La grande rivoluzione pittorica del Rinascimento avviene nel Quattrocento: in un clima di crescente curiosità intellettuale, il perfezionamento e la diffusione della pittura a olio consentono di utilizzare la tela come supporto, liberando la pittura dalle pareti e favorendo il collezionismo privato.

Nascono così nuovi generi come il ritratto, l'interesse per il paesaggio e la natura morta, anche se non ancora come generi indipendenti, i nudi e i temi mitologici, storici e allegorici non cristiani. I temi religiosi continuano a essere all'ordine del giorno, ma con un approccio antropocentrico.

Di seguito viene presentata una rassegna cronologica dei dipinti più famosi del Rinascimento, al fine di cogliere i contributi e le innovazioni di ciascun artista e l'evoluzione dello stile nel tempo.

1. Santissima Trinità con la Madonna, San Giovanni e i donatori di Masaccio (1425-1427)

Masaccio: Santissima Trinità con la Madonna, San Giovanni e i donatori (frammento), 1425-1427, affresco, 667×317 cm, Basilica di Santa Maria Novella, Firenze

L'affresco Santissima Trinità, con la Vergine, San Giovanni e i donatori rappresenta il punto di partenza del Rinascimento, in cui confluiscono i grandi cambiamenti plastici e culturali dell'epoca. Spiccano la prospettiva lineare, il chiaroscuro e la tecnica del trompe l'oeil. La volta a botte, di ispirazione romana, anticipa i cambiamenti dell'architettura rinascimentale. Accanto alle figure sacre sono raffigurati i donatori, che conferiscono al tema religioso unaQuesto rivela l'autostima di quella generazione.

. L'Annunciazione, di Fra Angelico (1425-1426)

Fra Angelico: L'Annunciazione 1425-1426, oro e tempera su tavola, 194 cm × 194 cm, Museo del Prado, Madrid.

A L'Annunciazione Il Beato Angelico eredita dal Medioevo il gusto per il dettaglio della vegetazione, ma vi apporta le risorse del Rinascimento: utilizza la sobria architettura greco-latina e ne sfrutta le linee per accentuare la prospettiva. Per ottenere una maggiore profondità spaziale, apre diverse aperture per creare piani sovrapposti: una porta conduce a una stanza, e la stanza ha una finestra discreta sullo sfondo.Il giardino a sinistra si riferisce all'espulsione di Adamo ed Eva dal paradiso. Ai piedi del dipinto, vediamo una linea di scene della vita di Maria. Questo tipo di linea con sequenze di scene alla base del dipinto è nota come predella.

3. La coppia Arnolfini di Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck: La coppia Arnolfini 1434, olio su tavola, 81,9 x 59,9 cm, National Gallery, Londra.

Jan van Eyck fu un pittore fiammingo che perfezionò la pittura a olio e ne favorì la diffusione. Quest'opera in particolare è uno dei primi ritratti pittorici della storia. Carica di simboli, trasmette l'importanza e la dignità dei personaggi, che sono di alto livello sociale. Tuttavia, il genio di Van Eyck non è presente.

Sullo sfondo, il pittore introduce uno specchio che gioca con i piani della rappresentazione, mostrando il riflesso di due personaggi non visibili nella scena principale, creando l'illusione che occupino le posizioni dello spettatore. Questo espediente avrà probabilmente ispirato il Meninas di Velázquez, più di duecento anni dopo.

4. La Madonna del canonico Van der Paele di Jan van Eyck (1434-1436)

Jan van Eyck: La Madonna del canonico Van der Paele 1434-1436, olio su tavola, 122,1 cm x 157,8 cm, Museo Groeninge, Bruges.

La Madonna del canonico Van der Paele corrisponde a un genere molto diffuso nel Rinascimento, noto come il sacra conversazione (Sacra Conversazione), in cui la Vergine conversa con i santi in un ambiente intimo, tra cui il donatore, il canonico Van der Paele, presentato da San Giorgio, che calpesta la casula del canonico, ricordandoci che è subordinato al potere spirituale, ma la sua presenza nella scena rivendica il suo ruolo sociale nel potere temporale.

Il trattamento delle vesti e la profusione di dettagli sono notevoli in questa tela. La brillantezza dell'armatura di San Giorgio offre a Jan van Eyck il pretesto per utilizzare i riflessi: si può notare il riflesso dell'artista e della Vergine, concepita come specchio immacolato della grazia divina.

