20世紀初頭、伝統にとらわれない前衛的な運動が生まれ、未来派、ダダイズム、シュルレアリスムなど、芸術とみなされるものの垣根を取り払った。 このように 近代芸術家とは、世の中を革新し、挑戦することであった。 現実の模倣や美を追求するのではなく、既存の美的・社会的概念を揺るがすような作品を通して。

そのため 現在の芸術表現は、観客に与えるインパクトが基本となっています。 賛否両論、挑戦的であればあるほど、受けがいいのです。

こんな人におすすめ：芸術的前衛芸術、20世紀の芸術的運動

現代アートとは何か？

現代アートとは、以下のようなものです。 1950年以降に生産された それらは、その時代の状況に直結した創作物です。 グローバリゼーション、消費社会、製造財 .

アーティストは、もはや専門家である必要も、特別な才能を持っている必要もないのです。 花鳥風月 という現実があります。 インスタレーション、彫刻、立体作品などが豊富です。 レディメイド ありふれたものに新しい命を吹き込む。

また、オリジナリティや大胆さが最も評価される価値観であるため、ソーシャルネットワークが主な発信手段となっています。 それは、次のようなことです。 は、ますます進化し、すべてのスタンダードに挑戦していきます。 今日、根拠のある提案であれば、どんなものでもアートとして理解することができます。

で意味があります。 刺激と情報の飽和した時代 つまり、芸術の歴史には、すでに技術力を発揮した偉大なクリエイターが何世紀も存在しているということです。 つまり、興味深いのは アッと驚かせる、破壊的である .

ここでは、最近の画期的で奇妙な、そして有名な現代アーティストの中から、賞賛されると同時に嫌われ、間違いなく集団的想像力の中で空間を占めることができた人たちを紹介します。

コンセプチュアル・アート：特徴や事例をご覧ください。

スカルプチャー

1.ジェフ・クーンズ

ジェフ・クーンズ（米国、1955年）は、過剰なまでの提案により、現在最も物議を醸しているアーティストの一人である。 1980年代には、"Space "をテーマにした作品によって有名になった。 ポップでキッチュな要素が際立つコンセプチュアル・アート。 .

彼はかつてウォール街の証券取引所で働いていたため、自分のイメージを広めるために広告代理店のサービスを雇った最初のクリエイターの一人です。

絵画や写真も制作しているが、最もよく知られているのは きんぼし をテーマにしています。 美 ザ 冀わくは とのことで、その 凡庸 .

美術史上の先駆者、金字塔とする向きもあるが、彼はいくつかの 大量生産に批判的な人たち クーンズは、その特徴として アイデアのアーティスト。 このように しゅじくん を作り、何百万円もするコピーを何枚も作る。

バルーンドッグ (青）、ザ・ブロード、ロサンゼルス、カリフォルニア、アメリカ

クーンズは、1994年から2000年にかけて制作されたこの彫刻シリーズで人気を博し、現在でも、誕生日パーティーやカーニバルなど、子供向けのイベントによく見られる、風船で膨らませた犬のイメージで知られています。 クーンズは、この彫刻シリーズをきっかけに、「犬」をテーマにした作品を発表しました。 バルーンドッグ になった。 は、過剰な美意識と「悪趣味」に基づくキッチュアートの最大代表格である。 .

このような形で は、マスカルチャーに属し、刹那的で、最小限の価値しかないものを、芸術作品として位置づけようとした。 このように、日常的な視覚言語と、デュシャンの小便器のような破裂主義的行為への言及との相互作用を見ることができます。 それは、最も想像しにくいものを作品に変えるという問題なのです。

ブルー、マゼンタ、イエロー、オレンジ、レッドの5種類が用意されている。 何と言っても目を引くのは、スケールの大きさで勝負しようと考えたという、307.3×363.2×114.3cmという大判サイズ。

色と形が際立つ画像を使用することで、漆黒の世界を表現しています。 現在の物質主義的なフェティシズムは、役に立たないものの蓄積に基づくものです。 .

