Στις αρχές του 20ού αιώνα, εμφανίστηκαν τα κινήματα της πρωτοπορίας που επιδίωξαν να σπάσουν την παράδοση. Έτσι, ο φουτουρισμός, ο ντανταϊσμός και ο σουρεαλισμός, μεταξύ άλλων, έσπασαν τα όρια του τι θα μπορούσε να θεωρηθεί τέχνη. Έτσι, ο το να είσαι σύγχρονος καλλιτέχνης σήμαινε να καινοτομείς και να προκαλείς τον κόσμο μέσα από έργα που δεν προσπαθούσαν πλέον να αντιγράψουν την πραγματικότητα ή να είναι όμορφα, αλλά προσπαθούσαν να ταρακουνήσουν τις υπάρχουσες αισθητικές και κοινωνικές αντιλήψεις.

Ως εκ τούτου, η Οι σημερινές καλλιτεχνικές εκφράσεις βασίζονται στον αντίκτυπο που έχουν στο κοινό. Όσο πιο αμφιλεγόμενο και προκλητικό, τόσο καλύτερη είναι η υποδοχή του.

Μπορεί να σας ενδιαφέρουν: Καλλιτεχνικές πρωτοπορίες, Καλλιτεχνικά κινήματα του 20ού αιώνα

Τι είναι η σύγχρονη τέχνη;

Σύγχρονη τέχνη είναι αυτή που που παράγονται από το 1950 και μετά Είναι δημιουργίες που σχετίζονται άμεσα με τις συνθήκες της εποχής τους. την παγκοσμιοποίηση, την καταναλωτική κοινωνία και τα βιομηχανικά προϊόντα .

Οι καλλιτέχνες δεν χρειάζεται πλέον να είναι ειδικοί ή να έχουν κάποιο ιδιαίτερο ταλέντο, επειδή είναι η ιδέα και η αντίληψη που κυριαρχεί Είναι μια πραγματικότητα στην οποία εγκαταστάσεις, γλυπτά και γλυπτικά έργα αφθονούν. έτοιμο που παίρνουν ένα κοινό αντικείμενο και του δίνουν νέα ζωή.

Τα κοινωνικά δίκτυα έχουν επίσης γίνει το κύριο μέσο διάδοσης, δεδομένου ότι η πρωτοτυπία και η τόλμη είναι οι αξίες που εκτιμώνται περισσότερο. Πρόκειται για όλο και περισσότερο να προχωρούν όλο και περισσότερο και να προκαλούν όλα τα πρότυπα. Σήμερα, κάθε τεκμηριωμένη πρόταση μπορεί να εκληφθεί ως τέχνη.

Αυτό έχει νόημα σε ένα εποχές κορεσμένες σε ερεθίσματα και πληροφορίες Έτσι, το ενδιαφέρον είναι ότι η ιστορία της τέχνης έχει αιώνες μεγάλων δημιουργών που έχουν ήδη αποδείξει την τεχνική τους δεινότητα. Έτσι, το ενδιαφέρον είναι ότι να εκπλήσσει και να διαταράσσει .

Ακολουθούν μερικοί από τους πιο πρωτοποριακούς, παράξενους και διάσημους σύγχρονους καλλιτέχνες των τελευταίων χρόνων, οι οποίοι εξυμνούνται και μισούνται ταυτόχρονα και οι οποίοι έχουν αναμφίβολα καταφέρει να καταλάβουν έναν χώρο στη συλλογική φαντασία.

Μπορεί να σας ενδιαφέρει: Εννοιολογική τέχνη: χαρακτηριστικά και παραδείγματα

Γλυπτική

1. Jeff Koons

Ο Τζεφ Κουνς (Ηνωμένες Πολιτείες, 1955) είναι ένας από τους πιο αμφιλεγόμενους καλλιτέχνες σήμερα, λόγω μιας πρότασης στην οποία κυριαρχεί η υπερβολή. Έγινε διάσημος τη δεκαετία του 1980 μέσα από μια εννοιολογική τέχνη, στην οποία ξεχωρίζουν τα ποπ και κιτς στοιχεία. .

Εργαζόταν στο χρηματιστήριο της Wall Street, οπότε ήταν ένας από τους πρώτους δημιουργούς που προσέλαβε τις υπηρεσίες μιας διαφημιστικής εταιρείας για να προωθήσει την εικόνα του.

Αν και έχει δημιουργήσει πίνακες ζωγραφικής και φωτογραφίες, είναι περισσότερο γνωστός για το μνημειακά, αστραφτερά γλυπτά Το θέμα του περιστρέφεται γύρω από την ομορφιά το Επιθυμώ να και το κοινοτοπία .

Ενώ ορισμένοι τον θεωρούν πρωτοπόρο και ορόσημο στην ιστορία της τέχνης, έχει αρκετές τους επικριτές που επικρίνουν τη μαζική παραγωγή τους Ο Koons έχει χαρακτηριστεί ως καλλιτέχνης των ιδεών. Έτσι, δημιουργεί μια ιδέα που καταλήγει να συγκροτείται από άλλους ειδικούς και φτιάχνει αρκετά αντίγραφα που πωλούνται για εκατομμύρια δολάρια.

Σκύλος μπαλόνι (Μπλε), The Broad, Λος Άντζελες, Καλιφόρνια, ΗΠΑ

Ο Koons έγινε δημοφιλής με αυτή τη σειρά γλυπτών που φιλοτέχνησε μεταξύ 1994 και 2000. Μέχρι σήμερα συνδέεται με αυτή την εικόνα ενός σκύλου φτιαγμένου από φουσκωμένα μπαλόνια, χαρακτηριστική των πάρτι γενεθλίων ή των καρναβαλιών, που απευθύνονται στο παιδικό κοινό. Με την Σκυλιά με μπαλόνια έγινε η ο μέγιστος εκπρόσωπος της κιτς τέχνης, βασισμένη σε μια υπερφορτωμένη αισθητική και "κακό γούστο". .