5. La battaglia di San Romano di Paolo Uccello (1438 circa)

Paolo Uccello: La battaglia di San Romano. Sopra: La disarmonia di Bernardino della Ciarda Tempera su tavola, 1438 circa, Tempera su tavola, 182 x 220, Galleria degli Uffizi, Firenze, in basso (a sinistra): Niccolò da Tolentino alla guida dei fiorentini, National Gallery, Londra. In basso (a destra): Intervento decisivo con i fiorentini di Michele Attendolo Musée du Louvre, Parigi.

La battaglia di San Romano di Paolo Ucello è un trittico che raffigura scene della battaglia in cui Firenze sconfisse Siena durante le Guerre di Lombardia. Commissionato originariamente dalla famiglia Bartolini, passò presto alla collezione medicea. Sono ancora presenti elementi medievali come la profusione di dettagli che accentuano il descrittivo, ma è considerato un capolavoro per l'uso delprospettiva e scorcio.

Lo scorcio è la rappresentazione di un oggetto con un angolo perpendicolare rispetto all'osservatore. È possibile vederli in dettaglio nel pannello Bernardino della Ciarda I cavalli si trovano nei cavalli caduti, così come il cavallo animato e il cavallo bianco sulla destra.

6. L'incoronazione della Vergine di Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Fra Filippo Lippi: L'incoronazione della Vergine 1439-1447 circa, Galleria degli Uffizi, Firenze.

L'incoronazione della Vergine è una pala d'altare che Fillipo Lippi commissionò a Francesco Moringhi per la chiesa di San Ambrosio. Invece di uno spazio celeste, tutto sembra svolgersi in uno spazio teatralizzato, che evoca un salone reale, al quale sono stati invitati i santi, il donatore e lo stesso Lippi. Come si vede, il Rinascimento italiano insisteva su una visione antropocentrica del cielo.

7. La discesa dalla croce di Rogier van der Weyden (1443 circa)

Rogier van der Weyden: La discesa dalla croce Olio su tavola, 1443 circa, olio su tavola, 204,5 x 261,5 cm, Museo del Prado, Madrid.

Rogier van der Weyden è stato un pittore fiammingo, la cui opera più conosciuta è La discesa dalla croce L'anatomia non è eccessiva, perché è stata volutamente corretta per favorire l'eleganza formale.

Rogier van der Weyden: La discesa dalla croce (dettaglio)

Anche le proporzioni sono deliberatamente alterate per distribuire i corpi in tutta la composizione. La Vergine Maria e Gesù sembrano essere l'uno il riflesso dell'altro: come la madre, il figlio; come il figlio, la madre. Il dipinto guadagna nel trattamento dell'espressione, dell'abbigliamento e delle texture.

8. La flagellazione di Cristo di Piero della Francesca (1455-1460)

Piero della Francesca: La flagellazione di Cristo 1455-1460, olio e tempera su tavola, 59 cm x 82 cm, Palazzo Ducale, Urbino.

A La flagellazione di Cristo, Piero della Francesca riserva la scena religiosa al piano di fondo e si caratterizza per la sua freddezza. Non c'è emozione nei personaggi. Il tema sembra quasi un'apologia dello sviluppo del programma plastico del Rinascimento, basato sulla prospettiva lineare, sulla geometrizzazione compositiva e sull'esaltazione dell'architettura classicista. Ne è conferma la conversazione di tre personaggicontemporanea, la cui identità non è ancora stata determinata.

9. Dittico di Melun di Jean Fouquet (1450 circa)

Jean Fouquet: Dittico di Melun, 1450 circa, tavola, 120 cm x 224 cm, tavola destra nel Museo Reale di Belle Arti di Anversa, Belgio; tavola sinistra nella Gemäldegalerie di Berlino.

Jean Fouquet fu un pittore francese che rinnovò il linguaggio artistico della Francia attraverso l'influenza della pittura fiamminga e italiana. L'opera in questione fu concepita come dittico per la tomba della moglie di Étienne Chevalier, suo committente. I due pannelli contrastano tra loro.

