Na początku XX wieku pojawiły się ruchy awangardowe, które dążyły do zerwania z tradycją. I tak, między innymi, futuryzm, dadaizm i surrealizm przełamały bariery tego, co można uznać za sztukę. W ten sposób powstała sztuka. bycie nowoczesnym artystą oznaczało wprowadzanie innowacji i rzucanie wyzwań światu poprzez prace, które nie próbowały już kopiować rzeczywistości ani być piękne, ale starały się wstrząsnąć istniejącymi koncepcjami estetycznymi i społecznymi.

W związku z tym Obecna ekspresja artystyczna opiera się na wpływie, jaki wywiera na publiczność. Im bardziej kontrowersyjna i wymagająca, tym lepiej jest odbierana.

Może Cię zainteresować: Awangarda artystyczna, Ruchy artystyczne XX wieku

Czym jest sztuka współczesna?

Sztuka współczesna jest tym, co produkowane od 1950 roku Są to kreacje bezpośrednio związane z okolicznościami ich czasów. globalizacja, społeczeństwo konsumpcyjne i towary przemysłowe .

Artyści nie muszą już być ekspertami ani mieć szczególnego talentu, ponieważ dominuje idea i koncepcja Jest to rzeczywistość, w której Instalacje, rzeźby i prace rzeźbiarskie obfitują. gotowy które biorą zwykły przedmiot i nadają mu nowe życie.

Sieci społecznościowe stały się również głównym środkiem rozpowszechniania, ponieważ oryginalność i śmiałość są najbardziej cenionymi wartościami. Chodzi o to, że coraz dalej i dalej, rzucając wyzwanie wszystkim standardom. Dziś każda dobrze uzasadniona propozycja może być rozumiana jako sztuka.

Ma to sens w czasy nasycone bodźcami i informacjami Interesujące jest więc to, że historia sztuki ma wieki wielkich twórców, którzy już zademonstrowali swoje umiejętności techniczne. Interesujące jest więc to, że zadziwiać i być destrukcyjnym .

Oto niektórzy z najbardziej przełomowych, dziwnych i znanych współczesnych artystów ostatnich czasów, którzy są jednocześnie chwaleni i nienawidzeni, i którym niewątpliwie udało się zająć miejsce w zbiorowej wyobraźni.

Może Cię zainteresować: Sztuka konceptualna: charakterystyka i przykłady

Rzeźba

1) Jeff Koons

Jeff Koons (Stany Zjednoczone, 1955) jest jednym z najbardziej kontrowersyjnych współczesnych artystów, ze względu na propozycję, w której dominuje nadmiar. Stał się sławny w latach 80-tych dzięki sztuka konceptualna, w której wyróżniają się elementy popu i kiczu. .

Wcześniej pracował na giełdzie na Wall Street, więc był jednym z pierwszych twórców, którzy zatrudnili agencję reklamową do promowania swojego wizerunku.

Chociaż tworzył obrazy i fotografie, najbardziej znany jest ze swoich monumentalne, lśniące rzeźby Jego tematyka obraca się wokół piękno w Chciałbym i banalność .

Podczas gdy niektórzy uważają go za pioniera i kamień milowy w historii sztuki, on ma kilka krytycy, którzy krytykują ich masową produkcję Koons charakteryzuje się tym, że jest artysta pomysłów. Tak więc, tworzy koncepcję, która jest następnie łączona przez innych specjalistów i tworzy kilka kopii, które sprzedają się za miliony dolarów.

Balonowy pies (Niebieski), The Broad, Los Angeles, Kalifornia, USA

Koons stał się popularny dzięki serii rzeźb wykonanych między 1994 a 2000 r. Do dziś jest kojarzony z wizerunkiem psa wykonanego z nadmuchanych balonów, typowych dla przyjęć urodzinowych lub karnawałowych, skierowanych do dziecięcej publiczności. Balonowe psy stał się maksymalny przedstawiciel sztuki kiczowatej, opartej na przeładowanej estetyce i "złym guście". .

W ten sposób, wziął przedmiot o minimalnej wartości, efemeryczny, należący do kultury masowej i chciał nadać mu miejsce jako dziełu sztuki. W ten sposób można dostrzec interakcję między codziennym językiem wizualnym a odniesieniem do działań rupturystycznych, takich jak pisuar Duchampa. Jest to kwestia przekształcenia najmniej wyobrażonego w dzieło sztuki.