Με αυτόν τον τρόπο, πήρε ένα αντικείμενο ελάχιστης αξίας, εφήμερο, που ανήκε στη μαζική κουλτούρα και θέλησε να του δώσει τη θέση του ως έργο τέχνης. Έτσι, μπορεί κανείς να δει την αλληλεπίδραση μεταξύ της καθημερινής οπτικής γλώσσας και της αναφοράς σε ρηξικέλευθες δράσεις, όπως το ουρητήριο του Duchamp. Πρόκειται για τη μετατροπή του λιγότερο φανταστικού σε έργο τέχνης.

Οι πέντε εκδόσεις είναι διαθέσιμες σε μπλε, ματζέντα, κίτρινο, πορτοκαλί, πορτοκαλί και κόκκινο. Αυτό που εντυπωσιάζει περισσότερο είναι οι μεγάλες διαστάσεις τους (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), καθώς αποφάσισε να παίξει με την κλίμακα για να κάνει το έργο του ακόμη πιο εντυπωσιακό.

Μια από τις κύριες πτυχές έχει να κάνει με την υλικότητα. Ο καλλιτέχνης αποφάσισε να χρησιμοποιήσει μια εικόνα που ξεχωρίζει για το χρώμα και το σχήμα της, παραπέμποντας στην σημερινό υλιστικό φετιχισμό, ο οποίος βασίζεται στη συσσώρευση του άχρηστου. .

Play- doh, Whitney Museum of American Art, Νέα Υόρκη, Νέα Υόρκη, ΗΠΑ

Με Play-doh συνέχισε το ύφος των μνημειακών έργων του (315 x 386,7 x 348 εκ.), δημιουργώντας αυτό το γλυπτό που αποτελείται από 27 ξεχωριστά κομμάτια βαμμένου αλουμινίου. Το 2014 έκανε πρεμιέρα σε αναδρομική έκθεση στο Whitney Museum of American Art στη Νέα Υόρκη.

Ο καλλιτέχνης έφτιαξε πέντε αντίγραφα αυτού του έργου, γεγονός που καθιστά αναφορά στη μάρκα Play doh η οποία παράγει υλικά που χρησιμεύουν έργα χειροτεχνίας για παιδιά Η έμπνευσή του προήλθε από τον γιο του Λούντβιχ, ο οποίος ως παιδί έφτιαξε ένα ανάχωμα από πλαστελίνη και το χάρισε στον πατέρα του.

Ο Koons προσπάθησε να του δώσει το όσο το δυνατόν πιο ρεαλιστικά, προκειμένου να προσελκύσουν τις αισθήσεις του θεατή. Με αυτόν τον τρόπο, τα σημάδια των δακτύλων μπορούν να φανούν, σαν να επρόκειτο για μια νέα σύνθεση.

Με την πάροδο των ετών, οι τα έργα του έχουν φτάσει σε μερικές από τις υψηλότερες αξίες που μπορεί να ελπίζει ένας ζωντανός καλλιτέχνης. Το 2018, μία από αυτές τις εκδόσεις πωλήθηκε για 20 εκατομμύρια δολάρια.

Μπουκέτο τουλίπες, Petit Palais, Παρίσι, Γαλλία

Μπουκέτο τουλίπες εκτέθηκε το 2019 στο φόρο τιμής στα θύματα των τρομοκρατικών επιθέσεων που έλαβαν χώρα στη Γαλλία τον Νοέμβριο του 2015. Με πρωτοβουλία του πρέσβη των ΗΠΑ, ο Koons χάρισε το γλυπτό αυτό στους κατοίκους του Παρισιού.

Έχει ύψος 12 μέτρα, ζυγίζει 33 τόνους και είναι κατασκευασμένο από μπρούντζο, ανοξείδωτο χάλυβα και αλουμίνιο. Είναι εμπνευσμένο από τον πίνακα Μπουκέτο ειρήνης (1958) του Πάμπλο Πικάσο και το Άγαλμα της Ελευθερίας. Το χέρι κρατάει 11 τουλίπες αντί για τις κλασικές δώδεκα, για να συμβολίσει την απουσία, αλλά και την ελπίδα.

Ωστόσο, το έργο αυτό προκάλεσε μεγάλη διαμάχη Χρηματοδοτήθηκε από Αμερικανούς και Γάλλους συλλέκτες και πολλοί ισχυρίστηκαν ότι τα χρήματα θα μπορούσαν να είχαν δοθεί απευθείας στις ενώσεις των θυμάτων.

Κατηγόρησαν επίσης τον Koons για καιροσκοπισμό, καθώς ήθελε να χρησιμοποιήσει την τραγωδία ως αφορμή για να εγκαταστήσει ένα από τα έργα του σε ένα τουριστικό σημείο. Σε απάντηση, ο καλλιτέχνης διαβεβαίωσε ότι το 80% των εσόδων από την οπτικοακουστική αναπαραγωγή θα πήγαινε στους πληγέντες από την επίθεση και στο δημοτικό συμβούλιο.

Damien Hirst

Ο Damien Hirst (Αγγλία, 1965) είναι ένας από τους πιο καινοτόμους καλλιτέχνες του σήμερα. Στο έργο του έχει επιλέξει να διερευνούν τα όρια του τι μπορεί να γίνει αντιληπτό ως τέχνη.

