Renessanssin suuri maalaustaiteen vallankumous tapahtui 1400-luvulla, joka tunnetaan nimellä Quattrocento. Kasvavan älyllisen uteliaisuuden ilmapiirissä öljyvärimaalauksen täydellistyminen ja leviäminen mahdollisti kankaan käyttämisen alustana, jolloin maalausta voitiin vapauttaa seinistä, mikä suosi yksityistä keräilyä.

Näin syntyi uusia lajityyppejä, kuten muotokuva, ja kiinnostus maisemaa ja asetelmaa kohtaan, vaikkei vielä itsenäisinä lajityyppeinä. Myös alastonkuvia sekä mytologisia, historiallisia ja allegorisia ei-kristillisiä aiheita ilmestyi. Uskonnolliset aiheet olivat edelleen ajankohtaisia, mutta antroposentrisestä näkökulmasta.

Seuraavassa esitetään kronologinen katsaus renessanssin tunnetuimpiin maalauksiin, jotta kunkin taiteilijan panos ja innovaatiot sekä tyylin kehittyminen ajan kuluessa voidaan kuvata.

1. Pyhä Kolminaisuus ja Neitsyt Maria, Pyhä Johannes ja lahjoittajat kirjoittanut Masaccio (1425-1427)

Masaccio: Pyhä Kolminaisuus ja Neitsyt Maria, Pyhä Johannes ja lahjoittajat (fragmentti), 1425-1427, fresko, 667×317 cm, Santa Maria Novellan basilika, Firenze.

Fresko Pyhä Kolminaisuus, jossa on Neitsyt, Johannes ja lahjoittajat. edustaa renessanssin alkupistettä, jossa yhdistyvät aikakauden suuret plastiset ja kulttuuriset muutokset. Lineaarinen perspektiivi, chiaroscuro ja trompe l'oeil -tekniikka erottuvat edukseen. Roomalaisesta inspiraatiosta peräisin oleva tynnyriholvi ennakoi renessanssin arkkitehtuurin muutoksia. Pyhien hahmojen rinnalla esitetään lahjoittajat, mikä antaa uskonnolliselle teemalle uuden ulottuvuuden.Tämä paljastaa tuon sukupolven itsetunnon.

. Ilmestyskirja, Fra Angelico (1425-1426)

Fra Angelico: Marian ilmestys 1425-1426, kulta ja tempera paneelille, 194 cm × 194 cm, Museo del Prado, Madrid.

Osoitteessa Marian ilmestys Fra Angelico peri keskiajalta kasvillisuuden yksityiskohtien maun, mutta toi mukaan renessanssin voimavaroja. Hän käytti raittiutta kreikkalais-latinalaisen arkkitehtuurin ja hyödynsi sen linjoja perspektiivin korostamiseen. Saavuttaakseen enemmän tilallista syvyyttä hän avasi useita aukkoja luodakseen päällekkäisiä tasoja: ovi johtaa huoneeseen, ja huoneen taustalla on huomaamaton ikkuna.Vasemmalla oleva puutarha viittaa Aatamin ja Eevan karkottamiseen paratiisista. Maalauksen alareunassa on rivi kohtauksia Marian elämästä. Tämäntyyppinen rivi, jossa on kohtausten jaksoja maalauksen alareunassa, tunnetaan nimellä predella.

3. Arnolfini-pariskunta Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck: Arnolfini-pariskunta 1434, öljy paneelille, 81,9 x 59,9 cm, National Gallery, Lontoo.

Jan van Eyck oli flaamilainen taidemaalari, joka täydellisti öljyvärimaalauksen ja edisti sen leviämistä. Tämä teos on yksi historian varhaisimmista maalauksellisista muotokuvista. Se on täynnä symboleja, ja se välittää korkeassa yhteiskunnallisessa asemassa olevien hahmojen tärkeyden ja arvokkuuden. Van Eyckin nerokkuus ei kuitenkaan ole tässä.

Taustalla maalari esittelee peilin, joka leikittelee representaation tasoilla ja näyttää kahden hahmon heijastuksen, jotka eivät näy pääkuvassa, luoden illuusion siitä, että he ovat katsojan paikoilla. Tämä keino on luultavasti innoittanut myös Meninas Velázquez yli kaksisataa vuotta myöhemmin.