Pięć wersji jest dostępnych w kolorach niebieskim, magenta, żółtym, pomarańczowym i czerwonym. Najbardziej uderzające są ich duże wymiary (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), ponieważ postanowił pobawić się skalą, aby uczynić swój projekt jeszcze bardziej przyciągającym wzrok.

Jednym z głównych aspektów jest materialność. Artysta zdecydował się na użycie obrazu, który wyróżnia się kolorem i kształtem, nawiązując do obecny materialistyczny fetyszyzm, który opiera się na gromadzeniu tego, co bezużyteczne. .

Grać- doh, Whitney Museum of American Art, Nowy Jork, Nowy Jork, USA

Z Play-doh Kontynuował swój styl monumentalnych dzieł (315 x 386,7 x 348 cm.), tworząc tę rzeźbę składającą się z 27 oddzielnych kawałków malowanego aluminium. W 2014 roku miała miejsce premiera retrospektywy w Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku.

Artysta wykonał pięć kopii tego dzieła, co daje odniesienie do marki Play doh która produkuje materiały służące do projekty rękodzieła dla dzieci Jego inspiracją był syn Ludwig, który jako dziecko wymodelował kopiec z plasteliny i podarował go ojcu w prezencie.

Koons próbował dać mu jak najbardziej realistyczne, aby przemówić do zmysłów widza. W ten sposób widoczne są ślady palców, tak jakby była to nowo utworzona kompozycja.

Przez lata ich prace osiągnęły jedne z najwyższych wartości, na jakie może liczyć żyjący artysta. W 2018 roku jedna z tych wersji została sprzedana za 20 milionów dolarów.

Bukiet tulipanów, Petit Palais, Paryż, Francja

Bukiet tulipanów został wystawiony w 2019 roku w hołd ofiarom ataków terrorystycznych, które miały miejsce we Francji w listopadzie 2015 roku. Z inicjatywy ambasadora USA Koons podarował tę rzeźbę mieszkańcom Paryża.

Ma 12 metrów wysokości, waży 33 tony i jest wykonany z brązu, stali nierdzewnej i aluminium. Inspiracją do jego powstania był obraz Bukiet pokoju (1958) Pabla Picassa i Statua Wolności. Ręka trzyma 11 tulipanów zamiast klasycznego tuzina, co symbolizuje nieobecność, ale także nadzieję.

Jednak praca ta spowodowała poważne kontrowersje Został on sfinansowany przez amerykańskich i francuskich kolekcjonerów, a wielu twierdziło, że pieniądze mogły zostać przekazane bezpośrednio stowarzyszeniom ofiar.

Oskarżyli również Koonsa o oportunizm, ponieważ chciał wykorzystać tragedię jako pretekst do zainstalowania jednego ze swoich dzieł w miejscu turystycznym. W odpowiedzi artysta zapewnił, że 80% dochodu z reprodukcji audiowizualnej zostanie przekazane osobom dotkniętym atakiem i władzom miasta.

Damien Hirst

Damien Hirst (Anglia, 1965) to jeden z najbardziej innowacyjnych współczesnych artystów, który w swojej twórczości zdecydował się na zbadać granice tego, co można rozumieć jako sztukę.

Był porównywany do Andy'ego Warhola, ze względu na jego lekceważenie, projekty, które wielu nazywa złowieszczymi i jego zdolność do generowania pieniędzy. Jednym z jego najważniejszych krytyków jest Julian Spalding, krytyk i pisarz, który określił jego produkcję jako "con-art" (oszustwo artystyczne).

Rzeczywiście nie wykonuje swoich dzieł ale są przeprowadzane przez grupę współpracowników W ten sposób stwierdza, że istotną rzeczą jest jego rewolucyjne idee które starają się rzucić wyzwanie przyjętym w świecie sztuki tematom. materializacja schodzi na dalszy plan Co więcej, stała się celebrytką, ponieważ jej figura i wypowiedzi same w sobie przyciągają publiczność.

Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle żywej osoby

W 1991 roku Hirst rozpoczął swoją seria Historia naturalna w którym wykorzystał zwłoki zwierząt, które zakonserwował przy użyciu formaldehydu. Jednym z najbardziej kontrowersyjnych utworów był Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle żywej osoby.

W stalowo-szklanym zbiorniku siedzi rekin tygrysi, którego celem był na pierwszym planie niebezpieczne zwierzę, które rzadko można zobaczyć z tak bliska Szukałem generowanie trzewnych emocji u odbiorców konfrontując ich na granicy życia i śmierci.