Έχει συγκριθεί με τον Άντι Γουόρχολ, λόγω της ασεβείας του, των έργων που πολλοί αποκαλούν σκοτεινά και της ικανότητάς του να παράγει χρήματα. Ένας από τους σημαντικότερους επικριτές του είναι ο Julian Spalding, κριτικός και συγγραφέας, ο οποίος έχει ορίσει την παραγωγή του ως "con-art" (art-scam).

Πράγματι δεν κάνει τα έργα του αλλά πραγματοποιούνται από ομάδα συνεργατών Με αυτόν τον τρόπο, δηλώνει ότι το ουσιώδες πράγμα είναι η επαναστατικές ιδέες που επιδιώκουν να αμφισβητήσουν τα αποδεκτά θέματα του κόσμου της τέχνης. Έτσι, η η υλοποίηση περνά σε δεύτερη μοίρα Επιπλέον, έχει γίνει διάσημη, καθώς η φιγούρα της και οι δηλώσεις της από μόνες τους προσελκύουν το κοινό.

Η φυσική αδυναμία του θανάτου στο μυαλό ενός ζωντανού ατόμου

Το 1991, ο Hirst ξεκίνησε το σειρά Φυσική ιστορία στην οποία χρησιμοποίησε σφάγια ζώων που συντήρησε με τη χρήση φορμαλδεΰδης. Ένα από τα πιο αμφιλεγόμενα κομμάτια ήταν Η φυσική αδυναμία του θανάτου στο μυαλό ενός ζωντανού ατόμου.

Σε μια ατσάλινη και γυάλινη δεξαμενή κάθεται ένας καρχαρίας τίγρης, ο στόχος του ήταν στο προσκήνιο ένα επικίνδυνο ζώο που σπάνια μπορεί να δει κανείς από τόσο κοντά Έψαχνα για δημιουργούν ενστικτώδη συναισθήματα στο κοινό αντιμετωπίζοντάς τους στο όριο μεταξύ ζωής και θανάτου.

Ο συλλέκτης Charles Saatchi χρηματοδότησε την αγορά του κουφάρι, και ο καλλιτέχνης το παρήγγειλε από έναν ψαρά που ζήτησε ένα ζώο "αρκετά μεγάλο για να σε καταβροχθίσει". Μόλις το γλυπτό ολοκληρώθηκε, εκτέθηκε στη γκαλερί Saatchi στο Λονδίνο.

Παρά τη χρήση φορμόλης, το 2006, ο καρχαρίας έπρεπε να αντικατασταθεί λόγω υποβάθμισης του σώματος.

Μόνο ο Θεός ξέρει

Το 2007 ο καλλιτέχνης εξέθεσε Μόνο ο Θεός ξέρει Αποτελείται από τρία γδαρμένα πρόβατα σε ξεχωριστές δεξαμενές, θυμίζοντας την εικόνα της σταύρωσης του Χριστού.

Εδώ, η εκκλήσεις στο γκροτέσκο Με αυτόν τον τρόπο, λειτουργεί ως κριτική της σύγχρονης βιομηχανίας τροφίμων Κάνει επίσης ένα ένα νεύμα στην ανάσταση Ο τίτλος του παραπέμπει στη σοφία του Θεού, διότι γνωρίζει γιατί τα πράγματα συμβαίνουν με τον τρόπο που συμβαίνουν.

Για την αγάπη του Θεού

Το πιο διάσημο έργο του μέχρι σήμερα είναι Για την αγάπη του Θεού (2007) αναγνωρίζεται ως το το πιο ακριβό στον κόσμο . της παραγωγή είχε τιμή 17 εκατομμύρια .

Χρησιμοποίησε ένα ανδρικό κρανίο του 18ου αιώνα για να φτιάξει ένα πλατινένιο καλούπι. 8.601 διαμάντια προστέθηκαν σε αυτό το τεχνητό κρανίο και τα αρχικά δόντια προστέθηκαν σε αυτό μετά τη στερέωσή του. Ένα στολίδι ιερατικού τύπου, επίσης από διαμάντια, ήταν ένθετο στο μέτωπό του.

Το έργο εκτέθηκε για πρώτη φορά στην White Cube Gallery στο Λονδίνο, όπου αναφέρεται σε θέματα όπως θάνατος και χρήμα Με τον ίδιο τρόπο, με τον τίτλο, εισάγεται και πάλι το θρησκευτικό θέμα, αλλά για την ονομασία του, εμπνεύστηκε από τη μητέρα του, η οποία εκείνη την εποχή του έλεγε "Για όνομα του Θεού, τι θα κάνεις τώρα;".

Ο καλλιτέχνης είπε ότι με αυτό το γλυπτό ήθελε να αναλογιζόμενοι το αναπόφευκτο του τέλους της ύπαρξης Είπε: "Ο θάνατος κάνει τη ζωή συναρπαστική. Είναι μια παγκόσμια σκανδάλη. Όλοι φοβόμαστε το θάνατο".

Αν και ο Hirst δήλωσε ότι το έργο πωλήθηκε την ίδια χρονιά σε ανώνυμη κοινοπραξία έναντι 60 εκατομμυρίων, ορισμένες φωνές στον κόσμο της τέχνης αμφισβήτησαν αυτό το γεγονός, πολλοί κατηγορώντας τον ότι βρίσκεται ακόμη στα χέρια του καλλιτέχνη και ότι η υποτιθέμενη τιμή χρησιμοποιήθηκε για να αυξήσει τη δημοτικότητά του και την αξία των άλλων δημιουργιών του.

