Η μεγάλη εικαστική επανάσταση της Αναγέννησης έλαβε χώρα τον 15ο αιώνα, γνωστό ως Quattrocento. Σε μια ατμόσφαιρα αυξανόμενης πνευματικής περιέργειας, η τελειοποίηση και η διάδοση της ελαιογραφίας κατέστησε δυνατή τη χρήση του καμβά ως φορέα, ώστε η ζωγραφική να απελευθερωθεί από τους τοίχους, γεγονός που ευνόησε την ιδιωτική συλλογή.

Έτσι, δημιουργήθηκαν νέα είδη, όπως η προσωπογραφία, και γεννήθηκε το ενδιαφέρον για το τοπίο και τη νεκρή φύση, αν και όχι ακόμη ως ανεξάρτητα είδη. Εμφανίστηκαν επίσης τα γυμνά και τα μυθολογικά, ιστορικά και αλληγορικά μη χριστιανικά θέματα. Τα θρησκευτικά θέματα συνέχισαν να είναι στην ημερήσια διάταξη, αλλά από μια ανθρωποκεντρική προσέγγιση.

Ακολουθεί μια χρονολογική επισκόπηση των διασημότερων πινάκων της Αναγέννησης, προκειμένου να αποτυπωθούν η συμβολή και οι καινοτομίες κάθε καλλιτέχνη και η εξέλιξη της τεχνοτροπίας με την πάροδο του χρόνου.

1. Αγία Τριάδα με την Παναγία, τον Άγιο Ιωάννη και τους Δωρητές από τον Masaccio (1425-1427)

Μασάτσιο: Αγία Τριάδα με την Παναγία, τον Άγιο Ιωάννη και τους Δωρητές (θραύσμα), 1425-1427, τοιχογραφία, 667×317 εκ., Βασιλική της Santa Maria Novella, Φλωρεντία

Η τοιχογραφία Αγία Τριάδα, με την Παναγία, τον Άγιο Ιωάννη και τους δωρητές αντιπροσωπεύει την αφετηρία της Αναγέννησης, συγκεντρώνοντας τις μεγάλες πλαστικές και πολιτιστικές αλλαγές της περιόδου. Ξεχωρίζουν η γραμμική προοπτική, το chiaroscuro και η τεχνική trompe l'oeil. Ο θόλος του βαρελιού, ρωμαϊκής έμπνευσης, προδικάζει τις αλλαγές της αναγεννησιακής αρχιτεκτονικής. Παράλληλα με τις ιερές μορφές, απεικονίζονται οι δωρητές, δίνοντας στο θρησκευτικό θέμα μιαΑυτό αποκαλύπτει την αυτοεκτίμηση της γενιάς αυτής.

. Ο Ευαγγελισμός, του Fra Angelico (1425-1426)

Fra Angelico: Ο Ευαγγελισμός 1425-1426, χρυσός και τέμπερα σε πάνελ, 194 cm × 194 cm, Museo del Prado, Μαδρίτη.

Στο Ο Ευαγγελισμός Ο Fra Angelico κληρονόμησε από τον Μεσαίωνα το γούστο για τη λεπτομέρεια της βλάστησης, αλλά έφερε και τα μέσα της Αναγέννησης. Χρησιμοποίησε τη λιτή ελληνολατινική αρχιτεκτονική και εκμεταλλεύτηκε τις γραμμές της για να τονίσει την προοπτική. Για να επιτύχει μεγαλύτερο χωρικό βάθος, άνοιξε πολλά ανοίγματα για να δημιουργήσει επάλληλα επίπεδα: μια πόρτα οδηγεί σε ένα δωμάτιο και το δωμάτιο έχει ένα διακριτικό παράθυρο στο βάθος.Ο κήπος στα αριστερά παραπέμπει στην εκδίωξη του Αδάμ και της Εύας από τον παράδεισο. Στο κάτω μέρος του πίνακα βλέπουμε μια σειρά από σκηνές από τη ζωή της Μαρίας. Αυτός ο τύπος γραμμής με ακολουθίες σκηνών στη βάση του πίνακα είναι γνωστός ως predella.