Kolekcjoner Charles Saatchi sfinansował zakup tuszy, a artysta zamówił ją u rybaka, który poprosił o zwierzę "wystarczająco duże, by cię pożreć". Po ukończeniu rzeźby została ona wystawiona w Saatchi Gallery w Londynie.

Pomimo użycia formaliny, w 2006 roku rekin musiał zostać wymieniony z powodu degradacji ciała.

Tylko Bóg wie

W 2007 roku artysta wystawiał Tylko Bóg wie Składa się z trzech obdartych ze skóry owiec w oddzielnych zbiornikach, przywołując obraz ukrzyżowania Chrystusa.

Tutaj odwołuje się do groteski W ten sposób działa jako krytyka współczesnego przemysłu spożywczego Tworzy również ukłon w stronę zmartwychwstania Tytuł nawiązuje do mądrości Boga, który wie, dlaczego rzeczy dzieją się tak, a nie inaczej.

Z miłości do Boga

Jego najbardziej znanym dziełem jest Z miłości do Boga (2007) uznany za najdroższe na świecie . jego produkcja miał wartość 17 milionów .

Do wykonania platynowej formy użył męskiej czaszki z XVIII wieku. Do sztucznej czaszki dodano 8 601 diamentów, a po jej zamocowaniu dodano do niej oryginalne zęby. Na czole inkrustowano ornament w stylu kapłańskim, również wykonany z diamentów.

Praca została po raz pierwszy wystawiona w White Cube Gallery w Londynie, gdzie nawiązuje do takich tematów jak śmierć i pieniądze W ten sam sposób, w tytule, ponownie pojawia się wątek religijny, ale nadając mu nazwę, zainspirował się swoją matką, która w tamtym czasie powiedziała mu: "Na miłość boską, co zamierzasz teraz zrobić?

Artysta powiedział, że poprzez tę rzeźbę chciał refleksja nad nieuchronnością końca istnienia Powiedział: "Śmierć sprawia, że życie jest ekscytujące. Jest uniwersalnym wyzwalaczem. Wszyscy boimy się śmierci".

Chociaż Hirst stwierdził, że został sprzedany w tym samym roku anonimowemu konsorcjum za 60 milionów, niektóre głosy w świecie sztuki zakwestionowały to, oskarżając wielu, że wciąż jest w rękach artysty, a rzekoma cena została wykorzystana do zwiększenia jego popularności i wartości jego innych dzieł.

Jedno z dzieł La Moneda

Bez wątpienia najnowszy projekt Hirsta to najbardziej kontrowersyjny w świecie sztuki do tej pory W 2016 r. stworzył 10 000 obrazów olejnych na papierze, a w 2021 r. postanowił połączyć je z NFT i nazwać propozycję Waluta W ten sposób zostały wystawione na sprzedaż o wartości dwóch tysięcy dolarów.

Gdy ktoś go zdobędzie, może Jeśli dana osoba zdecyduje się zachować krypto-sztukę (dzieło w formie cyfrowej) lub mieć ją w formie fizycznej. Jeśli dana osoba wybierze NFT, obraz zostanie odsłonięty, a następnie spalony. .

W ten sposób zakwestionowano Jaka jest natura współczesnej sztuki - materialna czy niematerialna? Od momentu otwarcia we wrześniu 2021 r. 4 137 kupujących zdecydowało się wymienić swoje NFT na fizyczne dzieło, podczas gdy 5 863 chciało zachować zaszyfrowaną wersję. Prawie 6 000 płócien zostało spalonych.

Greg Lansky

Greg Lansky (Francja, 1982) zasłynął w tym roku rzeźbą, która przyciągnęła uwagę publiczności i specjalistów swoją interpretacją nowego stulecia.

Chociaż kształcił się jako fotograf, rozwinął karierę jako reżyser i producent filmów pornograficznych. Teraz, gdy jest przedsiębiorcą i ma wolność finansową, postanowił zbadać świat sztuki. Jego rzeźby odnoszą się do dzisiejszego świata i funkcjonują jako krytyczna refleksja nad warunkami współczesnej rzeczywistości. .