プレイー どーん、 ホイットニー美術館（ニューヨーク、ニューヨーク、アメリカ

とのことです。 プレイドー 315×386.7×348cmの巨大な作品に引き続き、塗装された27枚のアルミニウムからなるこの彫刻を制作。 2014年にニューヨークのホイットニー美術館で回顧展として初公開されました。

作家はこの作品のコピーを5枚作っており、そのため Play dohブランドに関する言及 の役割を果たす資料を作成する会社です。 キッズハンドメイド 息子のルートヴィヒが幼少の頃、塑像で作った塚を父にプレゼントしたことがきっかけだった。

を与えようとしたのがクーンズ。 をできるだけリアルに再現し、見る人の感性に訴えかける。 そうすることで、まるで新しく作られた構図のように、指の跡が見えるようになるのです。

長年にわたり、彼らの の作品は、生きているアーティストが望む最高の価値に到達しています。 2018年には、このバージョンの1つが2000万円で落札されました。

チューリップの花束 プチパレ、パリ、フランス

チューリップの花束 は、2019年に展示された 2015年11月にフランスで発生したテロ事件の犠牲者に捧ぐ アメリカ大使の発案で、クーンズはこの彫刻をパリの人々に贈った。

高さ12メートル、重さ33トン、ブロンズ、ステンレス、アルミニウムでできています。 絵画からインスピレーションを受けています。 平和のブーケ (1958年）、パブロ・ピカソの「自由の女神」。 手に持つチューリップの数は12本ではなく11本で、不在と同時に希望を象徴しています。

しかし、この作品によって だいもんだい アメリカやフランスのコレクターが出資したもので、「被害者団体に直接寄付することもできたはずだ」という主張が多かった。

これに対し、クーンズは、再生産されるオーディオビジュアルの収入の80％を、被災者と市議会に寄付することを約束しました。

ダミアン・ハースト

ダミアン・ハースト（イギリス、1965年）は、現在最も革新的なアーティストの一人です。 彼の作品には、以下のようなものが選ばれています。 アートとして理解されるものの限界を探る。

その不遜な態度、不吉と言われるプロジェクト、お金を生み出す能力から、アンディ・ウォーホルと比較されることもある。 最も重要な反論者の一人は、彼の制作を「コン・アート」（芸術詐欺）と定義した評論家で作家のジュリアン・スポルディングだ。

なるほど 業を煮やさない が、 は、協力者のグループによって実行される このように、本質的なものは自分のものだと述べています。 革命的発想 このように、芸術の世界で受け入れられているテーマに挑戦しようとするもの。 マテリアライズは後回し しかも、その姿と発言だけで視聴者を惹きつけるのだから、有名人になってしまった。

生きている人の心の中にある物理的な死の不可能性

1991年、ハーストは自身の シリーズ ナチュラルヒストリー は、ホルムアルデヒドで保存した動物の死骸を使った作品です。 その中でも特に話題となったのが 生きている人の心の中にある、物理的に不可能な死。

鉄とガラスの水槽にはイタチザメが座っており、その標的は 花鳥風月 を探していたのですが ビシビシくる 生と死の境界線に立ち向かいながら。

コレクターのチャールズ・サーチが死骸の購入資金を出し、作家は漁師から「あなたを食い殺すのに十分な大きさの動物が欲しい」と依頼された。 彫刻が完成すると、ロンドンのサーチ・ギャラリーで展示された。

ホルマリンを使用したにもかかわらず、2006年、体の劣化によりサメの交換を余儀なくされた。

神のみぞ知る

2007年、アーティストが展示した 神のみぞ知る 3匹の皮を剥いだ羊を別々の水槽に入れ、キリストの磔刑をイメージして構成されています。

ここでは、その グロテスクの極み として機能させる。 フードクリティーク を作ることもできます。 復活の狼煙 タイトルは、物事がなぜそうなるかを知っている神の知恵を暗示しています。

神の愛のために

これまでの代表作としては 神の愛のために (2007) として認識されている。 世界一高い その 生産 どすこい 1700万円 .

