All'inizio del XX secolo emersero i movimenti d'avanguardia che cercavano di rompere con la tradizione: il Futurismo, il Dadaismo e il Surrealismo, tra gli altri, infransero le barriere di ciò che poteva essere considerato come arte. Fu così che essere un artista moderno significava innovare e sfidare il mondo attraverso opere che non cercavano più di copiare la realtà o di essere belle, ma cercavano di scuotere le concezioni estetiche e sociali esistenti.

Pertanto, il Le espressioni artistiche attuali si basano sull'impatto che hanno sul pubblico. Più è controverso e impegnativo, meglio viene accolto.

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Che cos'è l'arte contemporanea?

L'arte contemporanea è quella che prodotto dal 1950 in poi Sono creazioni direttamente collegate alle circostanze del loro tempo. globalizzazione, società dei consumi e manufatti .

Gli artisti non hanno più bisogno di essere esperti o di avere un talento particolare, perché è l'idea e il concetto a predominare È una realtà in cui installazioni, sculture e opere scultoree abbondano. pronto per l'uso che prendono un oggetto comune e gli danno nuova vita.

I social network sono diventati anche il principale mezzo di divulgazione, poiché l'originalità e l'audacia sono i valori più apprezzati. Si tratta di sempre di più e sfidare tutti gli standard. Oggi qualsiasi proposta fondata può essere intesa come arte.

Questo ha senso in un tempi saturi di stimoli e informazioni La cosa interessante è che nella storia dell'arte ci sono secoli di grandi creatori che hanno già dimostrato la loro abilità tecnica. Quindi, la cosa interessante è che stupire ed essere dirompenti .

Ecco alcuni degli artisti contemporanei più innovativi, strani e famosi degli ultimi tempi, lodati e odiati allo stesso tempo, che sono riusciti senza dubbio a occupare uno spazio nell'immaginario collettivo.

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Scultura

1. Jeff Koons

Jeff Koons (Stati Uniti, 1955) è uno degli artisti più controversi di oggi, per via di una proposta in cui prevale l'eccesso. È diventato famoso negli anni Ottanta grazie a una arte concettuale, in cui spiccano elementi pop e kitsch. .

Lavorando alla borsa di Wall Street, è stato uno dei primi creatori ad affidarsi a un'agenzia pubblicitaria per promuovere la propria immagine.

Sebbene abbia prodotto dipinti e fotografie, è noto soprattutto per i suoi sculture monumentali e scintillanti Il suo tema ruota attorno alla bellezza il Desidero e il banalità .

Sebbene alcuni lo considerino un pioniere e una pietra miliare della storia dell'arte, egli ha diverse detrattori che criticano la loro produzione di massa Koons si è caratterizzato per essere un artista delle idee. Così, crea un concetto che finisce per essere messo insieme da altri specialisti e produce diverse copie che vengono vendute per milioni di dollari.

Cane con palloncino (Blu), The Broad, Los Angeles, California, USA

Koons è diventato popolare con questa serie di sculture realizzate tra il 1994 e il 2000. A tutt'oggi è associato a questa immagine di un cane fatto di palloncini gonfiati, tipica delle feste di compleanno o dei carnevali, rivolta a un pubblico di bambini. Con i suoi Cani con palloncini è diventato il il massimo rappresentante dell'arte kitsch, basata su un'estetica sovraccarica e sul "cattivo gusto". .

In questo modo, ha preso un oggetto di valore minimo, effimero, appartenente alla cultura di massa e ha voluto dargli il suo posto come opera d'arte. Si nota così l'interazione tra il linguaggio visivo di tutti i giorni e il riferimento ad azioni di rottura come l'orinatoio di Duchamp. Si tratta di trasformare il minimo immaginabile in un'opera d'arte.

Le cinque versioni sono disponibili nei colori blu, magenta, giallo, arancione e rosso. Ciò che colpisce di più sono le loro grandi dimensioni (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), in quanto l'artista ha deciso di giocare con la scala per rendere il suo progetto ancora più accattivante.

