Au début du 20e siècle, les mouvements d'avant-garde ont vu le jour et ont cherché à rompre avec la tradition. Ainsi, le futurisme, le dadaïsme et le surréalisme, entre autres, ont brisé les barrières de ce qui pouvait être considéré comme de l'art. C'est ainsi qu'est né le mouvement d'avant-garde. être un artiste moderne signifie innover et défier le monde par des œuvres qui ne cherchent plus à copier la réalité ou à être belles, mais à bousculer les conceptions esthétiques et sociales existantes.

Par conséquent, le les expressions artistiques actuelles sont basées sur l'impact qu'elles ont sur le public. Plus il est controversé et stimulant, mieux il est reçu.

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Qu'est-ce que l'art contemporain ?

L'art contemporain est celui qui produits à partir de 1950 Il s'agit de créations directement liées aux circonstances de leur époque. la mondialisation, la société de consommation et les produits manufacturés .

Les artistes n'ont plus besoin d'être des experts ou d'avoir un talent particulier, car c'est l'idée et le concept qui prédominent C'est une réalité dans laquelle Les installations, les sculptures et les œuvres sculpturales abondent. prêt-à-porter qui prennent un objet commun et lui donnent une nouvelle vie.

Les réseaux sociaux sont également devenus le principal moyen de diffusion, l'originalité et l'audace étant les valeurs les plus appréciées. Il s'agit de vont de plus en plus loin et remettent en question toutes les normes. Aujourd'hui, toute proposition bien fondée peut être considérée comme de l'art.

Cela a du sens dans un une époque saturée de stimuli et d'informations Ce qui est intéressant, c'est que l'histoire de l'art compte des siècles de grands créateurs qui ont déjà fait la preuve de leurs prouesses techniques. étonner et perturber .

Voici quelques-uns des artistes contemporains les plus novateurs, les plus étranges et les plus célèbres de l'époque récente, qui sont à la fois loués et détestés, et qui ont incontestablement réussi à occuper une place dans l'imaginaire collectif.

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Sculpture

1. Jeff Koons

Jeff Koons (États-Unis, 1955) est l'un des artistes les plus controversés d'aujourd'hui, en raison d'une proposition dans laquelle l'excès prévaut. l'art conceptuel, dans lequel se détachent des éléments pop et kitsch. .

Travaillant à la bourse de Wall Street, il a été l'un des premiers créateurs à s'adjoindre les services d'une agence de publicité pour promouvoir son image.

Bien qu'il ait réalisé des peintures et des photographies, il est surtout connu pour ses des sculptures monumentales et rutilantes Son thème s'articule autour de la beauté les Je souhaite et le banalité .

Si certains le considèrent comme un pionnier et un jalon dans l'histoire de l'art, il a plusieurs fois fait l'objet de critiques. les détracteurs qui critiquent leur production de masse Koons a été caractérisé par le fait qu'il est un artiste des idées. Ainsi, crée un concept qui est ensuite assemblé par d'autres spécialistes et en fait plusieurs copies qui se vendent pour des millions de dollars.

Chien ballon (Bleu), The Broad, Los Angeles, Californie, États-Unis

Koons est devenu populaire avec cette série de sculptures réalisées entre 1994 et 2000. Aujourd'hui encore, il est associé à cette image d'un chien fait de ballons gonflés, typique des fêtes d'anniversaire ou des carnavals, destinés à un public d'enfants. Avec son Chiens à ballons est devenu le le plus représentatif de l'art kitsch, basé sur une esthétique surchargée et le "mauvais goût". .

De cette manière, a pris un objet de valeur minime, éphémère, appartenant à la culture de masse et a voulu lui donner sa place en tant qu'œuvre d'art. On voit ainsi l'interaction entre le langage visuel quotidien et la référence à des actions rupturistes comme l'urinoir de Duchamp. Il s'agit de transformer le moins imaginé en œuvre d'art.