3. Το ζευγάρι Arnolfini του Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck: Το ζευγάρι Arnolfini 1434, λάδι σε πίνακα, 81,9 x 59,9 εκ., Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο.

Ο Jan van Eyck ήταν ένας Φλαμανδός ζωγράφος που τελειοποίησε τη ζωγραφική με λάδι και βοήθησε στην εξάπλωσή της. Το συγκεκριμένο έργο είναι ένα από τα πρώτα ζωγραφικά πορτρέτα στην ιστορία. Φορτωμένο με σύμβολα, μεταφέρει τη σημασία και την αξιοπρέπεια των χαρακτήρων, οι οποίοι είναι υψηλού κοινωνικού κύρους. Ωστόσο, η ιδιοφυΐα του Van Eyck δεν είναι εκεί.

Στο βάθος, ο ζωγράφος εισάγει έναν καθρέφτη που παίζει με τα επίπεδα της αναπαράστασης, δείχνοντας την αντανάκλαση δύο χαρακτήρων που δεν είναι ορατοί στην κύρια σκηνή, δημιουργώντας την ψευδαίσθηση ότι καταλαμβάνουν τις θέσεις του θεατή. Αυτό το μέσο πιθανόν να ενέπνευσε τον Meninas από τον Βελάσκεθ, περισσότερα από διακόσια χρόνια αργότερα.

4. Η Παναγία του Canon Van der Paele από τον Jan van Eyck (1434-1436)

Jan van Eyck: Η Παναγία του Canon Van der Paele 1434-1436, λάδι σε πίνακα, 122,1 cm x 157,8 cm, Μουσείο Groeninge, Μπριζ.

Η Παναγία του Canon Van der Paele αντιστοιχεί σε ένα είδος που χρησιμοποιήθηκε ευρέως στην Αναγέννηση, γνωστό ως sacra conversazione (Ιερή συνομιλία), στην οποία η Παναγία συνομιλεί με τους αγίους σε ένα οικείο περιβάλλον. Σε αυτό συμπεριλαμβάνεται και ο δωρητής, ο Canon Van der Paele, που παρουσιάζεται από τον Άγιο Γεώργιο. Πατάει πάνω στο ράσο του Canon, υπενθυμίζοντάς μας ότι είναι υποταγμένος στην πνευματική εξουσία. Ωστόσο, η παρουσία του στη σκηνή δικαιώνει τον κοινωνικό του ρόλο στην κοσμική εξουσία.

Η επεξεργασία των ενδυμάτων και η αφθονία των λεπτομερειών είναι αξιοσημείωτες σε αυτόν τον καμβά. Η λάμψη της πανοπλίας του Αγίου Γεωργίου παρέχει στον Jan van Eyck την αφορμή να χρησιμοποιήσει αντανακλάσεις. Διακρίνεται η αντανάκλαση του καλλιτέχνη και της Παναγίας, η οποία έχει σχεδιαστεί ως άψογος καθρέφτης της θείας χάρης.

5. Η μάχη του San Romano του Paolo Uccello (περ. 1438)

Paolo Uccello: Η μάχη του San Romano. Πάνω: Η δυσαρμονία του Bernardino della Ciarda Τέμπερα σε πίνακα, περ. 1438, Τέμπερα σε πίνακα, 182 x 220, Πινακοθήκη Ουφίτσι, Φλωρεντία, κάτω (αριστερά): Ο Niccolò da Tolentino επικεφαλής των Φλωρεντινών, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο. Κάτω (δεξιά): Αποφασιστική παρέμβαση με τους Φλωρεντινούς από τον Michele Attendolo Μουσείο του Λούβρου, Παρίσι.

Η μάχη του San Romano του Paolo Ucello είναι ένα τρίπτυχο που απεικονίζει σκηνές από τη μάχη κατά την οποία η Φλωρεντία νίκησε τη Σιένα κατά τη διάρκεια των πολέμων της Λομβαρδίας. Αρχικά παραγγέλθηκε από την οικογένεια Bartolini, αλλά σύντομα πέρασε στη συλλογή των Μεδίκων. Μεσαιωνικά στοιχεία, όπως η πληθώρα λεπτομερειών που τονίζουν το περιγραφικό, εξακολουθούν να υπάρχουν. Ωστόσο, θεωρείται αριστούργημα λόγω της χρήσης τηςπροοπτική και συντόμευση.

