I början av 1900-talet uppstod avantgardistiska rörelser som försökte bryta med traditionerna. Bland annat futurismen, dadaismen och surrealismen bröt mot gränserna för vad som kunde betraktas som konst. Att vara en modern konstnär innebar att vara innovativ och utmana världen. genom verk som inte längre försökte kopiera verkligheten eller vara vackra, utan som försökte rubba de existerande estetiska och sociala uppfattningarna.

Därför är det De nuvarande konstnärliga uttrycken bygger på den effekt de har på publiken. Ju mer kontroversiell och utmanande den är, desto bättre tas den emot.

Du kanske är intresserad av: Konstnärliga avantgarder, Konstnärliga rörelser under 1900-talet

Vad är samtidskonst?

Samtidskonst är det som tillverkade från och med 1950 och framåt. De är skapelser som är direkt kopplade till omständigheterna i sin tid. Globalisering, konsumtionssamhället och tillverkade varor. .

Konstnärer behöver inte längre vara experter eller ha någon särskild talang, eftersom Det är idén och konceptet som dominerar. Det är en verklighet där installationer, skulpturer och skulpturala verk finns i överflöd. färdiggjord som tar ett vanligt föremål och ger det nytt liv.

De sociala nätverken har också blivit det viktigaste spridningsmedlet, eftersom originalitet och djärvhet är de mest uppskattade värdena. Det handlar om att går allt längre och längre och utmanar alla standarder. I dag kan alla välgrundade förslag betraktas som konst.

Detta är meningsfullt i en En tid som är mättad av stimulus och information. Det intressanta är alltså att konsthistorien har århundraden av stora skapare som redan har visat sin tekniska förmåga. Det intressanta är alltså att förvåna och vara störande .

Här är några av de mest banbrytande, märkliga och berömda samtidskonstnärerna på senare tid, som både hyllas och hatas på samma gång, och som utan tvekan har lyckats ta plats i den kollektiva fantasin.

Du kanske är intresserad av: Konceptuell konst: kännetecken och exempel

Skulptur

1. Jeff Koons

Jeff Koons (USA, 1955) är en av dagens mest kontroversiella konstnärer, på grund av ett förslag där överflödet är dominerande. konceptuell konst, där pop- och kitschelement är framträdande. .

Han arbetade tidigare på Wall Street-börsen och var därför en av de första som anlitade en reklambyrå för att främja sin image.

Även om han har gjort målningar och fotografier är han mest känd för sina monumentala, glänsande skulpturer Temat kretsar kring den skönhet Jag vill och banalitet .

Även om vissa anser att han är en pionjär och en milstolpe i konsthistorien, har han flera kritiker som kritiserar dess massproduktion Koons har kännetecknats av att vara en idékonstnär. Således, skapar ett koncept som i slutändan sammanställs av andra specialister och gör flera kopior som säljs för miljontals dollar.

Ballonghund (Blå), The Broad, Los Angeles, Kalifornien, USA

Koons blev populär med denna serie skulpturer som gjordes mellan 1994 och 2000. Än i dag är han förknippad med denna bild av en hund gjord av uppblåsta ballonger, typisk för födelsedagsfester eller karnevaler, som riktar sig till en barnpublik. Med sin Ballonghundar blev den den främsta representanten för kitschkonst, som bygger på en överdriven estetik och "dålig smak". .

På detta sätt, tog ett föremål av minimalt värde, flyktigt och tillhörande masskulturen och ville ge det en plats som konstverk. På så sätt kan man se samspelet mellan det vardagliga visuella språket och hänvisningen till rupturistiska handlingar som Duchamps urinoar. Det handlar om att förvandla det minst tänkbara till ett konstverk.

De fem versionerna finns i blått, magenta, gult, orange, orange och rött. Det mest slående är deras stora mått (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), eftersom han beslutade att leka med skalan för att göra sitt projekt ännu mer iögonfallande.

En av de viktigaste aspekterna har att göra med materialiteten. Konstnären valde att använda en bild som utmärker sig genom sin färg och form, vilket anspelar på den den nuvarande materialistiska fetischismen, som bygger på ackumulering av onödiga saker. .

Spela- doh, Whitney Museum of American Art, New York, New York, USA

Med Play-doh fortsatte sin stil med monumentala verk (315 x 386,7 x 348 cm) genom att skapa denna skulptur som består av 27 separata bitar av målad aluminium. 2014 premiärvisades den i en retrospektiv på Whitney Museum of American Art i New York.

