Na počátku 20. století se objevily avantgardní směry, které se snažily překonat tradici. Futurismus, dadaismus a surrealismus tak mimo jiné prolomily bariéry toho, co lze považovat za umění. Tak se stalo. být moderním umělcem znamenalo inovovat a zpochybňovat svět. prostřednictvím děl, která se již nesnažila kopírovat realitu nebo být krásná, ale snažila se otřást stávajícími estetickými a společenskými představami.

Proto se Současné umělecké projevy jsou založeny na tom, jak působí na diváky. Čím kontroverznější a náročnější, tím lépe je přijímána.

Mohlo by vás zajímat: Umělecké avantgardy, Umělecká hnutí 20. století.

Co je to současné umění?

Současné umění je takové, které vyráběné od roku 1950 Jsou to výtvory, které přímo souvisejí s okolnostmi své doby. globalizace, konzumní společnost a průmyslové zboží .

Umělci už nemusí být odborníci ani mít zvláštní talent, protože převládá myšlenka a koncept. Je to realita, ve které instalace, sochy a sochařská díla. ready made které využívají obyčejný předmět a vdechují mu nový život.

Sociální sítě se také staly hlavním prostředkem šíření, protože originalita a odvaha jsou nejvíce ceněnými hodnotami. Jde o to, aby se jít stále dál a dál a zpochybňovat všechny standardy. Dnes lze každý dobře odůvodněný návrh chápat jako umění.

To dává smysl v doba nasycená podněty a informacemi Zajímavé je, že dějiny umění mají staletí velkých tvůrců, kteří již prokázali svou technickou zdatnost. ohromit a být rušivý .

Zde jsou někteří z nejpřelomovějších, nejpodivnějších a nejslavnějších současných umělců poslední doby, kteří jsou zároveň opěvováni i nenáviděni a kterým se nepochybně podařilo zaujmout místo v kolektivní představivosti.

Mohlo by vás zajímat: Konceptuální umění: charakteristika a příklady

Sochařství

1. Jeff Koons

Jeff Koons (Spojené státy, 1955) je jedním z nejkontroverznějších umělců současnosti, a to díky návrhu, v němž převládá exces. Proslavil se v osmdesátých letech 20. století díky svému konceptuální umění, v němž vynikají popové a kýčovité prvky. .

Pracoval na burze cenných papírů na Wall Street, takže byl jedním z prvních tvůrců, kteří si na propagaci své image najali služby reklamní agentury.

Přestože je autorem obrazů a fotografií, je známý především díky svým dílům. monumentální, lesklé sochy Její téma se točí kolem krása na Přeji si a banalita .

Zatímco někteří ho považují za průkopníka a milník v dějinách umění, on sám má několik kritikům, kteří kritizují jejich masovou výrobu Koons se vyznačuje tím, že je umělce nápadů. Tedy, vytvoří koncept, který nakonec sestaví další odborníci. a vyrobí několik kopií, které se prodávají za miliony dolarů.

Balónkový pes (Modrá), The Broad, Los Angeles, Kalifornie, USA

Koons se stal populárním díky této sérii soch vytvořených v letech 1994 až 2000. Dodnes je spojován s tímto obrazem psa z nafouknutých balónků, typickým pro narozeninové oslavy nebo karnevaly, zaměřené na dětské publikum. se svými Balónkoví psi se stal maximální představitel kýčovitého umění, založeného na přetížené estetice a "špatném vkusu". .

Tímto způsobem, vzal předmět minimální hodnoty, pomíjivý, patřící do masové kultury, a chtěl mu dát místo uměleckého díla. Můžeme tak pozorovat interakci mezi každodenním vizuálním jazykem a odkazem na rupturistické akce, jako je Duchampův pisoár. Jde o to, aby se z nejméně představitelného stalo umělecké dílo.

Pět verzí je k dispozici v modré, purpurové, žluté, oranžové, oranžové a červené barvě. Nejvíce zaujmou jejich velké rozměry (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), protože se rozhodl pohrát si s měřítkem, aby byl jeho projekt ještě poutavější.