Η συντόμευση είναι η αναπαράσταση ενός αντικειμένου σε κάθετη γωνία προς τον θεατή. Μπορείτε να τα δείτε αναλυτικά στον πίνακα Bernardino della Ciarda Τα άλογα βρίσκονται στα πεσμένα άλογα, καθώς και το ζωηρό άλογο και το λευκό άλογο στα δεξιά.

6. Η στέψη της Παναγίας του Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Fra Filippo Lippi: Η στέψη της Παναγίας περ. 1439-1447, Galleria Uffizi, Φλωρεντία.

Η στέψη της Παναγίας είναι μια αγιογραφία που παρήγγειλε ο Fillipo Lippi στον Francesco Moringhi για την εκκλησία του San Ambrosio. Αντί για έναν ουράνιο χώρο, όλα φαίνεται να διαδραματίζονται σε έναν θεατροποιημένο χώρο, που παραπέμπει σε βασιλικό σαλόνι, στο οποίο έχουν προσκληθεί οι άγιοι, ο δωρητής και ο ίδιος ο Lippi. Όπως βλέπουμε, η ιταλική Αναγέννηση επέμενε σε μια ανθρωποκεντρική θεώρηση του ουρανού.

7. Η κάθοδος από τον Σταυρό του Rogier van der Weyden (περίπου 1443)

Rogier van der Weyden: Η κάθοδος από τον Σταυρό Λάδι σε πίνακα, περίπου 1443, λάδι σε πίνακα, 204,5 x 261,5 εκ., Μουσείο Πράδο, Μαδρίτη.

Ο Rogier van der Weyden ήταν Φλαμανδός ζωγράφος, του οποίου το πιο γνωστό έργο είναι το Η κάθοδος από τον Σταυρό Η ανατομία δεν είναι υπερβολική, καθώς έχει σκόπιμα διορθωθεί ώστε να ευνοείται η τυπική κομψότητα.

Rogier van der Weyden: Η κάθοδος από τον Σταυρό (λεπτομέρεια)

Οι αναλογίες είναι επίσης σκόπιμα αλλοιωμένες, ώστε να κατανέμονται τα σώματα σε όλη τη σύνθεση. Η Παναγία και ο Ιησούς μοιάζουν να αντανακλούν ο ένας τον άλλον: ως μητέρα, ο γιος- ως γιος, η μητέρα. Ο πίνακας κερδίζει στην επεξεργασία της έκφρασης, των ενδυμάτων και των υφών.

8. Η μαστίγωση του Χριστού του Piero della Francesca (1455-1460)

Piero della Francesca: Η μαστίγωση του Χριστού 1455-1460, λάδι και τέμπερα σε πάνελ, 59 cm x 82 cm, Palazzo Ducale, Urbino.

Στο Η μαστίγωση του Χριστού, Ο Piero della Francesca επιφυλάσσει τη θρησκευτική σκηνή στο επίπεδο του φόντου και χαρακτηρίζεται από την ψυχρότητά της. Δεν υπάρχει κανένα συναίσθημα στους χαρακτήρες. Το θέμα μοιάζει σχεδόν με απολογία για την ανάπτυξη του πλαστικού προγράμματος της Αναγέννησης, που βασίζεται στη γραμμική προοπτική, τη συνθετική γεωμετρία και την εξύψωση της κλασικιστικής αρχιτεκτονικής. Επιβεβαιώνεται στη συνομιλία τριών χαρακτήρωνσύγχρονος, η ταυτότητα του οποίου δεν έχει ακόμη προσδιοριστεί.

9. Δίπτυχο του Melun του Jean Fouquet (περίπου 1450)

Jean Fouquet: Δίπτυχο Melun, περ. 1450, πίνακας, 120 cm x 224 cm, δεξιός πίνακας στο Βασιλικό Μουσείο Καλών Τεχνών, Αμβέρσα, Βέλγιο, αριστερός πίνακας στην Gemäldegalerie, Βερολίνο.