Konstnären har gjort fem kopior av detta verk, vilket gör att hänvisning till varumärket Play doh som producerar material som tjänar till att projekt för barnens hantverk Inspirationen kom från sonen Ludwig som som barn modellerade en kulle av plastin och gav den i present till sin far.

Koons försökte ge honom den så realistiska som möjligt för att vädja till betraktarens sinnen. På detta sätt kan man se fingeravtryck, som om det vore en nyskriven komposition.

Under årens lopp har deras verk har nått några av de högsta värden som en levande konstnär kan hoppas på. År 2018 såldes en av dessa versioner för 20 miljoner dollar.

Bukett av tulpaner, Petit Palais, Paris, Frankrike

Bukett av tulpaner ställdes ut 2019 i hyllning till offren för de terroristattacker som ägde rum i Frankrike i november 2015. På initiativ av USA:s ambassadör gav Koons denna skulptur till folket i Paris.

Den är 12 meter hög, väger 33 ton och är tillverkad av brons, rostfritt stål och aluminium och har inspirerats av målningen En bukett av fred (1958) av Pablo Picasso och Frihetsgudinnan. Handen håller 11 tulpaner i stället för det klassiska dussinet för att symbolisera frånvaro, men också hopp.

Detta arbete orsakade dock en stor kontrovers Den finansierades av amerikanska och franska samlare, och många hävdade att pengarna kunde ha gått direkt till offrens organisationer.

De anklagade också Koons för att vara opportunistisk, eftersom han ville använda tragedin som en ursäkt för att installera ett av sina verk på en turistplats. Som svar försäkrade konstnären att 80 procent av intäkterna från den audiovisuella reproduktionen skulle gå till dem som drabbats av attacken och till stadsfullmäktige.

Damien Hirst

Damien Hirst (England, 1965) är en av dagens mest innovativa konstnärer. utforska gränserna för vad som kan betraktas som konst.

Han har jämförts med Andy Warhol på grund av sin respektlöshet, sina projekt som många kallar för ondskefulla och sin förmåga att generera pengar. En av hans främsta kritiker är Julian Spalding, kritiker och författare, som har definierat hans produktion som "con-art" (konstbedrägeri).

Ja, det är sant inte gör sina gärningar men utförs av en grupp medarbetare På detta sätt förklarar han att det väsentliga är hans revolutionära idéer som försöker utmana konstvärldens accepterade teman. materialiseringen får stå tillbaka Dessutom har hon blivit en kändis, eftersom enbart hennes figur och uttalanden lockar en publik.

Den fysiska omöjligheten av döden i en levande persons medvetande.

1991 inledde Hirst sitt arbete med serien Naturhistoria där han använde djurkroppar som han konserverade med hjälp av formaldehyd. Ett av de mest kontroversiella bidragen var Den fysiska omöjligheten av döden i en levande persons medvetande.

I en tank av stål och glas sitter en tigerhaj, vars mål var framhäver ett farligt djur som sällan kan ses så nära. Jag letade efter skapa känslor hos publiken genom att konfrontera dem på gränsen mellan liv och död.

Samlaren Charles Saatchi finansierade köpet av kadaveret och konstnären beställde det från en fiskare som bad om ett djur "stort nog att sluka dig". När skulpturen var färdigställd ställdes den ut på Saatchi Gallery i London.

Trots användningen av formalin var man 2006 tvungen att byta ut hajen på grund av nedbrytning av kroppen.

Endast Gud vet

År 2007 ställde konstnären ut Endast Gud vet Den består av tre flådda får i separata tankar, vilket påminner om bilden av Kristi korsfästelse.

Här kan vädjar till det groteska På så sätt fungerar den som en kritik av den moderna livsmedelsindustrin Det gör också en en vinkning till uppståndelsen Titeln anspelar på Guds vishet, för han vet varför saker och ting händer som de gör.

För Guds skull

Hans mest kända verk hittills är För Guds skull (2007) erkänd som den dyraste i världen . dess produktion hade ett värde på 17 miljoner euro .

Han använde en manlig skalle från 1700-talet för att göra en platinaform. 8 601 diamanter lades till denna konstgjorda skalle, och de ursprungliga tänderna lades till efter att den hade fixerats. En prästerlig prydnad, som också var gjord av diamanter, lades in i pannan.