Jeden z hlavních aspektů souvisí s materiálností. Autor se rozhodl použít obraz, který vyniká svou barvou a tvarem, čímž odkazuje na barevnost a tvar. současný materialistický fetišismus, který je založen na hromadění zbytečností. .

Přehrát - doh, Whitney Museum of American Art, New York, New York, USA

S Play-doh pokračoval ve svém stylu monumentálních děl (315 x 386,7 x 348 cm) a vytvořil tuto sochu složenou z 27 samostatných kusů lakovaného hliníku. V roce 2014 měla premiéru na retrospektivě ve Whitney Museum of American Art v New Yorku.

Umělec vytvořil pět kopií tohoto díla, což činí odkaz na značku Play doh která vyrábí materiály sloužící k dětské rukodělné projekty Inspirací mu byl jeho syn Ludwig, který v dětství vymodeloval plastelínovou mohylu a daroval ji svému otci.

Koons se mu snažil dát co nejrealističtější, aby působil na smysly diváka. Tímto způsobem lze vidět stopy prstů, jako by se jednalo o nově vytvořenou kompozici.

V průběhu let se jejich dosáhly jedněch z nejvyšších hodnot, v jaké může žijící umělec doufat. V roce 2018 byla jedna z těchto verzí prodána za 20 milionů dolarů.

Kytice tulipánů, Petit Palais, Paříž, Francie

Kytice tulipánů byl vystaven v roce 2019 v uctění památky obětí teroristických útoků, k nimž došlo ve Francii v listopadu 2015. Na podnět amerického velvyslance věnoval Koons tuto sochu obyvatelům Paříže.

Je vysoká 12 metrů, váží 33 tun a je vyrobena z bronzu, nerezové oceli a hliníku. Kytice míru (1958) od Pabla Picassa a Socha Svobody. V ruce drží 11 tulipánů místo klasického tuctu, což symbolizuje nepřítomnost, ale také naději.

Tato práce však způsobila zásadní kontroverze Financovali ji američtí a francouzští sběratelé a mnozí tvrdili, že peníze mohly být věnovány přímo sdružením obětí.

Obvinili také Koonse z oportunistického přístupu, protože chtěl tragédii využít jako záminku k instalaci jednoho ze svých děl na turistickém místě. Umělec v reakci ujistil, že 80 % příjmů z audiovizuální reprodukce půjde postiženým útokem a městské radě.

Damien Hirst

Damien Hirst (Anglie, 1965) je jedním z nejinovativnějších umělců současnosti. Ve své tvorbě se rozhodl pro zkoumat hranice toho, co lze chápat jako umění.

Pro svou neuctivost, projekty, které mnozí označují za zlověstné, a schopnost generovat peníze je přirovnáván k Andymu Warholovi. Jedním z jeho největších kritiků je Julian Spalding, kritik a spisovatel, který jeho tvorbu označil za "con-art" (umělecký podvod).

Vskutku nedělá jeho díla ale provádí skupina spolupracovníků Tímto způsobem uvádí, že podstatná je jeho revoluční myšlenky které se snaží zpochybnit přijímaná témata ve světě umění. materializace ustupuje do pozadí Navíc se stala celebritou, protože už jen její postava a výroky přitahují publikum.

Fyzická nemožnost smrti v mysli živého člověka

V roce 1991 zahájil Hirst svou řada Přírodní historie v němž použil zvířecí mrtvoly, které konzervoval pomocí formaldehydu. Jedním z nejkontroverznějších děl bylo Fyzická nemožnost smrti v mysli živého člověka.

V ocelové a skleněné nádrži sedí žralok tygří, jehož cílem byl v popředí nebezpečné zvíře, které lze jen zřídka vidět tak zblízka. Hledal jsem vyvolat v publiku niterné emoce tím, že je konfrontuje na hranici mezi životem a smrtí.

