Dans une atmosphère de curiosité intellectuelle croissante, le perfectionnement et la diffusion de la peinture à l'huile ont permis d'utiliser la toile comme support, libérant ainsi la peinture des murs, ce qui a favorisé la collection privée.

C'est ainsi qu'apparaissent de nouveaux genres comme le portrait et que naît l'intérêt pour le paysage et la nature morte, bien qu'il ne s'agisse pas encore de genres indépendants. Le nu et les thèmes mythologiques, historiques et allégoriques non chrétiens font également leur apparition. Les thèmes religieux continuent d'être à l'ordre du jour, mais dans une approche anthropocentrique.

Voici un aperçu chronologique des peintures les plus célèbres de la Renaissance, afin de mettre en évidence les contributions et les innovations de chaque artiste, ainsi que l'évolution du style au fil du temps.

1. Sainte Trinité avec Notre Dame, Saint Jean et les donateurs par Masaccio (1425-1427)

Masaccio : Sainte Trinité avec Notre Dame, Saint Jean et les donateurs (fragment), 1425-1427, fresque, 667×317 cm, Basilique de Santa Maria Novella, Florence

La fresque Sainte Trinité, avec la Vierge, saint Jean et les donateurs représente le point de départ de la Renaissance, réunissant les grands changements plastiques et culturels de l'époque. La perspective linéaire, le clair-obscur et la technique du trompe-l'œil se distinguent. La voûte en berceau, d'inspiration romaine, anticipe les changements de l'architecture de la Renaissance. À côté des figures sacrées, les donateurs sont représentés, donnant au thème religieux un caractère plus personnel.Cela révèle l'estime de soi de cette génération.

. L'Annonciation, par Fra Angelico (1425-1426)

Fra Angelico : L'Annonciation 1425-1426, or et tempera sur panneau, 194 cm × 194 cm, Museo del Prado, Madrid.

Au L'Annonciation Fra Angelico hérite du Moyen Âge le goût du détail végétal, mais y apporte les ressources de la Renaissance. Il utilise la sobriété de l'architecture gréco-latine et en exploite les lignes pour accentuer la perspective. Pour donner plus de profondeur à l'espace, il ouvre plusieurs baies pour créer des plans superposés : une porte mène à une pièce, et la pièce est percée d'une fenêtre discrète à l'arrière-plan.Le jardin de gauche fait référence à l'expulsion d'Adam et Ève du paradis. Au bas du tableau, nous voyons une ligne de scènes de la vie de Marie. Ce type de ligne avec des séquences de scènes au bas du tableau est connu sous le nom de prédelle.

3. Le couple Arnolfini par Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck : Le couple Arnolfini 1434, huile sur panneau, 81,9 x 59,9 cm, National Gallery, Londres.

Jan van Eyck est un peintre flamand qui a perfectionné la peinture à l'huile et contribué à sa diffusion. Cette œuvre est l'un des premiers portraits picturaux de l'histoire. Chargée de symboles, elle traduit l'importance et la dignité des personnages, qui sont d'un rang social élevé. Cependant, le génie de Van Eyck n'est pas au rendez-vous.

A l'arrière-plan, le peintre introduit un miroir qui joue avec les plans de représentation en montrant le reflet de deux personnages qui ne sont pas visibles dans la scène principale, créant l'illusion qu'ils occupent les positions du spectateur. Ménines de Velázquez, plus de deux cents ans plus tard.

4. La Madone du chanoine Van der Paele par Jan van Eyck (1434-1436)

Jan van Eyck : La Madone du chanoine Van der Paele 1434-1436, huile sur panneau, 122,1 cm x 157,8 cm, Musée Groeninge, Bruges.

La Madone du chanoine Van der Paele correspond à un genre très répandu à la Renaissance, connu sous le nom de sacra conversazione (Conversation sacrée), où la Vierge s'entretient avec les saints dans un cadre intime, y compris avec le donateur, le chanoine Van der Paele, présenté par saint Georges. Il marche sur la chasuble du chanoine, rappelant qu'il est subordonné au pouvoir spirituel. Cependant, sa présence dans la scène justifie son rôle social au sein du pouvoir temporel.