Verket ställdes först ut på White Cube Gallery i London, där det anspelar på teman som döden och pengar På samma sätt är det religiösa temat återigen med i titeln, men när han gav den ett namn inspirerades han av sin mor, som vid den tiden sa till honom: "För Guds skull, vad ska du göra nu?

Konstnären sade att han med denna skulptur ville reflekterar över det oundvikliga i slutet av tillvaron Han sade: "Döden gör livet spännande, den är en universell utlösande faktor och vi är alla rädda för döden".

Även om Hirst uppgav att den såldes samma år till ett anonymt konsortium för 60 miljoner, har vissa röster i konstvärlden ifrågasatt detta, och många anklagar honom för att den fortfarande är i konstnärens händer och att det påstådda priset har använts för att öka hans popularitet och värdet på hans andra verk.

Ett av verken från La Moneda

Utan tvekan har Hirsts senaste projekt varit den den mest kontroversiella i konstvärlden hittills Under 2016 producerade han 10 000 oljemålningar på papper. 2021 beslutade han att koppla dem till NFT och kalla förslaget för Valutan De erbjöds således till försäljning till ett värde av två tusen dollar.

När någon väl hade förvärvat den kunde han eller hon Om personen väljer att behålla kryptokonsten (verket i digital form) eller att få den i fysisk form. Om personen väljer NFT kommer målningen att exponeras och sedan brännas. .

På så sätt ifrågasatte den Vad är den moderna konstens natur idag, det materiella eller det immateriella? Sedan öppnandet i september 2021 har 4 137 köpare beslutat att byta ut sin NFT mot ett fysiskt verk, medan 5 863 ville behålla den krypterade versionen. Nästan 6 000 dukar brändes.

Greg Lansky

Greg Lansky (Frankrike, 1982) blev i år känd för en skulptur som fångade allmänhetens och specialisternas uppmärksamhet för sin tolkning av det nya århundradet.

Han har utbildat sig till fotograf, men har gjort karriär som regissör och producent av pornografiska filmer. Nu när han är företagare och har ekonomisk frihet har han bestämt sig för att utforska konstvärlden. Hans skulpturer hänvisar till dagens värld och fungerar som en kritisk reflektion över den samtida verklighetens villkor. .

Greg Lansky bredvid sin skulptur Algoritmisk skönhet

I november 2022 presenterade han en marmorskulptur med namnet Algoritmisk skönhet . Det är en modern omtolkning av den klassiska Venus de Milo Den följer traditionen, men väljer att ge den ett nytt utseende, med den stora skillnaden att den har armar som håller en iPhone.

Lansky lade upp bilden på sitt Instagramkonto tillsammans med följande meddelande: "Hur mycket smärta skulle du utstå för att känna dig älskad?" Med hans ord:

Jag har skapat detta verk som speglar förhållandet mellan smärta och att känna sig älskad i en värld som drivs av AI-algoritmer. Det finns ingen spegel för din selfie eftersom mänskligheten är spegeln. Vi är alla spegeln. Algoritmisk skönhet har inga skönhetsfilter. Märkena av plastikkirurgi visas med elegans och värdighet, som ärren från ett oändligt krig som ingen kanvinna.

På så sätt försöker den utöva en Kritik av det nuvarande systemet som främjar en förfalskad bild av människan. Skönhetsnormerna gör att människor genomgår plastikkirurgiska ingrepp som innebär mycket smärta. Alla dessa uppoffringar görs för att höra till och för att kunna ge världen den bästa versionen av sig själva. I gengäld får de den falsk kärlek till nätverken genom "likes" och kommentarer från andra.

Denna moderna Venus visar alltså en kropp med silikonimplantat och märken som avslöjar olika estetiska ingrepp. För Lansky är det en återspegling av dagens samhälle, som ständigt försöker förbättra sitt yttre utan att bry sig om något annat än utseendet.

Du står på tur

I december 2022 presenterade konstnären en ny skulptur där han återigen valde element från det förflutna för att ifrågasätta den moderna kulturen.

På Du står på tur byggde en giljotin Detta dödsinstrument var redan på sin tid ganska paradigmatiskt: samtidigt som man förespråkade idealen om jämlikhet, broderskap och frihet skapade man ett verktyg för att mörda alla dem som var obekväma för makthavarna.