Ένα από τα έργα του La Moneda

Χωρίς αμφιβολία, το τελευταίο έργο του Hirst ήταν το το πιο αμφιλεγόμενο στον κόσμο της τέχνης μέχρι σήμερα Το 2016 δημιούργησε 10.000 ελαιογραφίες σε χαρτί. Το 2021 αποφάσισε να τις συνδέσει με το NFT και να ονομάσει την πρόταση Το νόμισμα Προσφέρθηκαν έτσι προς πώληση σε αξία δύο χιλιάδων δολαρίων.

Μόλις κάποιος το αποκτούσε, μπορούσε να Εάν το άτομο επιλέξει να κρατήσει την κρυπτογραφία (το έργο σε ψηφιακή μορφή) ή να την έχει σε φυσική μορφή. Εάν το άτομο επιλέξει NFT, ο πίνακας θα εκτεθεί και στη συνέχεια θα καεί. .

Με αυτόν τον τρόπο, έθεσε υπό αμφισβήτηση την Ποια είναι η φύση της σύγχρονης τέχνης σήμερα, η υλική ή η άυλη; Από τότε που άνοιξε τον Σεπτέμβριο του 2021, 4.137 αγοραστές αποφάσισαν να ανταλλάξουν το NFT τους με το φυσικό έργο, ενώ 5.863 θέλησαν να κρατήσουν την κρυπτογραφημένη έκδοση. Σχεδόν 6.000 καμβάδες κάηκαν.

Greg Lansky

Ο Greg Lansky (Γαλλία, 1982) έγινε φέτος διάσημος για ένα γλυπτό που τράβηξε την προσοχή του κοινού και των ειδικών για την ερμηνεία του στο νέο αιώνα.

Αν και εκπαιδεύτηκε ως φωτογράφος, ανέπτυξε καριέρα ως σκηνοθέτης και παραγωγός πορνογραφικών ταινιών. Τώρα που είναι επιχειρηματίας και έχει οικονομική ελευθερία, αποφάσισε να εξερευνήσει τον κόσμο της τέχνης. Τα γλυπτά του αναφέρονται στον σημερινό κόσμο και λειτουργούν ως κριτικός προβληματισμός για τις συνθήκες της σύγχρονης πραγματικότητας. .

Ο Greg Lansky δίπλα στο γλυπτό του Αλγοριθμική ομορφιά

Τον Νοέμβριο του 2022, παρουσίασε ένα μαρμάρινο γλυπτό με το όνομα Αλγοριθμική ομορφιά . Είναι ένα σύγχρονη επανερμηνεία της κλασικής Αφροδίτης της Μήλου Επαναλαμβάνει την παράδοση, αλλά αποφασίζει να της δώσει μια νέα εμφάνιση, με τη μεγάλη διαφορά ότι διαθέτει βραχίονες με τους οποίους κρατάει ένα iPhone.

Ο Lansky δημοσίευσε τη φωτογραφία στο λογαριασμό του στο Instagram, συνοδευόμενη από το εξής μήνυμα: "Πόσο πόνο θα υπομείνατε για να νιώσετε ότι σας αγαπούν;" Με τα λόγια του:

Δημιούργησα αυτό το έργο που αντικατοπτρίζει τη σχέση μεταξύ του πόνου και του αισθήματος αγάπης σε έναν κόσμο που καθοδηγείται από αλγόριθμους τεχνητής νοημοσύνης. Δεν υπάρχει καθρέφτης για τη selfie σου, γιατί η ανθρωπότητα είναι ο καθρέφτης. Είμαστε όλοι ο καθρέφτης. Η αλγοριθμική ομορφιά δεν έχει φίλτρα ομορφιάς. Τα σημάδια των πλαστικών επεμβάσεων παρουσιάζονται με χάρη και αξιοπρέπεια σαν τα σημάδια μάχης ενός ατελείωτου πολέμου που κανείς δεν μπορεί νανίκη.

Με τον τρόπο αυτό, επιδιώκει να ασκήσει κριτική του σημερινού συστήματος που προωθεί μια νοθευμένη εικόνα του ανθρώπου Τα πρότυπα ομορφιάς αναγκάζουν τους ανθρώπους να υποβάλλονται σε πλαστικές επεμβάσεις που συνεπάγονται πολύ πόνο. Όλη αυτή η θυσία γίνεται για να ανήκουν και να μπορούν να δώσουν την καλύτερη εκδοχή του εαυτού τους στον κόσμο. Σε αντάλλαγμα, λαμβάνουν την ψεύτικη αγάπη των δικτύων μέσω των "likes" και των σχολίων των άλλων.

Έτσι, αυτή η σύγχρονη Αφροδίτη δείχνει μια σώμα με εμφυτεύματα σιλικόνης και σημάδια που αποκαλύπτουν διάφορες αισθητικές παρεμβάσεις. Για τον Lansky, είναι μια αντανάκλαση της σημερινής κοινωνίας, η οποία προσπαθεί συνεχώς να βελτιώνει την εξωτερική της εμφάνιση, χωρίς να ενδιαφέρεται για τίποτα περισσότερο από την εμφάνιση.

Είστε ο επόμενος

Τον Δεκέμβριο του 2022, ο καλλιτέχνης παρουσίασε ένα νέο γλυπτό στο οποίο επέλεξε και πάλι στοιχεία από το παρελθόν για να αμφισβητήσει τη σύγχρονη κουλτούρα.

Στο Είστε ο επόμενος έχτισε ένα γκιλοτίνα Αυτό το όργανο θανάτου ήταν ήδη αρκετά παραδειγματικό για την εποχή του. Ενώ προωθούνταν τα ιδανικά της ισότητας, της αδελφοσύνης και της ελευθερίας, δημιουργήθηκε επίσης ένα εργαλείο για τη δολοφονία όλων εκείνων που ήταν ενοχλητικοί για τις εκάστοτε εξουσίες.