Les cinq versions sont disponibles en bleu, magenta, jaune, orange, orange et rouge. Ce qui frappe le plus, ce sont leurs grandes dimensions (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), car il a décidé de jouer avec l'échelle pour rendre son projet encore plus accrocheur.

L'artiste a décidé d'utiliser une image qui se distingue par sa couleur et sa forme, faisant ainsi allusion à l'image de l'artiste. le fétichisme matérialiste actuel, qui repose sur l'accumulation de l'inutile. .

Jouer... doh, Whitney Museum of American Art, New York, New York, États-Unis

Avec Play-doh poursuit son style de pièces monumentales (315 x 386,7 x 348 cm.), en créant cette sculpture composée de 27 pièces séparées en aluminium peint, qui a fait l'objet en 2014 d'une rétrospective au Whitney Museum of American Art de New York.

L'artiste a réalisé cinq exemplaires de cette œuvre, ce qui fait référence à la marque Play doh qui produit des matériaux servant à projets d'artisanat pour les enfants Il s'est inspiré de son fils Ludwig qui, enfant, a modelé un monticule en pâte à modeler qu'il a offert à son père.

Koons a essayé de lui donner la aussi réalistes que possible, afin de solliciter les sens du spectateur. De cette manière, les traces de doigts sont visibles, comme s'il s'agissait d'une composition nouvellement créée.

Au fil des ans, leur ont atteint certaines des valeurs les plus élevées qu'un artiste vivant puisse espérer. En 2018, l'une de ces versions a été vendue pour 20 millions de dollars.

Bouquet de tulipes, Petit Palais, Paris, France

Bouquet de tulipes a été exposée en 2019 à hommage aux victimes des attentats terroristes qui ont eu lieu en France en novembre 2015. À l'initiative de l'ambassadeur des États-Unis, Koons a offert cette sculpture au peuple de Paris.

D'une hauteur de 12 mètres et d'un poids de 33 tonnes, elle est composée de bronze, d'acier inoxydable et d'aluminium et s'inspire du tableau Bouquet de paix (1958) de Pablo Picasso et la statue de la Liberté. La main tient 11 tulipes au lieu de la douzaine classique, pour symboliser l'absence, mais aussi l'espoir.

Cependant, ce travail a provoqué une controverse majeure Elle a été financée par des collectionneurs américains et français, et beaucoup ont affirmé que l'argent aurait pu être donné directement aux associations de victimes.

En réponse, l'artiste a assuré que 80 % des revenus de la reproduction audiovisuelle seraient reversés aux personnes touchées par l'attentat et à la municipalité.

Damien Hirst

Damien Hirst (Angleterre, 1965) est l'un des artistes les plus novateurs d'aujourd'hui. explorer les limites de ce qui peut être considéré comme de l'art.

Il a été comparé à Andy Warhol en raison de son irrévérence, de ses projets que beaucoup qualifient de sinistres et de sa capacité à générer de l'argent. L'un de ses principaux détracteurs est Julian Spalding, critique et écrivain, qui a défini sa production comme de l'"escroquerie" (art-scam).

En effet n'accomplit pas ses œuvres mais sont réalisées par un groupe de collaborateurs Il affirme ainsi que l'essentiel est son idées révolutionnaires qui cherchent à remettre en question les thèmes acceptés par le monde de l'art. la matérialisation passe au second plan De plus, elle est devenue une célébrité, sa silhouette et ses déclarations attirant à elles seules un public.

L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d'une personne vivante

En 1991, Hirst commence son série Histoire naturelle dans lequel il utilise des carcasses d'animaux qu'il conserve grâce à l'utilisation de formaldéhyde. L'une des pièces les plus controversées était L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d'une personne vivante.

Dans un bassin d'acier et de verre est assis un requin tigre, dont la cible était la mise en avant d'un animal dangereux qu'il est rare de voir d'aussi près Je cherchais susciter des émotions viscérales chez le public en les confrontant à la frontière entre la vie et la mort.

