Renæssancens store billedrevolution fandt sted i det 15. århundrede, det såkaldte Quattrocento. I en atmosfære af voksende intellektuel nysgerrighed gjorde oliemaleriets perfektionering og udbredelse det muligt at bruge lærredet som underlag, så maleriet kunne frigøres fra væggene, og det begunstigede private samlere.

Der blev således skabt nye genrer som portrætmaleriet, og der opstod en interesse for landskab og stilleben, men endnu ikke som selvstændige genrer. Aktbilleder og mytologiske, historiske og allegoriske ikke-kristne temaer dukkede også op. Religiøse temaer var fortsat på dagsordenen, men ud fra en antropocentrisk tilgang.

Nedenfor følger en kronologisk oversigt over de mest berømte malerier fra renæssancen for at indfange de enkelte kunstneres bidrag og nyskabelser og stilens udvikling over tid.

1. Den hellige Treenighed med Vor Frue, Sankt Johannes og donorer af Masaccio (1425-1427)

Masaccio: Den hellige Treenighed med Vor Frue, Sankt Johannes og donorer (fragment), 1425-1427, fresko, 667×317 cm, Basilica of Santa Maria Novella, Firenze

Freskoen Den Hellige Treenighed, med Jomfruen, Sankt Johannes og donorer repræsenterer renæssancens udgangspunkt og samler periodens store plastiske og kulturelle forandringer. Det lineære perspektiv, clair-obscur- og trompe l'oeil-teknikken skiller sig ud. Tøndehvælvet, der er af romersk inspiration, foregriber renæssancens ændringer i arkitekturen. Ved siden af de hellige figurer er donatorerne portrætteret, hvilket giver det religiøse tema etDet afslører den pågældende generations selvværd.

. Bebudelsen, af Fra Angelico (1425-1426)

Fra Angelico: Bebudelsen 1425-1426, guld og tempera på panel, 194 cm × 194 cm, Museo del Prado, Madrid.

På Bebudelsen Fra Angelico arvede fra middelalderen smagen for vegetationens detaljer, men bragte renæssancens ressourcer ind i billedet. Han brugte den nøgterne græsk-latinske arkitektur og udnyttede dens linjer til at fremhæve perspektivet. For at opnå større rumlig dybde åbnede han flere åbninger for at skabe overlejrede planer: en dør fører til et rum, og rummet har et diskret vindue i baggrunden.Haven til venstre henviser til Adam og Evas fordrivelse fra paradiset. I bunden af maleriet ser vi en række scener fra Marias liv. Denne type linje med scener i bunden af maleriet er kendt som en predella.

3. Parret Arnolfini af Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck: Parret Arnolfini 1434, olie på panel, 81,9 x 59,9 cm, National Gallery, London.

Jan van Eyck var en flamsk maler, der perfektionerede oliemaleriet og bidrog til dets udbredelse. Dette værk er et af de tidligste portrætter i historien. Det er fyldt med symboler og formidler vigtigheden og værdigheden af personerne, som er af høj social status. Van Eycks genialitet er dog ikke til stede.

I baggrunden introducerer maleren et spejl, der leger med repræsentationens planer og viser spejlbilledet af to personer, som ikke er synlige i hovedscenen, hvilket skaber en illusion om, at de indtager beskuerens positioner. Dette virkemiddel har sandsynligvis inspireret den Meninas af Velázquez, mere end to hundrede år senere.

4. Madonnaen af Canon Van der Paele af Jan van Eyck (1434-1436)

Jan van Eyck: Madonnaen af Canon Van der Paele 1434-1436, olie på panel, 122,1 cm x 157,8 cm, Groeninge Museum, Brugge.

Madonnaen af Canon Van der Paele svarer til en genre, der var meget udbredt i renæssancen, kendt som den sacra conversazione (Hellig samtale), hvor Jomfruen fører en samtale med de hellige i en intim atmosfære. Heriblandt er donoren, kanik Van der Paele, som præsenteres af Sankt Georg. Han træder på kanikens kåbe og minder os om, at han er underordnet den åndelige magt. Hans tilstedeværelse i scenen bekræfter dog hans sociale rolle i den timelige magt.

Behandlingen af klæderne og detaljerigdommen er bemærkelsesværdig på dette lærred. St. Georgs rustning, der er så skinnende, giver Jan van Eyck en undskyldning for at bruge refleksioner. Man kan se kunstnerens og Jomfruens spejlbillede, der er tænkt som et ulasteligt spejl af guddommelig nåde.