Ο Λάνσκι υιοθετεί αυτή την ιδέα και τοποθετεί στο κέντρο της σύνθεσης το σύμβολο του Twitter ένα από τα πιο αμφιλεγόμενα και καταστροφικά κοινωνικά δίκτυα της σημερινής σκηνής. Όπως και στη Γαλλία του 18ου αιώνα, αυτό το μέσο μπορεί να θεωρηθεί ως ένα σκληρό αλλά δικαιολογημένο στοιχείο που απευθύνεται σε ένα κοινό που επιθυμεί τον πόνο των άλλων.

Εγκαταστάσεις

1. Olafur Eliasson

Ο Olafur Eliasson (Δανία, 1967) είναι γνωστός για το έργο του στο γλυπτά και εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας, Έχει ασχοληθεί επίσης με τη ζωγραφική, τη φωτογραφία και τον κινηματογράφο, και το όραμά του έχει να κάνει με παρεμβαίνουν στο χώρο και φέρνουν τους ανθρώπους πιο κοντά σε φυσικά φαινόμενα όπως το φως και το νερό. Η ιδέα είναι ότι, όταν τοποθετούνται με πρωτότυπους τρόπους, μας επιτρέπουν να επανεξετάσουμε την ποιότητά τους ως αντικείμενα τέχνης.

Το 1995 δημιούργησε ένα στούντιο στο Βερολίνο, επειδή η προσέγγισή του βασίζεται στην ομαδική εργασία και τη συνεργασία. Αποτελείται από ένα τετραώροφο κτίριο με περίπου 100 άτομα, μεταξύ των οποίων τεχνικοί, τεχνίτες, αρχιτέκτονες, ιστορικοί τέχνης, σχεδιαστές ιστοσελίδων, γραφίστες και κινηματογραφιστές.

Ομορφιά

Στο Ομορφιά (1993) προσπάθησε να ανακαλύπτοντας εκ νέου τη γοητεία των φυσικών φαινομένων Αποτελούνταν από μια εγκατάσταση που βρισκόταν σε ένα σκοτεινός θάλαμος Υπήρχε ένας σωλήνας στην οροφή, από τον οποίο έβγαινε ένα λάστιχο. νερό με τη μορφή δροσιάς και λαμπτήρας Η παράθεση αυτών των στοιχείων δημιούργησε ένα ουράνιο τόξο που ο θεατής έπρεπε να βρει στέκοντας στη σωστή γωνία.

Το πρόγραμμα για το κλίμα

Το 2003 Ο Elliason εκθέτει στην Tate Modern, Λονδίνο Το πρόγραμμα για το κλίμα Στην τεράστια αίθουσα τουρμπίνας (155 μέτρα μήκος, 23 μέτρα πλάτος και 35 μέτρα ύψος) τοποθέτησε υγραντήρες για τη δημιουργία ομίχλης. Στο κέντρο εγκατέστησε έναν δίσκο που αποτελείται από εκατοντάδες μονοχρωματικές λάμπες που εκπέμπουν κίτρινο φως. Στη συνέχεια τοποθετήθηκε ένας καθρέφτης στην οροφή, επιτρέποντας στους επισκέπτες να αντανακλούν τον εαυτό τους ως μικρές σκιές.

Η εγκατάσταση διήρκεσε πέντε μήνες και προσέλκυσε δύο εκατομμύρια θεατές, οι οποίοι αλληλεπίδρασαν με τα στοιχεία, μοιράστηκαν, προβληματίστηκαν και μπόρεσαν να διαλογιστούν για την κλιματική αλλαγή. Το έργο του επιδιώκει να κάνει τους ανθρώπους να σκεφτούν μέσω της αλληλεπίδρασης. Για το λόγο αυτό, ο Mark Godfrey, επιμελητής του Το Έργο για το κλίμα, εκφράζεται:

Ο Eliasson πιστεύει ότι μερικές φορές η έκτακτη ανάγκη για το κλίμα επικοινωνείται μόνο μέσα από λόγους φόβου. Θέλει να αλλάξει τον τρόπο που σκεφτόμαστε για το θέμα με έναν λόγο ευχαρίστησης και αγάπης. Ξέρετε, τι μου αρέσει στον κόσμο και γιατί πρέπει να με νοιάζει;".

Ρολόι πάγου στο Λονδίνο

Το έτος 2014 μαζί με τον γεωλόγο Minik Rosing, ανέλαβε την εγκατάσταση του Ρολόι πάγου η οποία επεδίωκε να καταστήσει ορατά με άμεσο τρόπο τα προβλήματα που προκαλούσε η υπερθέρμανση του πλανήτη Η έκθεση επισκέφθηκε την Κοπεγχάγη, το Παρίσι και το Λονδίνο.

Αποτελούνταν από μπλοκ πάγου που προέρχονται από τη Γροιλανδία Τα κομμάτια αυτά μετακινήθηκαν και μεταφέρθηκαν σε νέα θέση. διατεταγμένα σε κυκλικό σχήμα, μιμούμενα ρολόι Τα 24 τεμάχια ζύγιζαν 12 τόνους και προσκάλεσε τον θεατή να γίνει συμμετέχων Ο κόσμος μπορούσε να αγγίξει, να νιώσει το κρύο και να παρακολουθήσει ζωντανά τη διαδικασία τήξης.

