1900-luvun alussa syntyivät avantgardistiset liikkeet, jotka pyrkivät murtamaan perinteitä. Niinpä muun muassa futurismi, dadaismi ja surrealismi rikkoivat rajoja sen suhteen, mitä voidaan pitää taiteena. Näin syntyi myös nykytaiteilijana oleminen merkitsi innovointia ja maailman haastamista. teoksilla, jotka eivät enää pyrkineet kopioimaan todellisuutta tai olemaan kauniita vaan ravistelemaan olemassa olevia esteettisiä ja sosiaalisia käsityksiä.

Siksi Nykyiset taiteelliset ilmaisut perustuvat yleisöön kohdistuvaan vaikutukseen. Mitä kiistanalaisempi ja haastavampi se on, sitä paremmin se otetaan vastaan.

Saatat olla kiinnostunut seuraavista aiheista: Taiteellinen avantgarde, 1900-luvun taiteelliset liikkeet

Mitä on nykytaide?

Nykytaidetta on se, mikä tuotettu vuodesta 1950 alkaen Ne ovat luomuksia, jotka liittyvät suoraan aikansa olosuhteisiin. globalisaatio, kulutusyhteiskunta ja teollisuustuotteet .

Taiteilijoiden ei enää tarvitse olla asiantuntijoita tai olla erityisen lahjakkaita, koska ajatus ja käsite ovat hallitsevia. Se on todellisuus, jossa installaatioita, veistoksia ja veistoksia on runsaasti. valmiit jotka ottavat tavallisen esineen ja antavat sille uuden elämän.

Sosiaalisista verkostoista on tullut myös tärkein levityskeino, sillä omaperäisyys ja rohkeus ovat arvostetuimpia arvoja. Kyse on siitä, että mennä yhä pidemmälle ja pidemmälle ja haastaa kaikki standardit. Nykyään mikä tahansa hyvin perusteltu ehdotus voidaan ymmärtää taiteeksi.

Tämä on järkevää ärsykkeiden ja tiedon kyllästämät ajat Mielenkiintoista on siis se, että taidehistoriassa on vuosisatoja suuria tekijöitä, jotka ovat jo osoittaneet teknisiä taitojaan. Mielenkiintoista on siis se, että hämmästyttää ja häiritä .

Tässä on muutamia viime aikojen uraauurtavimpia, oudoimpia ja kuuluisimpia nykytaiteilijoita, joita ylistetään ja vihataan samanaikaisesti ja jotka ovat epäilemättä onnistuneet valtaamaan tilan kollektiivisessa mielikuvituksessa.

Saatat olla kiinnostunut: Konseptitaide: ominaisuuksia ja esimerkkejä

Veistos

1. Jeff Koons

Jeff Koons (Yhdysvallat, 1955) on yksi tämän päivän kiistanalaisimmista taiteilijoista, koska hänen ehdotuksessaan vallitsee liioittelu. Hän tuli tunnetuksi 1980-luvulla läpi käsitetaidetta, jossa pop- ja kitsch-elementit korostuvat. .

Hän työskenteli aiemmin Wall Streetin pörssissä, joten hän oli ensimmäisiä luovan työn tekijöitä, jotka palkkasivat mainostoimiston mainostamaan imagoaan.

Vaikka hän on tuottanut maalauksia ja valokuvia, hänet tunnetaan parhaiten hänen monumentaalisia, kiiltäviä veistoksia Sen teema pyörii kauneus ... Haluan ja banaalisuus .

Vaikka jotkut pitävät häntä pioneerina ja virstanpylväänä taidehistoriassa, hänellä on useita niiden massatuotantoa arvostelevat arvostelijat Koonsille on ollut ominaista, että hän on ideoiden taiteilija. Niinpä, luo konseptin, jonka muut asiantuntijat kokoavat yhteen. ja tekee useita kopioita, jotka myyvät miljoonilla dollareilla.

Ilmapallo koira (Sininen), The Broad, Los Angeles, Kalifornia, Yhdysvallat.

Koons tuli suosituksi tällä vuosina 1994-2000 tehdyllä veistossarjalla. Vielä tänäkin päivänä hänet yhdistetään tähän kuvaan, joka esittää ilmapalloista tehtyä koiraa, joka on tyypillinen syntymäpäiväjuhlien tai karnevaalien kuva, joka on suunnattu lapsiyleisölle. Hänen Ilmapallokoirat tuli kitsch-taiteen suurin edustaja, joka perustuu ylikuormitettuun estetiikkaan ja "huonoon makuun". .

Tällä tavoin, otti vähäarvoisen, katoavan, massakulttuuriin kuuluvan esineen ja halusi antaa sille paikkansa taideteoksena. Näin voidaan nähdä vuorovaikutus arkisen visuaalisen kielen ja Duchampin virtsapöntön kaltaisiin rupturistisiin toimiin viittaamisen välillä. Kyse on siitä, että vähiten kuvitellusta tehdään taideteos.