Ο Jean Fouquet ήταν Γάλλος ζωγράφος που ανανέωσε την καλλιτεχνική γλώσσα της Γαλλίας μέσω της επιρροής της φλαμανδικής και της ιταλικής ζωγραφικής. Το εν λόγω έργο σχεδιάστηκε ως δίπτυχο για τον τάφο της συζύγου του Étienne Chevalier, πελάτη του. Οι δύο πίνακες έρχονται σε αντίθεση μεταξύ τους.

Στον αριστερό πίνακα, ο ζωγράφος έχει απεικονίσει τον Ετιέν Σεβαλιέ και τον Άγιο Στέφανο, τον προστάτη του, μέσα σε έναν κλασικό αρχιτεκτονικό χώρο. Στο δεξιό, η Παναγία και το παιδί με τους αγγέλους. Το γυμνό στήθος της Μαρίας παραπέμπει σε αυτήν ως την παραμάνα της ανθρωπότητας. Πιστεύεται ότι το πρόσωπο της Παναγίας ήταν αυτό της ερωμένης του προστάτη, Agnès Sorel. Αν και το θέμα είναι προφανώς ιερό,έχει έντονο βέβηλο χαρακτήρα.

10. Ταξίδι των Μάγων από Benozzo Gozzoli (1459)

Gozzoli: Ταξίδι των Μάγων , 1459, τοιχογραφία, Palazzo Medici Riccardi, Φλωρεντία.

Στο Palazzo Medici Riccardi στη Φλωρεντία, υπάρχει μια αίθουσα που ονομάζεται Παρεκκλήσι των Μάγων, σε αναφορά στις τρεις τοιχογραφίες του Γκοτσόλι που απεικονίζουν τις πομπές των Μάγων. Εκτός από αριστούργημα για τη συνθετική του πολυπλοκότητα, το έργο είναι στην πραγματικότητα μια εξύψωση της εξουσίας που κατείχε η οικογένεια των Μεδίκων, τα πρόσωπα των οποίων βρίσκονται στους χαρακτήρεςεκπροσωπείται.

11. Η αίθουσα των συζύγων του Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna: Η αίθουσα των συζύγων (βόρειος τοίχος), 1465-1474, τοιχογραφία, Παλάτι Δούκα, Μάντοβα.

Ο Andrea Mantegna είναι αξιοσημείωτος σε αυτή την τοιχογραφία για τη χρήση αναγεννησιακών τεχνικών όπως το trompe l'oeil, σε μια σαφή προσπάθεια να θολώσει τα όρια μεταξύ ζωγραφικής και πραγματικότητας. Η εικόνα που βλέπουμε αντιστοιχεί σε έναν μόνο από τους τοίχους του Η αίθουσα των συζύγων. Όπως και τα υπόλοιπα, γιορτάζει τη δόξα της οικογένειας Gonzaga, μεγάλων προστάτες της εποχής τους.

12. Θρήνος για τον νεκρό Χριστό του Andrea Mantegna (1475-1478)

Andrea Mantegna: Θρήνος για τον νεκρό Χριστό 1475-1478, τέμπερα σε καμβά, 68 cm × 81 cm, Pinacoteca di Brera, Μιλάνο.

Αν σε κάποια στιγμή ο Αντρέα Μαντένια ξεπερνά τον εαυτό του, είναι στην Θρήνος για τον νεκρό Χριστό Το έργο είναι αξιοσημείωτο για την αριστοτεχνική χρήση της τεχνικής της συντόμευσης. Με αυτό το μέσο, ο Mantegna ενσωματώνει τον θεατή στη σκηνή και αψηφά το παραδοσιακό μοντέλο σύνθεσης. Η αναπαράσταση των χαρακτηριστικών των χαρακτήρων είναι επίσης αξιοσημείωτη. Η Μαρία δεν είναι μια νεαρή κοπέλα, αλλά ένα πρόσωπο γερασμένο από τη θλίψη. Η λιτότητα της σκηνής τονίζει τον τρομερό χαρακτήρα του θανάτου και της ερημιάς.για τους πενθούντες.