5. Slaget ved San Romano af Paolo Uccello (ca. 1438)

Paolo Uccello: Slaget ved San Romano. Ovenfor: Bernardino della Ciarda's disharmoni Tempera på panel, ca. 1438, Tempera på panel, 182 x 220, Uffiziergalleriet, Firenze, nedenfor (til venstre): Niccolò da Tolentino i spidsen for florentinerne, National Gallery, London. Nedenfor (til højre): Afgørende indgreb hos florentinerne af Michele Attendolo Musée du Louvre, Paris.

Slaget ved San Romano af Paolo Ucello er en triptychon, der viser scener fra det slag, hvor Firenze besejrede Siena under Lombardiet-krigene. Det blev oprindeligt bestilt af Bartolini-familien, men overgik hurtigt til Medici-samlingen. Middelalderlige elementer som f.eks. den overflod af detaljer, der fremhæver det beskrivende, er stadig til stede. Det betragtes dog som et mesterværk på grund af dets brug af denperspektiv og forkortelse.

Forkortelse er repræsentationen af et objekt i en vinkelret vinkel på beskueren. Du kan se dem i detaljer i panelet Bernardino della Ciarda Hestene er i de faldne heste, samt den temperamentsfulde hest og den hvide hest til højre.

6. Kroningen af Jomfru Maria af Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Fra Filippo Lippi: Kroningen af Jomfru Maria ca. 1439-1447, Galleria Uffizi, Firenze.

Kroningen af Jomfruen er en altertavle, som Fillipo Lippi bestilte hos Francesco Moringhi til San Ambrosio kirken. I stedet for et himmelsk rum synes alt at foregå i et teatralsk rum, der minder om en kongelig salon, hvortil de hellige, giveren og Lippi selv er inviteret. Som vi kan se, insisterede den italienske renæssance på en antropocentrisk vision af himlen.

7. Nedturen fra korset af Rogier van der Weyden (ca. 1443)

Rogier van der Weyden: Nedturen fra korset Olie på panel, ca. 1443, olie på panel, 204,5 x 261,5 cm, Museo del Prado, Madrid.

Rogier van der Weyden var en flamsk maler, hvis mest kendte værk er Nedturen fra korset Anatomien er ikke overdreven, da den bevidst er blevet korrigeret for at fremme formel elegance.

Rogier van der Weyden: Nedturen fra korset (detalje)

Proportionerne er også bevidst ændret for at fordele kroppene over hele kompositionen. Jomfru Maria og Jesus synes at være en afspejling af hinanden: som moderen, sønnen; som sønnen, moderen. Maleriet vinder i behandlingen af udtryk, tøj og teksturer.

8. Kristi piskning af Piero della Francesca (1455-1460)

Piero della Francesca: Kristi piskning 1455-1460, olie og tempera på panel, 59 cm x 82 cm, Palazzo Ducale, Urbino.

På Kristi piskning, Piero della Francesca reserverer den religiøse scene til baggrunden, og den er karakteriseret ved sin kulde. Der er ingen følelser i personerne. Temaet synes næsten at være en undskyldning for udviklingen af renæssancens plastiske program, der er baseret på lineært perspektiv, kompositorisk geometrisering og ophøjelse af den klassicistiske arkitektur. Det bekræftes i samtalen mellem tre personersamtidige, hvis identitet endnu ikke er blevet fastlagt.

9. Diptychon af Melun af Jean Fouquet (ca. 1450)

Jean Fouquet: Melun diptych, ca. 1450, panel, 120 cm x 224 cm, højre panel i det Kongelige Museum for Skønhedskunst, Antwerpen, Belgien; venstre panel i Gemäldegalerie, Berlin.

Jean Fouquet var en fransk maler, der fornyede det franske kunstsprog gennem indflydelsen fra det flamske og italienske maleri. Det pågældende værk er tænkt som et diptychon til gravmæle for Étienne Chevaliers hustru, hans klient. De to paneler står i kontrast til hinanden.