Nákup mršiny financoval sběratel Charles Saatchi a umělec si ji objednal u rybáře, který žádal zvíře "dost velké na to, aby tě sežralo". Po dokončení byla socha vystavena v Saatchi Gallery v Londýně.

I přes použití formalínu musel být žralok v roce 2006 vyměněn kvůli degradaci těla.

Jen Bůh ví

V roce 2007 vystavoval umělec Jen Bůh ví Tvoří ji tři stažené ovce v oddělených nádržích, které evokují obraz Kristova ukřižování.

Zde se apeluje na grotesknost Tímto způsobem funguje jako kritika moderního potravinářského průmyslu To také dělá kývnutí na vzkříšení Její název odkazuje na Boží moudrost, protože Bůh ví, proč se věci dějí tak, jak se dějí.

Pro lásku Boží

Jeho nejznámějším dílem je Pro lásku Boží (2007) uznán jako nejdražší na světě . jeho výroba měla hodnotu 17 milionů .

K výrobě platinové formy použil mužskou lebku z 18. století. 8 601 diamantů bylo přidáno do této umělé lebky a po jejím upevnění k ní byly přidány původní zuby. Na čele byla vykládána ozdoba v kněžském stylu, rovněž z diamantů.

Dílo bylo poprvé vystaveno v londýnské galerii White Cube, kde odkazuje na témata jako např. smrt a peníze Stejně tak se do názvu opět vkládá náboženské téma, ale při jeho pojmenování se inspiroval svou matkou, která mu tehdy řekla: "Proboha, co teď budeš dělat?

Umělec uvedl, že touto sochou chtěl úvahy o nevyhnutelnosti konce existence. Řekl: "Smrt dělá život vzrušujícím. Je to univerzální spouštěč. Všichni se smrti bojíme."

Ačkoli Hirst uvedl, že byl ještě téhož roku prodán anonymnímu konsorciu za 60 milionů, některé hlasy z uměleckého světa to zpochybňují a mnozí ho obviňují, že je stále v umělcových rukou a že údajná cena byla využita ke zvýšení jeho popularity a hodnoty jeho dalších děl.

Jedno z děl La Moneda

Hirstovým posledním projektem je bezpochyby dosud nejkontroverznější ve světě umění. V roce 2016 vytvořil 10 000 olejomaleb na papíře. V roce 2021 se je rozhodl spojit s NFT a návrh nazvat Měna Byly tedy nabídnuty k prodeji v hodnotě dvou tisíc dolarů.

Jakmile ji někdo získá, může Pokud se osoba rozhodne, zda si krypto-umění ponechá (dílo v digitální podobě), nebo zda si ho nechá ve fyzické podobě. Pokud se osoba rozhodne pro NFT, obraz bude vystaven a poté spálen. .

Tímto způsobem zpochybnil Jaká je dnes povaha moderního umění, materiální nebo nemateriální? Od jejího otevření v září 2021 se 4 137 kupujících rozhodlo vyměnit NFT za fyzické dílo, zatímco 5 863 si chtělo ponechat zašifrovanou verzi. Téměř 6 000 pláten bylo spáleno.

Greg Lansky

Greg Lansky (Francie, 1982) se letos proslavil sochou, která zaujala veřejnost i odborníky svou interpretací nového století.

Ačkoli se vyučil fotografem, rozvinul kariéru jako režisér a producent pornografických filmů. Nyní, když je podnikatelem a má finanční svobodu, rozhodl se prozkoumat svět umění. Jeho sochy se vztahují k dnešnímu světu a fungují jako kritická reflexe podmínek současné reality. .

Greg Lansky vedle své sochy Algoritmická krása

V listopadu 2022 představil mramorovou sochu s názvem Algoritmická krása . Jedná se o moderní reinterpretace klasické Venuše de Milo Opakuje tradici, ale rozhodl se jí dát nový vzhled, přičemž velkým rozdílem je, že má ruce, kterými drží iPhone.