Βλέπε επίσης: Τα Πάθη του Χριστού στην τέχνη

13. Πολύπτυχο του Αγίου Βικεντίου από Nuno Gonçalves (1470-1480)

Nuno Gonçalves: Πολύπτυχο του Αγίου Βικεντίου της Λισαβόνας περ. 1470-1480, λάδι και τέμπερα σε ξύλο, 207,2 x 64,2 εκ., 207 x 60 εκ., 206,4 x 128 εκ., 206,6 x 60,4 εκ., 206,5 x 63,1 εκ. Εθνικό Μουσείο Αρχαίας Τέχνης, Λισαβόνα.

Το Πολύπτυχο του Αγίου Βικεντίου Ένα από τα αριστουργήματα της πορτογαλικής Αναγέννησης, που αποδίδεται στον Nuno Gonçalves, απεικονίζει πενήντα οκτώ μορφές μαζί με τον Άγιο Βικέντιο, ο οποίος εμφανίζεται εις διπλούν στα κεντρικά πάνελ, σαν να είναι καθρέφτης.

Από αριστερά προς τα δεξιά έχουμε τον πίνακα των μοναχών, τον πίνακα των ψαράδων, τον πίνακα του Infante Don Enrique (Ερρίκος ο Ναυτίλος), τον πίνακα του αρχιεπισκόπου, τον πίνακα των ιπποτών και τον πίνακα του λειψάνου.

14. Λατρεία των Μάγων του Sandro Botticelli (1475)

Σάντρο Μποτιτσέλι: Λατρεία των Μάγων 1475, τέμπερα σε πάνελ, 111 cm × 134 cm, Πινακοθήκη Ουφίτσι, Φλωρεντία

Λατρεία των Μάγων Μέχρι τον Μποτιτσέλι, η Αγία Οικογένεια βρισκόταν στη μία πλευρά της σκηνής που υποδεχόταν τους πιστούς που έρχονταν από την άλλη. Ο Μποτιτσέλι την τοποθέτησε στο κέντρο της σύνθεσης και στην κορυφή μιας πυραμίδας και τοποθέτησε τους πιστούς δίπλα-δίπλα, συμπεριλαμβανομένου ενός από αυτούς στο μπροστινό μέρος.

Ο ζωγράφος έχει επίσης απεικονίσει τους Μάγους με τα πρόσωπα της οικογένειας των Μεδίκων: τον Κόζιμο και τους γιους του, Πιέρο ιλ Γκοτόσο και Τζιοβάνι. Απεικονίζονται και άλλα μέλη της οικογένειας και οι σύμμαχοί τους, ενώ ο ίδιος ο Μποτιτσέλι περιλαμβάνεται στη φιγούρα που κοιτάζει τον θεατή.

15. Παράδοση των κλειδιών του ουρανού στον Άγιο Πέτρο του Perugino (1482)

Perugino: Παράδοση των κλειδιών του ουρανού στον Άγιο Πέτρο 1482, τοιχογραφία, 335 x 550 cm, Καπέλα Σιξτίνα, Βατικανό.

Το έργο αυτό του Perugino ανατέθηκε από τον Πάπα Sixtus IV, κατασκευαστή της Καπέλα Σιξτίνα. Η τοιχογραφία ανταποκρίνεται στην ιδέα της μετάδοσης της εξουσίας από τον Θεό στην Εκκλησία, η οποία εκπροσωπείται από τον Άγιο Πέτρο. Το έργο είναι μια αριστοτεχνική έκφραση της εναέριας προοπτικής και του βάθους του ζωγράφου. Στο προσκήνιο βλέπουμε τους κύριους χαρακτήρες: τον Ιησού, τους αποστόλους και διάφορες άλλες μορφές.Στο τελευταίο, το κτίριο με την οκταγωνική κεντρική κάτοψη, σύμβολο της οικουμενικότητας του παπισμού.

16. Η γέννηση της Αφροδίτης του Sandro Botticelli (1482-1485)

Σάντρο Μποτιτσέλι: Η γέννηση της Αφροδίτης 1482-1485, τέμπερα σε καμβά, 1,80 x 2,75 μέτρα, Πινακοθήκη Ουφίτσι, Φλωρεντία.

Η γέννηση της Αφροδίτης Η προσοχή που λαμβάνει έχει εν μέρει να κάνει με την επεξεργασία του θέματος, το οποίο δεν είναι πλέον ιερό θέμα. Βλέπουμε τον μύθο της καταγωγής της Αφροδίτης ή Αφροδίτης, θεάς της γονιμότητας και του ερωτισμού.