Uno degli aspetti principali ha a che fare con la materialità: l'artista ha deciso di utilizzare un'immagine che si distingue per il colore e la forma, alludendo all'immagine di un'opera che si è rivelata un po' troppo "piccola". feticismo materialista attuale, che si basa sull'accumulo dell'inutile. .

Giocare... doh, Museo Whitney di Arte Americana, New York, New York, USA

Con Pasta per giocare ha proseguito il suo stile di opere monumentali (315 x 386,7 x 348 cm), creando questa scultura composta da 27 pezzi separati di alluminio verniciato, che nel 2014 è stata presentata in anteprima in una retrospettiva al Whitney Museum of American Art di New York.

L'artista ha realizzato cinque copie di quest'opera, il che rende riferimento al marchio Play doh che produce materiali che servono a progetti di artigianato per bambini L'ispirazione gli venne dal figlio Ludwig, che da bambino modellò un tumulo di plastilina e lo regalò al padre.

Koons ha cercato di dargli la il più realistico possibile, per fare appello ai sensi dello spettatore. In questo modo si possono notare i segni delle dita, come se si trattasse di una composizione appena creata.

Nel corso degli anni, i loro Le sue opere hanno raggiunto alcuni dei valori più alti che un artista vivente possa sperare di ottenere. Nel 2018, una di queste versioni è stata venduta per 20 milioni di dollari.

Bouquet di tulipani, Petit Palais, Parigi, Francia

Bouquet di tulipani è stata esposta nel 2019 a omaggio alle vittime degli attacchi terroristici che hanno avuto luogo in Francia nel novembre 2015. Su iniziativa dell'ambasciatore statunitense, Koons ha regalato questa scultura alla popolazione di Parigi.

Alta 12 metri, pesa 33 tonnellate ed è realizzata in bronzo, acciaio inossidabile e alluminio. Si ispira al dipinto Bouquet di pace (1958) di Pablo Picasso e la Statua della Libertà. La mano tiene 11 tulipani invece della classica dozzina, a simboleggiare l'assenza, ma anche la speranza.

Tuttavia, questo lavoro ha causato un controversia importante È stato finanziato da collezionisti americani e francesi, e molti hanno sostenuto che il denaro avrebbe potuto essere donato direttamente alle associazioni delle vittime.

In risposta, l'artista ha assicurato che l'80% del ricavato della riproduzione audiovisiva sarà devoluto alle persone colpite dall'attentato e al Comune.

Damien Hirst

Damien Hirst (Inghilterra, 1965) è uno degli artisti più innovativi di oggi, che nelle sue opere ha scelto di esplorare i limiti di ciò che può essere inteso come arte.

È stato paragonato a Andy Warhol, per la sua irriverenza, i suoi progetti che molti definiscono sinistri e la sua capacità di generare denaro. Uno dei suoi più importanti detrattori è Julian Spalding, critico e scrittore, che ha definito la sua produzione "con-art" (arte-truffa).

Infatti non compie le sue opere ma sono realizzati da un gruppo di collaboratori In questo modo, egli afferma che l'essenziale è il suo idee rivoluzionarie che cercano di sfidare i temi accettati del mondo dell'arte. Così, la la materializzazione passa in secondo piano Inoltre, è diventata una celebrità, poiché la sua figura e le sue dichiarazioni attirano da sole il pubblico.

L'impossibilità fisica della morte nella mente di una persona vivente

Nel 1991, Hirst ha iniziato la sua serie Storia naturale in cui ha utilizzato carcasse di animali che ha conservato attraverso l'uso di formaldeide. Uno dei pezzi più controversi è stato L'impossibilità fisica della morte nella mente di una persona viva.

In una vasca di acciaio e vetro siede uno squalo tigre, il cui bersaglio è stato mettendo in primo piano un animale pericoloso che raramente può essere visto così da vicino Stavo cercando generare emozioni viscerali nel pubblico affrontandoli sul confine tra la vita e la morte.

Il collezionista Charles Saatchi finanziò l'acquisto della carcassa e l'artista la commissionò a un pescatore che chiese un animale "abbastanza grande da divorarti". Una volta completata, la scultura fu esposta alla Saatchi Gallery di Londra.