Sul pannello di sinistra, il pittore ha raffigurato Etienne Chevalier e Santo Stefano, il suo patrono, inseriti in uno spazio architettonico classico. A destra, la Vergine con il Bambino e gli angeli. Il seno nudo di Maria fa riferimento a lei come nutrice dell'umanità. Si pensa che il volto della Vergine sia quello dell'amante del patrono, Agnès Sorel. Anche se il soggetto è apparentemente sacro,ha un forte carattere profano.

10. Viaggio dei Magi di Benozzo Gozzoli (1459)

Gozzoli: Viaggio dei Magi , 1459, affresco, Palazzo Medici Riccardi, Firenze.

Nel Palazzo Medici Riccardi di Firenze c'è una sala chiamata Cappella dei Magi, in allusione ai tre affreschi del Gozzoli che raffigurano le processioni dei Magi. Oltre a essere un capolavoro per la sua complessità compositiva, l'opera è infatti un'esaltazione del potere detenuto dalla famiglia Medici, i cui volti si ritrovano nei personaggirappresentato.

11. La camera dei mariti e delle mogli di Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna: La camera dei mariti e delle mogli (parete nord), 1465-1474, affresco, Palazzo Ducale, Mantova.

Andrea Mantegna si distingue in questo affresco per l'uso di tecniche rinascimentali come il trompe l'oeil, in un chiaro sforzo di sfumare i confini tra pittura e realtà. L'immagine che vediamo corrisponde a una sola delle pareti dell'edificio. La camera dei mariti. Come gli altri, celebra le glorie dei Gonzaga, grandi mecenati del loro tempo.

12. Lamento su Cristo morto di Andrea Mantegna (1475-1478)

Andrea Mantegna: Lamento su Cristo morto 1475-1478, tempera su tela, 68 cm × 81 cm, Pinacoteca di Brera, Milano.

Se in qualche momento Andrea Mantegna supera se stesso, è nel Lamento su Cristo morto L'opera si distingue per l'uso magistrale della tecnica dello scorcio: con questa risorsa Mantegna incorpora lo spettatore nella scena e sfida il modello compositivo tradizionale. Notevole è anche la rappresentazione dei tratti dei personaggi: Maria non è una giovane fanciulla, ma un volto invecchiato dal dolore. L'austerità della scena sottolinea il carattere terribile della morte e della desolazione.per le persone in lutto.

Vedi anche: La Passione di Cristo nell'arte

13. Polittico di San Vincenzo di Nuno Gonçalves (1470-1480)

Nuno Gonçalves: Polittico di San Vincenzo di Lisbona 1470-1480 circa, olio e tempera su tavola, 207,2 x 64,2 cm; 207 x 60 cm; 206,4 x 128 cm; 206,6 x 60,4 cm; 206,5 x 63,1 cm. Museo Nazionale di Arte Antica, Lisbona.

Il polittico di San Vincenzo Uno dei capolavori del Rinascimento portoghese, attribuito a Nuno Gonçalves, raffigura cinquantotto figure accanto a San Vincenzo, che appare in duplice copia nei pannelli centrali, come in un'immagine speculare.

Da sinistra a destra abbiamo il pannello dei frati, il pannello dei pescatori, il pannello dell'Infante Don Enrique (Enrico il Navigatore), il pannello dell'arcivescovo, il pannello dei cavalieri e il pannello della reliquia.

14. Il culto dei Magi di Sandro Botticelli (1475)

Sandro Botticelli: Il culto dei Magi 1475, tempera su tavola, 111 cm × 134 cm, Galleria degli Uffizi, Firenze

Il culto dei Magi Fino a Botticelli, la Sacra Famiglia si trovava su un lato della scena e riceveva i fedeli che provenivano dall'altro; Botticelli la collocò al centro della composizione e al vertice di una piramide, e dispose i fedeli uno accanto all'altro, tra cui uno di loro in posizione frontale.

Il pittore ha anche raffigurato i Magi con i volti della famiglia Medici: Cosimo e i suoi figli, Piero il Gottoso e Giovanni. Sono raffigurati altri membri della famiglia e i loro alleati, e lo stesso Botticelli è incluso nella figura che guarda lo spettatore.

15. Consegna delle chiavi del cielo a San Pietro del Perugino (1482)

Perugino: Consegna delle chiavi del cielo a San Pietro 1482, affresco, 335 x 550 cm, Cappella Sistina, Città del Vaticano.