Greg Lansky obok swojej rzeźby Algorytmiczne piękno

W listopadzie 2022 r. zaprezentował marmurową rzeźbę o nazwie Algorytmiczne piękno . Jest to nowoczesna reinterpretacja klasycznej Wenus z Milo Nawiązuje do tradycji, ale postanawia nadać jej nowy wygląd, z tą różnicą, że ma ramiona, w których trzyma iPhone'a.

Lansky opublikował zdjęcie na swoim koncie na Instagramie, któremu towarzyszyła następująca wiadomość: "Ile bólu byś zniósł, aby poczuć się kochanym?" Jego słowami:

Stworzyłem tę pracę odzwierciedlającą związek między bólem a uczuciem miłości w świecie napędzanym przez algorytmy sztucznej inteligencji. Nie ma lustra dla twojego selfie, ponieważ ludzkość jest lustrem. Wszyscy jesteśmy lustrem. Algorytmiczne piękno nie ma filtrów upiększających. Ślady operacji plastycznych są pokazane z wdziękiem i godnością, jak blizny po niekończącej się wojnie, której nikt nie jest w stanie pokonać.wygrana.

W ten sposób stara się wykonywać krytyka obecnego systemu, który promuje zafałszowany obraz człowieka Standardy piękna sprawiają, że ludzie poddają się operacjom plastycznym, które wiążą się z dużym bólem. Wszystkie te poświęcenia są dokonywane, aby przynależeć i móc dać światu najlepszą wersję siebie. W zamian otrzymują Fałszywa miłość do sieci poprzez "polubienia" i komentarze innych osób.

Tak więc ta nowoczesna Wenus pokazuje ciało z silikonowymi implantami i śladami ujawniającymi różne interwencje estetyczne. Dla Lansky'ego jest to odzwierciedlenie dzisiejszego społeczeństwa, które nieustannie dąży do poprawy swojego wyglądu zewnętrznego, nie dbając o nic więcej niż wygląd.

Jesteś następny

W grudniu 2022 roku artysta zaprezentował nową rzeźbę, w której ponownie wybrał elementy z przeszłości, aby zakwestionować współczesną kulturę.

Przy Jesteś następny zbudowany gilotyna Ten instrument śmierci był już dość paradygmatyczny w swoich czasach. Podczas gdy promowano ideały równości, braterstwa i wolności, stworzono również narzędzie do zabijania wszystkich tych, którzy byli niewygodni dla władzy.

Lansky podchwytuje ten pomysł i umieszcza w centrum kompozycji symbol Twitter jednej z najbardziej kontrowersyjnych i destrukcyjnych sieci społecznościowych na obecnej scenie. Podobnie jak w XVIII-wiecznej Francji, medium to może być postrzegane jako okrutny, ale uzasadniony element, który przemawia do publiczności żądnej bólu innych.

Udogodnienia

1) Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (Dania, 1967) jest znany ze swoich prac na temat rzeźby i instalacje na dużą skalę, Zajmował się również malarstwem, fotografią i filmem, a jego wizja dotyczy ingerują w przestrzeń i przybliżają ludzi do naturalnych zjawisk, takich jak światło i woda. Pomysł polega na tym, że zaaranżowane w oryginalny sposób, pozwalają nam przemyśleć ich jakość jako obiektów sztuki.

W 1995 roku założył studio w Berlinie, ponieważ jego podejście opiera się na pracy zespołowej i współpracy. Składa się ono z czteropiętrowego budynku, w którym pracuje około 100 osób, w tym specjaliści techniczni, rzemieślnicy, architekci, historycy sztuki, projektanci stron internetowych, graficy i filmowcy.

Piękno

Przy Piękno (1993) dążył do odkrywanie na nowo uroku zjawisk naturalnych Składał się on z obiektu zlokalizowanego w ciemnia Na dachu znajdował się wąż, z którego wydobywał się dym. woda w postaci rosy i lampa Zestawienie tych elementów stworzyło tęcza które widz musiał znaleźć, stojąc pod odpowiednim kątem.

Projekt klimatyczny

The 2003 Elliason wystawiał w Tate Modern w Londynie Projekt klimatyczny W ogromnym pomieszczeniu z turbiną (155 metrów długości, 23 metry szerokości i 35 metrów wysokości) umieścił nawilżacze wytwarzające mgłę. W centrum zainstalował dysk składający się z setek monochromatycznych lamp emitujących żółte światło. Następnie na suficie znajdowało się lustro, które pozwalało odwiedzającym odbijać się jako małe cienie.