På venstre panel har maleren afbildet Etienne Chevalier og hans skytshelgen, Sankt Stefan, i et klassisk arkitektonisk rum. Til højre ses Jomfruen med barnet og engle. Marias bare bryst henviser til hende som menneskehedens amme. Det menes, at Jomfruens ansigt var det af skytshelgens elskerinde, Agnès Sorel. Selv om emnet tilsyneladende er helligt,har en stærk profan karakter.

10. De tre kongers rejse af Benozzo Gozzoli (1459)

Gozzoli: De tre kongers rejse , 1459, fresko, Palazzo Medici Riccardi, Firenze.

I Palazzo Medici Riccardi i Firenze findes der et rum, der kaldes De Magiske Kongers Kapel, i hentydning til de tre fresker af Gozzoli, der forestiller de tre kongers processioner. Ud over at være et mesterværk på grund af sin komplekse komposition er værket i virkeligheden en ophøjelse af Medici-familiens magt, hvis ansigter findes i figurerne.repræsenteret.

11. Ægtefællernes kammer af Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna: Ægtefællernes kammer (nordvæg), 1465-1474, fresko, Hertugpaladset, Mantova.

Andrea Mantegna er bemærkelsesværdig i denne fresko for sin brug af renæssanceteknikker som trompe l'oeil, i et klart forsøg på at udviske grænserne mellem maleri og virkelighed. Det billede, vi ser, svarer til blot en af væggene i Ægtefællernes kammer. Ligesom de andre hylder den Gonzaga-familien, som var store mæcener i deres tid, deres storhed.

12. Klagesang over den døde Kristus af Andrea Mantegna (1475-1478)

Andrea Mantegna: Klagesang over den døde Kristus 1475-1478, tempera på lærred, 68 cm × 81 cm, Pinacoteca di Brera, Milano.

Hvis Andrea Mantegna på noget tidspunkt overgår sig selv, så er det i den Klagesang over den døde Kristus Værket er bemærkelsesværdigt for sin mesterlige brug af forkortelsesteknikken. Med dette middel inddrager Mantegna tilskueren i scenen og trodser den traditionelle kompositionsmodel. Også gengivelsen af personernes ansigtstræk er bemærkelsesværdig. Maria er ikke en ung jomfru, men et ansigt, der er ældet af sorg. Scenens strenghed understreger dødens og ødelæggelsens frygtelige karakter.for sørgende.

Se også: Kristi lidelse i kunsten

13. Sankt Vincent-polyptikken af Nuno Gonçalves (1470-1480)

Nuno Gonçalves: Polyptychon af Sankt Vincent af Lissabon ca. 1470-1480, olie og tempera på træ, 207,2 x 64,2 cm; 207 x 60 cm; 206,4 x 128cm; 206,6 x 60,4cm; 206,5 x 63,1 cm. Nationalmuseet for antik kunst, Lissabon.

Vincent-polyptikken Det er et af den portugisiske renæssances mesterværker, der tilskrives Nuno Gonçalves, og det viser 58 figurer ved siden af Sankt Vincent, der optræder i dobbeltudgave på de centrale paneler, som om han var et spejlbillede.

Fra venstre mod højre har vi panelet med brødrene, panelet med fiskerne, panelet med Infante Don Enrique (Henrik Søfareren), panelet med ærkebiskoppen, panelet med ridderne og panelet med relikken.

14. Tilbedelse af de tre konger af Sandro Botticelli (1475)

Sandro Botticelli: Tilbedelse af de tre konger 1475, tempera på panel, 111 cm × 134 cm, Uffiziernes Galleri, Firenze

Tilbedelse af de tre konger Indtil Botticelli var den hellige familie placeret på den ene side af scenen, hvor den modtog de tilbedere, der kom fra den anden side. Botticelli placerede den i midten af kompositionen og i toppen af en pyramide og placerede de tilbedere side om side, herunder en af dem foran.

Maleren har også afbildet de hellige konger med Medici-familiens ansigter: Cosimo og hans sønner Piero il Gottoso og Giovanni. Andre medlemmer af familien og deres allierede er afbildet, og Botticelli selv er med i figuren, der kigger ud mod beskueren.

15. Overdragelse af himlens nøgler til Sankt Peter af Perugino (1482)

Perugino: Overdragelse af himlens nøgler til Sankt Peter 1482, fresko, 335 x 550 cm, Det Sixtinske Kapel, Vatikanstaten.