Le collectionneur Charles Saatchi a financé l'achat de la carcasse, et l'artiste l'a commandée à un pêcheur qui demandait un animal "assez grand pour vous dévorer". Une fois la sculpture achevée, elle a été exposée à la Saatchi Gallery de Londres.

Malgré l'utilisation de formol, le requin a dû être remplacé en 2006 en raison de la dégradation de son corps.

Seul Dieu le sait

En 2007, l'artiste a exposé Seul Dieu le sait Elle est composée de trois moutons écorchés dans des cuves séparées, évoquant l'image de la crucifixion du Christ.

Ici, le l'appel au grotesque Il fonctionne ainsi comme un critique de l'industrie alimentaire moderne Il constitue également un un clin d'œil à la résurrection Son titre fait allusion à la sagesse de Dieu, qui sait pourquoi les choses se passent ainsi.

Pour l'amour de Dieu

Son œuvre la plus connue à ce jour est Pour l'amour de Dieu (2007) reconnue comme la le plus cher du monde . son production avait une valeur de 17 millions d'euros .

Il a utilisé un crâne d'homme du XVIIIe siècle pour fabriquer un moule en platine. 8 601 diamants ont été ajoutés à ce crâne artificiel, et les dents d'origine ont été ajoutées après avoir été fixées. Un ornement de style sacerdotal, également fait de diamants, a été incrusté sur le front du crâne.

L'œuvre a été exposée pour la première fois à la White Cube Gallery à Londres, où elle fait allusion à des thèmes tels que la mort et l'argent De même, avec le titre, le thème religieux est à nouveau inséré, mais en le nommant, il s'est inspiré de sa mère, qui lui a dit à l'époque : "Pour l'amour de Dieu, qu'est-ce que tu vas faire maintenant ?

L'artiste a déclaré qu'avec cette sculpture, il voulait réflexion sur l'inéluctabilité de la fin de l'existence Il a déclaré : "La mort rend la vie passionnante. C'est un déclencheur universel. Nous avons tous peur de la mort".

Bien que Hirst ait déclaré que l'œuvre avait été vendue la même année à un consortium anonyme pour 60 millions d'euros, certaines voix dans le monde de l'art ont mis en doute cette affirmation, beaucoup accusant l'œuvre d'être toujours entre les mains de l'artiste et d'avoir été utilisée pour accroître sa popularité et la valeur de ses autres créations.

L'une des œuvres de La Moneda

Le dernier projet de Hirst a sans aucun doute été l'œuvre d'art de l'artiste. la plus controversée dans le monde de l'art à ce jour En 2016, il a produit 10 000 peintures à l'huile sur papier. En 2021, il a décidé de les associer à la NFT et d'appeler la proposition La monnaie Ils ont donc été mis en vente pour une valeur de deux mille dollars.

Une fois que quelqu'un l'a acquis, il peut Si la personne choisit de conserver le crypto-art (l'œuvre sous forme numérique) ou de l'avoir sous forme physique, la peinture sera exposée puis brûlée. .

Elle a ainsi remis en question la Quelle est la nature de l'art moderne aujourd'hui, le matériel ou l'immatériel ? Depuis son ouverture en septembre 2021, 4 137 acheteurs ont décidé d'échanger leur NFT contre l'œuvre physique, tandis que 5 863 ont souhaité conserver la version cryptée. Près de 6 000 toiles ont été brûlées.

Greg Lansky

Greg Lansky (France, 1982) s'est fait connaître cette année par une sculpture qui a attiré l'attention du public et des spécialistes par son interprétation du nouveau siècle.

Bien qu'il ait suivi une formation de photographe, il a développé une carrière de réalisateur et de producteur de films pornographiques. Maintenant qu'il est entrepreneur et qu'il jouit d'une liberté financière, il a décidé d'explorer le monde de l'art. Ses sculptures font référence au monde d'aujourd'hui et fonctionnent comme une réflexion critique sur les conditions de la réalité contemporaine. .