Viisi versiota on saatavana sinisenä, magentana, keltaisena, oranssina, oranssina ja punaisena. Silmiinpistävintä ovat niiden suuret mitat (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), sillä hän päätti leikkiä mittakaavalla tehdäkseen projektistaan entistäkin huomiota herättävämmän.

Yksi tärkeimmistä näkökohdista liittyy materiaalisuuteen. Taiteilija päätti käyttää kuvaa, joka erottuu värinsä ja muotonsa puolesta, mikä viittaa nykyinen materialistinen fetisismi, joka perustuu hyödyttömän kasaamiseen. .

Play- doh, Whitney Museum of American Art, New York, New York, Yhdysvallat.

Osoitteessa Leikkitahna jatkoi monumentaalisten teostensa (315 x 386,7 x 348 cm) tyyliä luomalla tämän veistoksen, joka koostuu 27 erillisestä maalatusta alumiinipalasta. Vuonna 2014 se esiteltiin retrospektiivisessä näyttelyssä Whitney Museum of American Artissa New Yorkissa.

Taiteilija valmisti viisi kopiota tästä teoksesta, mikä tekee siitä viittaus Play doh -merkkiin joka tuottaa materiaaleja, joiden tarkoituksena on lasten käsityöhankkeet Inspiraationsa hän sai pojaltaan Ludwigilta, joka lapsena muovaili muovailukumpua ja antoi sen isälleen lahjaksi.

Koons yritti antaa hänelle mahdollisimman realistisia, jotta ne vetoaisivat katsojan aisteihin. Tällä tavoin voidaan nähdä sormenjälkiä, ikään kuin kyseessä olisi juuri luotu sävellys.

Vuosien mittaan heidän teokset ovat saavuttaneet joitakin korkeimpia arvoja, joita elävä taiteilija voi toivoa. Vuonna 2018 yksi näistä versioista myytiin 20 miljoonalla dollarilla.

Tulppaanikimppu, Petit Palais, Pariisi, Ranska

Tulppaanikimppu oli esillä vuonna 2019 Ranskassa marraskuussa 2015 tapahtuneiden terrori-iskujen uhrien muistoksi. Yhdysvaltain suurlähettilään aloitteesta Koons lahjoitti tämän veistoksen Pariisin asukkaille.

Se on 12 metriä korkea ja painaa 33 tonnia, ja se on valmistettu pronssista, ruostumattomasta teräksestä ja alumiinista. Se on saanut inspiraationsa maalauksesta Rauhan kimppu (1958) ja Vapaudenpatsas. Kädessä on 11 tulppaania perinteisen tusinan sijaan, mikä symboloi poissaoloa mutta myös toivoa.

Tämä työ aiheutti kuitenkin suuri kiista Sen rahoittivat amerikkalaiset ja ranskalaiset keräilijät, ja monet väittivät, että rahat olisi voitu lahjoittaa suoraan uhrien yhdistyksille.

He myös syyttivät Koonia opportunismista, koska hän halusi käyttää tragediaa tekosyynä yhden teoksensa asentamiseen turistikohteeseen. Vastauksena taiteilija vakuutti, että 80 prosenttia audiovisuaalisesta kopiosta saaduista tuloista menisi iskun kohteeksi joutuneille ja kaupunginhallitukselle.

Damien Hirst

Damien Hirst (Englanti, 1965) on yksi nykypäivän innovatiivisimmista taiteilijoista. Hän on valinnut teoksissaan tutkia sen rajoja, mikä voidaan ymmärtää taiteeksi.

Häntä on verrattu Andy Warholiin, koska hän on ollut epäkunnioittava, hänen projektejaan monet kutsuvat pahaenteisiksi ja hänen kykynsä tuottaa rahaa. Yksi hänen tärkeimmistä arvostelijoistaan on kriitikko ja kirjailija Julian Spalding, joka on määritellyt hänen tuotantonsa "huijaustaiteeksi" (art-scam).

Todellakin ei tee hänen töitään mutta toteutetaan yhteistyöryhmän toimesta Näin hän toteaa, että olennainen asia on hänen vallankumoukselliset ajatukset jotka pyrkivät haastamaan taidemaailman hyväksyttyjä teemoja. Näin ollen toteutuminen jää taka-alalle Lisäksi hänestä on tullut julkkis, sillä jo pelkästään hänen vartalonsa ja lausuntonsa houkuttelevat yleisöä.

Kuoleman fyysinen mahdottomuus elävän henkilön mielessä.

Vuonna 1991 Hirst aloitti sarja Luonnonhistoria jossa hän käytti eläinten ruhoja, jotka hän säilöi formaldehydin avulla. Yksi kiistanalaisimmista kappaleista oli Kuoleman fyysinen mahdottomuus elävän ihmisen mielessä.