18世紀の男性の頭蓋骨を使ってプラチナの型を作り、そこに8,601個のダイヤモンドを加え、固定した後に元の歯を加えた人工頭蓋骨。 その額には、同じくダイヤモンドでできた神官風の飾りがはめ込まれている。

この作品は、ロンドンのホワイトキューブギャラリーで初めて展示され、次のようなテーマを暗示しています。 死と金 同じように、タイトルでも、再び宗教的なテーマが挿入されていますが、命名にあたっては、当時、母親から「頼むから、これからどうするんだ」と言われたことがきっかけになったそうです。

作家はこの彫刻で、次のことを考えたという。 無常観 死は人生をエキサイティングにする。 それは普遍的な引き金である。 私たちは皆、死を恐れている」と述べた。

ハーストは、同年、匿名のコンソーシアムに6,000万円で売却したと述べていますが、美術界ではこれを疑問視する声もあり、多くの人が、この作品はまだ作家の手元にあり、その疑惑の価格は、彼の人気と他の作品の価値を高めるために使われたと非難しています。

の作品の一つです。 ラ・モネダ

間違いなく、ハーストの最新プロジェクトは ビーエスエー 2016年、紙に描いた油絵を1万枚制作。 2021年、NFTと連動させることを決め、提案と称し 通貨について こうして、2,000ドルの価値で売りに出されることになった。

誰かが手に入れたら、その人は クリプトアート（デジタル形式の作品）を残すか、物理的な形で持つかを選択した場合。 NFTを選択した場合、絵は露出され、その後焼却されることになる。 .

を問うものであった。 今日のモダンアートの本質は、物質的なものなのか、非物質的なものなのか。 2021年9月のオープン以来、4,137人の購入者がNFTと現物作品の交換を決め、5,863人が暗号化されたバージョンの保持を希望しました。 ほぼ6,000枚のキャンバスが燃えました。

グレッグ・ランスキー

グレッグ・ランスキー（フランス、1982年）は今年、新世紀を解釈した彫刻で世間や専門家の注目を浴び、有名になった。

写真家として修行を積んだものの、ポルノ映画の監督・プロデューサーとしてキャリアを積んできた。 起業家として経済的自由を得た今、アートの世界を探求することを決意した。 彼の彫刻は、今日の世界に言及し、現代の現実の状況に対する批判的な反射として機能する。 .

彫刻に囲まれたグレッグ・ランスキー アルゴリズム的な美しさ

2022年11月、大理石の彫刻を贈呈した。 アルゴリズム的な美しさ . であります。 ミロのビーナスの現代的解釈 その大きな違いは、iPhoneを保持する腕があることです。

ランスキーはこの写真を自身のインスタグラムアカウントに投稿し、次のようなメッセージを添えました。"How much pain would you endure to feel loved?" 彼の言葉です：

この作品は、AIアルゴリズムに支配された世界で、痛みと愛を感じることの関係を反映したものです。 自撮り用の鏡はありません。人類が鏡なのです。 私たちはすべて鏡です。 アルゴリズムの美には美のフィルターがありません。 整形手術の跡は、誰もできない終わりのない戦争の傷のように優雅さと尊厳をもって見せます。を獲得する。

を行使しようとするものである。 姦しい人間像を助長する現行制度への批判 美の基準によって、人々は多くの痛みを伴う整形手術を受けることになります。 このような犠牲を払うのは、自分の居場所を確保し、最高の自分を世に送り出すためです。 その見返りとして、彼らは次のようなものを受け取ります。 網の目のような恋 他の人からの「いいね！」やコメントを通して

このように、この現代のヴィーナスでは シリコンインプラントを装着したボディに、様々な美容的介入を施した跡が見える。 ランスキーにとって、それは外見にこだわらずに、常に外見を良くしようとする現代社会の反映である。

次はあなたの番です

2022年12月、作家は再び過去の要素を選び、現代文化に疑問を投げかける新作彫刻を発表しました。

にて 次はあなたの番です を構築した。 ギロチン 平等、友愛、自由という理想が掲げられる一方で、権力者にとって都合の悪い人物をすべて暗殺するための道具が作られたのです。この死の道具は、当時すでに極めて典型的なものでした。