Για τον Elaisson, ο ρόλος του καλλιτέχνη είναι πολύ σημαντικός σήμερα. Για την ακρίβεια, δήλωσε: "Δεν μπορείς να επιλέξεις να μην είσαι πολιτικός. Ό,τι κάνουμε έχει συνέπειες και δεν μπορούμε να ξεφύγουμε από το γεγονός ότι είμαστε όλοι αλληλένδετοι". Ως εκ τούτου, ενθάρρυνε το κοινό να εξετάσει την πρότασή του:

Πρέπει να αναγνωρίσουμε ότι όλοι μαζί έχουμε τη δύναμη να αναλάβουμε ατομική δράση και να προωθήσουμε συστημική αλλαγή. Ελάτε να αγγίξετε το στρώμα πάγου της Γροιλανδίας και αφήστε το να σας αγγίξει. Ας μετατρέψουμε τη γνώση για το κλίμα σε δράση για το κλίμα.

Ενδέχεται να σας ενδιαφέρει: Land art: ορισμός, ιστορία και σπουδαίοι εκπρόσωποι

2. Félix González Torres

Ο Félix González Torres (1957 - 1996) ήταν Κουβανός καλλιτέχνης, με έδρα τις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου και ανέπτυξε το έργο του. Τα σημαντικότερα από την παραγωγή του ήταν τα εγκαταστάσεις μινιμαλιστικού στυλ στις οποίες χρησιμοποιούσε υλικά από την καθημερινή ζωή. όπως ρολόγια, μολύβια, γλυκά κ.λπ.

Το ύφος του χαρακτηριζόταν από η χρήση μεταφορών για την αναφορά σε συναισθήματα καθολικής φύσης με την οποία το κοινό μπορεί να συμπάσχει.

Χωρίς τίτλο (Τέλειοι εραστές)

Στο MOMA της Νέας Υόρκης θα βρείτε Χωρίς τίτλος (Τέλειοι εραστές) (1991), μια εγκατάσταση που ξεχωρίζει για την απλότητά της, αλλά και για το όμορφο μήνυμα που περιέχει. Είναι ένα έργο που αναφέρεται στην αγάπη, την απώλεια και το πένθος Ο καλλιτέχνης τοποθέτησε δύο ρολόγια την εποχή του θανάτου του συντρόφου του, Ross Laycock, το καθένα από τα οποία τους αντιπροσωπεύει, και με την πάροδο του χρόνου αναπόφευκτα δεν συγχρονίζονται, αυξάνοντας έτσι την απόσταση μεταξύ τους.

Χωρίς τίτλο (Πορτρέτο του Ross στο LA)

Την επόμενη χρονιά, δημιούργησε άλλο ένα έργο ως φόρο τιμής στην αγαπημένη του που έφυγε. Χωρίς τίτλο (Πορτρέτο του Ross στο LA) Το ενδιαφέρον με αυτή την εγκατάσταση είναι ότι κάθε φορά άλλαζε τη διάταξή της, ανάλογα με το πού εκτίθετο και πώς αλληλεπιδρούσε το κοινό μαζί της.

Οι θεατές καλούνταν να πάρουν τα γλυκά για να τα πάρουν ή να τα αναδιατάξουν. Έτσι, ο καλλιτέχνης προσπάθησε να απεικονίζοντας πώς λειτουργεί η απώλεια με την πάροδο του χρόνου Μπορεί να βρίσκει νέες μορφές και να προσαρμόζεται, αλλά ποτέ δεν εξαφανίζεται.

Όπως και ο σύντροφός του, ο González Torres πέθανε από επιπλοκές που οφείλονταν στο AIDS το 1996 και ήταν μία από τις πρώτες φωνές στον κόσμο της τέχνης που μίλησαν για το θέμα.

Επιδόσεις

Μαρίνα Αμπράμοβιτς

Η Μαρίνα Αμπράμοβιτς (Σερβία, 1946) έχει σημειωθεί για την προκλητικό παραστάσεις στην οποία μετατράπηκε σε καλλιτεχνικό αντικείμενο Η καριέρα του ξεκίνησε τη δεκαετία του '70. Το ύφος του χαρακτηριζόταν από προκλητικότητα και επιθυμία να διερευνήσει το σχέση μεταξύ του καλλιτέχνη και του κοινού. Σύμφωνα με τα λόγια του: "την πρώτη φορά που έβαλα το σώμα μου μπροστά στο κοινό, κατάλαβα ότι ήταν η υποστήριξή μου".

Φωτογραφία του απόδοση Ritmo 0

Το 1974 έκανε μια από τις πιο τολμηρές ερμηνείες του και ο οποίος, επιπλέον, του αποκάλυψε το το σκοτάδι του ανθρώπου Κουρασμένη από τον χαρακτηρισμό της ως επιδειξιομανής και μαζοχιστής, είπε Pace 0 όπου η το κοινό έπρεπε να αλληλεπιδράσει άμεσα με το σώμα της, ενώ εκείνη λειτουργούσε ως λευκός καμβάς. .

Στο στούντιο Morra στη Νάπολη (Ιταλία) πραγματοποίησε μια παράσταση για έξι ώρες. Στεκόταν ακίνητος. 72 αντικείμενα βρίσκονταν σε ένα τραπέζι δίπλα σε μια πινακίδα που έγραφε: "Μπορείτε να μου κάνετε ό,τι θέλετε. Είμαι ένα αντικείμενο. Αναλαμβάνω την ευθύνη για ό,τι μπορεί να συμβεί σε αυτό το χρονικό διάστημα".

Με αυτόν τον τρόπο, η Αμπράμοβιτς παραδόθηκε στο κοινό σαν να ήταν μια κούκλα. Στόχος ήταν να δούμε πώς θα αντιδρούσαν οι άνθρωποι στο ενδεχόμενο να έχουν έναν άνθρωπο διαθέσιμο ως παιχνίδι. .