Greg Lansky à côté de sa sculpture Beauté algorithmique

En novembre 2022, il a présenté une sculpture en marbre nommée Beauté algorithmique . Il s'agit d'un réinterprétation moderne de la classique Vénus de Milo Il reprend la tradition, mais décide de lui donner un nouveau look, la grande différence étant qu'il a des bras avec lesquels il tient un iPhone.

Lansky a posté la photo sur son compte instagram, accompagnée du message suivant : "Quelle douleur endureriez-vous pour vous sentir aimé ?" Selon ses propres termes :

J'ai créé cette œuvre qui reflète la relation entre la douleur et le sentiment d'amour dans un monde dirigé par des algorithmes d'IA. Il n'y a pas de miroir pour votre selfie parce que l'humanité est le miroir. Nous sommes tous le miroir. La beauté algorithmique n'a pas de filtres de beauté. Les marques des chirurgies plastiques sont montrées avec grâce et dignité comme les cicatrices d'une guerre sans fin dont personne ne peut se défaire.gagner.

Elle cherche ainsi à exercer une la critique du système actuel qui promeut une image frelatée de l'être humain Les normes de beauté poussent les gens à subir des opérations de chirurgie plastique très douloureuses. Tous ces sacrifices sont consentis pour appartenir à un groupe et pouvoir donner au monde la meilleure version de soi-même. faux amour des réseaux par le biais de "likes" et de commentaires d'autres personnes.

Ainsi, cette Vénus moderne montre une corps avec des implants en silicone et des marques révélant diverses interventions esthétiques. Pour Lansky, il s'agit d'un reflet de la société actuelle, qui cherche constamment à améliorer son aspect extérieur, sans se soucier d'autre chose que de l'apparence.

Vous êtes le prochain

En décembre 2022, l'artiste dévoile une nouvelle sculpture dans laquelle il choisit à nouveau des éléments du passé pour questionner la culture moderne.

Au Vous êtes le prochain a construit un guillotine Cet instrument de mort était déjà paradigmatique en son temps : alors que l'on prônait les idéaux d'égalité, de fraternité et de liberté, on créait aussi un outil pour assassiner tous ceux qui gênaient le pouvoir en place.

Lansky reprend cette idée et place au centre de la composition le symbole de Twitter l'un des réseaux sociaux les plus controversés et les plus destructeurs de la scène actuelle. Comme dans la France du XVIIIe siècle, ce moyen peut être considéré comme un élément cruel mais justifiable qui fait appel à un public avide de la douleur d'autrui.

Installations

1. Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (Danemark, 1967) est connu pour son travail sur les des sculptures et des installations à grande échelle, Il a également travaillé dans le domaine de la peinture, de la photographie et du cinéma. interviennent dans l'espace et rapprochent les gens des phénomènes naturels tels que la lumière et l'eau. L'idée est que, disposés de manière originale, ils nous permettent de repenser leur qualité d'objet d'art.

En 1995, il a installé un studio à Berlin, car son approche est axée sur le travail d'équipe et la collaboration. Il s'agit d'un bâtiment de quatre étages où travaillent une centaine de personnes, dont des spécialistes techniques, des artisans, des architectes, des historiens de l'art, des concepteurs de sites web, des concepteurs graphiques et des réalisateurs de films.

Beauté

Au Beauté (1993) a cherché à redécouvrir le charme des phénomènes naturels Il s'agit d'une installation située dans un chambre noire Il y avait un tuyau sur le toit, d'où sortait un tuyau. l'eau sous forme de rosée et d'un lampe La juxtaposition de ces éléments a produit une arc-en-ciel que le spectateur doit trouver en se plaçant dans le bon angle.

Le projet climatique

Les 2003 Elliason a exposé à la Tate Modern, à Londres Le projet climatique Dans l'immense salle des turbines (155 mètres de long, 23 mètres de large et 35 mètres de haut), il a placé des humidificateurs pour créer un brouillard. Au centre, il a installé un disque composé de centaines de lampes monochromatiques diffusant une lumière jaune. Puis un miroir a été placé au plafond, permettant aux visiteurs de se refléter sous la forme de petites ombres.