ランスキーは、このアイデアを拾い上げ、コンポジションの中心に置く。 象る ツイッター は、現在のシーンで最も論争的で破壊的なソーシャルネットワークの1つです。 18世紀のフランスと同様、このメディアは、他人の痛みに憧れる大衆に訴えかける、残酷だが正当化できる要素として捉えることができる。

施設紹介

1.オラファー・エリアソン（Olafur Eliasson

オラファー・エリアソン（デンマーク、1967年）は、その作品で知られています。 大規模な彫刻やインスタレーションを行う、 絵画、写真、映画も手がけており、彼のビジョンには 空間に介入し、光や水などの自然現象を身近に感じることができます。 オリジナルにアレンジすることで、アートオブジェとしてのクオリティを見直すことができるというものです。

1995年、ベルリンにスタジオを設立。 4階建ての建物で、技術専門家、職人、建築家、美術史家、ウェブデザイナー、グラフィックデザイナー、映画制作者など約100人が働いています。

ビューティー

にて ビューティー (1993)が求めていたのは 自然現象の魅力を再発見 に設置された施設で構成されていた。 暗室 屋根の上にはホースがあり、そこからホースが出ていた。 ウォーター を露とする。 ランプ これらの要素を並列にすることで生まれたのが レインボー を、見る人が直角に立つことで見つけ出さなければならない。

気候プロジェクト

のことです。 2003 エリアソン、テート・モダン（ロンドン）で展示 気候プロジェクト 長さ155m、幅23m、高さ35mの巨大なタービンルームに加湿器を置いてミストを発生させ、中央には黄色い光を放つ単色ランプを数百個組み合わせたディスクを設置。 天井には鏡を設置し、小さな影として自分を映し出すことができるようにしました。

このインスタレーションは5ヶ月間続き、200万人の観客が集まり、要素に触れ、共有し、熟考し、気候変動について瞑想することができたのです。 彼の作品は、インタラクションを通して人々に考えさせることを目的としています。 そのため、キュレーターのマーク・ゴッドフリー氏が のことです。 気候プロジェクト、 を表現しました：

エリアソンは、気候の緊急事態が恐怖の言説によってのみ伝えられることがあると信じています。 彼は、この問題についての考え方を、喜びと愛の言説によって変えたいと考えています。 世界の何が好きか、なぜそれを気にしなければならないか、ということです」。

ロンドンの氷の時計

年 2014 を、地質学者のミニック・ロージングとともに設置しました。 氷の時計 による問題を直接的に可視化しようとするものであった。 地球温暖化 展覧会はコペンハーゲン、パリ、ロンドンを訪れました。

で構成されていた。 グリーンランドの氷塊 これらの作品は、新しい場所に移動して撤去されました。 円形に配置され、時計を模している。 24個のブロックは12トンの重さがあり 鑑賞者を参加者に誘う 人々は触れて、寒さを感じ、溶ける過程をライブで見ることができました。

エライソン氏は、「政治的でないことは選べない。 私たちの行動はすべて結果であり、私たちはすべてつながっているという事実から逃れることはできない」と断言。 そこで、エライソン氏は、一般の人々に提案を検討するよう呼びかけました：

グリーンランドの氷床に触れてみてください。 気候に関する知識を気候変動対策につなげましょう。

ランドアート：定義、歴史、偉大な指数に興味がある方は、こちらをご覧ください。

2.フェリックス・ゴンサレス・トーレス

フェリックス・ゴンサレス・トーレス（1957-1996）は、キューバ出身のアーティストで、アメリカを拠点に活動を展開しました。 彼の作品の中で最も重要なものは、「F.I.S.T.」と呼ばれる作品です。 身の回りの素材を使ったミニマルスタイルのインスタレーションを展開。 時計、鉛筆、お菓子などなど。

