Wielka rewolucja malarska renesansu miała miejsce w XV wieku, znanym jako Quattrocento. W atmosferze rosnącej ciekawości intelektualnej, doskonałość i rozpowszechnienie malarstwa olejnego umożliwiły wykorzystanie płótna jako podpory, dzięki czemu malarstwo mogło zostać uwolnione od ścian, co sprzyjało prywatnemu kolekcjonowaniu.

W ten sposób powstały nowe gatunki, takie jak portret, narodziło się zainteresowanie pejzażem i martwą naturą, choć jeszcze nie jako niezależnymi gatunkami. Pojawiły się również akty oraz mitologiczne, historyczne i alegoryczne tematy niechrześcijańskie. Tematy religijne nadal były na porządku dziennym, ale z antropocentrycznego podejścia.

Poniżej znajduje się chronologiczny przegląd najsłynniejszych obrazów renesansu, aby uchwycić wkład i innowacje każdego artysty oraz ewolucję stylu w czasie.

1. Święta Trójca z Matką Bożą, św. Janem i darczyńcami autorstwa Masaccio (1425-1427)

Masaccio: Święta Trójca z Matką Bożą, św. Janem i darczyńcami (fragment), 1425-1427, fresk, 667×317 cm, Bazylika Santa Maria Novella, Firenze

Fresk Trójca Święta, z Dziewicą, św. Janem i darczyńcami reprezentuje punkt wyjścia renesansu, łącząc wielkie zmiany plastyczne i kulturowe tego okresu. Wyróżnia się perspektywa linearna, światłocień i technika trompe l'oeil. Sklepienie kolebkowe, inspirowane Rzymem, antycypuje zmiany w architekturze renesansu. Obok świętych postaci przedstawieni są darczyńcy, nadając tematowi religijnemu charakter.To ujawnia poczucie własnej wartości tego pokolenia.

. Zwiastowanie, autorstwa Fra Angelico (1425-1426)

Fra Angelico: Zwiastowanie 1425-1426, złoto i tempera na panelu, 194 cm × 194 cm, Museo del Prado, Madryt.

Przy Zwiastowanie Fra Angelico odziedziczył po średniowieczu zamiłowanie do szczegółów roślinności, ale wniósł renesansowe środki. Wykorzystał stonowaną architekturę grecko-łacińską i wykorzystał jej linie do podkreślenia perspektywy. Aby uzyskać większą głębię przestrzenną, otworzył kilka otworów, tworząc nałożone na siebie płaszczyzny: drzwi prowadzą do pokoju, a pokój ma dyskretne okno w tle.Ogród po lewej stronie odnosi się do wygnania Adama i Ewy z raju. U stóp obrazu widzimy linię scen z życia Maryi. Ten typ linii z sekwencjami scen u podstawy obrazu jest znany jako predella.

3. Para Arnolfini Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck: Para Arnolfini 1434, olej na płycie, 81,9 x 59,9 cm, National Gallery, Londyn.

Jan van Eyck był flamandzkim malarzem, który udoskonalił malarstwo olejne i przyczynił się do jego rozpowszechnienia. To konkretne dzieło jest jednym z najwcześniejszych portretów malarskich w historii. Pełen symboli, przekazuje znaczenie i godność postaci, które mają wysoką pozycję społeczną. Jednak geniusz Van Eycka nie istnieje.

W tle malarz wprowadza lustro, które bawi się płaszczyznami reprezentacji, pokazując odbicie dwóch postaci, które nie są widoczne w głównej scenie, tworząc iluzję, że zajmują one pozycje widza. To urządzenie prawdopodobnie zainspiruje twórców tego obrazu. Meninas Velázqueza, ponad dwieście lat później.

4. Madonna kanonika Van der Paele Jan van Eyck (1434-1436)

Jan van Eyck: Madonna kanonika Van der Paele 1434-1436, olej na płycie, 122,1 cm x 157,8 cm, Groeninge Museum, Brugia.

