Renässansens stora bildrevolution ägde rum under 1400-talet, som kallas Quattrocento. I en atmosfär av växande intellektuell nyfikenhet gjorde oljemålningens fulländning och spridning det möjligt att använda duk som underlag, så att man kunde frigöra sig från väggarna, vilket gynnade privata samlingar.

På så sätt skapades nya genrer som porträtt och ett intresse för landskap och stilleben föddes, även om de ännu inte var självständiga genrer. Aktbilder och mytologiska, historiska och allegoriska icke-kristna teman dök också upp. Religiösa teman fortsatte att vara aktuella, men med ett antropocentriskt synsätt.

Nedan följer en kronologisk översikt över renässansens mest kända målningar, för att fånga varje konstnärs bidrag och innovationer och stilens utveckling över tid.

1. Den heliga treenigheten med Vår Fru, Sankt Johannes och donatorer av Masaccio (1425-1427)

Masaccio: Den heliga treenigheten med Vår Fru, Sankt Johannes och donatorer (fragment), 1425-1427, fresco, 667×317 cm, Basilica of Santa Maria Novella, Firenze

Fresken Den heliga treenigheten, med jungfrun, Johannes och donatorer representerar renässansens startpunkt och sammanför de stora plastiska och kulturella förändringarna under perioden. Det linjära perspektivet, chiaroscuro- och trompe l'oeil-tekniken utmärker sig. Tunnvalvet, som är av romersk inspiration, föregriper renässansens arkitektoniska förändringar. Vid sidan av de heliga figurerna porträtteras donatorerna, vilket ger det religiösa temat enDetta avslöjar den generationens självkänsla.

. Annonciationen, av Fra Angelico (1425-1426)

Fra Angelico: Förkunnelsen 1425-1426, guld och tempera på panel, 194 cm × 194 cm, Museo del Prado, Madrid.

På Förkunnelsen Fra Angelico ärvde från medeltiden smaken för vegetationens detaljer, men tog med sig renässansens resurser. Han använde sig av den sobra grekisk-latinska arkitekturen och utnyttjade dess linjer för att accentuera perspektivet. För att uppnå ett större rumsligt djup öppnade han flera öppningar för att skapa överlagrade plan: en dörr leder till ett rum, och rummet har ett diskret fönster i bakgrunden.Trädgården till vänster syftar på Adam och Evas fördrivning från paradiset. Vid målningens fot ser vi en rad med scener från Marias liv. Denna typ av rad med sekvenser av scener vid målningens fot kallas predella.

3. Paret Arnolfini av Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck: Paret Arnolfini 1434, olja på panel, 81,9 x 59,9 cm, National Gallery, London.

Jan van Eyck var en flamländsk målare som fulländade oljemålningen och bidrog till att den spreds. Det här verket är ett av de tidigaste porträttbilderna i historien. Det är fyllt av symboler och förmedlar betydelsen och värdigheten hos karaktärerna, som har hög social status. Van Eycks genialitet är dock inte där.

I bakgrunden har målaren placerat en spegel som leker med representationens plan och som visar speglingen av två karaktärer som inte syns i huvudscenen, vilket skapar en illusion av att de intar betraktarens positioner. Meninas av Velázquez, mer än tvåhundra år senare.

4. Madonnan av kanon Van der Paele av Jan van Eyck (1434-1436)

Jan van Eyck: Madonnan av kanon Van der Paele 1434-1436, olja på panel, 122,1 cm x 157,8 cm, Groeninge Museum, Brygge.

Madonnan av kanon Van der Paele motsvarar en genre som var mycket vanlig under renässansen, den så kallade helig konversation (Sacred Conversation), där Jungfrun samtalar med de heliga i en intim miljö. Detta gäller även donatorn, kanik Van der Paele, som presenteras av Sankt Georg. Han trampar på kanikens mantel och påminner oss om att han är underordnad den andliga makten, men hans närvaro i scenen bekräftar hans sociala roll i den världsliga makten.

Klädbehandlingen och detaljrikedomen är anmärkningsvärd på denna målning. Den lysande rustningen på Sankt Georgs rustning ger Jan van Eyck en ursäkt för att använda sig av reflektioner. Man kan se konstnärens och jungfruns spegelbild, som är tänkt som en obefläckad spegel av den gudomliga nåden.