Quest'opera del Perugino fu commissionata da Papa Sisto IV, costruttore della Cappella Sistina. L'affresco corrisponde all'idea della trasmissione dell'autorità da Dio alla Chiesa, rappresentata da San Pietro. L'opera è una magistrale espressione del lavoro del pittore sulla prospettiva aerea e sulla profondità. In primo piano, vediamo i personaggi principali: Gesù, gli apostoli e varie altre figure.In ultimo, l'edificio a pianta centrale ottagonale, simbolo dell'universalità del papato.

16. La nascita di Venere di Sandro Botticelli (1482-1485)

Sandro Botticelli: La nascita di Venere 1482-1485, tempera su tela, 1,80 x 2,75 metri, Galleria degli Uffizi, Firenze.

La nascita di Venere L'attenzione che riceve ha in parte a che fare con la trattazione dell'argomento, che non è più un tema sacro: vediamo il mito dell'origine di Venere o Afrodite, dea della fertilità e dell'erotismo.

Con quest'opera, Botticelli legittimò la rappresentazione del nudo femminile integrale nell'arte a tema profano. Ma Venere non è qui un personaggio che si esibisce completamente, bensì una Venere modesta, che copre la sua "vergogna" con i capelli. Così, questo nudo fu giustificato come rappresentazione della Virtù nel contesto del pensiero filosofico dell'epoca.

Si veda anche La nascita di Venere di Sandro Botticelli

17. Vergine delle Rocce di Leonardo da Vinci (1483-1486)

Leonardo da Vinci: La Vergine delle Rocce 1483-1486, olio su tavola, 199 × 122 cm, Musée du Louvre, Parigi.

Questa opera di Leonardo fu commissionata dai monaci di San Donato, il che spiega la centralità del tema religioso. Leonardo ha modificato un elemento della tradizione rinascimentale: invece di un paesaggio architettonico, ha inquadrato la scena in un paesaggio naturale roccioso. Le figure formano una piramide, e sono delicatamente sagomate grazie a uno dei più famosi pregi del pittore: iltecnica di sfumato .

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18. Ritratto di Giovanna degli Albizzi Tornabuoni di Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Domenico Ghirlandaio: Ritratto di Giovanna degli Albizzi Tornabuoni 1489-1490, tecnica mista su pannello, 77 x 49 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

L'opera del Ghirlandaio è un'espressione esemplare del genere del ritratto rinascimentale: in linea con i valori recuperati dell'antichità classica, mostra proporzioni e lineamenti idealizzati, nonché un'espressività contenuta o assente. Con l'intento di mostrare i tratti del suo carattere, sono inseriti alcuni oggetti personali: i gioielli danno conto della sua vita pubblica, mentre il libro diLe preghiere e il rosario danno conto della sua vita spirituale.

19. L'ultima cena di Leonardo da Vinci (1498)

Leonardo da Vinci: L'ultima cena 1498, tempera e olio su intonaco, catrame e stucco. 4,6 x 8,8 m, Refettorio del Convento di Santa Maria delle Grazie, Milano.

L'ultima cena è una delle opere più conosciute di Leonardo. Si distingue per i riferimenti intellettuali e filosofici inseriti nella scena, ma anche per la sua drammaticità. Senza rinunciare all'equilibrio rinascimentale, l'opera è carica di tensione emotiva e psicologica nei suoi personaggi, sfidando l'apparente freddezza di molte composizioni precedenti. Il suo cattivo stato di conservazione è in parte il risultato dellaIl tentativo di Leonardo di mescolare tempera e olio per apportare correzioni all'intonaco.

20. San Domenico e gli Albigesi o La prova del fuoco di Pedro Berruguete (1493-1499)

Pedro Berruguete: San Domenico e gli Albigesi o La prova del fuoco Olio su tavola, 122 x 83 cm, Museo del Prado, Madrid, 1493-1499.

Lo spagnolo Pedro Berruguete raffigura un passo secondo il quale San Domenico di Guzman propose di costruire un falò per mettere alla prova i libri dei gruppi eretici nella città di Albi, in Francia. Il fuoco consuma i libri eretici, mentre il libro canonico fluttua nell'aria.

L'opera esprime la mentalità politica dell'epoca dei monarchi cattolici, che cercavano l'unità del regno combattendo l'eresia; formalmente si distingue per la preziosità dei dettagli, di chiara ispirazione fiamminga, e per il gusto della doratura, derivato dallo stile gotico e molto apprezzato nel primo Rinascimento.