Le traitement des vêtements et la profusion des détails sont remarquables dans cette toile. L'éclat de l'armure de saint Georges fournit à Jan van Eyck l'occasion d'utiliser des reflets. On y voit le reflet de l'artiste et celui de la Vierge, conçue comme un miroir immaculé de la grâce divine.

5. La bataille de San Romano de Paolo Uccello (vers 1438)

Paolo Uccello : La bataille de San Romano. Ci-dessus : Le désaccord de Bernardino della Ciarda Tempera sur panneau, vers 1438, Tempera sur panneau, 182 x 220, Galerie des Offices, Florence, ci-dessous (à gauche) : Niccolò da Tolentino à la tête des Florentins, National Gallery, Londres. Ci-dessous (à droite) : Intervention décisive auprès des Florentins par Michele Attendolo Musée du Louvre, Paris.

La bataille de San Romano de Paolo Ucello est un triptyque représentant des scènes de la bataille au cours de laquelle Florence a vaincu Sienne pendant les guerres de Lombardie. Commandé à l'origine par la famille Bartolini, il est rapidement passé dans la collection des Médicis. Les éléments médiévaux tels que la profusion de détails qui accentuent le descriptif sont toujours présents. Cependant, il est considéré comme un chef-d'œuvre en raison de l'utilisation de la technique dula perspective et le raccourcissement.

Le raccourcissement est la représentation d'un objet à un angle perpendiculaire à l'observateur. Vous pouvez les voir en détail dans le panneau Bernardino della Ciarda Les chevaux se trouvent dans les chevaux tombés, ainsi que le cheval fougueux et le cheval blanc à droite.

6. Le couronnement de la Vierge par Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Fra Filippo Lippi : Le couronnement de la Vierge c. 1439-1447, Galleria Uffizi, Florence.

Le couronnement de la Vierge est un retable que Fillipo Lippi a commandé à Francesco Moringhi pour l'église de San Ambrosio. Au lieu d'un espace céleste, tout semble se dérouler dans un espace théâtralisé, évoquant un salon royal, où sont invités les saints, le donateur et Lippi lui-même. Comme on le voit, la Renaissance italienne a insisté sur une vision anthropocentrique du ciel.

7. La descente de la croix de Rogier van der Weyden (vers 1443)

Rogier van der Weyden : La descente de la croix Huile sur panneau, vers 1443, huile sur panneau, 204,5 x 261,5 cm, Museo del Prado, Madrid.

Rogier van der Weyden était un peintre flamand, dont l'œuvre la plus connue est La descente de la croix L'anatomie n'est pas excessive, car elle a été volontairement corrigée pour favoriser l'élégance formelle.

Rogier van der Weyden : La descente de la croix (détail)

Les proportions sont également délibérément modifiées pour répartir les corps dans la composition. La Vierge Marie et Jésus semblent être le reflet l'un de l'autre : comme la mère, le fils ; comme le fils, la mère. La peinture gagne dans le traitement de l'expression, des vêtements et des textures.

8. La flagellation du Christ de Piero della Francesca (1455-1460)

Piero della Francesca : La flagellation du Christ 1455-1460, huile et tempera sur panneau, 59 cm x 82 cm, Palazzo Ducale, Urbino.

Au La flagellation du Christ, Piero della Francesca réserve la scène religieuse au plan d'arrière-plan et la caractérise par sa froideur. Les personnages n'expriment aucune émotion. Le thème semble presque une apologie du développement du programme plastique de la Renaissance, basé sur la perspective linéaire, la géométrisation compositionnelle et l'exaltation de l'architecture classiciste. Il est confirmé dans la conversation de trois personnagescontemporaine, dont l'identité n'a pas encore été déterminée.

9. Diptyque de Melun de Jean Fouquet (vers 1450)

Jean Fouquet : Diptyque de Melun, ca. 1450, panneau, 120 cm x 224 cm, panneau de droite au Musée royal des beaux-arts d'Anvers, Belgique ; panneau de gauche à la Gemäldegalerie, Berlin.

Jean Fouquet est un peintre français qui a renouvelé le langage artistique de la France grâce à l'influence de la peinture flamande et italienne. L'œuvre en question a été conçue comme un diptyque pour le tombeau de l'épouse d'Étienne Chevalier, son client. Les deux panneaux contrastent l'un avec l'autre.