Nonostante l'uso della formalina, nel 2006 è stato necessario sostituire lo squalo a causa della degradazione del corpo.

Solo Dio lo sa

Nel 2007 l'artista ha esposto Solo Dio lo sa È composta da tre pecore scuoiate in vasche separate, che evocano l'immagine della crocifissione di Cristo.

Qui, il appelli al grottesco In questo modo, funziona come un critica dell'industria alimentare moderna Inoltre, fa un un cenno alla resurrezione Il titolo allude alla sapienza di Dio, che sa perché le cose accadono nel modo in cui accadono.

Per amore di Dio

La sua opera più famosa ad oggi è Per amore di Dio (2007) riconosciuto come il più costoso al mondo . il suo produzione aveva un valore di 17 milioni di euro .

Ha utilizzato un cranio maschile del XVIII secolo per creare uno stampo in platino. 8.601 diamanti sono stati aggiunti a questo cranio artificiale e i denti originali sono stati aggiunti dopo che è stato fissato. Un ornamento in stile sacerdotale, anch'esso fatto di diamanti, è stato intarsiato sulla sua fronte.

L'opera è stata esposta per la prima volta alla White Cube Gallery di Londra, dove allude a temi quali morte e denaro Allo stesso modo, con il titolo, si inserisce nuovamente il tema religioso, ma nel nominarlo si è ispirato alla madre, che all'epoca gli disse: "Per l'amor di Dio, cosa farai adesso?

L'artista ha dichiarato che con questa scultura ha voluto riflettendo sull'inevitabilità della fine dell'esistenza Ha detto: "La morte rende la vita eccitante, è un fattore scatenante universale, tutti abbiamo paura della morte".

Sebbene Hirst abbia dichiarato che l'opera è stata venduta lo stesso anno a un consorzio anonimo per 60 milioni, alcune voci nel mondo dell'arte hanno messo in dubbio questo dato, accusando l'artista di essere ancora nelle sue mani e che il presunto prezzo è stato usato per aumentare la sua popolarità e il valore delle sue altre creazioni.

Una delle opere di La Moneda

Senza dubbio, l'ultimo progetto di Hirst è stato l'opera di più controversa nel mondo dell'arte fino ad oggi Nel 2016 ha prodotto 10.000 dipinti a olio su carta, e nel 2021 ha deciso di collegarli alla NFT e di chiamare la proposta La valuta Sono stati quindi messi in vendita per un valore di duemila dollari.

Una volta che qualcuno l'ha acquisito, può Se la persona sceglie di conservare la criptoarte (l'opera in forma digitale) o di averla in forma fisica. Se la persona sceglie la NFT, il dipinto verrà esposto e poi bruciato. .

In questo modo, ha messo in discussione la Qual è la natura dell'arte moderna oggi, quella materiale o quella immateriale? Dalla sua apertura nel settembre 2021, 4.137 acquirenti hanno deciso di scambiare il loro NFT con l'opera fisica, mentre 5.863 hanno voluto tenere la versione criptata. Quasi 6.000 tele sono state bruciate.

Greg Lansky

Greg Lansky (Francia, 1982) è diventato famoso quest'anno per una scultura che ha attirato l'attenzione del pubblico e degli specialisti per la sua interpretazione del nuovo secolo.

Pur essendosi formato come fotografo, ha sviluppato una carriera come regista e produttore di film pornografici. Ora che è un imprenditore e ha la libertà finanziaria, ha deciso di esplorare il mondo dell'arte. Le sue sculture si riferiscono al mondo di oggi e fungono da riflessione critica sulle condizioni della realtà contemporanea. .

Greg Lansky accanto alla sua scultura Bellezza algoritmica

Nel novembre 2022, ha presentato una scultura in marmo chiamata Bellezza algoritmica . Si tratta di un reinterpretazione moderna della classica Venere di Milo Riprende la tradizione, ma decide di darle un nuovo aspetto, con la grande differenza che ha delle braccia con cui regge un iPhone.