L'installation a duré cinq mois et a attiré deux millions de spectateurs qui ont interagi avec les éléments, partagé, contemplé et médité sur le changement climatique. Son travail vise à faire réfléchir les gens par le biais de l'interaction. C'est la raison pour laquelle Mark Godfrey, conservateur de la bibliothèque de l'Union européenne, a décidé de mettre en place un programme d'éducation et de formation. Les Projet climatique, exprimée :

Eliasson estime que l'urgence climatique n'est parfois communiquée qu'à travers des discours de peur. Il veut changer la façon dont nous abordons la question avec un discours de plaisir et d'amour. Vous savez, qu'est-ce que j'aime dans le monde et pourquoi devrais-je m'en préoccuper ?

Horloge de glace à Londres

L'année 2014 en collaboration avec le géologue Minik Rosing, a entrepris l'installation du système d'information sur l'environnement. Horloge de glace qui a cherché à rendre visibles de façon directe les problèmes causés par les réchauffement climatique L'exposition a été présentée à Copenhague, Paris et Londres.

Il se compose de blocs de glace provenant du Groenland Ces pièces ont été déplacées et transportées vers un nouvel emplacement. disposés en cercle, imitant une horloge Les 24 blocs pesaient 12 tonnes et invite le spectateur à devenir un participant Les gens pouvaient toucher, sentir le froid et assister en direct au processus de fonte.

Pour Elaisson, le rôle de l'artiste est très important aujourd'hui. Il a d'ailleurs déclaré : "Vous ne pouvez pas choisir de ne pas être politique. Tout ce que nous faisons a des conséquences, et nous ne pouvons pas échapper au fait que nous sommes tous interconnectés". Il a donc encouragé le public à prendre en considération sa proposition :

Nous devons reconnaître qu'ensemble, nous avons le pouvoir de prendre des mesures individuelles et de conduire des changements systémiques. Venez toucher la calotte glaciaire du Groenland et laissez-la vous toucher. Transformons les connaissances sur le climat en actions pour le climat.

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2. Félix González Torres

Félix González Torres (1957 - 1996) était un artiste cubain installé aux États-Unis, où il a développé son œuvre, dont les plus importantes sont les suivantes des installations de style minimaliste dans lesquelles il utilise des matériaux de la vie quotidienne. comme des montres, des crayons, des bonbons, etc.

Son style se caractérise par l'utilisation de métaphores pour faire référence à des sentiments de nature universelle avec lesquels le public peut être en empathie.

Sans titre (Perfect Lovers)

Au MOMA de New York, vous trouverez Sans titre (Amants parfaits) (1991), une installation qui se distingue par sa simplicité, mais aussi par la beauté du message qu'elle contient. fait référence à l'amour, à la perte et au deuil L'artiste a monté deux horloges au moment de la mort de son compagnon, Ross Laycock, chacune les représentant, et avec le temps, elles se désynchronisent inévitablement, augmentant ainsi la distance qui les sépare.

Sans titre (Portrait de Ross à Los Angeles)

L'année suivante, il crée une autre œuvre en hommage à son amour disparu : In Sans titre (Portrait de Ross à Los Angeles) Ce qui est intéressant avec cette installation, c'est qu'elle changeait à chaque fois de disposition, en fonction de l'endroit où elle était exposée et de la manière dont le public interagissait avec elle.

Les spectateurs étaient invités à prendre les bonbons pour les emporter ou les réarranger. Ainsi, l'artiste a cherché à la représentation de l'évolution de la perte dans le temps Elle peut prendre de nouvelles formes et s'adapter, mais elle ne disparaît jamais.

Comme son partenaire, González Torres est décédé de complications dues au sida en 1996 et a été l'une des premières voix du monde de l'art à s'exprimer sur le sujet.

