У 1960s у США виник мистецький рух, в якому інтелектуальна пропозиція була важливішою за саму роботу. Це були роботи, в яких ідея переважала над матеріальним втіленням.

Це призвело до нехтування ручними навичками та відсутності естетичних міркувань у творах. Метою було шокувати публіку та змусити її активно взаємодіяти у пошуках сенсу.

Ця зміна мала витоки в європейських авангардних рухах, але міцно закріпилася до Більшість мистецтва сьогодні базується на концепціях, запропонованих кожним автором.

Вас може зацікавити: Сучасні художники, які вплинуть на вас

Передумови

20 століття докорінно змінило погляд на мистецтво. Поряд зі стрімкими змінами у світі (такими як промислова революція та наукові відкриття), художники прагнули відірватися від традицій.

Насправді ж, у авангард змінила уявлення про те, що можна розуміти під мистецьким твором, просуваючи свобода вираження поглядів Так, такі течії, як футуризм, кубізм і сюрреалізм, серед іншого, виступали за трансформацію медіа, методів і способу підходу до суб'єктивності.

Одна з великих революцій цього періоду відповідає Джерело (1917), Марсель Дюшан (1887 - 1968), який був одним із засновників перший в історії твір концептуального мистецтва.

В якості провокації художник купив пісуар і вирішив встановити його на виставці, порушивши канони очікуваного від мистецтва, представивши промисловий об'єкт як витвір мистецтва.

Тейт Модерн, Англія

З цього моменту і далі, робота перестала бути творінням художника і стала естетичним досвідом, що кидає виклик глядачеві. Найважливішою була не якість чи композиція, а вираження ідеї, яка прагнула сколихнути аудиторію.

Тому вже не мало значення, чи творив художник своїми руками, чи використовував елементи, які вже існували самі по собі, адже головним було розірвати з тим, що було визначено академією. Це і є зародження "готовий", знайдений об'єкт, який набуває сенсу, коли його аранжує художник.

Вплив Дюшана на сучасне мистецтво був життєво важливим, оскільки він став інструментом критики. Його пошуки були пов'язані з передавати ідеї та змушувати людей думати а також обігравати та переосмислювати те, що виробляв ринок.

Виникнення концептуального мистецтва

Термін "концепт-арт" вперше з'явився в США в 1961 році, коли художник Сол Левітт першим виставив свої постулати на виставці Параграфи про концептуальне мистецтво (1967) y Висловлювання про концептуальне мистецтво (1969) . У них він стверджував, що ідея було стати рушійна сила мистецтва На його думку, концептуальні художники є радше містичними, ніж раціональними, вони доходять висновків, яких не може досягти логіка.

Тоді, у 1969 році, Джозеф Косут заявив, що "з часів Дюшана все мистецтво є концептуальним, тому що воно існує лише концептуально". Таким чином, творчість стає ментальним викликом, в якому Найважливішим аспектом є підхід до роботи. Через це, в рамках проекту матеріальна реалізація стає зайвою турботою .

Художники також вирішили критикуючи традиційні форми маркетингу Відтоді найважливішим став вплив на широку громадськість.

Приклади

1. один і три стільці - Йосип Кошут

Джозеф Косут (США, 1945) - один з найактуальніших художників руху. У своїй творчості він вирішив відмовитися від наміру створити щось прекрасне. Його пропозиції намагалися розуміти природу мистецтва та надавати аналітичні пропозиції .

У 1965 році він виставив Один і три стільці важливим елементом у розумінні складність представлення У виставковій залі він встановив дерев'яний стілець, фотографію цього ж стільця і плакат з визначенням слова "стілець".

Таким чином, він змусив глядача замислитися над тим, як ми розуміємо світ, ставлячи питання: що таке стілець, чи є він об'єктом, його визначенням або його репрезентацією? Таким чином, він грав не тільки з тим, що ми розуміємо під мистецтвом, а й з мовою як інструментом, здатним творити реальність.

2. справжній митець допомагає світові, відкриваючи містичні істини - Брюс Науман

Брюс Науман (1941) почав свою кар'єру з концептуальних інсталяцій, за його власними словами: "Мистецтво - це те, що художник робить у своїй майстерні". Згідно з цією передумовою, будь-яку пропозицію можна вважати твором, оскільки вона не потрібно нічого, окрім ідеї.

Музей Крьоллера-Мюллера, Нідерланди

У 1967 році він створив цю скульптуру з неонових трубок, на якій можна прочитати фразу "Справжній художник допомагає світові, відкриваючи містичні істини". За допомогою неї він хотів проблематизуючи місце творців у сучасній реальності . від іронічний спосіб привласнив уявлення про митця як міфічну істоту який своєю працею здатен трансформувати суспільство.

У той час, коли масове виробництво і відсутність ідентичності почали поширюватися, він вирішив погратися з інструментами пропаганди і використати той самий формат, що і в рекламі.

Таким чином, формуючи свій твір з матеріалів сучасного світу та ідеалів минулого, він постулював протиставлення високої та низької культури. Таким чином він продемонстрував, що те, що розуміється як мистецтво, є відкритим для можливостей, які здатен уявити його автор.

3. Розкиданий шматок - Роберт Морріс

Хоча Роберт Морріс (США, 1931 - 2018) був художником, який досяг успіху в мінімалізмі, він також створив кілька концептуальних інсталяцій.

У 1969 році він виставив Розкидані шматки. У залі галереї Кастеллі в Нью-Йорку він розмістив кілька об'єктів, виготовлених із шести металів: сталі, свинцю, цинку, міді, алюмінію та латуні. Вони були створені випадково, оскільки Морріс використовував монету та телефонний довідник, щоб визначити довжину, ширину та товщину.

