Marea revoluție picturală a Renașterii a avut loc în secolul al XV-lea, cunoscut sub numele de Quattrocento. Într-o atmosferă de curiozitate intelectuală crescândă, perfecționarea și răspândirea picturii în ulei a făcut posibilă utilizarea pânzei ca suport, astfel încât pictura a putut fi eliberată de pereți, ceea ce a favorizat colecționismul privat.

Astfel, au fost create noi genuri, cum ar fi portretul, și s-a născut un interes pentru peisaj și natură moartă, deși nu încă ca genuri independente. Au apărut, de asemenea, nudurile și temele mitologice, istorice și alegorice necreștine. Temele religioase au continuat să fie la ordinea zilei, dar dintr-o abordare antropocentrică.

În cele ce urmează este prezentată o trecere în revistă cronologică a celor mai faimoase picturi ale Renașterii, pentru a surprinde contribuțiile și inovațiile fiecărui artist și evoluția stilului de-a lungul timpului.

1. Sfânta Treime cu Maica Domnului, Sfântul Ioan și Donatorii de Masaccio (1425-1427)

Masaccio: Sfânta Treime cu Maica Domnului, Sfântul Ioan și Donatorii (fragment), 1425-1427, frescă, 667×317 cm, Bazilica Santa Maria Novella, Florența

Fresca Sfânta Treime, cu Fecioara, Sfântul Ioan și donatorii reprezintă punctul de plecare al Renașterii, reunind marile mutații plastice și culturale ale perioadei. Se remarcă perspectiva liniară, clar-obscurul și tehnica trompe l'oeil. Bolta în formă de butoi, de inspirație romană, anticipează schimbările arhitecturii renascentiste. Alături de figurile sacre, sunt reprezentați donatorii, dând temei religioase un caracter deAcest lucru dezvăluie stima de sine a acelei generații.

. Buna Vestire, de Fra Angelico (1425-1426)

Fra Angelico: Buna Vestire 1425-1426, aur și tempera pe panou, 194 cm × 194 cm, Museo del Prado, Madrid.

La Buna Vestire Fra Angelico a moștenit din Evul Mediu gustul pentru detaliul vegetației, dar a adus resurse renascentiste. A folosit arhitectura sobră greco-latină și a exploatat liniile acesteia pentru a accentua perspectiva. Pentru a obține o mai mare profunzime spațială, a deschis mai multe deschideri pentru a crea planuri suprapuse: o ușă duce la o cameră, iar camera are o fereastră discretă în fundal.Grădina din stânga se referă la alungarea lui Adam și a Evei din paradis. La baza picturii, vedem o linie de scene din viața Mariei. Acest tip de linie cu secvențe de scene la baza picturii este cunoscut sub numele de predela.

3. Cuplul Arnolfini de Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck: Cuplul Arnolfini 1434, ulei pe panou, 81,9 x 59,9 cm, National Gallery, Londra.

Jan van Eyck a fost un pictor flamand care a desăvârșit pictura în ulei și a contribuit la răspândirea acesteia. Această lucrare particulară este unul dintre primele portrete picturale din istorie. Încărcată de simboluri, ea transmite importanța și demnitatea personajelor, care au un statut social ridicat. Cu toate acestea, geniul lui Van Eyck nu este prezent.

În fundal, pictorul introduce o oglindă care se joacă cu planurile de reprezentare, arătând reflexia a două personaje care nu sunt vizibile în scena principală, creând iluzia că acestea ocupă pozițiile privitorului. Acest artificiu îl va fi inspirat probabil pe Meninas de Velázquez, mai mult de două sute de ani mai târziu.

4. Madona Canonului Van der Paele de Jan van Eyck (1434-1436)

Jan van Eyck: Madona Canonului Van der Paele 1434-1436, ulei pe panou, 122,1 cm x 157,8 cm, Muzeul Groeninge, Bruges.

Madona Canonului Van der Paele corespunde unui gen foarte răspândit în Renaștere, cunoscut sub numele de sacra conversazione (Conversație sacră), în care Fecioara poartă o conversație cu sfinții într-un cadru intim. Printre aceștia se numără și donatorul, canonicul Van der Paele, prezentat de Sfântul Gheorghe. Acesta calcă pe casula canonicului, amintindu-ne că este subordonat puterii spirituale. Cu toate acestea, prezența sa în scenă justifică rolul său social în cadrul puterii temporale.