Lansky ha postato la foto sul suo account instagram, accompagnata dal seguente messaggio: "Quanto dolore sopporteresti per sentirti amato?":

Ho creato quest'opera che riflette la relazione tra il dolore e il sentirsi amati in un mondo guidato dagli algoritmi dell'intelligenza artificiale. Non c'è uno specchio per il tuo selfie perché l'umanità è lo specchio. Siamo tutti lo specchio. La bellezza algoritmica non ha filtri di bellezza. I segni degli interventi di chirurgia plastica sono mostrati con grazia e dignità come le cicatrici di una guerra infinita che nessuno puòvincere.

In questo modo, cerca di esercitare una la critica al sistema attuale che promuove un'immagine adulterata dell'essere umano Gli standard di bellezza inducono le persone a sottoporsi a interventi di chirurgia plastica che comportano molto dolore. Tutto questo sacrificio viene fatto per appartenere e per poter dare la migliore versione di sé al mondo. In cambio, ricevono la falso amore per le reti attraverso i "mi piace" e i commenti degli altri.

Così, questa Venere moderna mostra una corpo con protesi al silicone e segni che rivelano vari interventi estetici. Per Lansky, si tratta di un riflesso della società odierna, che cerca costantemente di migliorare il proprio aspetto esteriore, senza preoccuparsi di nulla più che dell'apparenza.

Tu sei il prossimo

Nel dicembre 2022, l'artista ha presentato una nuova scultura in cui ha scelto ancora una volta elementi del passato per mettere in discussione la cultura moderna.

A Tu sei il prossimo costruito un ghigliottina Questo strumento di morte era già abbastanza paradigmatico all'epoca: mentre si promuovevano gli ideali di uguaglianza, fraternità e libertà, si creava anche uno strumento per assassinare tutti coloro che erano scomodi per il potere.

Lansky riprende quest'idea e pone al centro della composizione il simbolo di Twitter uno dei social network più controversi e distruttivi del panorama attuale. Come nella Francia del XVIII secolo, questo mezzo può essere visto come un elemento crudele ma giustificabile, che fa appello a un pubblico desideroso del dolore altrui.

Strutture

1. Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (Danimarca, 1967) è conosciuto per il suo lavoro sul sculture e installazioni di grandi dimensioni, Ha lavorato anche nella pittura, nella fotografia e nel cinema, e la sua visione ha a che fare con intervenire nello spazio e avvicinare le persone a fenomeni naturali come la luce e l'acqua. L'idea è che, se disposti in modo originale, ci permettono di ripensare alla loro qualità di oggetti d'arte.

Nel 1995 ha aperto uno studio a Berlino, perché il suo approccio è incentrato sul lavoro di squadra e sulla collaborazione. Si tratta di un edificio di quattro piani con circa 100 persone, tra cui specialisti tecnici, artigiani, architetti, storici dell'arte, web designer, grafici e film-maker.

Bellezza

A Bellezza (1993) ha cercato di riscoprire il fascino dei fenomeni naturali Si trattava di una struttura situata in un camera oscura Sul tetto c'era un tubo da cui usciva una manichetta. acqua sotto forma di rugiada e di lampada La giustapposizione di questi elementi ha prodotto una Arcobaleno che lo spettatore doveva trovare stando all'angolo giusto.

Il progetto sul clima

Il 2003 Elliason ha esposto alla Tate Modern, Londra Il progetto sul clima Nell'enorme sala della turbina (lunga 155 metri, larga 23 e alta 35) ha collocato degli umidificatori per creare una nebbia, mentre al centro ha installato un disco composto da centinaia di lampade monocromatiche che irradiano luce gialla. Poi ha collocato uno specchio sul soffitto, permettendo ai visitatori di riflettersi come piccole ombre.