Зі свого боку, проект розташування фігур залежало від простору Насправді, художник заявив, що його керівництво не було потрібне для визначення цієї деталі, оскільки він слідував випадковий шаблон.

Того ж року він опублікував есе Антиформа в якому він стверджував, що твір мистецтва залежав від матеріалів і процесу, а не від його реалізації Тому його великим натхненням була крапельна техніка Джексона Поллока та техніка заливки Моріса Луїса, яку він намагався перенести в сучасну скульптуру.

Таким чином, у цій інсталяції він вирішив пограти з елементами, взятими з мінімалістичного мистецтва, щоб виставити їх перед публікою і зробити алюзія на сучасну реальність, де панує ефемерність і марнотратство.

Вас може зацікавити: Мінімалістичне мистецтво: історія та приклади

4. Global Groove - Nam June Paik

Нам Джун Пак (Південна Корея, 1932 - 2006) був одним з найвідоміших провідні експоненти відеоарту. Цей стиль характеризується використанням технологій для створення роботи, в яких основний акцент зроблено на візуальному та аудіальному сприйнятті .

У 1964 році Пайк переїхав до Нью-Йорка, де почав експериментувати зі створенням скульптур з телевізорів. колажі звук, в якому він змішував класичну музику зі всілякими шумами.

У 1973 році він виставив інсталяцію під назвою Global Groove Ця робота була виконана на замовлення уряду Сполучених Штатів в рамках програми зближення народів, тому художник використав образи з різних культур серед яких індіанський барабанщик Навахо, афроамериканський боксер, корейські танцюристи, танцюристи гоу-гоу та реклама Пепсі-Коли.

Матеріал був отриманий з суспільних мовників та нарізки з власних робіт. Крім того, він вирішив додати ефекти за допомогою синтезатора, так що деякі фігури були спотворені, помножені та накладені. Таким чином,.., започаткував естетику, що поєднувала рекламні ролики та музичні кліпи, який через роки був вдосконалений MTV.

Послідовності передавалися дуже швидко, що ускладнювало їх засвоєння. Роблячи це, Пайк намагався викрити сучасна інформаційна модель де надлишок. На початку голос у вимкнено сказав він:

Це погляд на новий світ, який буде існувати, коли ми зможемо синхронізувати всі телеканали.

Таким чином, Пайк випередив сучасну реальність, в якій одним кліком можна отримати доступ до всієї інформації, доступної в мережах. З того часу художник критикував систему, яка перешкоджає спогляданню та рефлексії над тим, що споживається.

Урна династії Хань з логотипом Coca-Cola - Ай Вейвей

Ай Вейвей (Китай, 1957) - один з найвідоміших сучасних художників у світі. Після свого візиту до Нью-Йорка він познайомився з готові вироби Ці впливи були життєво важливими для створення Урна династії Хань з логотипом Coca-Cola 1994.

Назва вказує на те, що поєднання двох культур З одного боку, це стосується мистецтво предків своєї країни з посиланням на посудину часів династії Хань (206 р. до н.е. - 220 р. н.е.). До цього додається елемент популярна західна культура яка натякає на систему споживання та брендингу, що домінує в сучасному світі.

Приватна колекція

За допомогою мінімального втручання він досягнув широкого спектру значень. На матеріальному рівні він просто намалював від руки класичні літери Coca-Cola, відображаючи таким чином культурно-політичні відносини між Китаєм і західним світом.

Аналогічно, це роздуми про динаміку, яка генерується між традиції та прогрес У "The урна можна розуміти як символ історії Китаю, в той час як Логотип представляє капіталістичне суспільство Заходу.

Іншим важливим аспектом є розмежування між ремеслом і мистецтвом. У той час як китайська кераміка мала певні культурні та естетичні цінності, символ Coca-Cola - це кивок у бік поп-арту. власну культурну спадщину маркують західним знаком Тому саме громадськість має проаналізувати, чи збільшує або зменшує цінність мистецького об'єкту суміш, чи ні.

6. Cuace - Олафур Еліассон

Хоча концептуальне мистецтво виникло в 1960-х роках, це стиль, який дуже живий і сьогодні. Це можна побачити в інсталяціях художника Олафура Еліассона (Данія, 1967), в яких він прагне до того, щоб втручатися в простір і наближати людей до природних явищ, таких як світло і вода.

У 2014 році в Музеї сучасного мистецтва Луїзіани (США) виставляв Водний шлях Він хотів перемістити зовнішнє середовище в закритий простір. Його ідея полягала в тому, щоб поставити під сумнів досвід відвідування музею чи художньої галереї як пасивної діяльності.

З цієї причини, запросили глядача прогулятися виставкою Йдеться про те, щоб насолоджуватися пейзажем і дозволити собі бути захопленим чуттєвим досвідом, дозволяючи глядачам рефлексувати над тим, що вони пережили.

Біографія

• Хольцварт, Ганс Вернер і Ташен, Ласло (Ред.) (2011). Сучасне мистецтво: історія від імпресіонізму до наших днів Ташен.
• Калина, Річард (2010), "Роберт Морріс: Порядок безладу", Art in America, 26 квітня.
• Вайс, Джеффрі (2012) "UNTITLED (SCATTER PIECE) 1968-69", Art Unlimited, № 43, 14 - 17 червня.
• Зельдес, Джейсон (2019). Анотація. Сезон 2, епізод 1: "Олафур Еліассон: Дизайн мистецтва" Netflix.