Madonna kanonika Van der Paele odpowiada gatunkowi szeroko stosowanemu w renesansie, zwanemu sacra conversazione (Święta rozmowa), w którym Dziewica prowadzi rozmowę ze świętymi w intymnym otoczeniu. Obejmuje to darczyńcę, kanonika Van der Paele, przedstawionego przez świętego Jerzego. Nadeptuje na ornat kanonika, przypominając nam, że jest on podporządkowany władzy duchowej. Jednak jego obecność w tej scenie potwierdza jego społeczną rolę we władzy doczesnej.

W tym płótnie niezwykła jest obróbka odzieży i obfitość szczegółów. Blask zbroi św. Jerzego stanowi pretekst dla Jana van Eycka do użycia odbić. Widoczne jest odbicie artysty i Dziewicy, pomyślanej jako nieskazitelne zwierciadło boskiej łaski.

5. Bitwa pod San Romano Paolo Uccello (ok. 1438)

Paolo Uccello: Bitwa pod San Romano. Powyżej: Dysharmonia Bernardino della Ciarda Tempera na panelu, ok. 1438, Tempera na panelu, 182 x 220, Galeria Uffizi, Florencja, poniżej (po lewej): Niccolò da Tolentino na czele florentczyków, National Gallery, Londyn Poniżej (po prawej): Decydująca interwencja Michele Attendolo we Florencji Musée du Louvre, Paryż.

Bitwa pod San Romano Paolo Ucello to tryptyk przedstawiający sceny z bitwy, w której Florencja pokonała Sienę podczas wojen lombardzkich. Pierwotnie zamówiony przez rodzinę Bartolini, wkrótce przeszedł do kolekcji Medyceuszy. Średniowieczne elementy, takie jak obfitość detali, które podkreślają opis, są nadal obecne. Jednak jest uważany za arcydzieło ze względu na jego wykorzystanieperspektywa i skrócenie obrazu.

Skrócenie perspektywiczne to przedstawienie obiektu pod kątem prostopadłym do widza. Możesz zobaczyć je szczegółowo w panelu Bernardino della Ciarda Konie znajdują się w upadłych koniach, a także w uduchowionym koniu i białym koniu po prawej stronie.

6. Koronacja Dziewicy autorstwa Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Fra Filippo Lippi: Koronacja Dziewicy ok. 1439-1447, Galleria Uffizi, Florencja.

Koronacja Dziewicy to ołtarz, który Fillipo Lippi zamówił u Francesco Moringhi do kościoła San Ambrosio. Zamiast niebiańskiej przestrzeni wszystko wydaje się rozgrywać w przestrzeni teatralnej, przywołującej na myśl królewski salon, do którego zaproszono świętych, darczyńcę i samego Lippiego. Jak widać, włoski renesans kładł nacisk na antropocentryczną wizję nieba.

7. Zejście z krzyża autorstwa Rogiera van der Weydena (ok. 1443)

Rogier van der Weyden: Zejście z krzyża Olej na panelu, ok. 1443, olej na panelu, 204,5 x 261,5 cm, Museo del Prado, Madryt.

Rogier van der Weyden był flamandzkim malarzem, którego najbardziej znanym dziełem jest Zejście z krzyża Anatomia nie jest przesadzona, ponieważ została celowo skorygowana, aby sprzyjać formalnej elegancji.

Rogier van der Weyden: Zejście z krzyża (szczegóły)

Proporcje są również celowo zmienione, aby rozłożyć ciała w całej kompozycji. Dziewica Maryja i Jezus wydają się być odbiciem siebie nawzajem: jako matka, syn; jako syn, matka. Obraz zyskuje na traktowaniu ekspresji, ubrań i tekstur.