Με το έργο αυτό, ο Μποτιτσέλι νομιμοποίησε την αναπαράσταση του ολόσωμου γυναικείου γυμνού στην τέχνη με κοσμικά θέματα. Όμως η Αφροδίτη δεν είναι εδώ μια φιγούρα που εκτίθεται ολοκληρωτικά, αλλά μια σεμνή Αφροδίτη, που καλύπτει την "ντροπή" της με τα μαλλιά της. Έτσι, το γυμνό αυτό δικαιολογείται ως αναπαράσταση της Αρετής στο πλαίσιο της φιλοσοφικής σκέψης της εποχής.

Βλέπε επίσης Η Γέννηση της Αφροδίτης του Sandro Botticelli

17. Παναγία των βράχων του Λεονάρντο ντα Βίντσι (1483-1486)

Λεονάρντο ντα Βίντσι: Η Παναγία των Βράχων 1483-1486, λάδι σε πίνακα, 199 × 122 cm, Μουσείο του Λούβρου, Παρίσι.

Το έργο αυτό του Λεονάρντο ήταν παραγγελία των μοναχών του San Donato, γεγονός που εξηγεί την κεντρική θέση του θρησκευτικού θέματος. Ο Λεονάρντο έχει τροποποιήσει ένα στοιχείο της αναγεννησιακής παράδοσης: αντί για ένα αρχιτεκτονικό τοπίο, έχει πλαισιώσει τη σκηνή σε ένα βραχώδες φυσικό τοπίο. Οι μορφές σχηματίζουν μια πυραμίδα και έχουν λεπτό περίγραμμα χάρη σε ένα από τα πιο διάσημα προτερήματα του ζωγράφου: τηντεχνική της sfumato .

Μπορεί να σας ενδιαφέρει: Βασικά έργα του Λεονάρντο ντα Βίντσι

18. Πορτρέτο της Giovanna degli Albizzi Tornabuoni του Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Domenico Ghirlandaio: Πορτρέτο της Giovanna degli Albizzi Tornabuoni 1489-1490, μικτή τεχνική σε πάνελ, 77 x 49 εκ., Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Μαδρίτη

Το έργο αυτό του Ghirlandaio αποτελεί μια υποδειγματική έκφραση του αναγεννησιακού είδους της προσωπογραφίας. Σύμφωνα με τις αναβιωμένες αξίες της κλασικής αρχαιότητας, παρουσιάζει εξιδανικευμένες αναλογίες και χαρακτηριστικά, καθώς και μια συγκρατημένη ή απούσα εκφραστικότητα. Με σκοπό να δείξει χαρακτηριστικά του χαρακτήρα του, περιλαμβάνονται ορισμένα προσωπικά αντικείμενα: τα κοσμήματα δίνουν μια περιγραφή του δημόσιου βίου του, ενώ το βιβλίο τουοι προσευχές και το κομποσχοίνι δίνουν μια εικόνα της πνευματικής του ζωής.

19. Ο Μυστικός Δείπνος του Λεονάρντο ντα Βίντσι (1498)

Λεονάρντο ντα Βίντσι: Ο Μυστικός Δείπνος 1498, τέμπερα και λάδι σε γύψο, πίσσα και στόκος. 4,6 x 8,8 μ., Αίθουσα διαλέξεων της Μονής Santa Maria delle Grazie, Μιλάνο.

Ο Μυστικός Δείπνος είναι ένα από τα πιο γνωστά έργα του Λεονάρντο. Είναι αξιοσημείωτο για τις πνευματικές και φιλοσοφικές αναφορές που ενσωματώνονται στη σκηνή, αλλά και για τον δραματουργικό του χαρακτήρα. Χωρίς να απαρνιέται την αναγεννησιακή ισορροπία, το έργο είναι φορτισμένο με συναισθηματική και ψυχολογική ένταση στους χαρακτήρες του, αψηφώντας τη φαινομενική ψυχρότητα πολλών προγενέστερων συνθέσεων. Η κακή κατάσταση διατήρησής του είναι εν μέρει αποτέλεσμα τηςΠροσπάθεια του Λεονάρντο να αναμείξει τέμπερα και λάδι για να κάνει διορθώσεις στον γύψο.