Performance

Marina Abramović

Marina Abramović (Serbie, 1946) a été remarquée pour sa provocateur représentations dans lequel s'est transformé en objet artistique Sa carrière a débuté dans les années 1970, avec un style caractérisé par la provocation et le désir de sonder le monde de l'art et de la culture. la relation entre l'artiste et le public. Selon lui, "la première fois que j'ai exposé mon corps au public, j'ai compris qu'il s'agissait de mon soutien".

Photographie de la performance Ritmo 0

En 1974, il a réalisé l'une de ses performances les plus audacieuses et qui, en outre, lui a révélé les l'obscurité de l'être humain Fatiguée d'être qualifiée d'exhibitionniste et de masochiste, elle a déclaré Pace 0 où les Le public devait interagir directement avec son corps, tandis qu'elle fonctionnait comme une toile vierge. .

Dans le studio Morra de Naples (Italie), il a joué pendant six heures. Il était immobile. 72 objets étaient posés sur une table à côté d'une pancarte disant "Vous pouvez me faire ce que vous voulez. Je suis un objet. Je prends la responsabilité de tout ce qui peut se passer dans cet espace de temps".

De cette manière, Abramović s'est donnée au public comme si elle était une poupée. La L'objectif était de voir comment les gens réagiraient à la possibilité de disposer d'un être humain en tant que jouet. .

Il y avait deux catégories, les objets de plaisir, comme les parfums, les fleurs et les plumes, et les objets de destruction avec des couteaux, des ciseaux, des lames de rasoir et même un pistolet.

Au début C'était tout à fait innocent, ils l'ont fait changer de pose, lui ont offert des fleurs et l'ont embrassée Cependant, après la troisième heure, les choses se sont dégradées. Une tournure sinistre : elle a été attachée, dépouillée de ses vêtements, poignardée avec des épines et même poignardée par un homme. À la fin de sa présentation, il a déclaré

Il montre à quelle vitesse quelqu'un peut décider de vous blesser lorsqu'il y est autorisé. Il montre à quel point il est facile de déshumaniser quelqu'un qui ne se défend pas. Il montre que la plupart des gens "normaux" peuvent devenir très violents en public si on leur en donne l'occasion.

Photographie de la performance Inhalation/Exhalation

En 1976, il s'installe à Amsterdam où il rencontre la Artiste allemand Frank Uwe Laysiepen, plus connu sous le nom de Ulay Ils ont entamé une relation amoureuse qui a abouti à une coopération qui a duré plus de dix ans et a produit certaines de ses œuvres les plus intéressantes.

En tant qu'équipe, ils voulaient explorer les limites du corps et ont donc décidé de jouer avec eux-mêmes. En 1977, ils ont produit "Inhaler/Exhaler Les performance a été réalisée à deux reprises, à Belgrade et à Amsterdam. Ils se bouchaient les narines et pressaient leur bouche l'un contre l'autre. L'idée était de faire en sorte que les gens se sentent plus à l'aise. ne respirer que l'air expulsé par l'autre jusqu'à épuisement de l'oxygène disponible .

Tous deux sont tombés inconscients sur le sol et, ce faisant, ils ont cherché à expose les pièges des relations modernes, où l'un des individus est capable de consommer et de détruire l'autre.

Photographie de la performance L'artiste est présent

L'année 2010 les Le MOMA a organisé une rétrospective Il s'agissait de vidéos, de photographies et de documents retraçant le travail de l'artiste sur quatre décennies. C'est là qu'elle a décidé de réaliser une nouvelle performance Le public a été invité à s'asseoir et à partager avec l'artiste, à sentir sa présence dans l'atrium du musée. Cette action a été l'une des plus longues de sa carrière, puisqu'il y a consacré huit heures par jour pendant trois mois.

Peinture

1. Zeng Fanzhi

Zeng Fanzhi (né en 1964) est l'un des artistes chinois les plus renommés au niveau international et l'un des mieux payés à l'heure actuelle. Il a créé des peintures expressionnistes dans lesquelles il reflète la réalité de son pays, tout en faisant allusion à l'influence de l'Occident.