Lansky fotografii zveřejnil na svém instagramovém účtu a doprovodil ji následujícím vzkazem: "Kolik bolesti byste snesli, abyste se cítili milováni?" Podle jeho slov:

Vytvořil jsem toto dílo, které odráží vztah mezi bolestí a pocitem lásky ve světě řízeném algoritmy umělé inteligence. Neexistuje žádné zrcadlo pro vaše selfie, protože zrcadlem je lidstvo. My všichni jsme zrcadlem. Algoritmická krása nemá žádné filtry krásy. Stopy plastických operací jsou zobrazeny s grácií a důstojností jako bojové jizvy nekonečné války, které nikdo nemůževyhrát.

Tímto způsobem se snaží vykonávat funkci. kritika současného systému, který podporuje zfalšovaný obraz člověka. Kvůli standardům krásy podstupují lidé plastické operace, které jsou spojeny s velkou bolestí. Všechna tato oběť je přinášena proto, aby patřili k sobě a mohli světu nabídnout svou nejlepší verzi. falešná láska k sítím prostřednictvím "lajků" a komentářů ostatních.

Tato moderní Venuše tedy ukazuje tělo se silikonovými implantáty a znaky odhalujícími různé estetické zásahy. Pro Lanského je to odraz dnešní společnosti, která se neustále snaží vylepšovat svůj zevnějšek, aniž by se starala o něco víc než o vzhled.

Jste na řadě

V prosinci 2022 odhalil umělec novou sochu, v níž si opět vybral prvky z minulosti, aby zpochybnil moderní kulturu.

Na adrese Jste na řadě postavil gilotina Tento nástroj smrti byl již ve své době zcela paradigmatický. Zatímco se prosazovaly ideály rovnosti, bratrství a svobody, byl zároveň vytvořen nástroj k vraždění všech, kteří byli nepohodlní mocným.

Lansky na tuto myšlenku navazuje a do středu kompozice umisťuje symbol Twitter jedna z nejkontroverznějších a nejničivějších sociálních sítí na současné scéně. Stejně jako ve Francii 18. století lze toto médium považovat za krutý, ale ospravedlnitelný prvek, který oslovuje veřejnost dychtící po bolesti druhých.

Zařízení

1. Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (Dánsko, 1967) je známý svou prací na téma velkoformátové sochy a instalace, Pracoval také v malířství, fotografii a filmu a jeho vize souvisí s... zasahují do prostoru a přibližují lidem přírodní jevy, jako je světlo a voda. Jde o to, že když jsou originálně uspořádány, umožňují nám přehodnotit jejich kvalitu jako uměleckých předmětů.

V roce 1995 založil v Berlíně studio, protože jeho přístup je založen na týmové práci a spolupráci. Tvoří ho čtyřpatrová budova, v níž pracuje přibližně 100 lidí, včetně technických specialistů, řemeslníků, architektů, historiků umění, webových designérů, grafiků a filmařů.

Krása

Na adrese Krása (1993) se snažil znovuobjevení kouzla přírodních jevů Skládal se ze zařízení umístěného v temná komora Na střeše byla hadice, ze které vytékala hadice. voda v podobě rosy a lampa Spojením těchto prvků vznikl obraz. rainbow které musí divák najít, když stojí ve správném úhlu.

Klimatický projekt

Na stránkách 2003 Elliason vystavoval v Tate Modern v Londýně Klimatický projekt V obrovské turbínové místnosti (155 metrů dlouhé, 23 metrů široké a 35 metrů vysoké) umístil zvlhčovače vzduchu, které vytvářely mlhu. Uprostřed instaloval disk tvořený stovkami monochromatických lamp vyzařujících žluté světlo. Na stropě pak umístil zrcadlo, které umožňovalo návštěvníkům odrážet se v podobě malých stínů.