Instalacja trwała pięć miesięcy i przyciągnęła dwa miliony widzów, którzy wchodzili w interakcje z elementami, dzielili się, kontemplowali i mogli medytować nad zmianami klimatu. Jego praca ma na celu skłonienie ludzi do myślenia poprzez interakcję. Z tego powodu Mark Godfrey, kurator wystawy The Projekt klimatyczny, wyrażone:

Eliasson uważa, że czasami kryzys klimatyczny jest komunikowany tylko poprzez dyskurs strachu. Chce zmienić sposób, w jaki myślimy o tej kwestii za pomocą dyskursu przyjemności i miłości. Wiesz, co lubię w świecie? I dlaczego powinienem się tym przejmować?".

Zegar lodowy w Londynie

Rok 2014 wraz z geologiem Minikiem Rosingiem, podjęli się instalacji Zegar lodowy której celem było uwidocznienie w bezpośredni sposób problemów spowodowanych przez globalne ocieplenie Wystawa odwiedziła Kopenhagę, Paryż i Londyn.

Składał się on z bloki lodu pochodzące z Grenlandii Elementy te zostały przeniesione i usunięte do nowej lokalizacji. ułożone w okrągły kształt, imitujący zegar 24 bloki ważyły 12 ton i zaprosił widza, by stał się uczestnikiem Ludzie mogli dotknąć, poczuć zimno i obserwować proces topnienia na żywo.

Dla Elaissona rola artysty jest dziś bardzo ważna. W rzeczywistości oświadczył: "Nie możesz nie być politykiem. Wszystko, co robimy, ma konsekwencje i nie możemy uciec od faktu, że wszyscy jesteśmy ze sobą połączeni". Dlatego zachęcił publiczność do rozważenia jego propozycji:

Musimy zdać sobie sprawę, że razem mamy moc podejmowania indywidualnych działań i napędzania zmian systemowych. Dotknij pokrywy lodowej Grenlandii i pozwól jej dotknąć Ciebie. Przekształćmy wiedzę o klimacie w działania na rzecz klimatu.

Może zainteresują Cię: Land art: definicja, historia i wielcy przedstawiciele

2) Félix González Torres

Félix González Torres (1957-1996) był kubańskim artystą, mieszkającym w Stanach Zjednoczonych, gdzie rozwinął swoją twórczość. Najważniejszymi z jego produkcji były jego instalacje w stylu minimalistycznym, w których wykorzystywał materiały z życia codziennego. takich jak zegarki, ołówki, słodycze itp.

Jego styl charakteryzował się użycie metafor w celu odniesienia się do uczuć o charakterze uniwersalnym z którymi opinia publiczna może się utożsamiać.

Bez tytułu (Perfect Lovers)

W MOMA w Nowym Jorku można znaleźć Bez tytuł (Perfect Lovers) (1991), instalacja, która wyróżnia się prostotą, ale także pięknym przesłaniem, które zawiera. Jest to dzieło, które odnosi się do miłości, straty i żałoby Artysta zamontował dwa zegary w momencie śmierci swojego partnera, Rossa Laycocka, z których każdy reprezentuje ich, a z czasem nieuchronnie przestają być zsynchronizowane, zwiększając w ten sposób odległość między nimi.

Bez tytułu (Portret Rossa w LA)

W następnym roku stworzył kolejne dzieło w hołdzie swojej zmarłej miłości. Bez tytułu (Portret Rossa w LA) Ciekawą rzeczą w tej instalacji jest to, że za każdym razem zmieniała swój układ, w zależności od tego, gdzie była wystawiana i jak publiczność wchodziła z nią w interakcję.

Widzowie zostali zaproszeni do wzięcia słodyczy na wynos lub do zmiany ich ułożenia. W ten sposób artysta starał się obrazujący, jak strata działa w czasie Może znajdować nowe formy i dostosowywać się, ale nigdy nie znika.

Podobnie jak jego partner, González Torres zmarł z powodu powikłań związanych z AIDS w 1996 roku i był jednym z pierwszych głosów w świecie sztuki, który zabrał głos w tej sprawie.

Wydajność

Marina Abramović

Marina Abramović (Serbia, 1946) została doceniona za swoje prowokacyjny występy w którym zamienił się w obiekt artystyczny Jego kariera rozpoczęła się w latach 70. Jego styl charakteryzował się buntem i chęcią zbadania relacja między artystą a publicznością. Jego słowa brzmią: "kiedy po raz pierwszy wystawiłem swoje ciało na widok publiczny, zrozumiałem, że to moje wsparcie".