Teräs- ja lasisäiliössä istuu tiikerihai, jonka kohteena oli etualalle vaarallinen eläin, jota harvoin näkee näin läheltä... Etsin herättää yleisössä sisäelinten tunteita kohtaamalla heidät elämän ja kuoleman rajalla.

Keräilijä Charles Saatchi rahoitti raadon hankinnan, ja taiteilija tilasi sen kalastajalta, joka pyysi eläintä, joka olisi "tarpeeksi suuri syömään sinut". Kun veistos oli valmis, se asetettiin näytteille Saatchin galleriaan Lontoossa.

Formaliinin käytöstä huolimatta hai jouduttiin vuonna 2006 korvaamaan, koska sen runko oli hajonnut.

Vain Jumala tietää

Vuonna 2007 taiteilija esitteli Vain Jumala tietää Se koostuu kolmesta nyljetystä lampaasta erillisissä säiliöissä, mikä tuo mieleen kuvan Kristuksen ristiinnaulitsemisesta.

Täällä vetoaa groteskiin Tällä tavoin se toimii nykyaikaisen elintarviketeollisuuden kritiikki Se tekee myös nyökkäys ylösnousemukseen Sen nimi viittaa Jumalan viisauteen, sillä hän tietää, miksi asiat tapahtuvat niin kuin ne tapahtuvat.

Jumalan rakkauden tähden

Hänen tunnetuin teoksensa on Jumalan rakkauden tähden (2007) tunnustettu maailman kallein . sen tuotanto arvo oli 17 miljoonaa .

Hän käytti 1700-luvun miehen kalloa platinamuotin valmistamiseen. 8 601 timanttia lisättiin tähän tekokalloon, ja alkuperäiset hampaat lisättiin siihen sen kiinnittämisen jälkeen. Sen otsaan upotettiin pappistyylinen koriste, joka oli myös tehty timanteista.

Teos oli ensimmäisen kerran esillä White Cube -galleriassa Lontoossa, jossa se viittaa muun muassa seuraaviin teemoihin. kuolema ja raha Samoin otsikossa on jälleen uskonnollinen teema, mutta nimeämisessä hän sai inspiraationsa äidiltään, joka sanoi hänelle tuolloin: "Herran tähden, mitä sinä nyt aiot tehdä?

Taiteilija vakuutti, että tällä veistoksella hän halusi - olemassaolon lopun vääjäämättömyyttä pohtimassa Hän sanoi: "Kuolema tekee elämästä jännittävää. Se on yleismaailmallinen laukaiseva tekijä. Me kaikki pelkäämme kuolemaa".

Vaikka Hirst väitti, että teos myytiin samana vuonna nimettömälle konsortiolle 60 miljoonalla, jotkut taidemaailman edustajat ovat kyseenalaistaneet tämän, ja monet syyttävät, että teos on yhä taiteilijan hallussa ja että väitettyä hintaa on käytetty hänen suosionsa ja muiden teostensa arvon nostamiseen.

Yksi teoksista La Moneda

Epäilemättä Hirstin viimeisin projekti on ollut kiistellyin taidemaailmassa tähän mennessä Vuonna 2016 hän valmisti 10 000 öljyvärimaalausta paperille. 2021 hän päätti yhdistää ne NFT:hen ja kutsua ehdotusta nimellä Valuutta Niitä tarjottiin näin ollen myytäväksi kahden tuhannen dollarin arvosta.

Kun joku on hankkinut sen, hän voi Jos henkilö haluaa säilyttää kryptotaiteen (teos digitaalisessa muodossa) tai saada sen fyysisessä muodossa. Jos henkilö valitsee NFT:n, maalaus paljastetaan ja poltetaan. .

Tällä tavoin se kyseenalaisti Mikä on nykytaiteen luonne, aineellinen vai aineeton? Syyskuussa 2021 avatusta näyttelystä lähtien 4 137 ostajaa päätti vaihtaa NFT:nsä fyysiseen teokseen, kun taas 5 863 halusi pitää salatun version. Lähes 6 000 kangasta poltettiin.

Greg Lansky

Greg Lansky (Ranska, 1982) tuli tänä vuonna tunnetuksi veistoksestaan, joka herätti yleisön ja asiantuntijoiden huomion uuden vuosisadan tulkinnallaan.

Vaikka hän kouluttautui valokuvaajaksi, hän on luonut uran pornofilmien ohjaajana ja tuottajana. Nyt kun hän on yrittäjä ja hänellä on taloudellinen vapaus, hän päätti tutustua taiteen maailmaan. Hänen veistoksensa viittaavat nykypäivän maailmaan ja toimivat kriittisenä pohdintana nykytodellisuuden olosuhteista. .

Greg Lansky veistoksensa vieressä - Algoritminen kauneus

Marraskuussa 2022 hän esitteli marmoriveistoksen nimeltä Algoritminen kauneus . Se on moderni uudelleentulkinta klassisesta Venus de Milo -teoksesta. Se mukailee perinnettä, mutta päättää antaa sille uuden ilmeen, ja suuri ero on se, että siinä on kädet, joilla se pitää iPhonea.