Il a grandi pendant la révolution culturelle en Chine et c'est pourquoi son travail fait référence aux difficultés rencontrées pendant ces années :

Quand j'étais jeune, la vie était si dure qu'il était difficile de penser à l'avenir. À l'époque, le plus important était de joindre les deux bouts et de pouvoir se nourrir.

Après avoir étudié à l'Académie des beaux-arts du Hubei, il a décidé de se spécialiser dans l'art de la peinture. PEINTURE À L'HUILE Ses principales influences sont Paul Cézanne, Willem de Kooning et Lucian Freud.

Masque N°1

Au fil du temps, il a développé une son propre style et est devenu célèbre avec sa série Masques, qui a été marquée par la présentation de personnages se cachant derrière un masque En outre, son Les mains sont exagérément disproportionnées par rapport au reste du corps.

Ici, en Masque N°1 ( 1999), on peut observer le portrait typique d'un homme appartenant au régime chinois, comme en témoignent l'écharpe rouge et le symbole sur son bras droit. Bien qu'il couvre son visage, la douleur et l'angoisse sont impossibles à dissimuler et des larmes épaisses coulent d'yeux qui semblent sans vie.

La Cène

La Cène (2001) est l'une de ses peintures les plus célèbres, dans laquelle il fait référence à l'œuvre de Léonard de Vinci en utilisant la même composition et la même répartition des caractères.

Dans ce cas, le Les protagonistes sont issus de l'ère moderne et présentent les caractéristiques typiques de leur série. Masques Ainsi, ils portent des foulards rouges évoquant le communisme, des mains surdimensionnées et des masques de style chinois couvrant leur visage. Contrairement à l'original, le dîner se caractérise par sa frugalité. .

L'œuvre a été vendue en 2013 pour 23 millions de dollars, faisant de Fanzhi l'un des artistes les plus recherchés au monde.

Guillermo Lorca García

Guillermo Lorca García (1984) est un artiste chilien qui se distingue par la création de toiles dans lesquelles il habite un espace de vie. monde magique À l'ère des installations et des œuvres où les idées prédominent, le jeune homme a décidé de revenir à l'image de marque de l'entreprise. peinture à l'huile classique On trouve donc les éléments suivants enfants et animaux dans un style baroque dans lequel les éléments suivants sont mis en regard les uns des autres la beauté et l'inquiétude .

Il est devenu célèbre pour ses peintures géantes (jusqu'à trois mètres) et pour son virtuosité picturale Il y a un énorme travail dans les compositions où les couleurs prédominent, ainsi que dans l'utilisation de la lumière et de l'ombre.

Les petits jardiniers

Il dispose d'un style assez particulier où se croisent les techniques de la peinture réaliste et les images surréalistes. Par exemple, dans son tableau Les petits jardiniers En 2021, on peut voir deux petites filles dans un jardin de rêve avec des papillons géants, des flamants roses et d'autres animaux exotiques colorés.

En ce qui concerne le type de personnages qu'il utilise habituellement, il a déclaré lors d'une interview :

Pour moi, les enfants et les animaux ont un sens ensemble ; on pourrait dire que leurs "âmes" sont plus semblables. C'est là que se trouvent les émotions les plus puissantes. Je pense que les personnages représentent différentes parties de notre nature, comme dans les contes de fées, les mythes et les légendes.

Pour sa part, le fait que le que les cheveux d'une des filles sont bleus ou qu'il y a un tigre rose. fonctionne comme un ressource pour créer les scènes magiques dans lesquelles ils évoluent des créatures sans temps Elle reconnaît également que les dessins animés japonais qu'elle regardait dans son enfance ont été une source d'inspiration pour l'idéal de beauté qu'elle met en avant.

Le lit anglais

Le peintre qualifie son œuvre de l'interaction entre les opposés De même qu'il existe innocence et beauté peuvent également être trouvés dans le menace, violence et mort C'est ce qui lui confère la effet poétique à leurs cadres.