20. Ο Άγιος Δομίνικος και οι Αλμπιγκενσιανοί o Η δοκιμασία της φωτιάς από τον Pedro Berruguete (1493-1499)

Pedro Berruguete: Ο Άγιος Δομίνικος και οι Αλμπιγκενσιανοί o Η δοκιμασία της φωτιάς Λάδι σε πάνελ, 122 x 83 cm, Μουσείο Πράδο, Μαδρίτη, 1493-1499.

Ο Ισπανός Pedro Berruguete απεικονίζει ένα απόσπασμα σύμφωνα με το οποίο ο Άγιος Δομίνικος του Guzman προτείνει να ανάψουν φωτιά για να δοκιμάσουν τα βιβλία των αιρετικών ομάδων στην πόλη Albi της Γαλλίας. Η φωτιά καταναλώνει τα αιρετικά βιβλία, ενώ το κανονικό βιβλίο αιωρείται στον αέρα.

Το έργο εκφράζει την πολιτική νοοτροπία της εποχής των Καθολικών Μοναρχών, οι οποίοι επιδίωκαν την ενότητα του βασιλείου καταπολεμώντας την αίρεση. Από τυπικής άποψης, αξίζει να σημειωθεί η πολυτέλεια των λεπτομερειών, με σαφή φλαμανδική έμπνευση, καθώς και η προτίμηση στη χρυσοχοΐα, που προέρχεται από το γοτθικό στυλ και εκτιμήθηκε πολύ στην πρώιμη Αναγέννηση.

21. Αυτοπροσωπογραφία του Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer, Αυτοπροσωπογραφία , 1500, πίνακας ζωγραφικής, 66 cm x 49 cm, Παλαιά Πινακοθήκη, Μόναχο

Ο Albrecht Dürer ήταν ένας μεγάλος δάσκαλος της γερμανικής Αναγέννησης. Αυτή η περίφημη αυτοπροσωπογραφία, η οποία με την πρώτη ματιά μοιάζει με εικόνα του Ιησού Χριστού, φέρει δύο βασικές επιγραφές: στα δεξιά γράφει "Ζωγραφίζω τον εαυτό μου με ανεξίτηλα χρώματα"- στα αριστερά, η ημερομηνία, η οποία υποδηλώνει την ηλικία του, 28 ετών.

Η μετωπικότητα του πορτραίτου του είναι αρκετά τολμηρή. Σε πείσμα της παράδοσης, η οποία επιφύλασσε αυτή τη στάση για τις εικόνες του Ιησού - καθώς και την ελαφρώς τροποποιημένη χειρονομία - ο Dürer παίζει με τη διάσπαση της ταυτότητας με το θρησκευτικό σημείο αναφοράς και προκαλεί σκόπιμα σύγχυση στον θεατή.

22. Δόγης Leonardo Loredan του Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini: Δόγης Leonardo Loredan 1501, λάδι και τέμπερα σε πάνελ, 62 × 45 cm, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο.

Ο Giovanni Bellini, ζωγράφος στην υπηρεσία της Δημοκρατίας της Βενετίας, δημιούργησε αυτό το υπέροχο πορτρέτο του Δόγη Leonardo Loredan. Σε αυτό το λαμπρό έργο καταφέρνει να ξεπεράσει την αίσθηση του ιερατισμού χάρη στον εκφραστικό πλούτο του προσώπου και τη λεπτή επεξεργασία των υφών και των ενδυμάτων. Στο τελευταίο, εντυπωσιάζει ο τρόπος με τον οποίο ο Bellini καταφέρνει να απεικονίσει τη λάμψη των ανατολίτικων υφασμάτων.

23. Μόνα Λίζα του Λεονάρντο ντα Βίντσι (1503-1506)

Λεονάρντο ντα Βίντσι: Μόνα Λίζα o Gioconda 1503-1506, λάδι σε πίνακα, 77 x 53 cm, Μουσείο του Λούβρου, Παρίσι.