5. Slaget vid San Romano av Paolo Uccello (ca. 1438)

Paolo Uccello: Slaget vid San Romano. Ovan: Bernardino della Ciardas disharmoni Tempera på panel, ca. 1438, Tempera på panel, 182 x 220, Uffizierna, Florens, nedan (till vänster): Niccolò da Tolentino i spetsen för florentinarna, National Gallery, London. Nedan (till höger): Ett avgörande ingripande mot florentinarna av Michele Attendolo Musée du Louvre, Paris.

Slaget vid San Romano av Paolo Ucello är en triptyk med scener från slaget där Florens besegrade Siena under Lombardiet. Den beställdes ursprungligen av familjen Bartolini, men övergick snart till Medici-samlingen. Medeltida element, såsom överflödet av detaljer som framhäver det beskrivande, finns fortfarande kvar. Den anses dock vara ett mästerverk på grund av användningen avperspektiv och förkortning.

Förkortning är en representation av ett objekt i en vinkel mot betraktaren. Du kan se dem i detalj i panelen Bernardino della Ciarda Hästarna finns i de fallna hästarna, liksom den livliga hästen och den vita hästen till höger.

6. Jungfruns kröning av Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Fra Filippo Lippi: Jungfruns kröning ca 1439-1447, Galleria Uffizi, Florens.

Jungfruns kröning är en altartavla som Fillipo Lippi beställde av Francesco Moringhi för kyrkan San Ambrosio. Istället för ett himmelskt rum verkar allt ske i ett teatraliskt rum som påminner om en kunglig salong, till vilken de heliga, donatorn och Lippi själv har bjudits in. Som vi kan se insisterade den italienska renässansen på en antropocentrisk syn på himlen.

7. Nedgången från korset av Rogier van der Weyden (ca. 1443)

Rogier van der Weyden: Nedgången från korset Olja på panel, ca 1443, olja på panel, 204,5 x 261,5 cm, Museo del Prado, Madrid.

Rogier van der Weyden var en flamländsk målare, vars mest kända verk är Nedgången från korset Anatomin är inte överdriven, eftersom den avsiktligt har korrigerats för att främja formell elegans.

Rogier van der Weyden: Nedgången från korset (detalj)

Proportionerna är också medvetet förändrade för att fördela kropparna över hela kompositionen. Jungfru Maria och Jesus verkar vara en återspegling av varandra: som mor, sonen; som son, modern. Målningen vinner i behandlingen av uttryck, kläder och texturer.

8. Kristi gissel av Piero della Francesca (1455-1460)

Piero della Francesca: Kristi gissel 1455-1460, olja och tempera på panel, 59 cm x 82 cm, Palazzo Ducale, Urbino.

På Kristi plågande, Piero della Francesca reserverar den religiösa scenen till bakgrundsytan och den kännetecknas av sin kyla. Det finns inga känslor hos karaktärerna. Temat verkar nästan vara en ursäkt för utvecklingen av renässansens plastiska program, som bygger på linjärt perspektiv, kompositionell geometrisering och upphöjning av den klassicistiska arkitekturen. Det bekräftas i samtalet mellan de tre karaktärernavars identitet ännu inte har fastställts.

9. Diptyk av Melun av Jean Fouquet (ca. 1450)

Jean Fouquet: Melun diptych, ca 1450, panel, 120 cm x 224 cm, högra panelen finns i Kungliga konstmuseet i Antwerpen, Belgien, vänstra panelen i Gemäldegalerie i Berlin.

Jean Fouquet var en fransk målare som förnyade Frankrikes konstnärliga språk genom inflytande från flamländskt och italienskt måleri. Verket i fråga var tänkt som en diptych för graven av hustrun till hans uppdragsgivare Étienne Chevalier. De två tavlorna står i kontrast till varandra.

På den vänstra panelen har målaren avbildat Etienne Chevalier och hans skyddshelgon Sankt Stefan i ett klassiskt arkitektoniskt rum. På den högra panelen är det Jungfrun med barnet och änglar. Marias nakna bröst hänvisar till att hon är mänsklighetens amma. Man tror att Jungfruens ansikte var det av skyddshelgonets älskare Agnès Sorel. Även om ämnet är till synes heligt,har en stark profan karaktär.