Lansky tar fasta på denna idé och placerar kompositionen i mitten av den symbol för Twitter ett av de mest kontroversiella och destruktiva sociala nätverken på den aktuella scenen. Precis som i 1700-talets Frankrike kan detta medium ses som ett grymt men berättigat element som tilltalar en publik som är sugen på andras smärta.

Faciliteter

1. Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (Danmark, 1967) är känd för sitt arbete med den storskaliga skulpturer och installationer, Han har också arbetat med måleri, fotografi och film, och hans vision har att göra med ingripa i rummet och föra människor närmare naturfenomen som ljus och vatten. Tanken är att de, när de arrangeras på originella sätt, gör det möjligt för oss att ompröva deras kvalitet som konstföremål.

1995 inrättade han en studio i Berlin, eftersom hans tillvägagångssätt handlar om lagarbete och samarbete. Den består av en fyravåningsbyggnad med cirka 100 personer, däribland tekniska specialister, hantverkare, arkitekter, konsthistoriker, webbdesigners, grafiska formgivare och filmskapare.

Skönhet

På Skönhet (1993) försökte att återupptäcka charmen hos naturfenomenen Den bestod av en anläggning som låg i en mörkrum Det fanns en slang på taket, från vilken en slang kom ut. vatten i form av dagg och en lampa Dessa element har tillsammans gett upphov till en regnbåge som betraktaren måste hitta genom att stå i rätt vinkel.

Klimatprojektet

2003 Elliason ställde ut på Tate Modern, London Klimatprojektet I det enorma turbinrummet (155 meter långt, 23 meter brett och 35 meter högt) har han placerat luftfuktare för att skapa en dimma. I mitten har han installerat en skiva bestående av hundratals monokromatiska lampor som utstrålar gult ljus. Sedan har han placerat en spegel i taket så att besökarna kan spegla sig själva som små skuggor.

Installationen pågick i fem månader och lockade två miljoner tittare som interagerade med elementen, delade med sig, funderade och kunde meditera över klimatförändringarna. Hans arbete syftar till att få människor att tänka genom interaktion. Av denna anledning har Mark Godfrey, kurator för Klimatprojekt, uttryckt:

Eliasson anser att klimatets nödsituation ibland kommuniceras endast genom diskurser som handlar om rädsla. Han vill ändra vårt sätt att tänka på frågan med en diskurs som handlar om glädje och kärlek. Du vet, vad tycker jag om världen och varför ska jag bry mig om den?"

Isur i London

Året 2014 tillsammans med geologen Minik Rosing, genomförde installationen av Is-klocka som på ett direkt sätt försökte synliggöra de problem som orsakas av den globala uppvärmningen Utställningen visades i Köpenhamn, Paris och London.

Den bestod av isblock från Grönland Dessa delar flyttades och flyttades till en ny plats. De är placerade i en cirkulär form, som imiterar en klocka. De 24 blocken vägde 12 ton och bjöd in åskådaren att bli en deltagare Folk kunde röra vid, känna kylan och se smältningsprocessen live.

Elaisson anser att konstnärens roll är mycket viktig i dag, och han förklarade: "Det går inte att välja att inte vara politisk. Allt vi gör får konsekvenser och vi kan inte undgå att vi alla är sammankopplade". Han uppmanade därför allmänheten att överväga hans förslag:

Vi måste inse att vi tillsammans har makten att vidta individuella åtgärder och driva på systemförändringar. Kom och låt Grönlands inlandsis röra vid dig och låt den röra vid dig. Låt oss omvandla klimatkunskap till klimatåtgärder.

Du kanske är intresserad av: Landkonst: definition, historia och stora representanter

2. Félix González Torres

Félix González Torres (1957-1996) var en kubansk konstnär, bosatt i USA, där han utvecklade sitt arbete. De viktigaste av hans verk var hans installationer i minimalistisk stil där han använde material från vardagen. såsom klockor, pennor, godis osv.

Hans stil kännetecknades av Användning av metaforer för att hänvisa till känslor av universell karaktär. som allmänheten kan känna sig delaktig i.