21. Autoritratto di Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer; Autoritratto , 1500, dipinto su tavola, 66 cm x 49 cm, Vecchia Pinacoteca, Monaco di Baviera

Albrecht Dürer è stato un grande maestro del Rinascimento tedesco. Questo celebre autoritratto, che a prima vista sembra un'icona di Gesù Cristo, reca due iscrizioni fondamentali: a destra si legge "Mi dipingo con colori indelebili"; a sinistra la data, che indica la sua età, 28 anni.

La frontalità del suo ritratto è piuttosto audace: in barba alla tradizione, che riservava questa posa alle icone di Gesù - e anche il gesto della mano leggermente alterato - Dürer gioca sulla rottura dell'identità con il referente religioso e confonde deliberatamente lo spettatore.

22. Doge Leonardo Loredan di Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini: Doge Leonardo Loredan 1501, olio e tempera su tavola, 62 × 45 cm, National Gallery, Londra.

Giovanni Bellini, pittore al servizio della Repubblica di Venezia, realizzò questo magnifico ritratto del doge Leonardo Loredan. In quest'opera geniale riesce a superare la sensazione di ieraticità grazie alla ricchezza espressiva del volto e al fine trattamento delle trame e degli abiti. In questi ultimi, colpisce il modo in cui Bellini riesce a rappresentare la lucentezza dei tessuti orientali.

23. Monna Lisa di Leonardo da Vinci (1503-1506)

Leonardo da Vinci: Monna Lisa o Gioconda 1503-1506, olio su tavola, 77 x 53 cm, Musée du Louvre, Parigi.

Il Monna Lisa è senza dubbio l'opera più famosa di Leonardo da Vinci. È l'espressione della maturità dello stile leonardesco per quanto riguarda le tecniche del chiaroscuro e dello sfumato, che consiste nello sfumare i bordi delle figure in modo da far percepire la loro integrazione nello spazio. Mostra anche la tecnica del paesaggio di fondo, che apre lo spazio per dare maggiore profondità. Tuttavia, quest'opera è un'opera d'arte,così come tutta l'opera di Leonardo, non appartiene al Quattrocento, ma all'Alto Rinascimento, talvolta chiamato anche Secondo Rinascimento.

Vedi anche: Monna Lisa di Leonardo o Monna Lisa Gioconda

24. La Scuola di Atene di Raffaello Sanzio (1510-1511)

Rafael Sanzio: La Scuola di Atene . 1510-1511. Affresco. 500 cm × 770 cm. Musei Vaticani, Vaticano.

Se c'è qualcosa che rappresenta lo spirito culturale del Rinascimento è l'affresco. La Scuola di Atene Si nota un uso magistrale della prospettiva lineare e una profondità enfatizzata dalle aperture delle volte a botte che si aprono nello spazio aperto.

In un ambiente architettonico di chiara ispirazione classica, una moltitudine di riferimenti filosofici e scientifici richiamano il valore della ragione e della conoscenza: Platone e Aristotele sono i protagonisti, così come Tolomeo, Eraclito, Ipazia, Omero e, come di consueto, alcuni volti contemporanei. Non poteva mancare lo stesso Raffaello, ritratto nelle vesti di Apelle.

25. Affreschi del soffitto della Cappella Sistina di Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Michelangelo Buonarroti: Affreschi della Cappella Sistina Soffitto dipinto tra il 1508-1512, parete dipinta tra il 1537-1541, affresco, Città del Vaticano.

Parlare di Michelangelo Buonarroti, così come dei pittori del Cinquecento italiano, significa entrare nell'Alto Rinascimento. Ci avviciniamo quindi al Manierismo, di cui Buonarroti sarebbe uno degli esponenti. Gli affreschi della Cappella Sistina sono la sua opera pittorica più celebre.

Sono nove scene che narrano passi della Genesi e che arrivano fino al Giudizio Universale, una parete dipinta circa due decenni dopo il soffitto. Su questa parete, San Bartolomeo, martire scorticato, appende la sua antica pelle, ma su di essa si vede il volto di Michelangelo. Come si vede, l'artista ritrae anche se stesso, ma non come gli artisti del Quattrocento che celebravano le loro glorie terrene, bensì come unariconoscimento della propria indegnità.