Sur le panneau de gauche, le peintre a représenté Etienne Chevalier et Saint Etienne, son patron, dans un espace architectural classique. Sur le panneau de droite, la Vierge à l'enfant et les anges. Le sein nu de Marie fait référence à la nourrice de l'humanité. On pense que le visage de la Vierge est celui de l'amante du patron, Agnès Sorel. Bien que le sujet soit apparemment sacré, il n'en demeure pas moins que le peintre a choisi de représenter la Vierge à l'enfant et les anges,a un caractère profane très marqué.

10. Le voyage des mages de Benozzo Gozzoli (1459)

Gozzoli : Le voyage des mages 1459, fresque, Palazzo Medici Riccardi, Firenze.

Dans le Palazzo Medici Riccardi de Florence, il existe une salle appelée Chapelle des Mages, en référence aux trois fresques de Gozzoli qui représentent les processions des Mages. En plus d'être un chef-d'œuvre pour sa complexité compositionnelle, l'œuvre est en fait une exaltation du pouvoir détenu par la famille Médicis, dont les visages se retrouvent dans les personnages.représentée.

11. La chambre des époux par Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna : La chambre des époux (mur nord), 1465-1474, fresque, palais ducal, Mantoue.

Andrea Mantegna se distingue dans cette fresque par l'utilisation de techniques de la Renaissance telles que le trompe-l'œil, dans le but évident de brouiller les frontières entre la peinture et la réalité. La chambre des maris. Comme les autres, il célèbre les gloires de la famille Gonzaga, grands mécènes de leur temps.

12. Lamentation sur le Christ mort par Andrea Mantegna (1475-1478)

Andrea Mantegna : Lamentation sur le Christ mort 1475-1478, tempera sur toile, 68 cm × 81 cm, Pinacothèque de Brera, Milan.

Si Andrea Mantegna se surpasse à un moment ou à un autre, c'est dans l'œuvre d'Andrea Mantegna. Lamentation sur le Christ mort L'œuvre se distingue par l'utilisation magistrale de la technique du raccourci. Grâce à cette ressource, Mantegna intègre le spectateur à la scène et défie le modèle de composition traditionnel. La représentation des traits des personnages est également remarquable. Marie n'est pas une jeune fille, mais un visage vieilli par le chagrin. L'austérité de la scène souligne le caractère terrible de la mort et de la désolation.pour les personnes en deuil.

Voir aussi : La Passion du Christ dans l'art

13. Polyptyque de Saint-Vincent par Nuno Gonçalves (1470-1480)

Nuno Gonçalves : Polyptyque de Saint-Vincent de Lisbonne c.1470-1480, huile et tempera sur bois, 207,2 x 64,2 cm ; 207 x 60 cm ; 206,4 x 128cm ; 206,6 x 60,4cm ; 206,5 x 63,1 cm. Musée national d'art ancien, Lisbonne.

Le polyptyque de Saint-Vincent L'un des chefs-d'œuvre de la Renaissance portugaise, attribué à Nuno Gonçalves, représente cinquante-huit personnages aux côtés de saint Vincent, qui apparaît en double dans les panneaux centraux, comme dans un miroir.

De gauche à droite, nous avons le panneau des frères, le panneau des pêcheurs, le panneau de l'infant Don Enrique (Henri le Navigateur), le panneau de l'archevêque, le panneau des chevaliers et le panneau de la relique.

14. Le culte des mages de Sandro Botticelli (1475)

Sandro Botticelli : Le culte des mages 1475, tempera sur panneau, 111 cm × 134 cm, Galerie des Offices, Florence

Le culte des mages Jusqu'à Botticelli, la Sainte Famille était située d'un côté de la scène et recevait les fidèles venant de l'autre côté. Botticelli l'a placée au centre de la composition et au sommet d'une pyramide, et a disposé les fidèles côte à côte, dont l'un d'entre eux à l'avant.

Le peintre a également représenté les rois mages avec les visages de la famille Médicis : Cosimo et ses fils, Piero il Gottoso et Giovanni. D'autres membres de la famille et leurs alliés sont représentés, et Botticelli lui-même est inclus dans la figure qui regarde le spectateur.

15. Remise des clés du ciel à Saint Pierre du Pérugin (1482)

Le Pérugin : Remise des clés du ciel à saint Pierre 1482, fresque, 335 x 550 cm, Chapelle Sixtine, Cité du Vatican.