Lansky julkaisi kuvan Instagram-tilillään ja liitti siihen seuraavan viestin: "Kuinka paljon tuskaa sinä kestäisit tunteaksesi olevasi rakastettu?" Hänen sanojensa mukaan:

Olen luonut tämän teoksen, joka heijastaa kivun ja rakkauden tunteen välistä suhdetta tekoälyalgoritmien ohjaamassa maailmassa. Selfiestäsi ei ole peiliä, koska ihmiskunta on peili. Me kaikki olemme peili. Algoritmisessa kauneudessa ei ole kauneusfilttereitä. Plastiikkakirurgian jäljet näytetään arvokkaasti ja arvokkaasti kuin loputtoman sodan taisteluarvet, joita kukaan ei voivoittaa.

Tällä tavoin se pyrkii käyttämään kritiikki nykyistä järjestelmää kohtaan, joka edistää vääristynyttä kuvaa ihmisestä. Kauneusnormit saavat ihmiset käymään läpi kauneusleikkauksia, joihin liittyy paljon kipua. Kaikki tämä uhraus tehdään, jotta kuuluttaisiin joukkoon ja jotta he voisivat antaa itsestään parhaan version maailmalle. Vastineeksi he saavat verkkojen väärä rakkaus muiden "tykkääjien" ja kommenttien kautta.

Näin ollen tämä moderni Venus osoittaa silikoni-implantit ja merkit, jotka paljastavat erilaisia esteettisiä toimenpiteitä. Lanskylle se on heijastus nyky-yhteiskunnasta, joka pyrkii jatkuvasti parantamaan ulkoista olemustaan välittämättä mistään muusta kuin ulkonäöstä.

Sinä olet seuraava

Joulukuussa 2022 taiteilija esitteli uuden veistoksen, jossa hän valitsi jälleen kerran elementtejä menneisyydestä kyseenalaistaakseen nykykulttuurin.

Osoitteessa Sinä olet seuraava rakensi giljotiini Tämä kuolemanväline oli jo aikanaan varsin paradigmaattinen. Samalla kun edistettiin tasa-arvon, veljeyden ja vapauden ihanteita, luotiin myös väline, jolla murhattiin kaikki ne, jotka olivat vallassa oleville epämiellyttäviä.

Lansky tarttuu tähän ajatukseen ja asettaa sommittelun keskipisteeksi symboli Twitter yksi kiistanalaisimmista ja tuhoisimmista sosiaalisista verkostoista nykyisellä näyttämöllä. Kuten 1700-luvun Ranskassa, tätä välinettä voidaan pitää julmana mutta oikeutettuna elementtinä, joka vetoaa yleisöön, joka on innokas kärsimään toisten kipua.

Tilat

1. Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (Tanska, 1967) tunnetaan teoksistaan, jotka koskevat suuria veistoksia ja installaatioita, Hän on työskennellyt myös maalauksen, valokuvauksen ja elokuvan parissa, ja hänen näkemyksensä liittyy seuraaviin aiheisiin. puuttua tilaan ja tuoda ihmiset lähemmäs luonnonilmiöitä, kuten valoa ja vettä. Ajatuksena on, että kun ne järjestetään omaperäisillä tavoilla, voimme miettiä uudelleen niiden laatua taide-esineinä.

Vuonna 1995 hän perusti studion Berliiniin, koska hänen lähestymistapansa perustuu tiimityöhön ja yhteistyöhön. Se koostuu nelikerroksisesta rakennuksesta, jossa työskentelee noin 100 ihmistä, muun muassa teknisiä asiantuntijoita, käsityöläisiä, arkkitehtejä, taidehistorioitsijoita, verkkosuunnittelijoita, graafisia suunnittelijoita ja elokuvantekijöitä.

Kauneus

Osoitteessa Kauneus (1993) pyrki luonnonilmiöiden viehätysvoiman uudelleen löytäminen Se koostui laitoksesta, joka sijaitsi pimiö Katolla oli letku, josta tuli letku ulos. vesi kasteen muodossa ja lamppu Näiden elementtien rinnakkain asettaminen tuotti sateenkaari joka katsojan oli löydettävä seisomalla oikeassa kulmassa.

Ilmastohanke

The 2003 Elliason oli esillä Tate Modernissa Lontoossa. Ilmastohanke Valtavaan turbiinihuoneeseen (155 metriä pitkä, 23 metriä leveä ja 35 metriä korkea) hän sijoitti ilmankostuttimet, jotka synnyttivät sumua. Keskelle hän asensi kiekon, joka koostui sadoista yksivärisistä lampuista, jotka säteilevät keltaista valoa. Katossa oli peili, jonka avulla kävijät saattoivat peilata itsensä pieninä varjoina.