4. Canon Van der Paelen Madonna Jan van Eyck (1434-1436)

Jan van Eyck: Canon Van der Paelen Madonna 1434-1436, öljy paneelille, 122,1 cm x 157,8 cm, Groeninge-museo, Brugge.

Canon Van der Paelen Madonna vastaa renessanssiaikana laajalti käytettyä genreä, joka tunnetaan nimellä sacra conversazione (Sacred Conversation), jossa Neitsyt käy keskustelua pyhimysten kanssa intiimissä ympäristössä. Tähän kuuluu myös pyhän Yrjön esittämä lahjoittaja, Canon Van der Paele. Hän astuu kanonistin messupuvun päälle, mikä muistuttaa siitä, että hän on alisteinen hengelliselle vallalle. Hänen läsnäolonsa kohtauksessa oikeuttaa kuitenkin hänen yhteiskunnallisen roolinsa ajallisessa vallassa.

Vaatteiden käsittely ja yksityiskohtien runsaus ovat tässä kankaassa huomattavia. Pyhän Yrjön haarniskan kirkkaus antaa Jan van Eyckille tekosyyn käyttää heijastuksia. Taiteilijan ja Neitsyt Marian heijastukset, jotka on ajateltu jumalallisen armon tahrattomaksi peiliksi, ovat nähtävissä.

5. San Romanon taistelu Paolo Uccello (n. 1438)

Paolo Uccello: San Romanon taistelu. Yllä: Bernardino della Ciardan epäsuhtaisuus Tempera paneelille, n. 1438, Tempera paneelille, 182 x 220, Uffizin galleria, Firenze, alla vasemmalla: Niccolò da Tolentino firenzeläisten johdossa, National Gallery, Lontoo. Alla (oikealla): Michele Attendolon ratkaiseva väliintulo firenzeläisten kanssa Musée du Louvre, Pariisi.

San Romanon taistelu Paolo Ucellon tekemä triptyykki kuvaa kohtauksia taistelusta, jossa Firenze kukisti Sienan Lombardian sotien aikana. Alun perin Bartolininin perheen tilaama teos siirtyi pian Medicien kokoelmaan. Keskiaikaiset elementit, kuten kuvauksellisuutta korostavat yksityiskohtien runsaus, ovat edelleen läsnä. Teosta pidetään kuitenkin mestariteoksena, koska siinä käytetäänperspektiivi ja lyhentäminen.

Etulyhennys on esineen esittäminen kohtisuorassa kulmassa katsojaan nähden. Voit nähdä ne yksityiskohtaisesti paneelissa Bernardino della Ciarda Hevoset ovat kaatuneissa hevosissa, samoin kuin oikealla oleva henkinen hevonen ja valkoinen hevonen.

6. Neitsyt Marian kruunajaiset kirjoittanut Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Fra Filippo Lippi: Neitsyt Marian kruunajaiset n. 1439-1447, Galleria Uffizi, Firenze.

Neitsyt Marian kruunajaiset on alttaritaulu, jonka Fillipo Lippi tilasi Francesco Moringhilta San Ambrosiuksen kirkkoon. Taivaallisen tilan sijasta kaikki näyttää tapahtuvan teatterimaisessa tilassa, joka muistuttaa kuninkaallista salonkia, jonne on kutsuttu pyhimykset, lahjoittaja ja Lippi itse. Kuten näemme, italialainen renessanssi vaati ihmiskeskeistä näkemystä taivaasta.

7. Laskeutuminen ristiltä Rogier van der Weyden (n. 1443)

Rogier van der Weyden: Laskeutuminen ristiltä Öljy paneelille, n. 1443, öljy paneelille, 204,5 x 261,5 cm, Museo del Prado, Madrid.

Rogier van der Weyden oli flaamilainen taidemaalari, jonka tunnetuin teos on Laskeutuminen ristiltä Anatomia ei ole liiallinen, sillä sitä on tarkoituksella korjattu muodollisen tyylikkyyden hyväksi.

Rogier van der Weyden: Laskeutuminen ristiltä (yksityiskohta)

Myös mittasuhteita on tarkoituksellisesti muutettu, jotta ruumiit jakautuisivat koko sommittelun alueelle. Neitsyt Maria ja Jeesus näyttävät olevan toistensa heijastuksia: äitinä poika, poikana äiti. Maalaus voittaa ilmaisun, vaatetuksen ja tekstuurien käsittelyssä.