L'installazione è durata cinque mesi e ha attirato due milioni di spettatori che hanno interagito con gli elementi, condiviso, contemplato e meditato sul cambiamento climatico. Il suo lavoro cerca di far riflettere le persone attraverso l'interazione. Per questo motivo, Mark Godfrey, curatore di Il Progetto clima, espresso:

Eliasson ritiene che a volte l'emergenza climatica venga comunicata solo attraverso discorsi di paura. Lui vuole cambiare il modo in cui pensiamo al problema con un discorso di piacere e amore. Sai, cosa mi piace del mondo? E perché dovrei preoccuparmene?".

Orologio di ghiaccio a Londra

L'anno 2014 insieme al geologo Minik Rosing, ha intrapreso l'installazione del Orologio di ghiaccio che ha cercato di rendere visibili in maniera diretta i problemi causati dalla riscaldamento globale La mostra ha visitato Copenaghen, Parigi e Londra.

Si componeva di blocchi di ghiaccio provenienti dalla Groenlandia Questi pezzi sono stati spostati e rimossi in una nuova sede. disposti in forma circolare, a imitazione di un orologio I 24 blocchi pesavano 12 tonnellate e invita lo spettatore a diventare un partecipante Le persone potevano toccare, sentire il freddo e assistere in diretta al processo di fusione.

Per Elaisson, il ruolo dell'artista è oggi molto importante, tanto che ha dichiarato: "Non si può scegliere di non essere politici. Tutto ciò che facciamo ha delle conseguenze e non possiamo sfuggire al fatto che siamo tutti interconnessi". Pertanto, ha incoraggiato il pubblico a considerare la sua proposta:

Dobbiamo riconoscere che insieme abbiamo il potere di intraprendere azioni individuali e guidare un cambiamento sistemico. Venite a toccare la calotta glaciale della Groenlandia e lasciate che sia lei a toccare voi. Trasformiamo la conoscenza del clima in azione per il clima.

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2. Félix González Torres

Félix González Torres (1957 - 1996) è stato un artista cubano, residente negli Stati Uniti, dove ha sviluppato il suo lavoro. La sua produzione più importante è stata quella di installazioni in stile minimalista in cui utilizzava materiali della vita quotidiana. come orologi, matite, dolci, ecc.

Il suo stile è caratterizzato da l'uso di metafore per riferirsi a sentimenti di natura universale con cui il pubblico può immedesimarsi.

Senza titolo (Amanti perfetti)

Al MOMA di New York si possono trovare Senza titolo (Amanti perfetti) (1991), un'installazione che si distingue per la sua semplicità, ma anche per il bel messaggio che contiene. è un'opera che si riferisce all'amore, alla perdita e al lutto L'artista ha montato due orologi al momento della morte del suo compagno, Ross Laycock, ognuno dei quali li rappresenta. Con il passare del tempo, inevitabilmente si sfasano, aumentando così la distanza tra loro.

Senza titolo (Ritratto di Ross a Los Angeles)

L'anno successivo crea un'altra opera in omaggio al suo amore scomparso: in Senza titolo (Ritratto di Ross a Los Angeles) L'aspetto interessante di questa installazione è che ogni volta cambiava la sua disposizione, a seconda del luogo in cui veniva esposta e del modo in cui il pubblico interagiva con essa.

Gli spettatori sono stati invitati a prendere i dolci da portare via o a riordinarli. Così, l'artista ha cercato di raffigurante il funzionamento della perdita nel tempo Può trovare nuove forme e adattarsi, ma non scompare mai.

Come il suo compagno, González Torres è morto per complicazioni dovute all'AIDS nel 1996 ed è stato una delle prime voci nel mondo dell'arte a parlare del problema.

Prestazioni

Marina Abramović

Marina Abramović (Serbia, 1946) si è fatta notare per i suoi provocatorio prestazioni in cui si è trasformato in un oggetto artistico La sua carriera inizia negli anni '70. Il suo stile è caratterizzato dalla sfida e dal desiderio di sondare la realtà. relazione tra l'artista e il pubblico. Nelle sue parole: "la prima volta che ho messo il mio corpo davanti al pubblico, ho capito che era il mio sostegno".