Υπήρχαν δύο κατηγορίες, αντικείμενα ευχαρίστησης, όπως αρώματα, λουλούδια και φτερά, και αντικείμενα καταστροφής με μαχαίρια, ψαλίδια, ξυραφάκια, ακόμη και ένα όπλο.

Στην αρχή Ήταν όλα αρκετά αθώα, την ανάγκασαν να αλλάξει πόζα, της έδωσαν λουλούδια και τη φίλησαν Ωστόσο, μετά την τρίτη ώρα, τα πράγματα άλλαξαν προς το χειρότερο. Μια μοχθηρή τροπή: την έδεσαν, της αφαίρεσαν τα ρούχα, τη μαχαίρωσαν με αγκάθια και τη μαχαίρωσε ακόμη και ένας άνδρας. Αφού τελείωσε η παρουσίασή του, δήλωσε:

Δείχνει πόσο γρήγορα μπορεί κάποιος να αποφασίσει να σας βλάψει, όταν του επιτρέπεται. Δείχνει πόσο εύκολο είναι να εξευτελίσεις κάποιον που δεν αντιστέκεται. Δείχνει ότι οι περισσότεροι "φυσιολογικοί" άνθρωποι μπορούν να γίνουν πολύ βίαιοι δημοσίως, αν τους δοθεί η ευκαιρία.

Φωτογραφία του απόδοση Εισπνοή/Αναπνοή

Το 1976, μετακόμισε στο Άμστερνταμ όπου γνώρισε την Γερμανός καλλιτέχνης Frank Uwe Laysiepen, περισσότερο γνωστός ως Ulay Ξεκίνησαν μια ρομαντική σχέση που κατέληξε σε ένα συνεργασία η οποία διήρκεσε περισσότερο από μια δεκαετία και παρήγαγε μερικά από τα πιο ενδιαφέροντα έργα του.

Ως ομάδα ήθελαν να εξερευνήσουν τα όρια του σώματος, οπότε αποφάσισαν να παίξουν με τον εαυτό τους. Το 1977 δημιούργησαν το "Εισπνοή/εκπνοή Το απόδοση Το έργο εκτελέστηκε δύο φορές, στο Βελιγράδι και στο Άμστερνταμ. Έτσι, έκλειναν τα ρουθούνια τους και έσφιγγαν τα στόματά τους. Η ιδέα ήταν να αναπνέει μόνο τον αέρα που αποβάλλει ο άλλος μέχρι να εξαντληθεί όλο το διαθέσιμο οξυγόνο .

Και οι δύο έπεσαν αναίσθητοι στο πάτωμα και με αυτόν τον τρόπο προσπάθησαν να εκθέτουν τις παγίδες των σύγχρονων σχέσεων, καθώς το ένα άτομο είναι ικανό να καταναλώσει και να καταστρέψει το άλλο.

Φωτογραφία του performance Ο καλλιτέχνης είναι παρών

Το έτος 2010 το Το MOMA πραγματοποίησε αναδρομική έκθεση Αποτελούνταν από βίντεο, φωτογραφίες και ντοκουμέντα που κατέγραφαν το έργο του καλλιτέχνη κατά τη διάρκεια τεσσάρων δεκαετιών. Εκεί, αποφάσισε να κάνει ένα νέο απόδοση Το κοινό κλήθηκε να καθίσει και να μοιραστεί με την καλλιτέχνιδα, να νιώσει την παρουσία της στο αίθριο του μουσείου. Η δράση αυτή ήταν μία από τις μεγαλύτερες της καριέρας του, καθώς επί τρεις μήνες αφιέρωνε οκτώ ώρες την ημέρα σε αυτή τη δραστηριότητα.

Ζωγραφική

1. Zeng Fanzhi

Ο Zeng Fanzhi (γεν. 1964) είναι ένας από τους πιο γνωστούς διεθνώς καλλιτέχνες της Κίνας και ένας από τους πιο ακριβοπληρωμένους σήμερα. Χαρακτηρίζεται από την Δημιούργησε εξπρεσιονιστικούς πίνακες στους οποίους αντανακλά την πραγματικότητα της χώρας του, ενώ ταυτόχρονα υπαινίσσεται την επιρροή της Δύσης.

Μεγάλωσε κατά τη διάρκεια της Πολιτιστικής Επανάστασης στην Κίνα και γι' αυτό το λόγο το έργο του αναφέρεται στις δυσκολίες που βίωσε εκείνα τα χρόνια. Σύμφωνα με τα λόγια του:

Όταν ήμουν νέος, η ζωή ήταν τόσο δύσκολη που ήταν δύσκολο να σκεφτώ το μέλλον. Εκείνη την εποχή, το πιο σημαντικό πράγμα ήταν να τα βγάλουμε πέρα και να μπορέσουμε να τραφούμε.

Αφού σπούδασε στην Ακαδημία Καλών Τεχνών του Χουμπέι, αποφάσισε να ειδικευτεί στην ΒΑΦΗ ΕΛΑΙΟΛΑΔΟΥ Οι κύριες επιρροές του είναι ο Paul Cézanne, ο Willem de Kooning και ο Lucian Freud.

Μάσκα N°1

Με την πάροδο του χρόνου ανέπτυξε ένα δικό σας στυλ και έγινε διάσημος με τη σειρά του Μάσκες, η οποία επισημάνθηκε από την παρουσίαση των χαρακτήρες που κρύβονται πίσω από μια μάσκα Επιπλέον, η Τα χέρια είναι υπερβολικά δυσανάλογα με το υπόλοιπο σώμα τους.