8. Kristuksen ruoskiminen Piero della Francesca (1455-1460)

Piero della Francesca: Kristuksen ruoskiminen 1455-1460, öljy ja tempera paneelille, 59 cm x 82 cm, Palazzo Ducale, Urbino.

Osoitteessa Kristuksen ruoskiminen, Piero della Francesca varaa uskonnollisen kohtauksen taustatasolle, ja sille on ominaista kylmyys. Hahmoissa ei ole tunteita. Aihe vaikuttaa melkeinpä anteeksipyynnöltä renessanssin plastisen ohjelman kehitykselle, joka perustuu lineaariseen perspektiiviin, sommittelun geometrisuuteen ja klassistisen arkkitehtuurin ylistämiseen. Se vahvistuu kolmen hahmon keskustelussa.jonka henkilöllisyyttä ei ole vielä määritetty.

9. Melunin diptyykki Jean Fouquet (n. 1450)

Jean Fouquet: Melun diptyykki, n. 1450, paneeli, 120 cm x 224 cm, oikeanpuoleinen paneeli Antwerpenin kuninkaallisessa taidemuseossa, Belgia; vasemmanpuoleinen paneeli Berliinin Gemäldegaleriassa.

Jean Fouquet oli ranskalainen taidemaalari, joka uudisti Ranskan taidekielen flaamilaisen ja italialaisen maalaustaiteen vaikutuksesta. Kyseinen teos on suunniteltu diptyykiksi hänen asiakkaansa Étienne Chevalierin vaimon hautakammioon. Kaksi taulua on vastakkain.

Vasemmalla paneelissa maalari on kuvannut Etienne Chevalierin ja hänen suojeluspyhimyksensä Pyhän Tapanin klassiseen arkkitehtoniseen tilaan sijoitettuna. Oikealla Neitsyt ja lapsi enkelien kanssa. Marian paljas rinta viittaa häneen ihmiskunnan hoitajana. Neitsyen kasvojen arvellaan olevan suojeluspyhimyksen rakastajattaren Agnès Sorelin kasvot. Vaikka aihe on ilmeisesti pyhä,on luonteeltaan vahvasti rienaava.

10. Maagien matka Benozzo Gozzoli (1459)

Gozzoli: Maagien matka , 1459, fresko, Palazzo Medici Riccardi, Firenze.

Firenzessä sijaitsevassa Palazzo Medici Riccardin palatsissa on huone, jota kutsutaan maagien kappeliksi, viitaten Gozzolin kolmeen freskoon, jotka esittävät maagien kulkueet. Sen lisäksi, että teos on mestariteos kompositionsa monimutkaisuuden vuoksi, se on itse asiassa Medici-suvun vallan ylistys, sillä Medici-suvun kasvot ovat hahmoissa.edustettuna.

11. Aviomiesten ja vaimojen kammio kirjoittanut Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna: Aviomiesten ja vaimojen kammio (pohjoisseinä), 1465-1474, fresko, Herttuan palatsi, Mantova.

Andrea Mantegna käyttää tässä freskossa renessanssiajan tekniikoita, kuten trompe l'oeilia, pyrkiessään selvästi hämärtämään maalauksen ja todellisuuden välisiä rajoja. Näkemämme kuva vastaa vain yhtä seinää Aviomiesten kammio. Kuten muutkin, se juhlistaa Gonzaga-suvun, aikansa suurten mesenaattien, kunniaa.

12. Valitusvirsi kuolleesta Kristuksesta Andrea Mantegna (1475-1478)

Andrea Mantegna: Valitusvirsi kuolleesta Kristuksesta 1475-1478, tempera kankaalle, 68 cm × 81 cm, Pinacoteca di Brera, Milano.

Jos Andrea Mantegna ylittää itsensä jollakin hetkellä, niin se on hänen Valitusvirsi kuolleesta Kristuksesta Teos on merkittävä, koska siinä käytetään mestarillisesti lyhennystekniikkaa. Tällä keinolla Mantegna liittää katsojan osaksi kohtausta ja uhmaa perinteistä sommittelumallia. Myös hahmojen piirteiden esittäminen on merkittävää. Maria ei ole nuori neito, vaan surun vanhentamat kasvot. Kohtauksen ankaruus korostaa kuoleman ja lohduttomuuden kauheutta.surijoille.