10. Magiernas resa av Benozzo Gozzoli (1459)

Gozzoli: Magiernas resa , 1459, fresco, Palazzo Medici Riccardi, Firenze.

I Palazzo Medici Riccardi i Florens finns ett rum som kallas Magikernas kapell, med anspelning på Gozzolis tre fresker som föreställer Magikernas processioner. Förutom att verket är ett mästerverk på grund av sin komplexa komposition är det i själva verket en upphöjning av Medici-familjens makt, vars ansikten återfinns i figurerna.representerade.

11. Makarnas och hustrurnas kammare av Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna: Makarnas och hustrurnas kammare (norra väggen), 1465-1474, fresco, Hertigpalatset, Mantua.

Andrea Mantegna är anmärkningsvärd i denna fresco för sin användning av renässanstekniker som trompe l'oeil, i ett tydligt försök att sudda ut gränserna mellan målning och verklighet. Makarnas kammare. Liksom de övriga hyllar den Gonzaga-familjen, som var stora beskyddare under sin tid.

12. Klagosång över den döde Kristus av Andrea Mantegna (1475-1478)

Andrea Mantegna: Klagosång över den döde Kristus 1475-1478, tempera på duk, 68 cm × 81 cm, Pinacoteca di Brera, Milano.

Om Andrea Mantegna vid något tillfälle överträffar sig själv, är det i Klagomål över den döde Kristus Verket är anmärkningsvärt för sin mästerliga användning av tekniken med förkortning. Med detta medel integrerar Mantegna åskådaren i scenen och trotsar den traditionella kompositionsmodellen. Representationen av karaktärernas drag är också anmärkningsvärd. Maria är inte en ung jungfru, utan ett ansikte som åldrats av sorg. Scenens stramhet understryker dödens och ödeläggelsens fruktansvärda karaktär.för sörjande.

Se även: Kristi lidande i konsten

13. Den helige Vincent-polyptichon av Nuno Gonçalves (1470-1480)

Nuno Gonçalves: Polyptyk av Sankt Vincent av Lissabon ca 1470-1480, olja och tempera på trä, 207,2 x 64,2 cm; 207 x 60 cm; 206,4 x 128 cm; 206,6 x 60,4 cm; 206,5 x 63,1 cm. Nationalmuseum för antik konst, Lissabon.

St Vincent-polyptyken Det är ett av den portugisiska renässansens mästerverk, som tillskrivs Nuno Gonçalves, och föreställer femtioåtta figurer vid sidan av Sankt Vincent, som förekommer i två exemplar i de centrala panelerna, som om han vore en spegelbild.

Från vänster till höger har vi panelen med bröderna, panelen med fiskarna, panelen med Infante Don Enrique (Henrik Sjöfararen), panelen med ärkebiskopen, panelen med riddarna och panelen med reliken.

14. De vise magikernas tillbedjan av Sandro Botticelli (1475)

Sandro Botticelli: De vise magikernas tillbedjan 1475, tempera på panel, 111 cm × 134 cm, Uffizierna, Florens

De vise magikernas tillbedjan Fram till Botticelli var den heliga familjen placerad på ena sidan av scenen och tog emot de tillbedjare som kom från den andra sidan. Botticelli placerade den i mitten av kompositionen och i toppen av en pyramid, och placerade de tillbedjare sida vid sida, inklusive en av dem längst fram.

Målaren har också avbildat de vise med familjen Medici: Cosimo och hans söner Piero il Gottoso och Giovanni. Andra familjemedlemmar och deras allierade är avbildade, och Botticelli själv är med i figuren som tittar ut mot betraktaren.

15. Överlämnande av himmelens nycklar till Sankt Petrus av Perugino (1482)

Perugino: Överlämnande av himmelens nycklar till Sankt Petrus 1482, fresco, 335 x 550 cm, Sixtinska kapellet, Vatikanstaten.