Dette værk af Perugino blev bestilt af pave Sixtus IV, bygherre af det sixtinske kapel. Fresken svarer til ideen om overførslen af autoritet fra Gud til kirken, repræsenteret ved Sankt Peter. Værket er et mesterligt udtryk for malerens arbejde med luftperspektiv og dybde. I forgrunden ser vi hovedpersonerne: Jesus, apostlene og forskellige andre figurer.Sidstnævnte er bygningen med sin ottekantede centrale plan, et symbol på pavedømmets universalitet.

16. Venus' fødsel af Sandro Botticelli (1482-1485)

Sandro Botticelli: Venus' fødsel 1482-1485, tempera på lærred, 1,80 x 2,75 meter, Uffizierne, Firenze.

Venus' fødsel Den opmærksomhed, den får, skyldes til dels behandlingen af emnet, som ikke længere er et helligt tema. Vi ser myten om oprindelsen af Venus eller Afrodite, gudinden for frugtbarhed og erotik.

Med dette værk legitimerede Botticelli fremstillingen af den kvindelige nøgen med fuld krop i kunst med verdslige temaer. Men Venus er ikke en figur, der viser sig helt frem, men en beskeden Venus, der dækker sin "skam" med sit hår. Denne nøgen blev således retfærdiggjort som en repræsentation af Dyd i forbindelse med tidens filosofiske tænkning.

Se også Venus' fødsel af Sandro Botticelli

17. Jomfru på klipperne af Leonardo da Vinci (1483-1486)

Leonardo da Vinci: Jomfruen på klipperne 1483-1486, olie på panel, 199 × 122 cm, Musée du Louvre, Paris.

Dette værk af Leonardo blev bestilt af munkene i San Donato, hvilket forklarer det centrale religiøse tema. Leonardo har ændret et element i renæssancetraditionen: i stedet for et arkitektonisk landskab har han indrammet scenen i et klippefyldt naturlandskab. Figurerne danner en pyramide og er fint kontureret takket være et af malerens mest berømte aktiver: denteknik af sfumato .

Du er måske interesseret i: Leonardo da Vincis grundlæggende værker

18. Portræt af Giovanna degli Albizzi Tornabuoni af Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Domenico Ghirlandaio: Portræt af Giovanna degli Albizzi Tornabuoni 1489-1490, blandede medier på panel, 77 x 49 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Dette værk af Ghirlandaio er et eksemplarisk udtryk for renæssancens portrætgenre. I overensstemmelse med de genoplivede værdier fra den klassiske oldtid viser det idealiserede proportioner og træk samt en tilbageholdende eller fraværende udtryksfuldhed. Med henblik på at vise træk ved hans karakter er der medtaget nogle personlige genstande: Smykkerne giver en redegørelse for hans offentlige liv, mens bogen medbønner og rosenkransen giver et billede af hans åndelige liv.

19. Den sidste nadver af Leonardo da Vinci (1498)

Leonardo da Vinci: Den sidste nadver 1498, tempera og olie på gips, tjære og spartelmasse. 4,6 x 8,8 m, Refektoriet i klosteret Santa Maria delle Grazie, Milano.

Den sidste nadver er et af Leonardos mest kendte værker. Det er bemærkelsesværdigt for de intellektuelle og filosofiske referencer, der er indarbejdet i scenen, men også for sin dramatik. Uden at give afkald på renæssancens balance er værket ladet med følelsesmæssig og psykologisk spænding i sine karakterer, hvilket trodser den tilsyneladende kulde i mange tidligere kompositioner. Dens dårlige bevaringstilstand er delvis et resultat af denLeonardos forsøg på at blande tempera og olie for at lave rettelser på gipsen.

20. Den hellige Dominikus og albigenserne o Prøven med ild af Pedro Berruguete (1493-1499)

Pedro Berruguete: Den hellige Dominikus og albigenserne o Prøven med ild Olie på panel, 122 x 83 cm, Museo del Prado, Madrid, 1493-1499.

Spanieren Pedro Berruguete skildrer en passage, ifølge hvilken den hellige Dominikus af Guzman foreslog at lave et bål for at teste de kætterske gruppers bøger i byen Albi i Frankrig. Ilden fortærer de kætterske bøger, mens den kanoniske bog svæver i luften.