Zdjęcie wydajność Ritmo 0

W 1974 roku stworzył jeden z jego najbardziej brawurowych występów i który dodatkowo ujawnił mu ciemność istoty ludzkiej Zmęczona byciem etykietowaną jako ekshibicjonistka i masochistka, powiedziała Pace 0 gdzie Publiczność miała wchodzić w bezpośrednią interakcję z jej ciałem, podczas gdy ona funkcjonowała jako czyste płótno. .

W Morra Studio w Neapolu (Włochy) występował przez sześć godzin. Stał bez ruchu. 72 obiekty leżały na stole obok napisu "Możesz zrobić ze mną, co chcesz. Jestem obiektem. Biorę odpowiedzialność za wszystko, co może się wydarzyć w tym czasie".

W ten sposób Abramović oddała się publiczności niczym lalka. Celem było sprawdzenie, jak ludzie zareagują na możliwość posiadania człowieka jako zabawki. .

Były dwie kategorie, przedmioty przyjemności, takie jak perfumy, kwiaty i pióra; oraz przedmioty zniszczenia z nożami, nożyczkami, żyletkami, a nawet pistoletem.

Na początku To wszystko było całkiem niewinne, Zmusili ją do zmiany pozy, dali jej kwiaty i pocałowali ją Jednak po trzeciej godzinie sprawy przybrały gorszy obrót. Złowieszczy zwrot akcji: została związana, pozbawiona ubrania, dźgnięta cierniami, a nawet dźgnięta nożem przez mężczyznę. Po zakończeniu swojej prezentacji stwierdził:

Pokazuje, jak szybko ktoś może zdecydować się cię skrzywdzić, gdy ma na to pozwolenie. Pokazuje, jak łatwo jest odczłowieczyć kogoś, kto nie walczy. Pokazuje, że większość "normalnych" ludzi może stać się bardzo agresywna w miejscach publicznych, jeśli da się im szansę.

Zdjęcie Wydajność wdechu/wydechu

W 1976 roku przeprowadził się do Amsterdamu, gdzie poznał Niemiecki artysta Frank Uwe Laysiepen, lepiej znany jako Ulay Rozpoczęli romantyczny związek, który zaowocował współpraca która trwała ponad dekadę i przyniosła jedne z jego najciekawszych prac.

Jako zespół chcieli zbadać granice ciała, więc postanowili zagrać ze sobą. W 1977 roku wyprodukowali "Wdychanie/Wydychanie The wydajność wykonano dwukrotnie, w Belgradzie i Amsterdamie, zatykając nozdrza i zaciskając usta. Chodziło o to, aby wdychać tylko powietrze wydychane przez drugą osobę, dopóki cały dostępny tlen nie zostanie zużyty .

Oboje upadli nieprzytomni na podłogę, a czyniąc to, starali się obnaża pułapki współczesnych związków, w których jedna osoba jest w stanie pochłonąć i zniszczyć drugą.

Zdjęcie performance Artysta jest obecny

Rok 2010 w MOMA zorganizowało retrospektywę Złożyły się na nią filmy, fotografie i dokumenty rejestrujące twórczość artystki na przestrzeni czterech dekad. Tam też postanowiła stworzyć nowy film. wydajność Publiczność została zaproszona do siedzenia i dzielenia się z artystką, aby poczuć jej obecność w atrium muzeum. Akcja ta była jedną z najdłuższych w jego karierze, gdyż spędzał na niej osiem godzin dziennie przez okres trzech miesięcy.

Malowanie

1) Zeng Fanzhi

Zeng Fanzhi (ur. 1964) jest jednym z najbardziej znanych na świecie chińskich artystów i jednym z najlepiej opłacanych obecnie. Charakteryzuje go Tworzył ekspresjonistyczne obrazy, w których odzwierciedlał rzeczywistość swojego kraju, jednocześnie nawiązując do wpływów Zachodu.

Dorastał podczas rewolucji kulturalnej w Chinach, dlatego jego twórczość nawiązuje do trudów tamtych lat. Jego słowami:

Kiedy byłem młody, życie było tak ciężkie, że trudno było myśleć o przyszłości. W tamtym czasie najważniejszą rzeczą było związanie końca z końcem i możliwość wyżywienia się.