Cette œuvre du Pérugin, commandée par le pape Sixte IV, constructeur de la chapelle Sixtine, correspond à l'idée de la transmission de l'autorité de Dieu à l'Église, représentée par saint Pierre. L'œuvre est une expression magistrale du travail du peintre de la perspective aérienne et de la profondeur. Au premier plan, on voit les personnages principaux : Jésus, les apôtres et diverses autres figures.Dans le dernier, le bâtiment avec son plan central octogonal, symbole de l'universalité de la papauté.

16. La naissance de Vénus de Sandro Botticelli (1482-1485)

Sandro Botticelli : La naissance de Vénus 1482-1485, tempera sur toile, 1,80 x 2,75 mètres, Galerie des Offices, Florence.

La naissance de Vénus L'attention qu'il reçoit est en partie liée au traitement du sujet, qui n'est plus un thème sacré. Nous voyons le mythe de l'origine de Vénus ou d'Aphrodite, déesse de la fertilité et de l'érotisme.

Avec cette œuvre, Botticelli légitime la représentation du nu féminin intégral dans l'art sur des thèmes profanes. Mais Vénus n'est pas ici un personnage qui s'exhibe entièrement, mais une Vénus pudique, qui couvre sa "honte" avec ses cheveux. Ainsi, ce nu se justifie comme une représentation de la Vertu dans le contexte de la pensée philosophique de l'époque.

Voir aussi La naissance de Vénus de Sandro Botticelli

17. Vierge des rochers par Léonard de Vinci (1483-1486)

Léonard de Vinci : La Vierge des rochers 1483-1486, huile sur panneau, 199 × 122 cm, Musée du Louvre, Paris.

Cette œuvre de Léonard a été commandée par les moines de San Donato, ce qui explique la centralité du thème religieux. Léonard a modifié un élément de la tradition de la Renaissance : au lieu d'un paysage architectural, il a encadré la scène dans un paysage naturel rocheux. Les figures forment une pyramide et sont délicatement contournées grâce à l'un des atouts les plus célèbres du peintre : l'utilisation de la technique de l'eau.technique de sfumato .

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18. Portrait de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Domenico Ghirlandaio : Portrait de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni 1489-1490, technique mixte sur panneau, 77 x 49 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Cette œuvre de Ghirlandaio est une expression exemplaire du genre du portrait de la Renaissance. En accord avec les valeurs remises au goût du jour de l'Antiquité classique, elle présente des proportions et des traits idéalisés, ainsi qu'une expressivité retenue ou absente. Dans l'intention de montrer des traits de son caractère, certains objets personnels sont inclus : le bijou rend compte de sa vie publique, tandis que le livre de...Les prières et le rosaire rendent compte de sa vie spirituelle.

19. La Cène par Léonard de Vinci (1498)

Léonard de Vinci : La Cène 1498, tempera et huile sur plâtre, goudron et mastic. 4,6 x 8,8 mt, Réfectoire du Couvent de Santa Maria delle Grazie, Milan.

La Cène est l'une des œuvres les plus connues de Léonard. Elle est remarquable pour les références intellectuelles et philosophiques incorporées dans la scène, mais aussi pour son dramatisme. Sans renoncer à l'équilibre de la Renaissance, l'œuvre est chargée de tension émotionnelle et psychologique dans ses personnages, défiant l'apparente froideur de nombreuses compositions antérieures. Son mauvais état de conservation est en partie le résultat de l'exposition de l'artiste à l'eau de mer.Tentative de Léonard de mélanger de la détrempe et de l'huile pour faire des corrections sur le plâtre.

20. Saint Dominique et les Albigeois o L'épreuve du feu par Pedro Berruguete (1493-1499)

Pedro Berruguete : Saint Dominique et les Albigeois o L'épreuve du feu Huile sur panneau, 122 x 83 cm, Musée du Prado, Madrid, 1493-1499.

L'Espagnol Pedro Berruguete dépeint un passage selon lequel saint Dominique de Guzman propose de faire un feu de joie pour tester les livres des groupes hérétiques dans la ville d'Albi, en France. Le feu consume les livres hérétiques, tandis que le livre canonique flotte dans l'air.