Tratarea veșmintelor și abundența detaliilor sunt remarcabile în această pânză. Strălucirea armurii Sfântului Gheorghe îi oferă lui Jan van Eyck un pretext pentru a folosi reflexii. Se poate observa reflecția artistului și a Fecioarei, concepută ca o oglindă imaculată a harului divin.

5. Bătălia de la San Romano de Paolo Uccello (cca. 1438)

Paolo Uccello: Bătălia de la San Romano. Deasupra: Dezacordul lui Bernardino della Ciarda Tempera pe panou, cca. 1438, Tempera pe panou, 182 x 220, Galeria Uffizi, Florența, jos (stânga): Niccolò da Tolentino în fruntea florentinilor, Galeria Națională, Londra. Jos (dreapta): Intervenție decisivă cu florentinii de Michele Attendolo Musée du Louvre, Paris.

Bătălia de la San Romano de Paolo Ucello este un triptic care înfățișează scene din bătălia în care Florența a învins Siena în timpul Războaielor din Lombardia. Comandat inițial de familia Bartolini, a trecut în scurt timp în colecția Medici. Elementele medievale, cum ar fi profuzia de detalii care accentuează descriptivul, sunt încă prezente. Cu toate acestea, este considerat o capodoperă datorită utilizăriiperspectiva și prescurtarea.

Scurtarea este reprezentarea unui obiect la un unghi perpendicular pe privitor. Le puteți vedea în detaliu în panoul Bernardino della Ciarda Caii se află în caii căzuți, precum și calul sprinten și calul alb din dreapta.

6. Încoronarea Fecioarei de Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Fra Filippo Lippi: Încoronarea Fecioarei c. 1439-1447, Galleria Uffizi, Florența.

Încoronarea Fecioarei este un tablou de altar pe care Fillipo Lippi l-a comandat lui Francesco Moringhi pentru biserica San Ambrosio. În loc de un spațiu ceresc, totul pare să se desfășoare într-un spațiu teatralizat, evocând un salon regal, la care au fost invitați sfinții, donatorul și Lippi însuși. După cum se poate observa, Renașterea italiană a insistat asupra unei viziuni antropocentrice a cerului.

7. Coborârea de pe cruce de Rogier van der Weyden (cca. 1443)

Rogier van der Weyden: Coborârea de pe cruce Ulei pe panou, cca. 1443, ulei pe panou, 204,5 x 261,5 cm, Museo del Prado, Madrid.

Rogier van der Weyden a fost un pictor flamand, a cărui cea mai cunoscută lucrare este Coborârea de pe cruce Anatomia nu este excesivă, deoarece a fost corectată în mod intenționat pentru a favoriza eleganța formală.

Rogier van der Weyden: Coborârea de pe cruce (detaliu)

Proporțiile sunt, de asemenea, modificate în mod deliberat pentru a distribui corpurile în întreaga compoziție. Fecioara Maria și Iisus par a fi o reflectare unul a celuilalt: ca mamă, fiul; ca fiu, mama. Pictura câștigă în tratarea expresiei, a vestimentației și a texturilor.

8. Flagelarea lui Hristos de Piero della Francesca (1455-1460)

Piero della Francesca: Flagelarea lui Hristos 1455-1460, ulei și tempera pe panou, 59 cm x 82 cm, Palazzo Ducale, Urbino.

La Flagelarea lui Hristos, Piero della Francesca rezervă scena religioasă în planul secundar și se caracterizează prin răceală. Nu există emoție în personaje. Tema pare aproape o apologie a dezvoltării programului plastic al Renașterii, bazat pe perspectiva liniară, geometrizare compozițională și exaltarea arhitecturii clasiciste. Ea este confirmată în conversația celor trei personajecontemporan, a cărui identitate nu a fost încă stabilită.

9. Diptic de Melun de Jean Fouquet (cca. 1450)

Jean Fouquet: Melun diptic, cca. 1450, panou, 120 cm x 224 cm, panoul din dreapta în Muzeul Regal de Arte Frumoase, Anvers, Belgia; panoul din stânga în Gemäldegalerie, Berlin.

Jean Fouquet a fost un pictor francez care a reînnoit limbajul artistic al Franței prin influența picturii flamande și italiene. Lucrarea în cauză a fost concepută ca un diptic pentru mormântul soției lui Étienne Chevalier, clientul său. Cele două panouri contrastează între ele.