Instalace trvala pět měsíců a přilákala dva miliony diváků, kteří komunikovali s prvky, sdíleli, rozjímali a mohli meditovat o změně klimatu. Jeho práce se snaží přimět lidi přemýšlet prostřednictvím interakce. Z tohoto důvodu Mark Godfrey, kurátor výstavy Na stránkách Klimatický projekt, vyjádřeno:

Eliasson je přesvědčen, že někdy se o klimatické nouzi komunikuje pouze prostřednictvím diskurzu strachu. Chce změnit způsob, jakým o problému přemýšlíme, pomocí diskurzu radosti a lásky. Víte, co se mi na světě líbí? A proč bych se o něj měl starat?"

Ledové hodiny v Londýně

Rok 2014 společně s geologem Minikem Rosingem se ujal instalace Ledové hodiny která se snažila přímo zviditelnit problémy způsobené globální oteplování Výstava navštívila Kodaň, Paříž a Londýn.

Skládal se z ledové bloky pocházející z Grónska Tyto kusy byly přemístěny a odstraněny na nové místo. uspořádané do kruhového tvaru napodobujícího hodiny. 24 bloků vážilo 12 tun a vyzval diváka, aby se stal účastníkem Lidé si mohli sáhnout, pocítit chlad a sledovat proces tání v přímém přenosu.

Pro Elaissona je role umělce v dnešní době velmi důležitá. Ostatně prohlásil: "Nemůžete si vybrat, že nebudete političtí. Všechno, co děláme, má své důsledky a nemůžeme uniknout skutečnosti, že jsme všichni vzájemně propojeni." Proto vyzval veřejnost, aby zvážila jeho návrh:

Musíme si uvědomit, že společně máme sílu podniknout individuální kroky a řídit systémové změny. Pojďte se dotknout grónského ledovce a nechte ho, aby se dotkl vás. Proměňme znalosti o klimatu v klimatické akce.

Mohlo by vás zajímat: Land art: definice, historie a velcí představitelé

2. Félix González Torres

Félix González Torres (1957-1996) byl kubánský umělec žijící ve Spojených státech, kde rozvíjel svou tvorbu. Nejvýznamnější z jeho tvorby byly jeho obrazy. minimalistické instalace, v nichž používal materiály z každodenního života. jako jsou hodinky, tužky, sladkosti atd.

Jeho styl se vyznačoval používání metafor k vyjádření pocitů univerzální povahy. se kterými se veřejnost může ztotožnit.

Bez názvu (Perfect Lovers)

V muzeu MOMA v New Yorku najdete Bez název (Perfect Lovers) (1991), instalace, která vyniká svou jednoduchostí, ale také krásným poselstvím, které obsahuje. se týká lásky, ztráty a truchlení Umělec v době smrti svého partnera Rosse Laycocka namontoval dvoje hodiny, z nichž každé je představuje, a postupem času se nevyhnutelně rozcházejí, čímž se zvětšuje vzdálenost mezi nimi.

Bez názvu (Portrét Rosse v Los Angeles)

V následujícím roce vytvořil další dílo, kterým vzdal hold své zesnulé lásce. Bez názvu (Portrét Rosse v Los Angeles) Zajímavé na této instalaci je, že pokaždé měnila své uspořádání v závislosti na tom, kde byla vystavena a jak s ní veřejnost komunikovala.

Diváci byli vyzváni, aby si sladkosti odnesli nebo je přerovnali. Umělec se tak snažil znázornění toho, jak ztráta funguje v čase. Může si najít nové formy a přizpůsobit se, ale nikdy nezmizí.

González Torres, který stejně jako jeho partner zemřel v roce 1996 na komplikace způsobené AIDS, byl jedním z prvních, kdo se k tomuto tématu ve světě umění vyjádřil.

Výkon

Marina Abramović

Marina Abramovićová (Srbsko, 1946) je známá svými díly. provokativní představení ve kterém se proměnila v umělecký objekt Jeho kariéra začala v 70. letech 20. století. Jeho styl se vyznačoval vzdorem a touhou prozkoumat možnosti. vztah mezi umělcem a publikem. Podle jeho slov: "když jsem poprvé předstoupil před veřejnost, pochopil jsem, že je to moje podpora".