Installaatio kesti viisi kuukautta, ja se houkutteli kaksi miljoonaa katsojaa, jotka olivat vuorovaikutuksessa elementtien kanssa, jakoivat, pohtivat ja pystyivät pohtimaan ilmastonmuutosta. Hänen työnsä pyrkii saamaan ihmiset ajattelemaan vuorovaikutuksen kautta. Tästä syystä Mark Godfrey, kuraattori Mark Godfrey, joka on The Ilmastohanke, ilmaistu:

Eliasson uskoo, että toisinaan ilmastohädästä viestitään vain pelon diskurssien kautta. Hän haluaa muuttaa tapaa, jolla ajattelemme asiasta ilon ja rakkauden diskurssilla. Tiedäthän, mistä minä pidän maailmassa ja miksi minun pitäisi välittää siitä?"

Jääkello Lontoossa

Vuosi 2014 yhdessä geologi Minik Rosingin kanssa, ryhtyi asentamaan Jääkello jolla pyrittiin tekemään suoraan näkyväksi ongelmat, joita aiheutti ilmaston lämpeneminen Näyttely vieraili Kööpenhaminassa, Pariisissa ja Lontoossa.

Se koostui Grönlannista tulevia jäälohkareita Nämä kappaleet siirrettiin ja siirrettiin uuteen paikkaan. järjestetty pyöreään muotoon, joka jäljittelee kelloa. 24 lohkoa painoivat 12 tonnia ja kutsui katsojan osallistujaksi Ihmiset saattoivat koskettaa, tuntea kylmyyden ja seurata sulamisprosessia livenä.

Elaissonin mielestä taiteilijan rooli on nykyään hyvin tärkeä. Hän julisti: "Ei voi olla valitsematta olla poliittinen. Kaikella tekemisellämme on seurauksia, emmekä voi välttyä siltä tosiasialta, että olemme kaikki sidoksissa toisiimme". Siksi hän kannusti yleisöä harkitsemaan ehdotustaan:

Meidän on tunnustettava, että meillä on yhdessä valta ryhtyä yksilöllisiin toimiin ja saada aikaan systeemistä muutosta. Tule koskettamaan Grönlannin jääpeitettä ja anna sen koskettaa sinua. Muutetaan ilmastotieto ilmastotoimiksi.

Sinua saattaa kiinnostaa: Maataide: määritelmä, historia ja suuret edustajat

2. Félix González Torres

Félix González Torres (1957 - 1996) oli kuubalainen taiteilija, joka asui Yhdysvalloissa, jossa hän kehitti työtään. Hänen tuotannostaan tärkeimpiä olivat hänen minimalistisia installaatioita, joissa hän käytti arkielämän materiaaleja. kuten kellot, kynät, makeiset jne.

Hänen tyylilleen oli ominaista metaforien käyttö viittaamaan yleismaailmallisiin tunteisiin. jota yleisö voi ymmärtää.

Nimetön (Täydelliset rakastavaiset)

New Yorkin MOMA:ssa on seuraavat näyttelyt Ilman nimi (Perfect Lovers) (1991), installaatio, joka erottuu yksinkertaisuudellaan, mutta myös kauniilla sanomallaan. Se on teos, jonka viittaa rakkauteen, menetykseen ja suruun Taiteilija asensi kumppaninsa Ross Laycockin kuoleman aikaan kaksi kelloa, joista kumpikin edustaa heitä, ja ajan myötä ne väistämättä menevät sekaisin, jolloin niiden välinen etäisyys kasvaa.

Nimetön (Rossin muotokuva LA:ssa)

Seuraavana vuonna hän loi toisen teoksen kunnianosoituksena edesmenneelle rakkaudelleen. Vuonna Nimetön (Rossin muotokuva LA:ssa) Kiinnostavaa tässä installaatiossa on se, että se muutti joka kerta järjestelyjään sen mukaan, missä se oli esillä ja miten yleisö suhtautui siihen.

Katsojia pyydettiin ottamaan makeisia mukaan tai järjestämään ne uudelleen. Näin taiteilija pyrki kuvaavat, miten menetys toimii ajan myötä Se voi löytää uusia muotoja ja mukautua, mutta se ei koskaan katoa.

González Torres kuoli kumppaninsa tavoin AIDSin aiheuttamiin komplikaatioihin vuonna 1996, ja hän oli yksi ensimmäisistä taidemaailman edustajista, jotka puhuivat asiasta.

Suorituskyky

Marina Abramović

Marina Abramović (Serbia, 1946) on huomioitu hänen provokatiivinen esitykset jossa muuttui itse taiteelliseksi esineeksi Hänen uransa alkoi 1970-luvulla. Hänen tyylilleen oli ominaista uhmakkuus ja halu tutkia taiteilijan ja yleisön välinen suhde. Hänen sanojensa mukaan: "Kun ensimmäisen kerran laitoin kehoni yleisön eteen, ymmärsin, että se oli minun tukeni".