Utan titel (Perfect Lovers)

På MOMA i New York hittar du följande Utan titel (Perfect Lovers) (1991), en installation som utmärker sig för sin enkelhet, men också för det vackra budskap som den innehåller. handlar om kärlek, förlust och sorg. Konstnären monterade två klockor när hans partner Ross Laycock dog. Var och en av dem representerar dem, och med tiden blir de oundvikligen osynkroniserade, vilket ökar avståndet mellan dem.

Utan titel (porträtt av Ross i LA)

Året därpå skapade han ytterligare ett verk som en hyllning till sin bortgångna kärlek. Utan titel (porträtt av Ross i LA) Det intressanta med denna installation är att den varje gång förändrades, beroende på var den ställdes ut och hur publiken interagerade med den.

Åskådarna bjöds in att ta godiset för att ta med sig eller arrangera om det. Konstnären försökte alltså Skildring av hur förlusten fungerar över tid. Den kan hitta nya former och anpassa sig, men den försvinner aldrig.

Liksom sin partner dog González Torres av komplikationer till följd av aids 1996 och han var en av de första rösterna i konstvärlden som uttalade sig i frågan.

Prestanda

Marina Abramović

Marina Abramović (Serbien, 1946) har uppmärksammats för sina provocerande föreställningar i vilken förvandlade sig själv till ett konstnärligt objekt Hans karriär inleddes på 1970-talet och hans stil kännetecknades av trots och en önskan att utforska de förhållandet mellan konstnären och publiken. Med hans ord: "Första gången jag visade min kropp för allmänheten förstod jag att det var mitt stöd".

Fotografi av den prestanda Ritmo 0

1974 gjorde han en av hans mest djärva prestationer och som dessutom avslöjade för honom den människans mörker Hon är trött på att bli stämplad som exhibitionist och masochist och sa följande Tempo 0 där den Publiken skulle interagera direkt med hennes kropp, medan hon fungerade som en tom duk. .

I Morra Studio i Neapel (Italien) uppträdde han i sex timmar. Han stod orörlig. 72 föremål låg på ett bord bredvid en skylt med texten "Du kan göra vad du vill med mig. Jag är ett föremål. Jag tar ansvar för allt som kan hända under denna tid".

På detta sätt gav Abramović sig själv till publiken som om hon vore en docka. Syftet var att se hur människor skulle reagera på möjligheten att ha en människa som leksak. .

Det fanns två kategorier, föremål för nöje, som parfym, blommor och fjädrar, och föremål för förstörelse, som knivar, saxar, rakblad och till och med en pistol.

I början Allt var helt oskyldigt, De fick henne att ändra sin pose, gav henne blommor och kysste henne. Efter den tredje timmen blev det dock sämre. En ondskefull vändning: hon blev bunden, avklädd, knivhuggen med törnen och till och med knivhuggen av en man. Efter att hans presentation var avslutad sade han:

Det visar hur snabbt någon kan bestämma sig för att skada dig när de får lov att göra det. Det visar hur lätt det är att avhumanisera någon som inte slår tillbaka. Det visar att de flesta "normala" människor kan bli mycket våldsamma offentligt om de får chansen.

Fotografi av den prestanda Inandning/utandning

År 1976 flyttade han till Amsterdam där han träffade den Tysk konstnär Frank Uwe Laysiepen, mer känd som Ulay De inledde ett romantiskt förhållande som resulterade i en samarbete som pågick i mer än ett decennium och som gav upphov till några av hans mest intressanta verk.

Som team ville de utforska kroppens gränser, så de bestämde sig för att leka med sig själva. 1977 producerade de "Inandning/utandning prestanda framfördes två gånger, i Belgrad och i Amsterdam. De täppte till sina näsborrar och tryckte ihop sina munnar. Tanken var att de skulle bara andas in den luft som den andra personen släpper ut tills allt tillgängligt syre är förbrukat. .

Båda föll medvetslösa ner på golvet och försökte då att avslöjar fallgroparna i moderna relationer, eftersom en individ kan konsumera och förstöra den andra.

Fotografi av den performance Konstnären är närvarande

Året 2010 MOMA höll en retrospektiv utställning Den bestod av videor, fotografier och dokument som visade konstnärens arbete under fyra decennier. Där bestämde hon sig för att göra en ny prestanda Publiken bjöds in att sitta och dela med konstnären, att känna hennes närvaro i museets atrium. Det var en av de längsta aktionerna i hans karriär, eftersom han tillbringade åtta timmar om dagen under en period av tre månader med denna verksamhet.