Pe panoul din stânga, pictorul i-a înfățișat pe Etienne Chevalier și pe Sfântul Ștefan, patronul său, plasați într-un spațiu arhitectural clasic. În dreapta, Fecioara și Pruncul cu îngeri. Sânul gol al Fecioarei face referire la ea ca fiind dădaca umanității. Se crede că chipul Fecioarei este cel al iubitei patronului, Agnès Sorel. Deși subiectul este aparent sacru,are un puternic caracter profanator.

10. Călătoria magilor de Benozzo Gozzoli (1459)

Gozzoli: Călătoria magilor , 1459, frescă, Palazzo Medici Riccardi, Florența.

În Palazzo Medici Riccardi din Florența, există o încăpere numită Capela Magilor, aluzie la cele trei fresce ale lui Gozzoli care înfățișează procesiunile magilor. Pe lângă faptul că este o capodoperă prin complexitatea compozițională, opera este de fapt o exaltare a puterii deținute de familia Medici, ale cărei chipuri se regăsesc în personajelereprezentat.

11. Camera soților și a soțiilor de Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna: Camera soților și a soțiilor (perete nordic), 1465-1474, frescă, Palatul Ducal, Mantova.

Andrea Mantegna se remarcă în această frescă prin utilizarea tehnicilor renascentiste, cum ar fi trompe l'oeil, într-un efort clar de a estompa granițele dintre pictură și realitate. Imaginea pe care o vedem corespunde doar unuia dintre pereții din Camera soților. La fel ca și celelalte, celebrează gloria familiei Gonzaga, mari patroni ai timpului lor.

12. Plângere despre Hristos cel mort de Andrea Mantegna (1475-1478)

Andrea Mantegna: Plângere despre Hristos cel mort 1475-1478, tempera pe pânză, 68 cm × 81 cm, Pinacoteca di Brera, Milano.

Dacă în vreun moment Andrea Mantegna se întrece pe sine însuși, acesta este în Plângere despre Hristos cel mort Lucrarea se remarcă prin folosirea magistrală a tehnicii de prescurtare. Prin această resursă, Mantegna încorporează spectatorul în scenă și sfidează modelul compozițional tradițional. Reprezentarea trăsăturilor personajelor este, de asemenea, remarcabilă. Maria nu este o tânără fecioară, ci un chip îmbătrânit de durere. Austeritatea scenei subliniază caracterul teribil al morții și al pustietății.pentru cei în doliu.

Vezi și: Patimile lui Hristos în artă

13. Sfântul Vincențiu Poliptic de Nuno Gonçalves (1470-1480)

Nuno Gonçalves: Polipticul Sfântului Vincențiu din Lisabona c.1470-1480, ulei și tempera pe lemn, 207,2 x 64,2 cm; 207 x 60 cm; 206,4 x 128cm; 206,6 x 60,4cm; 206,5 x 63,1 cm. Muzeul Național de Artă Antică, Lisabona.

Polipticul Sfântului Vincențiu Una dintre capodoperele Renașterii portugheze, atribuită lui Nuno Gonçalves, înfățișează cincizeci și opt de figuri alături de Sfântul Vincent, care apare în dublu exemplar în panourile centrale, ca într-o imagine în oglindă.

De la stânga la dreapta avem panoul fraților, panoul pescarilor, panoul infantului Don Enrique (Henric Navigatorul), panoul arhiepiscopului, panoul cavalerilor și panoul relicvei.

14. Cultul Magilor de Sandro Botticelli (1475)

Sandro Botticelli: Cultul Magilor 1475, tempera pe panou, 111 cm × 134 cm, Galeria Uffizi, Florența

Cultul Magilor Până la Botticelli, Sfânta Familie se afla pe o parte a scenei, primind credincioșii care veneau dinspre cealaltă parte. Botticelli a plasat-o în centrul compoziției și în vârful unei piramide, iar credincioșii au fost dispuși unul lângă altul, inclusiv unul dintre ei în față.

Pictorul i-a înfățișat pe magi și cu chipurile familiei Medici: Cosimo și fiii săi, Piero il Gottoso și Giovanni. Sunt reprezentați și alți membri ai familiei și aliații lor, iar Botticelli însuși este inclus în figura care privește privirea privitorului.

15. Înmânarea cheilor raiului Sfântului Petru de Perugino (1482)

Perugino: Înmânarea cheilor raiului Sfântului Petru 1482, frescă, 335 x 550 cm, Capela Sixtină, Vatican City.