Valokuva esitys Ritmo 0

Vuonna 1974 hän teki yksi hänen rohkeimmista esityksistään ja joka lisäksi, paljasti hänelle ihmisen pimeys Väsyneenä siihen, että häntä leimataan ekshibitionistiksi ja masokistiksi, hän sanoi Pace 0 jossa Yleisön piti olla suoraan vuorovaikutuksessa hänen kehonsa kanssa, kun taas hän toimi tyhjänä kankaana. .

Morra-studiossa Napolissa (Italia) hän esiintyi kuusi tuntia. Hän seisoi liikkumattomana. 72 esinettä makasi pöydällä kyltin vieressä, jossa luki: "Voitte tehdä minulle mitä haluatte. Olen esine. Otan vastuun kaikesta, mitä tässä ajassa voi tapahtua".

Tällä tavoin Abramović antoi itsensä yleisölle kuin nukke. Tarkoituksena oli selvittää, miten ihmiset suhtautuisivat mahdollisuuteen saada ihminen käyttöönsä leluna. .

Esineitä oli kahteen luokkaan: nautintoesineitä, kuten hajuvesiä, kukkia ja höyheniä, ja tuhoamisesineitä, kuten veitsiä, saksia, partaveitsen teriä ja jopa aseita.

Alussa Se oli aivan viatonta, he pakottivat hänet muuttamaan asentoaan, antoivat hänelle kukkia ja suutelivat häntä... Kolmannen tunnin jälkeen tilanne kuitenkin muuttui huonompaan suuntaan. Pahaenteinen käänne: hänet sidottiin, häneltä riisuttiin vaatteet, häntä puukotettiin piikeillä ja jopa mies puukotti häntä. Esityksensä päätyttyä hän totesi:

Se osoittaa, miten nopeasti joku voi päättää satuttaa sinua, kun hän saa siihen luvan. Se osoittaa, miten helppoa on epäinhimillistää joku, joka ei taistele vastaan. Se osoittaa, että useimmat "normaalit" ihmiset voivat tulla hyvin väkivaltaisiksi julkisesti, jos heille annetaan siihen mahdollisuus.

Valokuva suorituskyky Hengittäminen/hengittäminen

Vuonna 1976 hän muutti Amsterdamiin, jossa hän tapasi Amsterdamissa Saksalainen taiteilija Frank Uwe Laysiepen, joka tunnetaan paremmin nimellä Ulay He aloittivat romanttisen suhteen, joka johti yhteistyö joka kesti yli kymmenen vuotta ja tuotti joitakin hänen mielenkiintoisimmista töistään.

Tiiminä he halusivat tutkia kehon rajoja, joten he päättivät leikkiä itsensä kanssa. 1977 he tuottivat vuonna 1977 "Hengittäminen/hengittäminen The suorituskyky tehtiin kahdesti, Belgradissa ja Amsterdamissa. He tukkivat sieraimensa ja puristivat suunsa yhteen. Tarkoituksena oli, että hengittää vain toisen hengittämää ilmaa, kunnes kaikki käytettävissä oleva happi on käytetty. .

Molemmat kaatuivat tajuttomina lattialle ja pyrkivät näin tehdessään tekemään paljastavat nykyaikaisten ihmissuhteiden sudenkuopat, sillä toinen yksilö kykenee kuluttamaan ja tuhoamaan toisen.

Valokuva esitys Taiteilija on läsnä

Vuosi 2010 ... MOMA järjesti retrospektiivin Se koostui videoista, valokuvista ja dokumenteista, jotka tallensivat taiteilijan työtä neljän vuosikymmenen ajalta. Siellä hän päätti tehdä uuden suorituskyky Yleisöä kutsuttiin istumaan ja jakamaan ajatuksia taiteilijan kanssa, tuntemaan hänen läsnäolonsa museon atriumissa. Toiminta oli yksi hänen uransa pisimmistä, sillä hän vietti siihen kahdeksan tuntia päivässä kolmen kuukauden ajan.

Maalaus

1. Zeng Fanzhi

Zeng Fanzhi (s. 1964) on yksi Kiinan kansainvälisesti tunnetuimmista taiteilijoista ja yksi nykyisin parhaiten palkatuista. Hänelle on ominaista Hän loi ekspressionistisia maalauksia, joissa hän kuvastaa maansa todellisuutta ja viittaa samalla lännen vaikutukseen.

Hän varttui Kiinassa kulttuurivallankumouksen aikana, ja siksi hänen teoksensa viittaavat noina vuosina koettuihin vastoinkäymisiin. Hänen sanojensa mukaan:

Kun olin nuori, elämä oli niin rankkaa, että oli vaikea ajatella tulevaisuutta. Silloin tärkeintä oli tulla toimeen ja pystyä ruokkimaan itsemme.