Katso myös: Kristuksen kärsimys taiteessa

13. Pyhän Vincentin polyptyykki kirjoittanut Nuno Gonçalves (1470-1480)

Nuno Gonçalves: Lissabonin pyhän Vincentin polyptyykki n.1470-1480, öljy ja tempera puulle, 207,2 x 64,2 cm; 207 x 60 cm; 206,4 x 128cm; 206,6 x 60,4cm; 206,5 x 63,1 cm. Kansallinen antiikin taiteen museo, Lissabon.

Pyhän Vincentin polyptyykki Se on yksi portugalilaisen renessanssin mestariteoksista, ja se on Nuno Gonçalvesin käsialaa. Siinä on viisikymmentäkahdeksan hahmoa ja pyhä Vincennes, joka esiintyy keskipaneeleissa kahtena kappaleena, ikään kuin peilikuvana.

Vasemmalta oikealle on munkkien paneeli, kalastajien paneeli, Infante Don Enriquen (Henrik Merenkävijä) paneeli, arkkipiispan paneeli, ritarien paneeli ja reliikin paneeli.

14. Maagien palvonta Sandro Botticelli (1475)

Sandro Botticelli: Maagien palvonta 1475, tempera paneelille, 111 cm × 134 cm, Uffizin galleria, Firenze.

Maagien palvonta Botticelliin asti Pyhä perhe sijaitsi kohtauksen toisella puolella, joka vastaanotti toiselta puolelta tulevia palvojia. Botticelli sijoitti sen sommitelman keskelle ja pyramidin huipulle ja asetti palvojat vierekkäin, joista yksi oli etualalla.

Taidemaalari on kuvannut tietäjät myös Medici-suvun kasvoilla: Cosimolla ja hänen pojillaan Piero il Gottosolla ja Giovannilla. Muitakin suvun jäseniä ja heidän liittolaisiaan on kuvattu, ja Botticelli itse on mukana katsojaa katsovassa hahmossa.

15. Taivaan avainten luovuttaminen Pyhälle Pietarille Perugino (1482)

Perugino: Taivaan avainten luovuttaminen Pyhälle Pietarille 1482, fresko, 335 x 550 cm, Sikstuksen kappeli, Vatikaani.

Tämän Peruginon teoksen tilasi paavi Sixtus IV, Sikstuksen kappelin rakentaja. Fresko vastaa ajatusta auktoriteetin siirtymisestä Jumalalta kirkolle, jota Pyhä Pietari edustaa. Teos on mestarillinen ilmaus maalarin ilmaperspektiivin ja syvyyden taidosta. Etualalla näemme päähenkilöt: Jeesuksen, apostolit ja useita muita hahmoja.Viimeisessä rakennuksessa on kahdeksankulmainen keskussuunnitelma, joka on paavin yleismaailmallisuuden symboli.

16. Venuksen syntymä Sandro Botticelli (1482-1485)

Sandro Botticelli: Venuksen syntymä 1482-1485, tempera kankaalle, 1,80 x 2,75 metriä, Uffizin galleria, Firenze.

Venuksen syntymä Sen saama huomio liittyy osittain aiheen käsittelyyn, joka ei ole enää pyhä aihe. Näemme myytin hedelmällisyyden ja erotiikan jumalattaren Venuksen tai Afroditen alkuperästä.

Tällä teoksella Botticelli oikeutti kokovartalollisen naisalaston esittämisen maallisiin aiheisiin liittyvässä taiteessa. Venus ei kuitenkaan ole tässä hahmo, joka näyttää itsensä kokonaan, vaan vaatimaton Venus, joka peittää "häpeänsä" hiuksillaan. Näin ollen tämä alastonkuva oikeutettiin hyveen esittämiseksi ajan filosofisen ajattelun kontekstissa.

Katso myös Sandro Botticellin Venuksen syntymä.

17. Kallioiden neitsyt kirjoittanut Leonardo da Vinci (1483-1486)

Leonardo da Vinci: Kallioiden neitsyt 1483-1486, öljy paneelille, 199 × 122 cm, Musée du Louvre, Pariisi.