彼の作風は次のような特徴があります。 喩え話 を、国民が共感できるような

無題（パーフェクト・ラヴァーズ）

ニューヨークのMOMAでは、以下のようなものがあります。 なし タイトル（パーフェクトラバーズ） (1991)は、シンプルでありながら、美しいメッセージが込められたインスタレーション作品。 あいせき 作家は、パートナーであるロス・レイコックの死に際して2つの時計を取り付け、それぞれを表現しているが、時間の経過とともに必然的にずれていき、その結果、2人の距離が縮まっていく。

無題（LAでのロスの肖像画）

翌年には亡き恋人に捧げる作品を制作している。 無題（LAでのロスの肖像画） このインスタレーションの面白いところは、展示する場所や人々の関わり方によって、毎回配置を変えていることです。

観客は、お菓子を持ち帰ったり、並べ替えたりすることができました。 このように、アーティストが求めたのは 損得勘定 新しい形を見つけ、適応することはあっても、決して消えることはないのです。

パートナー同様、1996年にエイズによる合併症で亡くなったゴンサレス・トーレスは、アート界でいち早くこの問題を訴えた一人です。

パフォーマンス

マリーナ・アブラモヴィッチ

マリーナ・アブラモヴィッチ（セルビア、1946年）は、その作品に注目されています。 挑発的 芸事 その中で アート化 1970年代から活動を開始し、その作風は反骨精神に富み、"世界 "を探求しようとするものであった。 アーティストと観客の関係 彼の言葉を借りれば、「初めて人前に体を出したとき、それが自分の支えであることを理解した」のです。

の写真。 パフォーマンス リトモ0

1974年、彼は 破格の演技 を明らかにし、さらに、その人物は にんげんのやみのなか 展示主義者やマゾヒストというレッテルを貼られることに疲れた彼女は、こう言った。 ペース 0 があるところ。 観客は彼女の体に直接触れ、彼女は真っ白なキャンバスのように機能するのです。 .

ナポリのモーラ・スタジオで、彼は6時間にわたってパフォーマンスを行いました。 彼は動かずに立っていて、「あなたは私に何をしてもいい。 私は物体であり、この時間の間に起こりうるすべてのことに責任を持つ」という看板の横に、72個のオブジェクトがテーブルの上に置かれています。

このように、アブラモビッチはまるで人形のように観客に身を委ねたのである。 その目的は、人間がおもちゃとして利用できる可能性に対して、人々がどのような反応を示すかを見ることでした。 .

香水、花、羽などの快楽の対象と、ナイフ、ハサミ、剃刀、銃まである破壊の対象とに分かれたのです。

はじめに すべて無邪気だった、 ポーズを変えさせたり、花束を渡したり、キスをしたり。 しかし、3時間目以降、事態は一転する。 不吉な展開：彼女は縛られ、服を剥がされ、茨で刺され、さらに男に刺された。 プレゼンが終わった後、彼はこう言った：

この映画は、誰かが許されたときに、どれだけ早くあなたを傷つけることを決めることができるかを示しています。 反撃しない人の人間性を奪うことがどれだけ簡単かを示しています。 ほとんどの「普通の」人は、チャンスがあれば、公共の場で非常に暴力的になることができるということを示しています。

の写真。 パフォーマンス 吸入・呼気

1976年、アムステルダムに移り住み、そこで出会ったのが ドイツ人アーティスト フランク・ウーヴェ・レイシーペン（Frank Uwe Laysiepen）、として知られている。 ユーレイ という恋愛関係が始まりました。 協力 を10年以上続け、彼の最も興味深い作品を生み出した。

1977年、彼らは「身体の限界」を探るため、「自分自身」で勝負することにしました。 "吸う・吐く "こと。 のことです。 パフォーマンス ベオグラードとアムステルダムで2回行われた。 鼻の穴を塞ぎ、口を押さえるというものである。 酸欠になるまでの間、相手の空気を吸い込む .