Opiskeltuaan Hubein taideakatemiassa hän päätti erikoistua kuvataiteeseen. ÖLJYMAALI Hänen tärkeimmät vaikutteensa ovat Paul Cézanne, Willem de Kooning ja Lucian Freud.

Naamio N°1

Ajan myötä hän kehitti oma tyyli ja tuli tunnetuksi sarjallaan Naamarit, jonka kohokohtana oli naamion taakse piiloutuvat hahmot Lisäksi sen Kädet ovat liioitellun epäsuhtaiset muuhun vartaloon nähden.

Täällä Naamio N°1 ( 1999) voidaan havaita tyypillinen muotokuva miehestä, joka kuuluu Kiinan hallintoon. Tämä näkyy punaisesta huivista ja symbolista hänen oikeassa käsivarressaan. Vaikka se peittää hänen kasvonsa, tuskaa ja ahdistusta on mahdotonta peittää, ja paksut kyyneleet putoavat silmistä, jotka näyttävät elottomilta.

Viimeinen ehtoollinen

Viimeinen ehtoollinen (2001) on yksi hänen kuuluisimmista maalauksistaan, jossa hän tekee viittaus Leonardo Da Vincin työhön käyttäen samaa merkkien koostumusta ja jakautumista.

Tässä tapauksessa Päähenkilöt ovat nykyaikaa, ja heillä on sarjalleen tyypilliset piirteet. Naamarit Niinpä heillä on kommunismiin viittaavat punaiset huivit, ylisuuret kädet ja kiinalaistyyliset naamiot, jotka peittävät heidän kasvonsa. Alkuperäisestä poiketen illalliselle on ominaista sen niukkuus. .

Teos myytiin vuonna 2013 23 miljoonalla dollarilla, mikä tekee Fanzhista yhden maailman halutuimmista taiteilijoista.

Guillermo Lorca García

Guillermo Lorca García (1984) on chileläinen taiteilija, jolle on ominaista luoda kankaita, joissa hän asuu maaginen maailma Ajalla, jolloin installaatiot ja teokset ovat vallitsevia, nuori mies päätti palata takaisin klassinen öljymaalaus Näin ollen voidaan todeta seuraavaa lapset ja eläimet barokkityyliin jossa asetetaan vastakkain seuraavat seikat kauneus ja häiritsevyys .

Hän on tullut tunnetuksi jättimaalauksia (jopa kolme metriä) ja sen kuvallinen virtuositeetti Työtä on tehty valtavasti sävellyksissä, joissa värit ovat hallitsevia, sekä valon ja varjon käytössä.

Pienet puutarhurit

Siinä on melko erityinen tyyli, jossa realistisen maalauksen ja surrealististen kuvien tekniikat risteävät. Esimerkiksi sen taulukossa Pienet puutarhurit Vuonna 2021 kaksi pientä tyttöä nähdään unenomaisessa puutarhassa, jossa on jättiläisperhosia, flamingoja ja muita värikkäitä eksoottisia eläimiä.

Haastattelussa hän sanoi, millaisia hahmoja hän yleensä käyttää:

Lapset ja eläimet yhdessä ovat minulle mielekkäitä; voisi sanoa, että niiden "sielut" ovat samankaltaisempia. Siellä ovat voimakkaimmat tunteet. Mielestäni hahmot edustavat luontomme eri osia, kuten saduissa, myyteissä ja legendoissa.

Omalta osaltaan se, että että yhden tytön hiukset ovat siniset tai että siellä on vaaleanpunainen tiikeri. toimii resurssi luoda maagiset kohtaukset, joissa ne asuvat olentoja ilman aikaa Hän myöntää myös, että japanilainen anime, jota hän katsoi lapsena, oli inspiraationa kauneusihanteelle, jota hän esittää.

Englantilainen sänky

Taidemaalari kutsuu työtään vastakohtien välinen vuorovaikutus Aivan kuten on olemassa viattomuus ja kauneus löytyy myös uhkailu, väkivalta ja kuolema Tämä antaa sille runollinen vaikutus kaadereilleen.

Osoitteessa Englantilainen sänky (2021) voimme nähdä realistisemman tunkeutumisen muotokuvaan. Siinä ei ole enää värejä tai taikamaailman tuntua. Näemme nuoren tytön, joka katsoo suoraan katsojaan, ja hänen takanaan tiikerin, joka näyttää haluavan niellä hänet. Lorca vakuuttaa, että tämä teema liittyy lasten fantasioihin. Vaikka symbolisia assosiaatioita voidaan myös tehdä, sillä yleensä villiys onliittyy eroottiseen.

Valokuvaus

1. Cindy Sherman

Cindy Sherman (s. 1954 Yhdysvalloissa) on amerikkalainen taiteilija. yksi maailman kansainvälisesti tunnetuimmista valokuvaajista. Taiteilija päätti käyttää itseään välineenä olemalla mallina ja kuviensa luojana .