Værket er udtryk for den politiske mentalitet i de katolske kongers tid, som søgte at skabe enhed i riget ved at bekæmpe kætteri. Formelt set er det bemærkelsesværdigt på grund af de fine detaljer, der er af tydelig flamsk inspiration, samt smagen for forgyldning, der stammer fra den gotiske stil og blev meget værdsat i den tidlige renæssance.

21. Selvportræt af Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer; Selvportræt , 1500, panelmaleri, 66 cm x 49 cm, Gamle Pinakothek, München

Albrecht Dürer var en af den tyske renæssances store mestre. Dette berømte selvportræt, der ved første øjekast ligner et ikon af Jesus Kristus, bærer to vigtige inskriptioner: til højre står der "Jeg maler mig selv med uudslettelige farver", og til venstre står der en dato, der angiver hans alder, nemlig 28 år.

Dürers portræt er ganske vovet: I strid med traditionen, som forbeholdt denne positur til Jesus-ikoner - og også den let ændrede håndbevægelse - spiller Dürer på den forstyrrende identitet med den religiøse reference og forvirrer bevidst beskueren.

22. Doge Leonardo Loredan af Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini: Doge Leonardo Loredan 1501, olie og tempera på panel, 62 × 45 cm, National Gallery, London.

Giovanni Bellini, en maler i Republikken Venedigs tjeneste, har lavet dette storslåede portræt af Doge Leonardo Loredan. I dette fremragende værk formår han at overvinde fornemmelsen af hieratisme takket være ansigtets udtryksfulde rigdom og den fine behandling af teksturer og tøj. I sidstnævnte er den måde, hvorpå Bellini formår at skildre de orientalske stoffers glans, slående.

23. Mona Lisa af Leonardo da Vinci (1503-1506)

Leonardo da Vinci: Mona Lisa o Gioconda 1503-1506, olie på panel, 77 x 53 cm, Musée du Louvre, Paris.

Mona Lisa er utvivlsomt Leonardo da Vincis mest berømte værk. Det er et udtryk for Leonardo-stilens modenhed med hensyn til teknikkerne chiaroscuro og sfumato, som består i at udviske figurernes kanter, så man kan opfatte deres integration i rummet. Det viser også teknikken med baggrundslandskabet, som åbner rummet for at give større dybde. Men dette værk er et kunstværk,ligesom alle Leonardos værker, hører ikke til Quattrocento, men til højrenæssancen, som også kaldes den anden renæssance.

Se også: Leonardos Mona Lisa eller Mona Lisa Mona Lisa Mona Lisa Gioconda

24. Skolen i Athen af Raphael Sanzio (1510-1511)

Rafael Sanzio: Skolen i Athen . 1510-1511. Fresko. 500 cm × 770 cm. Vatikanmuseerne, Vatikanet.

Hvis der er noget, der repræsenterer renæssancens kulturelle ånd, så er det freskoerne. Skolen i Athen Vi ser en mesterlig brug af lineært perspektiv og en dybde, der understreges af åbningerne i tøndehvælvene, som åbner sig ud i det åbne rum.

I et arkitektonisk miljø med tydelig klassisk inspiration er der et væld af filosofiske og videnskabelige referencer, der minder om værdien af fornuft og viden. Platon og Aristoteles er hovedpersonerne, men også Ptolemæus, Heraklit, Hypatia, Homer og som sædvanlig nogle af tidens ansigter. Raphael selv måtte ikke mangle, der er portrætteret i rollen som Apelles.

25. Loftsfreskerier i det Sixtinske Kapel af Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Michelangelo Buonarroti: Freskoer i det Sixtinske Kapel Loft malet mellem 1508-1512, væg malet mellem 1537-1541, fresko, Vatikanstaten.

At tale om Michelangelo Buonarroti og om malerne fra det italienske Cinquecento er at gå ind i højrenæssancen. Vi nærmer os derfor manierismen, som Buonarroti er en af dens eksponenter. Freskerne i det Sixtinske Kapel er hans mest berømte maleriske værk.

Der er ni scener, der fortæller passager fra 1. Mosebog, som alle fører op til den sidste dom, en væg, der er malet ca. to årtier efter loftet. På denne væg hænger Sankt Bartholomæus, en flået martyr, sin gamle hud. Men på den kan vi se Michelangelos ansigt. Som vi kan se, portrætterer kunstneren også sig selv, men ikke som Quattrocento's kunstnere, der fejrede deres jordiske herligheder, men som enanerkendelse af deres uværdighed.