両者とも床に意識を失って倒れ、その際に求めたのが 現代の人間関係の落とし穴を暴く。一人の人間がもう一人を消耗させ、破壊することができる。

の写真。 パフォーマンス アーティストが存在する

年 2010 ザ MOMAが回顧展を開催 40年にわたるアーティストの活動を記録した映像や写真、資料で構成されている。 そこで、彼女は新しい作品を作ることを決意した。 パフォーマンス 美術館のアトリウムでアーティストの存在を感じられるよう、一般の方にも座っていただき、共有することができました。 3カ月間、1日8時間、この活動に従事したことは、彼のキャリアの中でも最も長いものの一つでした。

ペインティング

1.曽 樊志（Zeng Fanzhi

曽凡志（1964年生まれ）は、中国で最も国際的に有名なアーティストの一人であり、現在最も高い報酬を得ている人物の一人です。 彼の特徴は、次のようなものです。 自国の現実を映し出しながら、同時に西洋の影響を暗示するような表現主義の絵画を制作した。

彼は中国の文化大革命の時代に育ったので、彼の作品はその時代の苦難に言及している。 彼の言葉を借りれば：

若い頃は生活が苦しく、将来のことを考えるのが難しい時代でした。 その頃は、生活費を稼ぐこと、食べることができることが一番大事でした。

湖北美術学院で学んだ後、専門に勉強することを決意。 オイルペイント 主にポール・セザンヌ、ウィレム・デ・クーニング、ルシアン・フロイトに影響を受けている。

マスクN°1

を開発した。 自分流 で有名になり、そのシリーズで マスクです、 を発表し、注目を浴びました。 裏文字 また、その 手は体の他の部分と誇張されたように不釣り合いである。

ここ、で マスクN°1 ( 右腕の赤いスカーフとシンボルマークに見られるように、顔を覆っているにもかかわらず、痛みや苦悩は隠せず、生気のないような目から濃い涙がこぼれているのだ。

最後の晩餐

最後の晩餐 (2001)は、彼の代表的な絵画の一つで、彼が行う ダビンチ を使用し、同じ構成・配分のキャラクターを使用します。

この場合は 主人公たちは現代からやってきて、そのシリーズの典型的な特徴を持っている。 マスク そのため、共産主義を連想させる赤いスカーフ、特大の手、顔を覆う中国風のマスクが特徴的です。 オリジナルとは異なり、このディナーは質素であることが特徴です。 .

この作品は2013年に2300万ドルで落札され、ファンジーは世界で最も注目されているアーティストの一人となった。

ギジェルモ・ロルカ・ガルシア

Guillermo Lorca García（1984年）はチリのアーティストで、キャンバスに描かれた絵の中に自分が住んでいるような絵を描くことで知られています。 魔界 アイデアが先行するインスタレーションや作品の時代にあって、若者は再び 古典油絵 したがって、以下のことがわかります。 バロック様式による子供と動物 が対になっているもので 美醜騒動 .

で有名になった。 ジャイアントペインティング (最大3メートル）、その分 絵の具の名人芸 色が優位に立つ構図や、光と影の使い方など、非常に多くの工夫が凝らされています。

小さな庭師たち

を搭載している。 リアリズム絵画の技法とシュールレアリスムのイメージが交錯する、極めて特殊なスタイルです。 例えば、そのテーブルでは 小さな庭師たち 2021年、巨大な蝶やフラミンゴなど色とりどりのエキゾチックな動物がいる夢のような庭に、2人の小さな女の子がいる。

普段使っているキャラクターのタイプについては、インタビューでこう語っている：

私の場合、子供と動物が一緒だと、「魂」が似ているというか、一番強い感情がある場所だと思うんです。 童話や神話、伝説のように、人間の性質の違う部分をキャラクターが表現していると思うんです。

という事実が、その側にとって 女の子の髪が青いとか、ピンクの虎がいるとか。 として機能する。 リソース を作成する。 魔境 ひまじん また、幼少期に見た日本のアニメが、彼女が掲げる美の理想像のインスピレーションになったことも認めています。

イギリスのベッド

画家は、自分の作品を こうごさよう あるのと同じように 清濁併せ呑む にもあります。 脅迫暴力と死 を与えるものである。 詩的効果 を自分たちの幹部に伝える。

にて イギリスのベッド (2021)では、肖像画がより現実的になっているのがわかる。 色彩や魔法の世界の感覚はもうない。 観客を直視する少女と、その背後に彼女を食い殺そうとする虎が見える。 ロルカはこのテーマを子供の空想と関係があると断言している。 しかし、通常は野生が描かれているので象徴的にも連想することができるだろう。エロティックに関連する

フォトグラフィー

1.シンディ・シャーマン

シンディ・シャーマン(1954年アメリカ生まれ)は 世界的な写真家 を決めたそうです。 己を媒介とする .