Această lucrare a lui Perugino a fost comandată de papa Sixtus al IV-lea, constructorul Capelei Sixtine. Fresca corespunde ideii de transmitere a autorității de la Dumnezeu către Biserică, reprezentată de Sfântul Petru. Lucrarea este o expresie magistrală a pictorului în ceea ce privește perspectiva aeriană și profunzimea. În prim-plan, vedem personajele principale: Iisus, apostolii și diverse alte figuri.În ultimul, clădirea cu plan central octogonal, un simbol al universalității papalității.

16. Nașterea lui Venus de Sandro Botticelli (1482-1485)

Sandro Botticelli: Nașterea lui Venus 1482-1485, tempera pe pânză, 1,80 x 2,75 metri, Galeria Uffizi, Florența.

Nașterea lui Venus Atenția pe care o primește este în parte legată de tratarea subiectului, care nu mai este o temă sacră. Vedem mitul originii lui Venus sau Afrodita, zeița fertilității și a erotismului.

Cu această lucrare, Botticelli a legitimat reprezentarea nudului feminin integral în arta pe teme laice. Însă Venus nu este aici un personaj care se expune complet, ci o Venus modestă, care își acoperă "rușinea" cu părul. Astfel, acest nud a fost justificat ca o reprezentare a Virtuții în contextul gândirii filosofice a vremii.

Vezi și Nașterea lui Venus de Sandro Botticelli

17. Fecioara de pe stânci de Leonardo da Vinci (1483-1486)

Leonardo da Vinci: Fecioara de pe stânci 1483-1486, ulei pe panou, 199 × 122 cm, Musée du Louvre, Paris.

Această lucrare a lui Leonardo a fost comandată de călugării din San Donato, ceea ce explică centralitatea temei religioase. Leonardo a modificat un element al tradiției renascentiste: în loc de un peisaj arhitectural, a încadrat scena într-un peisaj natural stâncos. Figurile formează o piramidă și sunt delicat conturate datorită unuia dintre cele mai cunoscute atuuri ale pictorului:tehnica de sfumato .

S-ar putea să vă intereseze: Opere fundamentale ale lui Leonardo da Vinci

18. Portretul lui Giovanna degli Albizzi Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Domenico Ghirlandaio: Portretul lui Giovanna degli Albizzi Tornabuoni 1489-1490, tehnică mixtă pe panou, 77 x 49 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Această lucrare a lui Ghirlandaio este o expresie exemplară a genului portretului renascentist. În acord cu valorile reînviate ale Antichității clasice, prezintă proporții și trăsături idealizate, precum și o expresivitate reținută sau absentă. În intenția de a arăta trăsături de caracter, sunt incluse câteva obiecte personale: bijuteriile dau seama de viața sa publică, în timp ce cartea derugăciunile și rozariul dau seama de viața sa spirituală.

19. Cina cea de Taină de Leonardo da Vinci (1498)

Leonardo da Vinci: Cina cea de Taină 1498, tempera și ulei pe ipsos, gudron și chit. 4,6 x 8,8 m, Refectoriul Mănăstirii Santa Maria delle Grazie, Milano.

Cina cea de Taină este una dintre cele mai cunoscute lucrări ale lui Leonardo. Se remarcă prin referințele intelectuale și filozofice încorporate în scenă, dar și prin dramatismul său. Fără a renunța la echilibrul renascentist, lucrarea este încărcată de tensiune emoțională și psihologică în personajele sale, sfidând aparenta răceală a multor compoziții anterioare. Starea sa precară de conservare este parțial rezultatulÎncercarea lui Leonardo de a amesteca tempera și ulei pentru a face corecturi pe ipsos.

20. Sfântul Dominic și Albigenzii o Testul focului de Pedro Berruguete (1493-1499)

Pedro Berruguete: Sfântul Dominic și Albigenzii o Testul focului Ulei pe panou, 122 x 83 cm, Museo del Prado, Madrid, 1493-1499.

Spaniolul Pedro Berruguete înfățișează un pasaj potrivit căruia Sfântul Dominic de Guzman a propus să se facă un foc de tabără pentru a testa cărțile grupurilor eretice din orașul Albi, Franța. Focul mistuie cărțile eretice, în timp ce cartea canonică plutește în aer.