Fotografie výkonnost Ritmo 0

V roce 1974 natočil jeden z jeho nejodvážnějších výkonů a který mu navíc odhalil temnota lidské bytosti Unavená z toho, že je označována za exhibicionistku a masochistku, řekla. Tempo 0 kde je diváci měli přímo komunikovat s jejím tělem, zatímco ona fungovala jako prázdné plátno. .

Ve studiu Morra v Neapoli (Itálie) vystupoval šest hodin. Stál nehybně. 72 objektů leželo na stole vedle nápisu: "Můžete si se mnou dělat, co chcete. Jsem objekt. Přebírám odpovědnost za vše, co se v tomto časovém prostoru může stát.".

Abramovičová se tak publiku odevzdala jako panenka. Cílem bylo zjistit, jak by lidé reagovali na možnost mít k dispozici člověka jako hračku. .

Existovaly dvě kategorie, předměty pro potěšení, jako jsou parfémy, květiny a peří, a předměty pro ničení s noži, nůžkami, žiletkami a dokonce i pistolí.

Na začátku Všechno to bylo docela nevinné, donutili ji změnit pózu, dali jí květiny a políbili ji. Po třetí hodině se však situace změnila k horšímu. Zlověstný zvrat: byla svázána, svlečena z šatů, probodnuta trním a dokonce probodnuta mužem. Po skončení své prezentace prohlásil:

Ukazuje, jak rychle se někdo může rozhodnout vám ublížit, když je mu to dovoleno. Ukazuje, jak snadné je dehumanizovat někoho, kdo se nebrání. Ukazuje, že většina "normálních" lidí se může stát na veřejnosti velmi násilnými, pokud k tomu dostanou příležitost.

Fotografie výkonnostní vdechování/vydechování

V roce 1976 se přestěhoval do Amsterdamu, kde se seznámil s manželi Německý umělec Frank Uwe Laysiepen, známý spíše jako Ulay Navázali spolu milostný vztah, který vyústil v... spolupráce která trvala více než deset let a přinesla některá z jeho nejzajímavějších děl.

Jako tým chtěli prozkoumat hranice těla, a tak se rozhodli hrát si sami se sebou. V roce 1977 vytvořili film. "Vdechování/vydechování Na stránkách výkon V Bělehradě a Amsterdamu si zacpali nosní dírky a přitiskli ústa k sobě. vdechovat pouze vzduch vydechovaný druhou stranou, dokud se nevyčerpá všechen dostupný kyslík. .

Oba upadli do bezvědomí na podlahu a snažili se přitom. odhaluje úskalí moderních vztahů, kdy jeden jedinec je schopen pohltit a zničit druhého.

Fotografie představení Umělec je přítomen

Rok 2010 na MOMA uspořádala retrospektivní výstavu Tvořila ji videa, fotografie a dokumenty, které zaznamenávaly umělcovu tvorbu v průběhu čtyř desetiletí. Tam se rozhodla vytvořit novou výstavu. výkon Veřejnost byla vyzvána, aby se posadila a sdílela s umělkyní, aby pocítila její přítomnost v atriu muzea. Tato akce byla jednou z nejdelších v jeho kariéře, protože jí věnoval osm hodin denně po dobu tří měsíců.

Malování

1. Zeng Fanzhi

Zeng Fanzhi (nar. 1964) je jedním z mezinárodně nejuznávanějších čínských umělců a jedním z nejlépe placených současných umělců. Je pro něj charakteristický Vytvořil expresionistické obrazy, v nichž reflektuje realitu své země a zároveň naráží na vliv Západu.

Vyrůstal v době kulturní revoluce v Číně, a proto jeho dílo odkazuje na útrapy, které v těchto letech zažil. Podle jeho slov:

Když jsem byl mladý, život byl tak těžký, že bylo těžké myslet na budoucnost. V té době bylo nejdůležitější vyjít s penězi a mít co jíst.