このように、多くの場合、リゾートにある のコスチュームが必要です、 で メークアップ とになります。 ぶたいびじゅつ こうして、彼は作品の主体であると同時に客体にもなり、成果を上げる。 受動性など、自分の性別に起因する役割を覆す。

無題の映画第7弾

1977年から1980年にかけて、シャーマンは、以下のようなシリーズを制作しました。 無題の映画スチール ( タイトル未定の映画 7番には、白いストッキングにナイトシャツ、サングラスをかけた目覚めたばかりの女性が写っています。 彼女はカメラに驚いているようで、グラスを持って前に歩いていきます。 マティーニ を左手に持っている。

ここでは、私が探していたのは 女遊び 当時のプロパガンダや映画がそうであったように、女性らしさやそのステレオタイプを表現することです。

このためです、 アフレコ を真似ることにした。 50年代、60年代のスタイル、 があるところ。 女性は装飾的、官能的、理想的な対象として捉えられていたのです。 .

無題の映画第6弾

シャーマンはモデルとしてだけでなく、セットデザイン、衣装、小道具を担当し、技術的なプロセスも担当していることが、『』からわかる。 無題の映画第6弾 そこでは、左側にケーブルが見えており、画像の作為の質が見えるようになっています。

アーティストが求めていたのは 当時流布した女性蔑視を流用 公式な言説と同じメカニズムを使って、それをひっくり返し、国民に考えさせようと思ったのです。

無題

1980年代以降、彼女の写真は、もはや彼女を主役とするものではなくなり、次のような道を歩むことになる。 人造人間 これが彼のシリーズの原点となる時代です、 歴史的な肖像画です、 クラシックの作品からインスピレーションを受け、その作品を ルネッサンス期の肖像画のようなスタイルで、不穏な雰囲気を出すために手を加えた作品を制作しています。 で 無題 (1989）は、白い毛布に包まれた子供を抱きながら、原型的な母親に従う女性が、ゴム製の乳房を加えることでそのメッセージを誇張して表現しています。

2.アンジェラ・ブロン

Angela Burónは、スペインの若手写真家として注目を浴びている。 自身がモデルとなる超現実的な画像 その Photoshopを駆使し、思いもよらない形でアレンジされた「身体」が中心テーマです。 そうすることで、もはや始まりも終わりも区別できない新しい現実を作り出し、その結果、その 人間の姿は、無限の表現となる。

ナイトムーブ

彼の作品では、ライブ 身体各部 シンプルな家の中やベッドの上など、日常的な空間の中で、これらの要素は驚くべき方法で配置されています。 本書は初出です。 再編成によって、鑑賞者は現実をどのように理解し、観察しているかを再考することができます。 .

も決定しています。 身体の素材感や楽器としての質感を活かした遊び のアーティストを指す。 パフォーマンス 1970年代に登場した

夢

ビブリオグラフィー

• Márquez, Mónica (2019) "Guillermo Lorca: contemporary baroque", Revista Metal.
• Grosenick, Uta. (2005). 20世紀、21世紀の女性アーティストたち。 Taschen（タッシェン）。
• ホッジ、スージー（2020年）。 女性アーティストの略歴 ブルームです。
• Holzwarth, Hans Werner and Taschen, Laszlo (Eds.) (2011). モダンアート：印象派から現代までの歴史 Taschen（タッシェン）。
• Oppenheimer, Walter (2012), "Damien Hirst or art of making (lot of) money", El País.
• ゼルデス，ジェイソン（2019）． 抽象的な表現です。 シーズン2 第1話「オラファー・エリアソン：芸術のデザイン」Netflix.