Näin se turvautuu usein siihen, että puku, osoitteessa meikki ja maisemakuvaus Näin hänestä tulee sekä työnsä subjekti että objekti, ja hän saavuttaa kumoavat sukupuolelleen annetut roolit, kuten passiivisuuden.

Nimetön elokuva #7

Vuosina 1977-1980 Sherman loi sarjan nimeltä Nimetön elokuva Still ( Elokuvan nimi ei ole vielä selvillä ). 80 mustavalkoista valokuvaa samassa formaatissa, jolla hän tuli kansainvälisesti tunnetuksi. Numerossa 7 näemme juuri heränneen naisen, jolla on valkoiset sukat, yöpaita ja aurinkolasit. Hän näyttää yllättyneen kamerasta, kun hän kävelee eteenpäin lasillinen viiniä kädessään. Martini hänen vasemmassa kädessään.

Täällä etsin leikitellään naisten kuvaamisella tiedotusvälineissä. Kyse on naiseuden ja sen stereotypioiden esittämisestä, aivan kuten propaganda ja elokuva tekivät noina vuosina.

Tästä syystä, jäljittelee kohtauksia fiktiivisistä elokuvista jossa hän imitoi viehättäviä nuoria naisia vihjailevissa asennoissa keskellä kohtausta. Hän päättää kopioida 50- ja 60-luvun tyyli, jossa nainen nähtiin koristeellisena, aistillisena ja ihannoituna esineenä. .

Nimetön elokuva #6

Sherman ei ole vain malli, vaan hän vastaa lavasteiden, pukujen ja rekvisiitan suunnittelusta ja vastaa myös teknisestä prosessista, kuten voidaan nähdä elokuvassa Nimetön elokuva #6 Vasemmalla näkyy kaapeli, joka tekee kuvan keinotekoisesta laadusta näkyvää.

Taiteilija etsi omaksumalla naispuolisesta sukupuolesta noina vuosina levinneen vääristyneen kuvauksen. Halusin käyttää samoja mekanismeja kuin virallinen keskustelu, mutta halusin kääntää sen päälaelleen ja saada yleisön ajattelemaan.

Untitled

1980-luvulta lähtien hänen valokuvissaan ei enää ollut häntä pääosassa, ja hän antoi tilaa keinotekoiset anatomiset nuket ja raajat Tältä ajalta hänen sarjansa on peräisin, Historiallisia muotokuvia, Klassisten teosten innoittamana, ottaen Renessanssiajan muotokuvatyyliin hän luo teoksia, joita hän muokkaa tuottaakseen levottomuutta herättävän vaikutelman. . in Untitled (1989) kuvaa naista, joka seuraa prototyyppistä äitiä ja liioittelee tätä viestiä lisäämällä siihen kumirinnan, samalla kun hän pitää valkoiseen huopaan käärittyä lasta.

2. Ángela Burón

Angela Burón on nuori espanjalainen valokuvaaja, joka on tullut tunnetuksi valokuvauksen alalla tekemänsä työn ansiosta. surrealistisia kuvia, joissa hän itse toimii mallina. . sen Keskeinen teema on keho, joka on järjestetty uusilla ja odottamattomilla tavoilla Photoshopin käytön ansiosta. Tällä tavoin se luo uuden todellisuuden, jossa ei ole enää mahdollista erottaa alkua tai loppua, ja näin ollen ihmishahmosta tulee äärettömän ilmentymä.

Yöliikkeet

Hänen työssään elää ruumiinosat Nämä elementit järjestäytyvät yllättävillä tavoilla asuttaessaan arkisia tiloja, kuten yksinkertaisten talojen sisätiloja tai yksinkertaisesti sänkyä. Tämä on ensimmäinen kerta, kun tämä kirja julkaistaan. uudelleenjärjestäminen antaa katsojalle mahdollisuuden miettiä uudelleen, miten hän ymmärtää ja havainnoi todellisuutta. .

Se päättää myös leikitellään kehon materiaalisuudella ja sen laadulla välineenä. viitaten taiteilijoihin, jotka ovat suorituskyky joka syntyi 1970-luvulla.

Unelmat

Kirjallisuusluettelo

• Márquez, Mónica (2019) "Guillermo Lorca: nykyajan barokki", Revista Metal.
• Grosenick, Uta (2005). 1900- ja 2000-luvun naistaiteilijat. Taschen.
• Hodge, Susie (2020). Lyhyt historiikki naistaiteilijoista Blume.
• Holzwarth, Hans Werner ja Taschen, Laszlo (toim.) (2011). Moderni taide: historia impressionismista nykypäivään Taschen.
• Oppenheimer, Walter (2012), "Damien Hirst tai taito tehdä (paljon) rahaa", El País.
• Zeldes, Jason (2019). Tiivistelmä. Kausi 2, jakso 1: "Olafur Eliasson: The Design of Art" Netflix.