Detta verk av Perugino beställdes av påven Sixtus IV, byggherre till Sixtinska kapellet. Fresken motsvarar idén om överföring av auktoritet från Gud till kyrkan, representerad av Sankt Petrus. Verket är ett mästerligt uttryck för målarens arbete med luftperspektiv och djup. I förgrunden ser vi huvudpersonerna: Jesus, apostlarna och olika andra figurer.I det sista är byggnaden med sin åttkantiga centrala plan en symbol för påvedömets universalitet.

16. Venus födelse av Sandro Botticelli (1482-1485)

Sandro Botticelli: Venus födelse 1482-1485, tempera på duk, 1,80 x 2,75 meter, Uffizierna, Florens.

Venus födelse Den uppmärksamhet som den får har delvis att göra med behandlingen av ämnet, som inte längre är ett heligt tema. Vi ser myten om ursprunget till Venus eller Afrodite, fruktbarhetens och erotikens gudinna.

Med detta verk legitimerade Botticelli framställningen av den kvinnliga helkroppsnaken i konst med sekulära teman. Men Venus är här inte en karaktär som visar upp sig helt och hållet, utan en blygsam Venus som täcker sin "skam" med sitt hår. På så sätt motiverades denna naken som en framställning av dygden inom ramen för tidens filosofiska tänkande.

Se även Venus födelse av Sandro Botticelli.

17. Jungfru på klipporna av Leonardo da Vinci (1483-1486)

Leonardo da Vinci: Jungfrun på klipporna 1483-1486, olja på panel, 199 × 122 cm, Musée du Louvre, Paris.

Detta verk av Leonardo beställdes av munkarna i San Donato, vilket förklarar det centrala religiösa temat. Leonardo har modifierat ett element i renässanstraditionen: i stället för ett arkitektoniskt landskap har han ramat in scenen i ett klippigt naturlandskap. Figurerna bildar en pyramid och är fint konturerade tack vare en av målarens mest berömda tillgångar: denTeknik för sfumato .

Du kanske är intresserad av: Leonardo da Vincis grundläggande verk

18. Porträtt av Giovanna degli Albizzi Tornabuoni av Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Domenico Ghirlandaio: Porträtt av Giovanna degli Albizzi Tornabuoni 1489-1490, blandad media på panel, 77 x 49 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Detta verk av Ghirlandaio är ett exemplariskt uttryck för renässansens porträttgenre. I enlighet med de återupplivade värdena från den klassiska antiken visar det idealiserade proportioner och drag samt en återhållen eller frånvarande uttrycksfullhet. I syfte att visa karaktärsdrag ingår några personliga föremål: smyckena ger en redogörelse för hans offentliga liv, medan boken omböner och rosenkransen ger en bild av hans andliga liv.

19. Den sista måltiden av Leonardo da Vinci (1498)

Leonardo da Vinci: Den sista måltiden 1498, tempera och olja på gips, tjära och kitt. 4,6 x 8,8 m, rektorn i Santa Maria delle Grazie-klostret i Milano.

Den sista måltiden är ett av Leonardos mest kända verk. Det är anmärkningsvärt för de intellektuella och filosofiska referenser som ingår i scenen, men också för sin dramatik. Utan att avstå från renässansens balans är verket laddat med känslomässig och psykologisk spänning hos karaktärerna, vilket trotsar den skenbara kyla som många tidigare kompositioner hade. Dess dåliga bevaringstillstånd är delvis ett resultat av attLeonardos försök att blanda tempera och olja för att göra korrigeringar på gipset.

20. Den helige Dominikus och albigensarna o Eldprovet av Pedro Berruguete (1493-1499)

Pedro Berruguete: Den helige Dominikus och albigensarna o Eldprovet Olja på panel, 122 x 83 cm, Museo del Prado, Madrid, 1493-1499.

Spanjoren Pedro Berruguete skildrar ett avsnitt där den helige Dominikus av Guzman föreslår att man i staden Albi i Frankrike ska göra upp en brasa för att testa de kätterska gruppernas böcker. Elden förtär de kätterska böckerna, medan den kanoniska boken svävar i luften.

Verket uttrycker den politiska mentaliteten under de katolska kungarnas tid, som strävade efter rikets enhet genom att bekämpa kätteri. Formellt sett är det anmärkningsvärt för detaljernas värdefullhet, med tydlig flamländsk inspiration, liksom smaken för förgyllning, som härrör från den gotiska stilen och var mycket uppskattad under den tidiga renässansen.