Το Μόνα Λίζα είναι αναμφίβολα το πιο διάσημο έργο του Λεονάρντο ντα Βίντσι. Αποτελεί έκφραση της ωριμότητας της τεχνοτροπίας του Λεονάρντο όσον αφορά τις τεχνικές του chiaroscuro και του sfumato, η οποία συνίσταται στη θόλωση των άκρων των μορφών ώστε να γίνεται αντιληπτή η ενσωμάτωσή τους στο χώρο. Παρουσιάζει επίσης την τεχνική του τοπίου στο φόντο, η οποία ανοίγει το χώρο για να δώσει μεγαλύτερο βάθος. Ωστόσο, το έργο αυτό είναι ένα έργο τέχνης,καθώς και όλο το έργο του Λεονάρντο, δεν ανήκει στο Quattrocento, αλλά στην Υψηλή Αναγέννηση, που μερικές φορές αποκαλείται και Δεύτερη Αναγέννηση.

Βλέπε επίσης: Mona Lisa του Leonardo ή Mona Lisa Mona Lisa Gioconda

24. Το Σχολείο της Αθήνας του Raphael Sanzio (1510-1511)

Rafael Sanzio: Το Σχολείο της Αθήνας . 1510-1511. Τοιχογραφία. 500 cm × 770 cm. Μουσεία Βατικανού, Βατικανό.

Αν κάτι αντιπροσωπεύει το πολιτιστικό πνεύμα της Αναγέννησης είναι η τοιχογραφία Το Σχολείο της Αθήνας Βλέπουμε μια αριστοτεχνική χρήση της γραμμικής προοπτικής και ένα βάθος που τονίζεται από τα ανοίγματα στους θόλους των βαρελιών που ανοίγουν στον ανοιχτό χώρο.

Σε ένα αρχιτεκτονικό περιβάλλον με σαφή κλασική έμπνευση, ένα πλήθος φιλοσοφικών και επιστημονικών αναφορών υπενθυμίζει την αξία της λογικής και της γνώσης. Ο Πλάτωνας και ο Αριστοτέλης είναι οι πρωταγωνιστές, καθώς και ο Πτολεμαίος, ο Ηράκλειτος, η Υπατία, ο Όμηρος και, ως συνήθως, μερικά σύγχρονα πρόσωπα. Δεν θα μπορούσε να λείπει ο ίδιος ο Ραφαήλ, που απεικονίζεται ως Απελλής.

25. Τοιχογραφίες οροφής της Καπέλα Σιξτίνα του Μιχαήλ Άγγελου Μπουοναρότι (1508-1512)

Michelangelo Buonarroti: Τοιχογραφίες της Καπέλα Σιξτίνα Η οροφή ζωγραφίστηκε μεταξύ 1508-1512, ο τοίχος ζωγραφίστηκε μεταξύ 1537-1541, τοιχογραφία, Πόλη του Βατικανού.

Το να μιλάμε για τον Μιχαήλ Άγγελο Μπουοναρότι, καθώς και για τους ζωγράφους του ιταλικού Cinquecento, σημαίνει ότι εισερχόμαστε στην Υψηλή Αναγέννηση. Πλησιάζουμε λοιπόν στον μανιερισμό, του οποίου ο Μπουοναρότι θα ήταν ένας από τους εκφραστές του. Οι τοιχογραφίες στην Καπέλα Σιξτίνα είναι το πιο διάσημο εικαστικό του έργο.

Υπάρχουν εννέα σκηνές που αφηγούνται αποσπάσματα από τη Γένεση, οι οποίες καταλήγουν στη Μυστική Κρίση, έναν τοίχο ζωγραφισμένο περίπου δύο δεκαετίες μετά το ταβάνι. Στον τοίχο αυτό, ο Άγιος Βαρθολομαίος, ένας γδαρμένος μάρτυρας, κρεμάει το αρχαίο δέρμα του, αλλά πάνω του βλέπουμε το πρόσωπο του Μιχαήλ Άγγελου. Όπως βλέπουμε, ο καλλιτέχνης απεικονίζει και τον εαυτό του, αλλά όχι όπως οι καλλιτέχνες του Quattrocento που εξυμνούσαν τις επίγειες δόξες τους, αλλά ωςαναγνώριση της αναξιότητάς τους.