Fotografia del prestazioni Ritmo 0

Nel 1974 ha realizzato una delle sue interpretazioni più audaci e che, inoltre, gli ha rivelato la l'oscurità dell'essere umano Stanca di essere etichettata come esibizionista e masochista, ha dichiarato Pace 0 dove il Il pubblico doveva interagire direttamente con il suo corpo, mentre lei fungeva da tela bianca. .

Nello Studio Morra di Napoli (Italia) si è esibito per sei ore. Era immobile. 72 oggetti giacevano su un tavolo accanto a un cartello che diceva: "Potete farmi quello che volete. Sono un oggetto. Mi assumo la responsabilità di tutto quello che può accadere in questo spazio di tempo".

In questo modo, la Abramović si è concessa al pubblico come se fosse una bambola". L'obiettivo era vedere come le persone avrebbero reagito alla possibilità di avere un essere umano a disposizione come giocattolo. .

C'erano due categorie: oggetti di piacere, come profumi, fiori e piume; e oggetti di distruzione, con coltelli, forbici, lamette e persino una pistola.

All'inizio Era tutto abbastanza innocente, le hanno fatto cambiare posa, le hanno regalato fiori e l'hanno baciata. Tuttavia, dopo la terza ora, le cose hanno preso una brutta piega. Un sinistro colpo di scena: fu legata, spogliata, trafitta di spine e persino pugnalata da un uomo. Al termine della sua presentazione, ha dichiarato:

Dimostra quanto rapidamente qualcuno possa decidere di farti del male, quando gli è permesso. Dimostra quanto sia facile disumanizzare qualcuno che non reagisce. Dimostra che la maggior parte delle persone "normali" può diventare molto violenta in pubblico, se gliene viene data la possibilità.

Fotografia del prestazioni Inspirazione/Espirazione

Nel 1976 si è trasferito ad Amsterdam dove ha incontrato la Artista tedesco Frank Uwe Laysiepen, meglio conosciuto come Ulay I due hanno iniziato una relazione sentimentale che è sfociata in una cooperazione che durò più di un decennio e produsse alcuni dei suoi lavori più interessanti.

Come squadra, volevano esplorare i limiti del corpo, così decisero di giocare con se stessi. Nel 1977 produssero "Inspirazione/Espirazione Il prestazioni Il rito è stato eseguito due volte, a Belgrado e ad Amsterdam, tappandosi le narici e premendo le bocche. L'idea era di respirare solo l'aria espulsa dall'altro fino a esaurire tutto l'ossigeno disponibile .

Entrambi caddero a terra privi di sensi, e nel farlo cercarono di espongono le insidie delle relazioni moderne, in quanto un individuo è in grado di consumare e distruggere l'altro.

Fotografia del performance L'artista è presente

L'anno 2010 il Il MOMA ha organizzato una retrospettiva Si trattava di video, fotografie e documenti che registravano il lavoro dell'artista nel corso di quattro decenni. Lì, ha deciso di realizzare un nuovo prestazioni Il pubblico è stato invitato a sedersi e a condividere con l'artista, a sentire la sua presenza nell'atrio del museo. L'azione è stata una delle più lunghe della sua carriera, poiché ha trascorso otto ore al giorno per un periodo di tre mesi impegnato in questa attività.

Pittura

1. Zeng Fanzhi

Zeng Fanzhi (nato nel 1964) è uno degli artisti cinesi più noti a livello internazionale e uno dei più pagati al giorno d'oggi, caratterizzato da un'estetica che si distingue per l'uso di un'unica tecnica. Ha creato dipinti espressionisti in cui riflette la realtà del suo Paese, alludendo allo stesso tempo all'influenza dell'Occidente.

È cresciuto durante la Rivoluzione Culturale in Cina ed è per questo che il suo lavoro fa riferimento alle difficoltà vissute in quegli anni, come dice lui stesso:

Quando ero giovane, la vita era così dura che era difficile pensare al futuro. A quel tempo, la cosa più importante era arrivare a fine mese e riuscire a sfamarsi.

Dopo aver studiato presso l'Accademia di Belle Arti di Hubei, ha deciso di specializzarsi nel campo delle arti figurative. VERNICE AD OLIO Le sue principali influenze sono Paul Cézanne, Willem de Kooning e Lucian Freud.