Po studiach na Akademii Sztuk Pięknych w Hubei zdecydował się specjalizować w malarstwie. FARBA OLEJNA Jego głównymi inspiracjami są Paul Cézanne, Willem de Kooning i Lucian Freud.

Maska nr 1

Z czasem rozwinął własny styl i stał się sławny dzięki swojej serii Maski, który został podkreślony przez prezentację postacie ukrywające się za maską Ponadto, jego Ręce są przesadnie nieproporcjonalne do reszty ciała.

Tutaj, w Maska nr 1 ( 1999) można zaobserwować typowy portret człowieka należącego do chińskiego reżimu. Widać to po czerwonym szaliku i symbolu na jego prawym ramieniu. Choć zakrywa on jego twarz, bólu i udręki nie da się ukryć, a z oczu, które wydają się pozbawione życia, spływają gęste łzy.

Ostatnia Wieczerza

Ostatnia Wieczerza (2001) to jeden z jego najsłynniejszych obrazów, na którym robi odniesienie do twórczości Leonarda Da Vinci przy użyciu tego samego składu i rozmieszczenia znaków.

W tym przypadku Bohaterowie pochodzą z czasów współczesnych i mają typowe cechy swojej serii. Maski Mają więc czerwone szaliki nawiązujące do komunizmu, zbyt duże dłonie i maski w chińskim stylu zakrywające ich twarze. W przeciwieństwie do oryginału, kolacja charakteryzuje się oszczędnością. .

Dzieło zostało sprzedane w 2013 roku za 23 miliony dolarów, czyniąc Fanzhi jednym z najbardziej poszukiwanych artystów na świecie.

Guillermo Lorca García

Guillermo Lorca García (1984) jest chilijskim artystą, który wyróżnia się tworzeniem płócien, w których zamieszkuje magiczny świat W erze instalacji i dzieł, w których dominują idee, młody człowiek postanowił powrócić do klasyczny obraz olejny W ten sposób można znaleźć następujące informacje dzieci i zwierzęta w stylu barokowym w którym zestawiono ze sobą następujące elementy piękno i niepokojące .

Stał się znany ze swoich gigantyczne obrazy (do trzech metrów) i dla jego wirtuozeria obrazu Ogromna ilość pracy włożona jest w kompozycje, w których dominują kolory, a także wykorzystanie światła i cienia.

Mali ogrodnicy

Posiada dość szczególny styl, w którym przecinają się techniki malarstwa realistycznego i surrealistycznego. Na przykład w tabeli Mali ogrodnicy W 2021 roku dwie małe dziewczynki można zobaczyć w wymarzonym ogrodzie z gigantycznymi motylami, flamingami i innymi kolorowymi egzotycznymi zwierzętami.

Jeśli chodzi o typ postaci, których zwykle używa, w wywiadzie powiedział:

Dla mnie dzieci i zwierzęta razem mają sens; można powiedzieć, że ich "dusze" są bardziej podobne. To tam są najsilniejsze emocje. Myślę, że postacie reprezentują różne części naszej natury, podobnie jak w bajkach, mitach i legendach.

Ze swojej strony, fakt, że że włosy jednej z dziewczynek są niebieskie lub że jest różowy tygrys. działa jako zasób tworzyć magiczne sceny, w których zamieszkują istoty bez czasu Przyznaje również, że japońskie anime, które oglądała jako dziecko, było inspiracją dla ideału piękna, który przedstawia.

Angielskie łóżko

Malarz określa swoją pracę jako interakcja między przeciwieństwami Tak jak są niewinność i piękno można również znaleźć w Groźba, przemoc i śmierć To właśnie sprawia, że efekt poetycki do swoich kadr.

Przy Angielskie łóżko (2021) widzimy bardziej realistyczne wtargnięcie do portretu. Nie ma już kolorów ani wrażenia magicznego świata. Widzimy młodą dziewczynę patrzącą bezpośrednio na widza, a za nią tygrysa, który wydaje się chcieć ją pożreć. Lorca potwierdza, że ten motyw ma związek z dziecięcymi fantazjami. Chociaż można również dokonać symbolicznych skojarzeń, ponieważ zwykle dzikość jestzwiązane z erotyką.

Fotografia

1) Cindy Sherman

Cindy Sherman (urodzona w 1954 roku w Stanach Zjednoczonych) jest jeden z najbardziej znanych na świecie fotografów Artysta postanowił wykorzystując siebie jako narzędzie, będąc modelką i autorką swoich zdjęć .