8. Biczowanie Chrystusa autorstwa Piero della Francesca (1455-1460)

Piero della Francesca: Biczowanie Chrystusa 1455-1460, olej i tempera na panelu, 59 cm x 82 cm, Palazzo Ducale, Urbino.

Przy Biczowanie Chrystusa, Piero della Francesca rezerwuje scenę religijną dla płaszczyzny tła i charakteryzuje ją chłód. W postaciach nie ma emocji. Temat wydaje się niemal apologią rozwoju renesansowego programu plastycznego, opartego na perspektywie linearnej, kompozycyjnej geometryzacji i wywyższeniu klasycystycznej architektury. Potwierdza to rozmowa trzech postaciwspółczesnego, którego tożsamość nie została jeszcze ustalona.

9. Dyptyk z Melun Jean Fouquet (ok. 1450)

Jean Fouquet: Dyptyk Melun, ok. 1450, panel, 120 cm x 224 cm, prawy panel w Królewskim Muzeum Sztuk Pięknych, Antwerpia, Belgia; lewy panel w Gemäldegalerie, Berlin.

Jean Fouquet był francuskim malarzem, który odnowił język artystyczny Francji poprzez wpływ malarstwa flamandzkiego i włoskiego. Omawiane dzieło zostało pomyślane jako dyptyk dla grobowca żony Étienne'a Chevaliera, jego klienta. Dwa panele kontrastują ze sobą.

Na lewym panelu malarz przedstawił Etienne'a Chevaliera i świętego Szczepana, jego patrona, osadzonych w klasycznej przestrzeni architektonicznej. Po prawej stronie Dziewica z Dzieciątkiem i aniołami. Naga pierś Maryi odnosi się do niej jako pielęgniarki ludzkości. Uważa się, że twarz Dziewicy była twarzą kochanki patrona, Agnès Sorel. Chociaż temat jest najwyraźniej święty,ma silnie profanacyjny charakter.

10. Podróż Trzech Króli Benozzo Gozzoli (1459)

Gozzoli: Podróż Trzech Króli , 1459, fresk, Palazzo Medici Riccardi, Firenze.

W Palazzo Medici Riccardi we Florencji znajduje się sala zwana Kaplicą Trzech Króli, w nawiązaniu do trzech fresków Gozzoliego, które przedstawiają procesje Trzech Króli. Oprócz tego, że dzieło jest arcydziełem ze względu na złożoność kompozycji, jest w rzeczywistości wywyższeniem władzy sprawowanej przez rodzinę Medici, której twarze znajdują się w postaciachreprezentowane.

11. Komnata mężów i żon Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna: Komnata mężów i żon (ściana północna), 1465-1474, fresk, Pałac Książęcy, Mantua.

Andrea Mantegna wyróżnia się w tym fresku wykorzystaniem renesansowych technik, takich jak trompe l'oeil, w wyraźny sposób starając się zatrzeć granice między malarstwem a rzeczywistością. Komnata mężów. Podobnie jak pozostałe, celebruje chwałę rodziny Gonzaga, wielkich mecenasów swoich czasów.

12. Lament nad martwym Chrystusem Andrea Mantegna (1475-1478)

Andrea Mantegna: Lament nad martwym Chrystusem 1475-1478, tempera na płótnie, 68 cm × 81 cm, Pinacoteca di Brera, Mediolan.

Jeśli w jakimkolwiek momencie Andrea Mantegna przewyższa samego siebie, to właśnie w Lament nad martwym Chrystusem Dzieło wyróżnia się mistrzowskim wykorzystaniem techniki skracania obrazu. Dzięki temu zabiegowi Mantegna włącza widza w scenę i przeciwstawia się tradycyjnemu modelowi kompozycyjnemu. Niezwykłe jest również odwzorowanie rysów postaci. Maryja nie jest młodą panną, ale twarzą postarzałą z żalu. Surowość sceny podkreśla straszny charakter śmierci i opuszczenia.dla żałobników.