Maschera N°1

Nel corso del tempo ha sviluppato un stile proprio ed è diventato famoso con la serie Maschere, che è stato sottolineato dalla presentazione di personaggi che si nascondono dietro una maschera Inoltre, il suo Le mani sono esageratamente sproporzionate rispetto al resto del corpo.

Qui, in Maschera N°1 ( 1999) si può osservare il tipico ritratto di un uomo appartenente al regime cinese, come si evince dalla sciarpa rossa e dal simbolo sul braccio destro. Nonostante copra il volto, il dolore e l'angoscia sono impossibili da nascondere e fitte lacrime scendono da occhi che sembrano senza vita.

L'ultima cena

L'ultima cena (2001) è uno dei suoi quadri più famosi, in cui fa riferimento all'opera di Leonardo Da Vinci utilizzando la stessa composizione e distribuzione dei caratteri.

In questo caso, il I protagonisti provengono dall'epoca moderna e hanno le caratteristiche tipiche della loro serie. Maschere Per questo motivo, hanno sciarpe rosse che alludono al comunismo, mani di grandi dimensioni e maschere in stile cinese che coprono i loro volti. A differenza dell'originale, la cena si caratterizza per la sua frugalità. .

L'opera è stata venduta nel 2013 per 23 milioni di dollari, rendendo Fanzhi uno degli artisti più ricercati al mondo.

Guillermo Lorca García

Guillermo Lorca García (1984) è un artista cileno che si distingue per la realizzazione di tele in cui abita una mondo magico In un'epoca di installazioni e opere in cui predominano le idee, il giovane ha deciso di ritornare alla pittura ad olio classica Pertanto, si può trovare quanto segue bambini e animali in stile barocco in cui si contrappongono i seguenti elementi la bellezza e l'inquietudine .

È diventato famoso per le sue dipinti giganti (fino a tre metri) e per la sua virtuosismo pittorico C'è un enorme lavoro nelle composizioni in cui predominano i colori, così come nell'uso di luci e ombre.

I piccoli giardinieri

Ha un stile abbastanza particolare in cui si intersecano le tecniche della pittura realista e le immagini surrealiste. Ad esempio, nella tabella I piccoli giardinieri Nell'anno 2021, due bambine si trovano in un giardino da sogno con farfalle giganti, fenicotteri e altri animali esotici colorati.

Per quanto riguarda il tipo di personaggi che utilizza abitualmente, in un'intervista ha dichiarato:

Per me bambini e animali insieme hanno senso; si potrebbe dire che le loro "anime" sono più simili. È lì che si trovano le emozioni più potenti. Penso che i personaggi rappresentino diverse parti della nostra natura, come nelle fiabe, nei miti e nelle leggende.

Da parte sua, il fatto che il I capelli di una delle ragazze sono blu o che c'è una tigre rosa. funziona come un risorsa per creare scene magiche in cui abitano creature senza tempo Riconosce anche che gli anime giapponesi che guardava da bambina sono stati un'ispirazione per l'ideale di bellezza che propone.

Il letto inglese

Il pittore si riferisce al suo lavoro come al interazione tra opposti Così come ci sono innocenza e bellezza si trova anche nella sezione minacce, violenza e morte Questo è ciò che gli conferisce il effetto poetico ai loro quadri.

A Il letto inglese (2021) si nota un'incursione più realistica nel ritratto. Non ci sono più i colori né la sensazione di un mondo magico. Si vede una bambina che guarda direttamente lo spettatore e, dietro di lei, una tigre che sembra volerla divorare. Lorca afferma che questo tema ha a che fare con le fantasie dei bambini. Anche se si possono fare anche associazioni simboliche, dato che di solito la selvaticità èlegati all'erotismo.

Fotografia

1. Cindy Sherman

Cindy Sherman (nata nel 1954 negli Stati Uniti d'America) è uno dei fotografi più famosi a livello internazionale L'artista ha deciso di utilizzando se stessa come veicolo, come modella e autrice delle proprie immagini .