Tämän Leonardon teoksen tilasi San Donaton munkit, mikä selittää uskonnollisen aiheen keskeisyyden. Leonardo on muuttanut renessanssin perinteeseen kuuluvaa elementtiä: arkkitehtonisen maiseman sijaan hän on kehystänyt kohtauksen kallioiseen luonnonmaisemaan. Hahmot muodostavat pyramidin, ja ne on muotoiltu hienovaraisesti erään taidemaalarin kuuluisimman valtin ansiosta: taiteilijantekniikka sfumato .

Saatat olla kiinnostunut: Leonardo da Vincin keskeiset teokset

18. Giovanna degli Albizzi Tornabuonin muotokuva kirjoittanut Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Domenico Ghirlandaio: Giovanna degli Albizzi Tornabuonin muotokuva 1489-1490, sekatekniikka paneelille, 77 x 49 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid, Madrid.

Tämä Ghirlandaion teos on renessanssiajan muotokuvan tyylilajin esimerkillinen ilmentymä. Klassisen antiikin elvytettyjen arvojen mukaisesti teoksessa on ihannoituja mittasuhteita ja piirteitä sekä hillittyä tai poissaolevaa ilmaisuvoimaa. Tarkoituksena on osoittaa hänen luonteenpiirteitään, ja siihen on sisällytetty joitakin henkilökohtaisia esineitä: korut kertovat hänen julkisesta elämästään, kun taas kirjanrukoukset ja rukousnauha kertovat hänen hengellisestä elämästään.

19. Viimeinen ehtoollinen Leonardo da Vinci (1498)

Leonardo da Vinci: Viimeinen ehtoollinen 1498, tempera ja öljy kipsille, terva ja kitti. 4,6 x 8,8 mt, Santa Maria delle Grazie -luostarin ruokasali, Milano.

Viimeinen ehtoollinen on yksi Leonardon tunnetuimmista teoksista. Se on merkittävä kohtaukseen sisällytettyjen älyllisten ja filosofisten viittausten vuoksi, mutta myös dramaturgiansa vuoksi. Luopumatta renessanssin tasapainosta, teos on latautunut hahmojen emotionaalisella ja psykologisella jännitteellä, uhmaten monien aikaisempien sävellysten näennäistä kylmyyttä. Teoksen huono säilyneisyys on osittain seuraustaLeonardon yritys sekoittaa temperaa ja öljyä tehdäkseen korjauksia kipsiin.

20. Pyhä Dominicus ja albigensalaiset o Tulikoe kirjoittanut Pedro Berruguete (1493-1499)

Pedro Berruguete: Pyhä Dominicus ja albigensalaiset o Tulikoe Öljy paneelille, 122 x 83 cm, Museo del Prado, Madrid, 1493-1499.

Espanjalainen Pedro Berruguete kuvaa katkelmaa, jonka mukaan Guzmanin pyhä Dominikus ehdotti, että Ranskassa Albin kaupungissa rakennetaan nuotio harhaoppisten ryhmien kirjojen testaamiseksi. Tuli polttaa harhaoppiset kirjat, kun taas kanoninen kirja leijuu ilmassa.

Teos ilmentää katolisten hallitsijoiden aikakauden poliittista ajattelutapaa, joka pyrki valtakunnan yhtenäisyyteen taistelemalla harhaoppisuutta vastaan. Muodollisesti teos on huomionarvoinen yksityiskohtien arvokkuuden, selkeän flaamilaisen vaikutuksen sekä goottilaisesta tyylistä peräisin olevan ja varhaisrenessanssissa paljon arvostetun kultausmakuisuuden vuoksi.

21. Omakuva Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer; Omakuva , 1500, taulumaalaus, 66 cm x 49 cm, Vanha Pinakothek, München.

Albrecht Dürer oli saksalaisen renessanssin suuri mestari. Tässä kuuluisassa omakuvassa, joka ensi silmäyksellä näyttää Jeesuksen Kristuksen ikonilta, on kaksi keskeistä merkintää: oikealla puolella lukee "Maalaan itseni lähtemättömillä väreillä" ja vasemmalla puolella päivämäärä, joka kertoo Dürerin iästä, 28 vuotta.