Zobacz także: Męka Pańska w sztuce

13. Poliptyk św. Wincentego Nuno Gonçalves (1470-1480)

Nuno Gonçalves: Poliptyk świętego Wincentego z Lizbony ok. 1470-1480, olej i tempera na drewnie, 207,2 x 64,2 cm; 207 x 60 cm; 206,4 x 128 cm; 206,6 x 60,4 cm; 206,5 x 63,1 cm. Narodowe Muzeum Sztuki Starożytnej, Lizbona.

Poliptyk św. Wincentego Jedno z arcydzieł portugalskiego renesansu, przypisywane Nuno Gonçalvesowi, przedstawia pięćdziesiąt osiem postaci obok świętego Wincentego, który pojawia się w dwóch egzemplarzach w centralnych panelach, jakby w lustrzanym odbiciu.

Od lewej do prawej mamy panel braci, panel rybaków, panel infanta Don Enrique (Henryka Nawigatora), panel arcybiskupa, panel rycerzy i panel relikwii.

14. Kult Trzech Króli autorstwa Sandro Botticellego (1475)

Sandro Botticelli: Kult Trzech Króli 1475, tempera na panelu, 111 cm × 134 cm, Galeria Uffizi, Florencja

Kult Trzech Króli Do czasu Botticellego Święta Rodzina znajdowała się po jednej stronie sceny, przyjmując czcicieli nadchodzących z drugiej strony. Botticelli umieścił ją w centrum kompozycji i na szczycie piramidy, a czcicieli ustawił obok siebie, w tym jednego z nich z przodu.

Malarz przedstawił również Mędrców z twarzami rodziny Medyceuszy: Kosmy i jego synów, Piero il Gottoso i Giovanniego. Inni członkowie rodziny i ich sojusznicy są przedstawieni, a sam Botticelli jest włączony do postaci patrzącej na widza.

15. Przekazanie kluczy niebios św. Piotrowi autorstwa Perugino (1482)

Perugino: Przekazanie kluczy niebios św. Piotrowi 1482, fresk, 335 x 550 cm, Kaplica Sykstyńska, Watykan.

To dzieło Perugina zostało zamówione przez papieża Sykstusa IV, budowniczego Kaplicy Sykstyńskiej. Fresk nawiązuje do idei przekazania władzy przez Boga Kościołowi, reprezentowanemu przez św. Piotra. Dzieło jest mistrzowskim wyrazem pracy malarza nad perspektywą powietrzną i głębią. Na pierwszym planie widzimy głównych bohaterów: Jezusa, apostołów i różne inne postacie.Wreszcie, budynek z ośmiokątnym planem centralnym, symbol uniwersalności papiestwa.

16. Narodziny Wenus autorstwa Sandro Botticellego (1482-1485)

Sandro Botticelli: Narodziny Wenus 1482-1485, tempera na płótnie, 1,80 x 2,75 m, Galeria Uffizi, Florencja.

Narodziny Wenus Uwaga, jaką mu się poświęca, ma częściowo związek z ujęciem tematu, który nie jest już tematem sakralnym. Widzimy mit o pochodzeniu Wenus lub Afrodyty, bogini płodności i erotyzmu.

Tym dziełem Botticelli usankcjonował reprezentację kobiecego aktu w sztuce o tematyce świeckiej. Wenus nie jest tu jednak postacią, która całkowicie się odsłania, ale skromną Wenus, która zakrywa swój "wstyd" włosami. W ten sposób akt ten został uzasadniony jako reprezentacja cnoty w kontekście ówczesnej myśli filozoficznej.

Zobacz także Narodziny Wenus autorstwa Sandro Botticellego

17. Virgin of the Rocks Leonardo da Vinci (1483-1486)

Leonardo da Vinci: Dziewica ze skał 1483-1486, olej na płycie, 199 × 122 cm, Musée du Louvre, Paryż.