Po studiu na Akademii výtvarných umění v Hubei se rozhodl specializovat na výtvarné umění. OLEJOVÉ BARVY Mezi jeho hlavní vlivy patří Paul Cézanne, Willem de Kooning a Lucian Freud.

Maska N°1

Postupem času si vytvořil vlastní styl a proslavil se sérií Masky, který byl zvýrazněn prezentací postavy skrývající se za maskou Kromě toho jeho Ruce jsou v přehnaném nepoměru ke zbytku těla.

Zde, v Maska N°1 ( 1999) lze pozorovat typický portrét muže, který patří k čínskému režimu. Ten je patrný z červeného šátku a symbolu na jeho pravé ruce. Přestože zakrývá jeho tvář, bolest a utrpení se nedají skrýt a z očí, které se zdají být bez života, padají husté slzy.

Poslední večeře

Poslední večeře (2001) je jedním z jeho nejznámějších obrazů, na kterém dělá odkaz na dílo Leonarda da Vinciho se stejným složením a rozložením znaků.

V tomto případě je Hlavní hrdinové pocházejí z moderní doby a mají typické rysy své série. Masky Proto mají rudé šátky odkazující na komunismus, nadměrně velké ruce a masky v čínském stylu, které jim zakrývají obličej. Na rozdíl od originálu se večeře vyznačuje úsporností. .

Dílo se v roce 2013 prodalo za 23 milionů dolarů, čímž se Fanzhi stal jedním z nejžádanějších umělců na světě.

Guillermo Lorca García

Guillermo Lorca García (1984) je chilský umělec, který se vyznačuje tvorbou pláten, na nichž obývá kouzelný svět V éře instalací a děl, v nichž převládají myšlenky, se mladý muž rozhodl vrátit se k tématu klasická olejomalba Lze tedy nalézt následující údaje děti a zvířata v barokním stylu ve kterém jsou proti sobě postaveny krása a znepokojující .

Proslavil se svými obří obrazy (až tři metry) a pro jeho obrazová virtuozita Obrovský kus práce je věnován kompozicím, v nichž převládají barvy, a také využití světla a stínu.

Malí zahradníci

Má zcela specifický styl, v němž se prolínají techniky realistické malby a surrealistických obrazů. Například v tabulce Malí zahradníci V roce 2021 se dvě holčičky ocitnou ve snové zahradě s obřími motýly, plameňáky a dalšími barevnými exotickými zvířaty.

O tom, jaké postavy obvykle používá, v jednom rozhovoru řekl:

Děti a zvířata dohromady mi dávají smysl, dalo by se říct, že jejich "duše" jsou si podobnější. V nich se skrývají nejsilnější emoce. Myslím, že postavy představují různé části naší povahy, stejně jako v pohádkách, mýtech a legendách.

Skutečnost, že že jedna z dívek má modré vlasy nebo že je tam růžový tygr. funguje jako zdroj vytvořit magické scény, v nichž žijí bytosti bez času Přiznává také, že inspirací pro ideál krásy, který předkládá, jí bylo japonské anime, které sledovala jako dítě.

Anglická postel

Malíř označuje své dílo jako interakce mezi protiklady Stejně jako existují nevinnost a krása lze nalézt také v vyhrožování, násilí a smrt To je to, co mu dává poetický účinek svým kádrům.

Na adrese Anglická postel (2021) můžeme vidět realističtější vpád do portrétu. Ubylo barev i pocitu magického světa. Vidíme mladou dívku, která se dívá přímo na diváka, a za ní tygra, který jako by ji chtěl sežrat. Lorca potvrzuje, že tento námět souvisí s dětskou fantazií. I když se mohou objevit i symbolické asociace, protože většinou je divokostsouvisející s erotikou.

Fotografie

1. Cindy Sherman

Cindy Shermanová (narozená v roce 1954 ve Spojených státech amerických) je jeden z mezinárodně nejuznávanějších fotografů na světě. Umělec se rozhodl používá sebe jako prostředek, protože je modelkou a autorkou svých snímků. .