W ten sposób często ucieka się do strój, na makijaż i do scenografia W ten sposób staje się zarówno podmiotem, jak i przedmiotem swojej pracy, osiągając obalają role przypisane ich płci, takie jak pasywność.

Film bez tytułu #7

W latach 1977-1980 Sherman stworzył serię zatytułowaną Kadr z filmu bez tytułu ( Film nie ma jeszcze tytułu ). 80 czarno-białych fotografii w tym samym formacie, dzięki którym zyskał międzynarodową sławę. W numerze 7 widzimy kobietę właśnie budzącą się, ubraną w białe pończochy, koszulę nocną i okulary przeciwsłoneczne. Wydaje się być zaskoczona przez aparat, gdy idzie do przodu ze szklanką napoju. Martini w lewej ręce.

Tutaj szukałem zabawa z przedstawianiem kobiet w mediach Chodzi o reprezentowanie kobiecości i jej stereotypów, tak jak robiła to propaganda i kino w tamtych latach.

Z tego powodu, naśladuje sceny z fikcyjnych filmów w którym naśladuje atrakcyjne młode kobiety w sugestywnych pozach, w samym środku sceny. Postanawia skopiować styl lat 50. i 60, gdzie Kobieta była postrzegana jako dekoracyjny, zmysłowy i wyidealizowany obiekt. .

Film bez tytułu #6

Sherman jest nie tylko modelką, ale odpowiada za scenografię, kostiumy i rekwizyty, a także za proces techniczny, co widać na filmie Film bez tytułu #6 Tam, po lewej stronie, widoczny jest kabel, co uwidacznia jakość sztuczności obrazu.

Artysta szukał przywłaszczając sobie fałszywe przedstawienie płci żeńskiej, które krążyło w tamtych latach Korzystając z tych samych mechanizmów, co oficjalny dyskurs, chciałem postawić go na głowie i zmusić opinię publiczną do myślenia.

Bez tytułu

Począwszy od lat 80-tych, na jej fotografiach nie było już gwiazd, a ona sama ustąpiła miejsca sztuczne lalki anatomiczne i kończyny Jest to okres, z którego pochodzi jego seria, Portrety historyczne, Zainspirowany klasycznymi dziełami, biorąc Tworzy dzieła w stylu renesansowego portretu, które zmienia, aby uzyskać niepokojący efekt. . in Bez tytułu (1989) pokazuje kobietę podążającą za prototypową matką, wyolbrzymiając ten przekaz poprzez dodanie gumowej piersi, trzymając dziecko owinięte w biały koc.

2) Ángela Burón

Angela Burón to młoda hiszpańska fotografka, która zyskała rozgłos dzięki swojej pracy w dziedzinie fotografii. surrealistyczne obrazy, w których sama występuje jako modelka . jego Głównym tematem jest ciało, zaaranżowane w nowy i nieoczekiwany sposób dzięki użyciu Photoshopa. W ten sposób tworzy nową rzeczywistość, w której nie jest już możliwe rozróżnienie początku i końca, a tym samym Postać ludzka staje się wyrazem nieskończoności.

Nocne ruchy

W swojej pracy na żywo części ciała Elementy te układają się w zaskakujący sposób, zamieszkując codzienne przestrzenie, takie jak wnętrza prostych domów lub po prostu łóżko. Jest to pierwsza publikacja tej książki. Reorganizacja pozwala widzowi przemyśleć sposób, w jaki rozumie i obserwuje rzeczywistość. .

Decyduje się również na zabawa materialnością ciała i jego jakością jako instrumentu odnosząc się do artystów z wydajność które pojawiły się w latach 70-tych.

Marzenia

Bibliografia

• Márquez, Mónica (2019) "Guillermo Lorca: współczesny barok", Revista Metal.
• Grosenick, Uta (2005). Artystki XX i XXI wieku. Taschen.
• Hodge, Susie (2020). Krótka historia artystek Blume.
• Holzwarth, Hans Werner i Taschen, Laszlo (red.) (2011). Sztuka nowoczesna: historia od impresjonizmu do współczesności Taschen.
• Oppenheimer, Walter (2012), "Damien Hirst or the art of making (a lot of) money", El País.
• Zeldes, Jason (2019). Streszczenie. Sezon 2, odcinek 1: "Olafur Eliasson: The Design of Art" Netflix.