Lucrarea exprimă mentalitatea politică a epocii monarhilor catolici, care căutau unitatea regatului prin combaterea ereziei. Din punct de vedere formal, se remarcă prin prețiozitatea detaliilor, de clară inspirație flamandă, precum și prin gustul pentru aurire, derivat din stilul gotic și foarte apreciat la începutul Renașterii.

21. Autoportret de Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer; Autoportret , 1500, pictură pe panou, 66 cm x 49 cm, Pinacoteca Veche, München

Albrecht Dürer a fost un mare maestru al Renașterii germane. Acest autoportret celebru, care la prima vedere pare a fi o icoană a lui Iisus Hristos, poartă două inscripții cheie: în dreapta scrie: "Mă pictez cu culori indelebile"; în stânga, data, care indică vârsta sa, 28 de ani.

Sfidând tradiția, care rezerva această postură pentru icoanele lui Iisus - precum și gestul ușor modificat al mâinii -, Dürer joacă pe întreruperea identității cu referentul religios și confundă în mod deliberat privitorul.

22. Doge Leonardo Loredan de Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini: Doge Leonardo Loredan 1501, ulei și tempera pe panou, 62 × 45 cm, National Gallery, Londra.

Giovanni Bellini, pictor în slujba Republicii Veneția, a realizat acest magnific portret al dogelui Leonardo Loredan. În această lucrare genială, el reușește să depășească senzația de hieratism datorită bogăției expresive a chipului și a tratării fine a texturilor și a vestimentației. În cazul acesteia din urmă, este izbitor modul în care Bellini reușește să descrie strălucirea țesăturilor orientale.

23. Mona Lisa de Leonardo da Vinci (1503-1506)

Leonardo da Vinci: Mona Lisa o Gioconda 1503-1506, ulei pe panou, 77 x 53 cm, Musée du Louvre, Paris.

The Mona Lisa este, fără îndoială, cea mai cunoscută lucrare a lui Leonardo da Vinci. Este o expresie a maturității stilului lui Leonardo în ceea ce privește tehnicile de clar-obscur și sfumato, care constă în estomparea marginilor figurilor pentru a se putea percepe integrarea lor în spațiu. De asemenea, prezintă tehnica peisajului de fundal, care deschide spațiul pentru a da mai multă profunzime. Totuși, această lucrare este o operă de artă,precum și întreaga operă a lui Leonardo, nu aparține Quattrocento, ci Renașterii înalte, numită uneori și a doua Renaștere.

Vezi și: Gioconda lui Leonardo sau Gioconda Gioconda Mona Lisa sau Gioconda Gioconda Mona Lisa

24. Școala din Atena de Raphael Sanzio (1510-1511)

Rafael Sanzio: Școala din Atena . 1510-1511. Frescă. 500 cm × 770 cm. Muzeele Vaticanului, Vatican.

Dacă ceva reprezintă spiritul cultural al Renașterii, atunci aceasta este fresca. Școala din Atena Observăm o utilizare magistrală a perspectivei liniare și o profunzime subliniată de deschiderile din bolțile de butoi care se deschid în spațiul deschis.

Într-un mediu arhitectural de clară inspirație clasică, o multitudine de referințe filosofice și științifice amintesc valoarea rațiunii și a cunoașterii. Platon și Aristotel sunt protagoniștii, precum și Ptolemeu, Heraclit, Hypatia, Homer și, ca de obicei, câteva fețe contemporane. Nu putea lipsi Rafael însuși, portretizat în rolul lui Apelles.

25. Frescele de pe tavanul Capelei Sixtine, realizate de Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Michelangelo Buonarroti: Frescele Capelei Sixtine Plafon pictat între 1508-1512, Perete pictat între 1537-1541, frescă, Vatican City.

A vorbi despre Michelangelo Buonarroti, ca și despre pictorii din Cinquecento italian, înseamnă a intra în perioada Renașterii înalte. Ne apropiem, așadar, de manierism, al cărui exponent ar fi Buonarroti. Frescele din Capela Sixtină sunt cea mai celebră operă picturală a sa.

Sunt nouă scene care nară pasaje din Geneză, toate conducând la Judecata de Apoi, un perete pictat la aproximativ două decenii după tavan. Pe acest perete, Sfântul Bartolomeu, un martir jupuit, își atârnă pielea sa veche, dar pe ea se vede chipul lui Michelangelo. După cum se vede, artistul se portretizează și pe sine, dar nu ca artiștii din Quattrocento care își celebrau gloriile pământești, ci ca unrecunoașterea nevredniciei lor.