Målning

1. Zeng Fanzhi

Zeng Fanzhi (född 1964) är en av Kinas mest internationellt kända konstnärer och en av de högst betalda i dag. Han skapade expressionistiska målningar där han speglar verkligheten i sitt land, samtidigt som han anspelar på västvärldens inflytande.

Han växte upp under kulturrevolutionen i Kina och det är därför som hans verk hänvisar till de svårigheter som upplevdes under dessa år:

När jag var ung var livet så hårt att det var svårt att tänka på framtiden. På den tiden var det viktigaste att klara sig själv och kunna försörja sig själv.

Efter att ha studerat vid Hubei Academy of Fine Arts bestämde han sig för att specialisera sig på konsthantverk. OLJEFÄRG Hans främsta influenser är Paul Cézanne, Willem de Kooning och Lucian Freud.

Mask nr 1

Med tiden utvecklade han en egen stil och blev berömd med sin serie Masker, som lyftes fram genom presentationen av karaktärer som gömmer sig bakom en mask Dessutom är dess Händerna är överdrivet oproportionerliga i förhållande till resten av kroppen.

Här, i Mask nr 1 ( 1999) kan man observera ett typiskt porträtt av en man som tillhör den kinesiska regimen. Detta syns i den röda halsduken och symbolen på hans högra arm. Trots att den täcker hans ansikte är smärtan och ångesten omöjliga att dölja och tjocka tårar faller från ögon som verkar livlösa.

Den sista måltiden

Den sista måltiden (2001) är en av hans mest kända målningar, där han gör en hänvisning till Leonardo Da Vincis verk med samma sammansättning och fördelning av tecken.

I det här fallet är det Huvudpersonerna kommer från den moderna tiden och har de typiska egenskaperna för sin serie. Masker De har röda halsdukar som anspelar på kommunismen, överdimensionerade händer och masker i kinesisk stil som täcker deras ansikten. Till skillnad från originalet kännetecknas middagen av sin sparsamhet. .

Verket såldes 2013 för 23 miljoner dollar, vilket gjorde Fanzhi till en av de mest eftertraktade konstnärerna i världen.

Guillermo Lorca García

Guillermo Lorca García (1984) är en chilensk konstnär som kännetecknas av att han skapar målningar där han lever i en magisk värld I en tid av installationer och verk där idéerna dominerar bestämde sig den unge mannen för att återvända till klassisk oljemålning Man kan alltså konstatera följande barn och djur i barockstil där följande ställs mot varandra skönhet och störande .

Han har blivit känd för sina jättelika målningar (upp till tre meter) och för sin bildmässig virtuositet Det finns en enorm mängd arbete med kompositioner där färgerna dominerar, liksom användningen av ljus och skugga.

De små trädgårdsmästarna

Den har en En helt speciell stil där tekniker från realistiskt måleri och surrealistiska bilder korsas. Till exempel i tabellen De små trädgårdsmästarna År 2021 syns två små flickor i en drömlik trädgård med stora fjärilar, flamingos och andra färgglada exotiska djur.

När det gäller vilken typ av karaktärer han brukar använda sig av, sa han i en intervju:

För mig är barn och djur tillsammans meningsfulla, man kan säga att deras "själar" är mer lika varandra. Det är där som de starkaste känslorna finns. Jag tror att karaktärerna representerar olika delar av vår natur, precis som i sagor, myter och legender.

För sin del är det faktum att en av flickornas hår är blått eller att det finns en rosa tiger. fungerar som en resurs för att skapa magiska scener där de lever. Varelser utan tid. Hon erkänner också att den japanska anime som hon tittade på som barn var en inspirationskälla för det skönhetsideal hon förespråkar.

Den engelska sängen

Målaren kallar sitt arbete för Samspel mellan motsatser. Precis som det finns oskuld och skönhet kan också hittas i hot, våld och död Det är detta som ger den den poetisk effekt till sina kadrer.

På Den engelska sängen (2021) kan vi se ett mer realistiskt intrång i porträttet. Det finns inte längre några färger eller känslan av en magisk värld. Vi ser en ung flicka som tittar direkt på betraktaren och bakom henne en tiger som verkar vilja sluka henne. Lorca bekräftar att detta tema har att göra med barns fantasier. Även om symboliska associationer också kan göras, eftersom det vilda vanligtvis ärsom har med erotik att göra.