Muotokuvan etupersoonallisuus on varsin rohkea. Uhmaamalla perinnettä, jonka mukaan tämä poseeraus on varattu Jeesuksen kuvakkeille - ja myös hieman muuttunut kädenliike - Dürer leikittelee identiteetin ja uskonnollisen viittauksen häiriöllä ja hämmentää katsojaa tarkoituksellisesti.

22. Doge Leonardo Loredan Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini: Doge Leonardo Loredan 1501, öljy ja tempera paneelille, 62 × 45 cm, National Gallery, Lontoo.

Giovanni Bellini, Venetsian tasavallan palveluksessa ollut taidemaalari, teki tämän upean muotokuvan dogi Leonardo Loredanista. Tässä loistavassa teoksessa hän onnistuu voittamaan hierarkian tunteen kasvojen ilmaisuvoiman rikkauden sekä tekstuurien ja vaatteiden hienon käsittelyn ansiosta. Jälkimmäisessä on silmiinpistävää se, miten Bellini onnistuu kuvaamaan itämaisten kankaiden kiiltoa.

23. Mona Lisa kirjoittanut Leonardo da Vinci (1503-1506)

Leonardo da Vinci: Mona Lisa o Gioconda 1503-1506, öljy paneelille, 77 x 53 cm, Musée du Louvre, Pariisi.

The Mona Lisa on epäilemättä Leonardo da Vincin tunnetuin teos. Se ilmentää Leonardon tyylin kypsyyttä chiaroscuro- ja sfumato-tekniikoiden osalta, jotka koostuvat hahmojen reunojen häivyttämisestä, jotta niiden integroituminen tilaan voidaan hahmottaa. Siinä näkyy myös taustamaiseman tekniikka, joka avaa tilaa antaen sille enemmän syvyyttä. Tämä teos on kuitenkin taideteos,samoin kuin kaikki Leonardon teokset, eivät kuulu Quattrocentoon vaan korkeaan renessanssiin, jota joskus kutsutaan myös toiseksi renessanssiksi.

Katso myös: Leonardon Mona Lisa tai Mona Lisa Mona Lisa Gioconda.

24. Ateenan koulu kirjoittanut Raphael Sanzio (1510-1511)

Rafael Sanzio: Ateenan koulu . 1510-1511. Fresko. 500 cm × 770 cm. Vatikaanin museot, Vatikaani.

Jos jokin edustaa renessanssin kulttuurihenkeä, se on fresko. Ateenan koulu Näemme lineaarisen perspektiivin mestarillista käyttöä ja syvyyttä, jota korostavat tynnyriholvissa olevat aukot, jotka avautuvat avoimeen tilaan.

Arkkitehtonisessa ympäristössä, joka on selvästi klassisen inspiraation sävyttämä, lukuisat filosofiset ja tieteelliset viittaukset muistuttavat järjen ja tiedon arvosta. Päähenkilöinä ovat Platon ja Aristoteles sekä Ptolemaios, Herakleitos, Hypatia, Homeros ja tavalliseen tapaan myös muutamat nykyajan kasvot. Myös Rafael itse ei voinut puuttua, sillä hän on kuvattu Apellesina.

25. Michelangelo Buonarrottin (1508-1512) Sikstuksen kappelin kattofreskot.

Michelangelo Buonarroti: Sikstuksen kappelin freskot Katto maalattu vuosina 1508-1512, seinä maalattu vuosina 1537-1541, fresko, Vatikaani.

Jos puhutaan Michelangelo Buonarrottista ja Italian Cinquecenton maalareista, siirrytään korkeaan renessanssiin. Lähestymme siis manierismia, jonka yksi edustajista Buonarroti on. Sikstuksen kappelin freskot ovat hänen kuuluisimpia maalaustöitään.

Siellä on yhdeksän kohtausta, jotka kertovat kohtia Genesiksestä ja jotka kaikki johtavat viimeiseen tuomioon, seinään, joka on maalattu noin kaksi vuosikymmentä katon jälkeen. Tällä seinällä roikkuu pyhä Bartolomeus, nyljetty marttyyri, muinainen iho, mutta siinä näemme Michelangelon kasvot. Kuten näemme, taiteilija kuvaa myös itseään, mutta ei niin kuin Quattrocenton taiteilijat, jotka juhlivat maallista loistoaan, vaan kuinheidän kelvottomuutensa tunnustaminen.