перестали шукати глибокий сенс.

Що мав на увазі Воргол у своїй Мерилін?

Цей рух оспівував усе, що походило від суспільства споживання, тому Мерилін Монро була постійною темою в репертуарі художника. Він створив кілька робіт, присвячених їй, використовуючи техніку шовкографії, в якій відтворював зображення в кольорі.

"Мерилін" (1964) функціонує як символ американської культури тих років, представляючи час, в якому панувала знаменита американська мрія, але також проглядається трагедія, яка за нею крилася. Хоча жінка стала іконою, слава привела її до саморуйнування.

За іронією долі, Воргол увічнив актрису цією картиною, і вона стала частиною того самого колеса споживання, яке він намагався викрити, оскільки сьогодні її можна побачити на різних об'єктах і в рекламі.

Вас можуть зацікавити знакові роботи Енді Воргола

18. чорний квадрат - Казимир Малевич

Державна Третьяковська галерея, Москва

Саме цей живопис дав початок руху супрематистів, художників, які вирішили довести простоту до її максимального вираження. Вони прагнули до верховенства форми, а не до зображення видимого світу.

У "0.10 Остання виставка футуристів" Казимир Малевич (1879 - 1935) представив супрематизм групою картин, в яких кубізм, здавалося, радикально зменшився: це була чиста геометрична форма.

Таким чином, художник став батьком руху і відкрив перші роботи, абсолютно вільні від будь-яких образних посилань.

"Чорний квадрат" (1915) був повішений у кутку між двома стінами під самою стелею, у місці, яке в російській традиції відведене для релігійних ікон. Таким чином, він ставив під сумнів категорію, в якій слід розглядати мистецтво.

Хоча її сильно критикували за те, що картина натякає на небуття, сьогодні зрозуміло, що це не порожній твір, а радше символ відсутності.

Коротке життя супрематизму

На початку російської революції художники мали повну свободу самовираження, що призвело до концептуальних експериментів. Однак супрематизм піддавався гострій критиці як буржуазне мистецтво, незрозуміле пролетаріату і позбавлене будь-якої мети. Він був підданий цензурі і замінений соціалістичним реалізмом, який служив ідеологічним цілям партії.

Вас може зацікавити: Супрематизм: визначення, характеристики та приклади

19. жовтий, червоний і синій - Василь Кандинський

Центр Помпіду, Париж

Василь Кандинський (1866 - 1944) - одна з найвидатніших постатей абстрактного експресіонізму. Згідно з традицією, мистецтво було пов'язане з мімезисом: відтворенням світу таким, яким його бачили, але тепер воно було звільнене від образності, щоб виражати емоції через вільні форми.

Теорія абстрактного мистецтва

У 1912 році він опублікував книгу Про духовне в мистецтві Живопис виходив із внутрішнього "я" художника, і кожна композиція живилася кольорами, які функціонували як символи, що породжували емоції та відчуття.

Кандінський надихався музикою, тому прагнув відтворити музичні еквіваленти: каденції, ритми, контрасти. Ось чому в його картинах переважає хаотичне розростання: вибух кольорів, плям і яскравих форм, які перетворюють картину на рухомий об'єкт.

Картина, відкрита для багатьох інтерпретацій

Оскільки його роботи були композиціями, вільними від сенсу, він прагнув викликати у глядача емоції. При перегляді його картин глядач повинен дозволити собі спокуситися формами і кольорами, підключивши до них свою уяву і особисті почуття.

У "Жовтому, червоному і синьому" (1925) можна побачити два дуже помітні полюси: на лівій стороні - світло і більш відкриті лінії, в той час як на правій стороні форми заплутані, кольори затемнені і переплутані. Таким чином, це можна інтерпретувати як обидві сторони людської свідомості, в якій переважає світло, а в іншій - хаос.

Символи

Кандинський завжди приховував у своїх картинах символи, як-от зображення човна та веслярів, яке можна побачити в різних частинах цієї картини. Він зображений у вигляді кривої з кількома лініями, що проходять через неї, і означає здатність людини долати труднощі.

Вас може зацікавити: Кандинський та абстрактне мистецтво: 11 найважливіших робіт

20. "Нічні блукачі" - Едвард Хоппер

Чиказький інститут мистецтв

Едвард Хоппер (1882-1967) - видатний представник американського реалізму, який у своїй творчості прагнув зобразити сучасне життя, в якому переважає місто і звичайна людина. Його картини називають метафорами тиші, оскільки вони показують самотність і буденність людини перед обличчям реальності.

Що вона нам показує?

У фільмі "Ноктюрни" (1942) ми бачимо типовий американський бар-кафе. Навколо безлюдні вулиці і вимкнене світло. Ніч освітлює лише заклад, в якому перебувають троє відвідувачів і офіціант, які не спілкуються між собою.

Глядач виступає в ролі зловмисника, оскільки перспектива картини нагадує сцену, побачену ззовні, і саме вікно уможливлює видимість.

Що особливого в цій картині?

Вона здобула популярність завдяки своїй тематиці, адже зображує самотність у великому місті. Хоча це доволі лаконічний образ, він створює певну психологічну напругу, адже за простотою глядач може вгадати інтригуючу історію.

Роботи Хоппера порівнюють з деякими великими оповідачами 20-го століття, такими як Хемінгуей, Чівер і Карвер, представниками американської реалістичної літератури, в яких можна знайти ту ж атмосферу, що і в його картинах.

Вас може зацікавити: Едвард Хоппер: 7 картин про сучасне життя

Бібліографія

• Боланьос, Марія (2007). Інтерпретація мистецтва через шедеври та найбільш універсальних митців Контрапункт.
• Dúchting, Hajo (1999). Кандинський. Ташен.
• Фішер, Стефан (2018). Повне зібрання творів Босха. Ташен.
• Грьомлінг, Олександра та Лінгеслебен, Тільман (2007). Великі майстри італійського мистецтва: Боттічеллі Х.Ф. Ульман.
• Генріх, Крістоф (1994). Моне Ташен.
• Хольцварт, Ганс Вернер і Ташен, Ласло (Ред.) (2011). Сучасне мистецтво: історія від імпресіонізму до наших днів Ташен.
• Кеттенманн, Андреа (2013). Фріда Кало Ташен.
• Мейріс, Жак (2007). Магрітт. Ташен.
• Нере, Жиль (2002). Дали. Ташен.
• Нере, Жиль (1993). Клімте. Ташен.
• Реннер, Рольф Г. (2015). Хопер. Ташен.
• Шнайдер, Норберт (2010), Вермеєр: Повне зібрання творів, Ташен.
• Вальтер, Інго Ф. (2011). Ван Гог Ташен.
• Вольф, Норберт (2011). Веласкес Ташен.
• Зельнер, Франк (2007). Леонардо да Вінчі . Повна живописна та графічна робота Ташен.
• Зельнер, Франк та Тоенс, Крістоф (2010). Життя і творчість Мікеланджело Ташен.