Au Le lit anglais (2021), on voit une incursion plus réaliste dans le portrait. Il n'y a plus de couleurs ni de sensation de monde magique. On voit une jeune fille qui regarde directement le spectateur et, derrière elle, un tigre qui semble vouloir la dévorer. Lorca affirme que ce thème est lié aux fantasmes des enfants. Bien que l'on puisse également faire des associations symboliques, puisque généralement la sauvagerie estliés à l'érotisme.

Photographie

1. Cindy Sherman

Cindy Sherman (née en 1954 aux États-Unis d'Amérique) est une artiste de renom. l'un des photographes les plus renommés au monde L'artiste a décidé de en s'utilisant comme véhicule, en étant modèle et auteur de ses images .

Ainsi, elle a souvent recours à la costume, à maquillage et au scénographie Il devient ainsi à la fois le sujet et l'objet de son travail. renverser les rôles attribués à leur sexe, comme la passivité.

Film sans titre #7

Entre 1977 et 1980, Sherman a créé une série intitulée Untitled Film Still ( Le film n'a pas encore de titre ). 80 photographies en noir et blanc dans le même format, avec lequel il est devenu internationalement célèbre. Dans le numéro 7, on peut voir une femme qui vient de se réveiller, portant des bas blancs, une chemise de nuit et des lunettes de soleil. Elle semble être surprise par l'appareil photo, car elle s'avance avec un verre d'eau. Martini dans sa main gauche.

Ici, je cherchais jouer avec la représentation des femmes dans les médias Il s'agit de représenter la féminité et ses stéréotypes, comme le faisaient la propagande et le cinéma à l'époque.

C'est la raison pour laquelle, imite des scènes de films de fiction dans lequel il imite des jeunes femmes séduisantes dans des poses suggestives, en plein milieu d'une scène. des années 50 et 60, où les La femme est perçue comme un objet décoratif, sensuel et idéalisé. .

Film sans titre #6

Sherman n'est pas seulement mannequin, elle est aussi responsable de la conception des décors, des costumes et des accessoires, ainsi que du processus technique. Film sans titre #6 Là, à gauche, un câble est visible, rendant visible la qualité de l'artifice de l'image.

L'artiste recherchait s'approprier la représentation erronée du sexe féminin qui circulait dans ces années-là En utilisant les mêmes mécanismes que le discours officiel, j'ai voulu le retourner et faire réfléchir le public.

Sans titre

À partir des années 1980, ses photographies ne la mettent plus en scène et elle cède la place à poupées et membres anatomiques artificiels C'est de cette période que date sa série, Portraits historiques, Inspiré par les œuvres classiques, en prenant le Dans le style des portraits de la Renaissance, il crée des œuvres qu'il modifie pour produire un effet troublant. . en Sans titre (1989) montre une femme suivant le prototype de la mère, exagérant ce message par l'ajout d'un sein en caoutchouc, tout en tenant un enfant enveloppé dans une couverture blanche.

2) Ángela Burón

Angela Burón est une jeune photographe espagnole qui s'est fait connaître par son travail dans le domaine de la photographie. des images surréalistes dans lesquelles elle joue elle-même le rôle de modèle . son Le thème central est le corps, arrangé de manière nouvelle et inattendue grâce à l'utilisation de Photoshop. Il crée ainsi une nouvelle réalité dans laquelle il n'est plus possible de distinguer un début ou une fin, et donc, l'image de marque de l'entreprise. La figure humaine devient l'expression de l'infini.

Mouvements nocturnes

Dans son travail vivent parties du corps Ces éléments s'agencent de manière surprenante, tout en habitant des espaces quotidiens, tels que l'intérieur de maisons simples ou simplement un lit. C'est la première fois que ce livre est publié. La réorganisation permet au spectateur de repenser sa façon de comprendre et d'observer la réalité. .

Elle décide également de jouer avec la matérialité du corps et sa qualité d'instrument se référant à des artistes de la performance qui a vu le jour dans les années 1970.

Rêves

Bibliographie

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