Tímto způsobem se často uchyluje k. kostým, na adrese make-up a na scénografie Stává se tak subjektem i objektem své práce, čímž dosahuje rozvrátit role přisuzované jejich pohlaví, jako je pasivita.

Film bez názvu #7

V letech 1977-1980 vytvořil Sherman sérii nazvanou Snímek z filmu bez názvu ( Film zatím bez názvu ). 80 černobílých fotografií stejného formátu, jimiž se proslavil po celém světě. Na snímku číslo 7 vidíme právě se probouzející ženu v bílých punčochách, noční košili a slunečních brýlích. Zdá se, že ji fotoaparát překvapil, protože kráčí vpřed se sklenicí vína. Martini v levé ruce.

Zde jsem hledal hraní si se zobrazováním žen v médiích. Jde o reprezentaci ženskosti a jejích stereotypů, stejně jako to dělala propaganda a kinematografie v oněch letech.

Z tohoto důvodu, napodobuje scény z fiktivních filmů v němž napodobuje atraktivní mladé ženy v sugestivních pózách, a to přímo uprostřed scény. stylu 50. a 60. let, kde je žena byla vnímána jako dekorativní, smyslný a idealizovaný objekt. .

Film bez názvu #6

Sherman je nejen modelem, ale má na starosti i scénografii, kostýmy a rekvizity a má na starosti i technický proces, jak je vidět na snímku. Film bez názvu #6 Vlevo je vidět kabel, který zviditelňuje kvalitu uměleckého obrazu.

Umělec hledal přivlastňuje si falešnou představu ženského pohlaví, která v těch letech kolovala. Chtěl jsem použít stejné mechanismy jako oficiální diskurz, ale postavit je na hlavu a přimět veřejnost k zamyšlení.

Bez názvu

Od osmdesátých let už na fotografiích nebyla v hlavní roli a ustoupila umělé anatomické panenky a končetiny Z tohoto období pochází jeho seriál, Historické portréty, Inspirován klasickými díly, přičemž V renesančním portrétním stylu vytváří díla, která mění tak, aby působila znepokojivě. . v Bez názvu (1989) zobrazuje ženu, která následuje prototyp matky a přehání toto poselství přidáním gumového prsu, zatímco drží dítě zabalené v bílé dece.

2. Ángela Burón

Angela Burón je mladá španělská fotografka, která se proslavila svou prací v oblasti fotografie. surrealistické obrazy, v nichž sama vystupuje jako modelka. . jeho ústředním tématem je tělo, které je díky použití Photoshopu uspořádáno novými a nečekanými způsoby. Vytváří tak novou realitu, v níž již není možné rozlišit začátek a konec, a tím i novou skutečnost. lidská postava se stává výrazem nekonečna.

Noční pohyby

Ve své práci živě části těla Tyto prvky se překvapivým způsobem uspořádávají, přičemž obývají každodenní prostory, jako jsou interiéry jednoduchých domů nebo prostě postel. Tato kniha vychází poprvé. reorganizace umožňuje divákovi přehodnotit způsob, jakým chápe a pozoruje realitu. .

Rozhoduje také o hra s materiálností těla a jeho kvalitou jako nástroje. odkazující na umělce z výkon která se objevila v 70. letech 20. století.

Sny

Bibliografie

• Márquez, Mónica (2019) "Guillermo Lorca: současné baroko", Revista Metal.
• Grosenick, Uta. (2005). Umělkyně 20. a 21. století. Taschen.
• Hodge, Susie (2020). Stručná historie umělkyň Blume.
• Holzwarth, Hans Werner a Taschen, Laszlo (Eds.) (2011). Moderní umění: dějiny od impresionismu po současnost Taschen.
• Oppenheimer, Walter (2012), "Damien Hirst aneb umění vydělat (hodně) peněz", El País.
• Zeldes, Jason (2019). Abstrakt. 2. série, 1. díl: "Olafur Eliasson: The Design of Art" Netflix.