Fotografi

1. Cindy Sherman

Cindy Sherman (född 1954 i Förenta staterna) är en en av världens mest internationellt kända fotografer. Konstnären beslöt sig för att använda sig själv som verktyg, genom att vara modell och upphovsmannen till sina bilder .

På detta sätt använder man sig ofta av kostym, på smink och till den scenografi På så sätt blir han både subjekt och objekt för sitt arbete, och uppnår omintetgöra de roller som tillskrivs deras kön, till exempel passivitet.

Film utan titel #7

Mellan 1977 och 1980 skapade Sherman en serie som kallades Film utan titel stillbild ( Filmen har ännu inte fått någon titel ). 80 svartvita fotografier i samma format som hon blev internationellt känd med. 7 visar en kvinna som just stigit upp, klädd i vita strumpor, nattskjorta och solglasögon. Hon verkar överraskad av kameran, då hon går fram med ett glas Martini i sin vänstra hand.

Här letade jag efter leka med kvinnoporträttet i medierna Det handlar om att representera kvinnlighet och dess stereotyper, precis som propaganda och film gjorde under dessa år.

Av denna anledning, imiterar scener från fiktiva filmer där han imiterar attraktiva unga kvinnor i suggestiva poser, mitt i en scen. Han bestämmer sig för att kopiera den 50- och 60-talets stil, där den kvinnan sågs som ett dekorativt, sensuellt och idealiserat objekt. .

Film utan titel #6

Sherman är inte bara modell, utan ansvarar också för scenografi, kostymer och rekvisita och har även ansvar för den tekniska processen, vilket framgår av följande bilder Film utan titel #6 Där, till vänster, syns en kabel som gör att man kan se hur konstgjord bilden är.

Konstnären sökte tillägnar sig den förvrängda bild av det kvinnliga könet som cirkulerade under dessa år. Med hjälp av samma mekanismer som den officiella diskursen ville jag vända på den och få allmänheten att tänka.

Utan titel

Från 1980-talet och framåt var hon inte längre i fokus på sina fotografier, och hon gav plats för konstgjorda anatomiska dockor och lemmar Det är från denna period som hans serie kommer, Historiska porträtt, Inspirerad av klassiska verk, med utgångspunkt i I renässansporträtt stil skapar han verk som han ändrar för att skapa en oroväckande effekt. . i Utan titel (1989) visar en kvinna som följer den prototypiska mamman, som överdriver budskapet genom att lägga till ett gummibröst, medan hon håller ett barn insvept i en vit filt.

2. Ángela Burón

Angela Burón är en ung spansk fotograf som har blivit känd för sitt arbete inom fotografi. surrealistiska bilder där hon själv agerar modell. . dess Det centrala temat är kroppen, som arrangeras på nya och oväntade sätt med hjälp av Photoshop. På så sätt skapar den en ny verklighet där det inte längre är möjligt att urskilja en början eller ett slut, och därmed kan den Den mänskliga figuren blir ett uttryck för det oändliga.

Nattliga rörelser

I sitt arbete lever kroppsdelar Dessa element arrangerar sig själva på överraskande sätt, samtidigt som de befolkar vardagliga utrymmen, som interiörer i enkla hus eller helt enkelt en säng. Detta är första gången som denna bok publiceras. Omorganisationen gör det möjligt för betraktaren att ompröva hur han eller hon förstår och observerar verkligheten. .

Den beslutar också att leka med kroppens materialitet och dess kvalitet som instrument som hänvisar till konstnärer från prestanda som uppstod på 1970-talet.

Drömmar

Bibliografi

• Márquez, Mónica (2019) "Guillermo Lorca: contemporary baroque", Revista Metal.
• Grosenick, Uta. (2005). Kvinnliga konstnärer på 1900- och 2000-talet. Taschen.
• Hodge, Susie (2020). Kvinnliga konstnärers historia i korthet Blume.
• Holzwarth, Hans Werner och Taschen, Laszlo (red.) (2011). Modern konst: en historia från impressionismen till idag Taschen.
• Oppenheimer, Walter (2012), "Damien Hirst eller konsten att tjäna (mycket) pengar", El País.
• Zeldes, Jason (2019). Sammanfattning. Säsong 2, avsnitt 1: "Olafur Eliasson: The Design of Art" Netflix.