In questo modo, ricorre spesso alla costume, a trucco e al scenografia In questo modo, egli diventa sia soggetto che oggetto del suo lavoro, realizzando sovvertire i ruoli attribuiti al loro sesso, come la passività.

Film senza titolo #7

Tra il 1977 e il 1980, Sherman ha creato una serie intitolata Ancora un film senza titolo ( Film non ancora intitolato ). 80 fotografie in bianco e nero nello stesso formato con cui è diventato famoso a livello internazionale. Nella numero 7 si vede una donna appena sveglia, con calze bianche, camicia da notte e occhiali da sole, che sembra essere sorpresa dalla macchina fotografica, mentre avanza con un bicchiere di vino. Martini nella mano sinistra.

Qui stavo cercando giocare con la rappresentazione delle donne nei media Si tratta di rappresentare la femminilità e i suoi stereotipi, proprio come facevano la propaganda e il cinema in quegli anni.

Per questo motivo, imita scene di film di fantasia in cui imita giovani donne attraenti in pose suggestive, proprio nel bel mezzo di una scena. Decide di copiare le donne che hanno fatto il loro ingresso in scena. stile degli anni '50 e '60, dove il La donna era vista come un oggetto decorativo, sensuale e idealizzato. .

Film senza titolo #6

Sherman non è solo un modello, ma è responsabile della scenografia, dei costumi e degli oggetti di scena, ed è anche responsabile del processo tecnico, come si può vedere in Film senza titolo #6 Lì, a sinistra, è visibile un cavo che rende evidente la qualità dell'artificio dell'immagine.

L'artista era alla ricerca di appropriandosi della mistificazione del sesso femminile che circolava in quegli anni Utilizzando gli stessi meccanismi del discorso ufficiale, volevo capovolgerlo e far riflettere il pubblico.

Senza titolo

A partire dagli anni '80, le sue fotografie non la vedono più protagonista, e lascia il posto a bambole e arti anatomici artificiali Questo è il periodo da cui trae origine la sua serie, Ritratti storici, Ispirandosi alle opere classiche, prendendo il Stile ritrattistico rinascimentale, crea opere che altera per produrre un effetto inquietante. . in Senza titolo (1989) mostra una donna che segue il prototipo di madre, esagerando il messaggio con l'aggiunta di un seno di gomma, mentre tiene in braccio un bambino avvolto in una coperta bianca.

2. Ángela Burón

Angela Burón è una giovane fotografa spagnola salita alla ribalta per il suo lavoro nel campo della fotografia. immagini surreali in cui lei stessa funge da modello . il suo Il tema centrale è il corpo, disposto in modi nuovi e inaspettati grazie all'uso di Photoshop. In questo modo, si crea una nuova realtà in cui non è più possibile distinguere un inizio o una fine e, quindi, la la figura umana diventa espressione dell'infinito.

Movimenti notturni

Nel suo lavoro dal vivo parti del corpo Questi elementi si dispongono in modi sorprendenti, abitando spazi quotidiani, come gli interni di semplici case o semplicemente un letto. È la prima volta che questo libro viene pubblicato. La riorganizzazione permette allo spettatore di ripensare al modo in cui comprende e osserva la realtà. .

Decide inoltre di giocare con la materialità del corpo e la sua qualità di strumento riferendosi ad artisti del prestazioni che è emerso negli anni '70.

Sogni

Bibliografia

• Márquez, Mónica (2019) "Guillermo Lorca: barocco contemporaneo", Revista Metal.
• Grosenick, Uta. (2005). Donne artiste del XX e XXI secolo. Taschen.
• Hodge, Susie (2020). Breve storia delle donne artiste Blume.
• Holzwarth, Hans Werner e Taschen, Laszlo (a cura di) (2011). Arte moderna: una storia dall'Impressionismo ai giorni nostri Taschen.
• Oppenheimer, Walter (2012), "Damien Hirst o l'arte di fare (molti) soldi", El País.
• Zeldes, Jason (2019). Astratto. Stagione 2, episodio 1: "Olafur Eliasson: Il design dell'arte" Netflix.