21. Självporträtt av Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer; Självporträtt , 1500, panelmålning, 66 cm x 49 cm, Gamla Pinakothek, München

Albrecht Dürer var en av den tyska renässansens stora mästare. Detta berömda självporträtt, som vid första anblicken ser ut som en ikon av Jesus Kristus, har två viktiga inskriptioner: till höger står det "Jag målar mig själv med outplånliga färger" och till vänster står datumet, som anger hans ålder, 28 år.

Dürers porträtt är ganska djärvt, eftersom han trotsar traditionen, som reserverade denna pose för ikoner av Jesus - och även den något förändrade handgesten - spelar på den religiösa referensens identitetsskapande störning och förvirrar medvetet betraktaren.

22. Doge Leonardo Loredan av Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini: Doge Leonardo Loredan 1501, olja och tempera på panel, 62 × 45 cm, National Gallery, London.

Giovanni Bellini, en målare i Republiken Venedigs tjänst, har gjort detta magnifika porträtt av doge Leonardo Loredan. I detta lysande verk lyckas han övervinna känslan av hieratism tack vare ansiktets expressiva rikedom och den fina behandlingen av texturer och kläder. I det sistnämnda är det slående hur Bellini lyckas skildra de orientaliska tygstypernas lyster.

23. Mona Lisa av Leonardo da Vinci (1503-1506)

Leonardo da Vinci: Mona Lisa o Gioconda 1503-1506, olja på panel, 77 x 53 cm, Musée du Louvre, Paris.

Mona Lisa är utan tvekan Leonardo da Vincis mest kända verk. Det är ett uttryck för Leonardos stils mognad när det gäller teknikerna chiaroscuro och sfumato, som går ut på att sudda ut figurernas kanter så att man kan uppfatta deras integrering i rummet. Det visar också tekniken med bakgrundslandskapet, som öppnar upp rummet för att ge ett större djup. Men detta verk är ett konstverk,liksom alla Leonardos verk, hör inte till Quattrocento utan till högrenässansen, som ibland också kallas andra renässansen.

Se även: Leonardos Mona Lisa eller Mona Lisa Mona Lisa Mona Lisa Gioconda

24. Skolan i Aten av Raphael Sanzio (1510-1511)

Rafael Sanzio: Skolan i Aten . 1510-1511. Fresco. 500 cm × 770 cm. Vatikanmuseerna, Vatikanen.

Om något representerar renässansens kulturella anda är det fresken. Skolan i Aten Vi ser en mästerlig användning av det linjära perspektivet och ett djup som betonas av öppningarna i tunnvalven som öppnar sig ut i det öppna rummet.

I en arkitektonisk miljö med tydlig klassisk inspiration påminner en mängd filosofiska och vetenskapliga referenser om värdet av förnuft och kunskap. Platon och Aristoteles är huvudpersonerna, liksom Ptolemaios, Herakleitos, Hypatia, Homeros och, som vanligt, några samtida ansikten. Rafael själv fick inte saknas, han porträtteras i rollen som Apelles.

25. Michelangelo Buonarrotis (1508-1512) takfresker i Sixtinska kapellet.

Michelangelo Buonarroti: Fresker i det Sixtinska kapellet Taket målat mellan 1508-1512, väggen målad mellan 1537-1541, fresco, Vatikanstaten.

Att tala om Michelangelo Buonarroti, liksom om målarna från det italienska Cinquecento, är att gå in i högrenässansen. Vi närmar oss alltså manérismen, som Buonarroti skulle vara en av dess företrädare. Freskerna i Sixtinska kapellet är hans mest berömda bildverk.

Det finns nio scener som berättar avsnitt ur Första Moseboken, som alla leder fram till den sista domen, en vägg som målades cirka två decennier efter taket. På denna vägg hänger den helige Bartholomeus, en flådd martyr, sin antika hud. Men på den kan vi se Michelangelos ansikte. Som vi kan se porträtterar konstnären också sig själv, men inte som konstnärerna i Quattrocento som hyllade sina jordiska härligheter, utan som enerkännande av sin ovärdighet.