To dzieło Leonarda zostało zamówione przez mnichów z San Donato, co wyjaśnia centralne znaczenie tematu religijnego. Leonardo zmodyfikował element renesansowej tradycji: zamiast architektonicznego krajobrazu, oprawił scenę w skalistym naturalnym krajobrazie. Postacie tworzą piramidę i są delikatnie wyprofilowane dzięki jednemu z najbardziej znanych atutów malarza:technika sfumato .

Może Cię zainteresować: Podstawowe dzieła Leonarda da Vinci

18. Portret Giovanny degli Albizzi Tornabuoni autorstwa Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Domenico Ghirlandaio: Portret Giovanny degli Albizzi Tornabuoni 1489-1490, mieszane media na panelu, 77 x 49 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madryt

To dzieło Ghirlandaio jest przykładowym wyrazem renesansowego gatunku portretowego. Zgodnie z odrodzonymi wartościami klasycznego antyku, pokazuje wyidealizowane proporcje i rysy, a także powściągliwą lub nieobecną ekspresję. Z zamiarem pokazania cech jego charakteru, niektóre przedmioty osobiste są włączone: biżuteria daje opis jego życia publicznego, podczas gdy księgaModlitwy i różaniec są świadectwem jego życia duchowego.

19. Ostatnia Wieczerza Leonardo da Vinci (1498)

Leonardo da Vinci: Ostatnia Wieczerza 1498, tempera i olej na tynku, smoła i kit. 4,6 x 8,8 mt, Refektarz klasztoru Santa Maria delle Grazie, Mediolan.

Ostatnia Wieczerza to jedno z najbardziej znanych dzieł Leonarda. Jest godne uwagi ze względu na intelektualne i filozoficzne odniesienia zawarte w scenie, ale także ze względu na swój dramatyzm. Nie rezygnując z renesansowej równowagi, dzieło jest naładowane emocjonalnym i psychologicznym napięciem postaci, przeciwstawiając się pozornemu chłodowi wielu wcześniejszych kompozycji. Jego zły stan zachowania jest częściowo wynikiemPróba Leonarda zmieszania tempery i oleju w celu naniesienia poprawek na tynk.

20. Święty Dominik i albigensi o Próba ognia Pedro Berruguete (1493-1499)

Pedro Berruguete: Święty Dominik i albigensi o Próba ognia Olej na płycie, 122 x 83 cm, Museo del Prado, Madryt, 1493-1499.

Hiszpan Pedro Berruguete przedstawił fragment, zgodnie z którym święty Dominik z Guzman zaproponował zbudowanie ogniska w celu przetestowania ksiąg heretyckich grup w mieście Albi we Francji. Ogień pochłonął heretyckie księgi, podczas gdy księga kanoniczna unosiła się w powietrzu.

Dzieło wyraża polityczną mentalność epoki katolickich monarchów, którzy dążyli do jedności królestwa poprzez zwalczanie herezji. Pod względem formalnym zwraca uwagę drogocenność detali, wyraźna inspiracja flamandzka, a także zamiłowanie do złoceń, wywodzące się ze stylu gotyckiego i bardzo cenione we wczesnym renesansie.

21. Autoportret Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer; Autoportret 1500, obraz na płycie, 66 cm x 49 cm, Stara Pinakoteka, Monachium

Albrecht Dürer był wielkim mistrzem niemieckiego renesansu. Ten słynny autoportret, który na pierwszy rzut oka wygląda jak ikona Jezusa Chrystusa, nosi dwa kluczowe napisy: po prawej stronie brzmi "Maluję siebie niezmywalnymi kolorami"; po lewej data, która wskazuje na jego wiek, 28 lat.

Frontalność jego portretu jest dość odważna. Wbrew tradycji, która zarezerwowała tę pozę dla ikon Jezusa - a także nieco zmieniony gest ręki - Dürer gra na zakłóceniu tożsamości z religijnym odniesieniem i celowo dezorientuje widza.