L'œuvre exprime la mentalité politique de l'époque des Rois Catholiques, qui recherchaient l'unité du royaume en combattant l'hérésie. Sur le plan formel, elle se distingue par la préciosité des détails, d'inspiration clairement flamande, ainsi que par le goût pour la dorure, dérivé du style gothique et très apprécié au début de la Renaissance.

21. Autoportrait par Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer ; Autoportrait 1500, peinture sur panneau, 66 cm x 49 cm, Ancienne Pinacothèque, Munich

Ce célèbre autoportrait, qui ressemble à première vue à une icône de Jésus-Christ, porte deux inscriptions essentielles : à droite, on peut lire "Je me peins avec des couleurs indélébiles" ; à gauche, la date, qui indique son âge, 28 ans.

La frontalité de son portrait est très audacieuse : au mépris de la tradition qui réservait cette pose aux icônes de Jésus - et aussi du geste de la main légèrement modifié - Dürer joue sur la rupture d'identité avec le référent religieux et déroute délibérément le spectateur.

22. Doge Leonardo Loredan de Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini : Doge Leonardo Loredan 1501, huile et tempera sur panneau, 62 × 45 cm, National Gallery, Londres.

Giovanni Bellini, peintre au service de la République de Venise, a réalisé ce magnifique portrait du doge Leonardo Loredan. Dans cette œuvre brillante, il parvient à surmonter la sensation de hiératisme grâce à la richesse expressive du visage et à la finesse du traitement des textures et des vêtements. Dans ce dernier cas, la façon dont Bellini parvient à représenter l'éclat des étoffes orientales est frappante.

23. Mona Lisa par Léonard de Vinci (1503-1506)

Léonard de Vinci : Mona Lisa o Gioconda 1503-1506, huile sur panneau, 77 x 53 cm, Musée du Louvre, Paris.

Les Mona Lisa est sans doute l'œuvre la plus célèbre de Léonard de Vinci. Elle est l'expression de la maturité du style de Léonard en ce qui concerne les techniques du clair-obscur et du sfumato, qui consiste à estomper les contours des figures afin de percevoir leur intégration dans l'espace. Elle présente également la technique du paysage en arrière-plan, qui ouvre l'espace pour lui donner plus de profondeur. Mais cette œuvre est une œuvre d'art,ainsi que l'ensemble de l'œuvre de Léonard, n'appartient pas au Quattrocento, mais à la Haute Renaissance, parfois aussi appelée Seconde Renaissance.

Voir aussi : La Joconde de Léonard ou La Joconde Gioconda

24. L'école d'Athènes de Raphaël Sanzio (1510-1511)

Rafael Sanzio : L'école d'Athènes . 1510-1511. Fresque. 500 cm × 770 cm. Musées du Vatican, Vatican.

Si quelque chose représente l'esprit culturel de la Renaissance, c'est bien la fresque. L'école d'Athènes Nous voyons une utilisation magistrale de la perspective linéaire et une profondeur soulignée par les ouvertures dans les voûtes en berceau qui s'ouvrent sur l'espace ouvert.

Dans un environnement architectural d'inspiration clairement classique, une multitude de références philosophiques et scientifiques rappellent la valeur de la raison et de la connaissance. Platon et Aristote sont les protagonistes, mais aussi Ptolémée, Héraclite, Hypatie, Homère et, comme d'habitude, quelques visages contemporains. Raphaël lui-même ne pouvait manquer à l'appel, représenté sous les traits d'Apelle.

25. fresques du plafond de la chapelle Sixtine par Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Michelangelo Buonarroti : Fresques de la chapelle Sixtine Plafond peint entre 1508-1512, mur peint entre 1537-1541, fresque, Cité du Vatican.

Parler de Michelangelo Buonarroti, comme des peintres du Cinquecento italien, c'est entrer dans la Haute Renaissance. Nous approchons donc du maniérisme, dont Buonarroti serait l'un des représentants. Les fresques de la chapelle Sixtine sont son œuvre picturale la plus célèbre.

Neuf scènes racontent des passages de la Genèse et aboutissent au Jugement dernier, un mur peint environ deux décennies après le plafond. Sur ce mur, saint Barthélemy, martyr écorché, suspend sa peau ancienne, mais on peut y voir le visage de Michel-Ange. Comme on peut le voir, l'artiste se représente également, mais pas comme les artistes du Quattrocento qui célébraient leurs gloires terrestres, mais en tant qu'homme.la reconnaissance de leur indignité.