22. Doge Leonardo Loredan autorstwa Giovanniego Belliniego (1501)

Giovanni Bellini: Doge Leonardo Loredan 1501, olej i tempera na panelu, 62 × 45 cm, National Gallery, Londyn.

Giovanni Bellini, malarz w służbie Republiki Weneckiej, stworzył ten wspaniały portret doży Leonarda Loredana. W tym genialnym dziele udało mu się przezwyciężyć wrażenie hieratyczności dzięki ekspresyjnemu bogactwu twarzy i delikatnemu traktowaniu faktur i ubrań. W tym ostatnim przypadku uderzający jest sposób, w jaki Bellini udaje się przedstawić połysk orientalnych tkanin.

23. Mona Lisa Leonardo da Vinci (1503-1506)

Leonardo da Vinci: Mona Lisa o Gioconda 1503-1506, olej na płycie, 77 x 53 cm, Musée du Louvre, Paryż.

The Mona Lisa jest niewątpliwie najsłynniejszym dziełem Leonarda da Vinci. Jest wyrazem dojrzałości stylu Leonarda w zakresie technik światłocienia i sfumato, polegającej na rozmyciu krawędzi postaci tak, aby można było dostrzec ich integrację z przestrzenią. Prezentuje również technikę pejzażu w tle, która otwiera przestrzeń, aby nadać jej większą głębię. Jednak to dzieło jest dziełem sztuki,podobnie jak cała twórczość Leonarda, nie należy do okresu Quattrocento, ale do Wysokiego Renesansu, czasami nazywanego również Drugim Renesansem.

Zobacz także: Mona Lisa Leonarda lub Mona Lisa Mona Lisa Gioconda

24. Szkoła w Atenach Raphael Sanzio (1510-1511)

Rafael Sanzio: Szkoła w Atenach . 1510-1511. Fresk. 500 cm × 770 cm. Muzea Watykańskie, Watykan.

Jeśli cokolwiek reprezentuje kulturowego ducha renesansu, to jest to fresk Szkoła w Atenach Widzimy mistrzowskie wykorzystanie perspektywy liniowej i głębię podkreśloną przez otwory w sklepieniach kolebkowych, które otwierają się na otwartą przestrzeń.

W środowisku architektonicznym o wyraźnej inspiracji klasycznej, mnogość odniesień filozoficznych i naukowych przypomina o wartości rozumu i wiedzy. Platon i Arystoteles są bohaterami, a także Ptolemeusz, Heraklit, Hypatia, Homer i, jak zwykle, niektóre współczesne twarze. Nie mogło zabraknąć samego Rafaela, przedstawionego jako Apelles.

25. freski na suficie Kaplicy Sykstyńskiej autorstwa Michała Anioła Buonarrotiego (1508-1512)

Michał Anioł Buonarroti: Freski z Kaplicy Sykstyńskiej Sufit namalowany w latach 1508-1512, ściana namalowana w latach 1537-1541, fresk, Watykan.

Mówienie o Michale Aniele Buonarrotim, a także o malarzach włoskiego Cinquecento, jest wejściem w Wysoki Renesans. Zbliżamy się zatem do manieryzmu, którego Buonarroti byłby jednym z jego przedstawicieli. Freski w Kaplicy Sykstyńskiej są jego najbardziej znanym dziełem malarskim.

Znajduje się tam dziewięć scen opowiadających fragmenty z Księgi Rodzaju, wszystkie prowadzące do Sądu Ostatecznego, ściany namalowanej jakieś dwie dekady po suficie. Na tej ścianie święty Bartłomiej, obdarty ze skóry męczennik, wiesza swoją starożytną skórę, ale na niej widzimy twarz Michała Anioła. Jak widzimy, artysta również portretuje siebie, ale nie tak jak artyści Quattrocento, którzy celebrowali swoją ziemską chwałę, ale jako postać.uznanie ich niegodności.