Εδώ, στο Μάσκα N°1 ( 1999) μπορεί να παρατηρηθεί ένα τυπικό πορτρέτο ενός ανθρώπου που ανήκει στο κινεζικό καθεστώς. Αυτό φαίνεται από το κόκκινο μαντήλι και το σύμβολο στο δεξί του χέρι. Παρόλο που καλύπτει το πρόσωπό του, ο πόνος και η αγωνία είναι αδύνατο να κρυφτούν και πυκνά δάκρυα πέφτουν από μάτια που μοιάζουν να είναι άψυχα.

Ο Μυστικός Δείπνος

Ο Μυστικός Δείπνος (2001) είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακές του, στον οποίο κάνει αναφορά στο έργο του Λεονάρντο Ντα Βίντσι χρησιμοποιώντας την ίδια σύνθεση και κατανομή χαρακτήρων.

Στην περίπτωση αυτή, η Οι πρωταγωνιστές προέρχονται από τη σύγχρονη εποχή και έχουν τα τυπικά χαρακτηριστικά της σειράς τους. Μάσκες Έτσι, έχουν κόκκινα κασκόλ που παραπέμπουν στον κομμουνισμό, υπερμεγέθη χέρια και μάσκες κινεζικού τύπου που καλύπτουν τα πρόσωπά τους. Σε αντίθεση με το πρωτότυπο, το δείπνο χαρακτηρίζεται από τη λιτότητά του. .

Το έργο πωλήθηκε το 2013 έναντι 23 εκατομμυρίων δολαρίων, καθιστώντας τον Fanzhi έναν από τους πιο περιζήτητους καλλιτέχνες στον κόσμο.

Guillermo Lorca García

Ο Guillermo Lorca García (1984) είναι ένας Χιλιανός καλλιτέχνης που διακρίνεται για τη δημιουργία καμβάδων στους οποίους κατοικεί μια μαγικός κόσμος Σε μια εποχή εγκαταστάσεων και έργων στα οποία κυριαρχούν οι ιδέες, ο νεαρός αποφάσισε να επιστρέψει στην κλασική ελαιογραφία Έτσι, μπορούν να βρεθούν τα εξής παιδιά και ζώα σε μπαρόκ στυλ στην οποία αντιπαρατίθενται τα ακόλουθα η ομορφιά και το ενοχλητικό .

Έχει γίνει γνωστός για τις γιγαντιαίοι πίνακες ζωγραφικής (έως τρία μέτρα) και για το εικαστική δεξιοτεχνία Υπάρχει τεράστιο έργο σε συνθέσεις όπου κυριαρχούν τα χρώματα, καθώς και στη χρήση του φωτός και της σκιάς.

Οι μικροί κηπουροί

Έχει ένα αρκετά ιδιαίτερο στυλ στο οποίο διασταυρώνονται οι τεχνικές της ρεαλιστικής ζωγραφικής και των υπερρεαλιστικών εικόνων. Για παράδειγμα, στον πίνακα Οι μικροί κηπουροί Το έτος 2021, δύο μικρά κορίτσια βρίσκονται σε έναν ονειρικό κήπο με γιγαντιαίες πεταλούδες, φλαμίνγκο και άλλα πολύχρωμα εξωτικά ζώα.

Όσον αφορά το είδος των χαρακτήρων που χρησιμοποιεί συνήθως, σε συνέντευξή του είπε:

Για μένα, τα παιδιά και τα ζώα μαζί μου βγάζουν νόημα- θα μπορούσες να πεις ότι οι "ψυχές" τους μοιάζουν περισσότερο. Εκεί βρίσκονται τα πιο ισχυρά συναισθήματα. Νομίζω ότι οι χαρακτήρες αντιπροσωπεύουν διαφορετικά μέρη της φύσης μας, όπως συμβαίνει με τα παραμύθια, τους μύθους και τους θρύλους.

Από την πλευρά της, το γεγονός ότι η ότι τα μαλλιά ενός από τα κορίτσια είναι μπλε ή ότι υπάρχει μια ροζ τίγρη. λειτουργεί ως πόρος για να δημιουργήσετε μαγικές σκηνές στις οποίες κατοικούν πλάσματα χωρίς χρόνο Αναγνωρίζει επίσης ότι τα ιαπωνικά anime που παρακολουθούσε ως παιδί αποτέλεσαν έμπνευση για το ιδανικό της ομορφιάς που προβάλλει.

Το αγγλικό κρεβάτι

Ο ζωγράφος αναφέρεται στο έργο του ως αλληλεπίδραση μεταξύ αντιθέτων Ακριβώς όπως υπάρχουν αθωότητα και ομορφιά μπορεί επίσης να βρεθεί στο απειλή, βία και θάνατος Αυτό είναι που του δίνει το ποιητικό αποτέλεσμα στα στελέχη τους.

Στο Το αγγλικό κρεβάτι (2021) βλέπουμε μια πιο ρεαλιστική εισβολή στο πορτραίτο. Δεν υπάρχουν πια χρώματα ή η αίσθηση ενός μαγικού κόσμου. Βλέπουμε ένα νεαρό κορίτσι να κοιτάζει κατευθείαν τον θεατή και πίσω της μια τίγρη που φαίνεται να θέλει να την κατασπαράξει. Ο Λόρκα επιβεβαιώνει ότι το θέμα αυτό έχει να κάνει με τις παιδικές φαντασιώσεις. Αν και μπορούν να γίνουν και συμβολικοί συνειρμοί, αφού συνήθως η αγριότητα είναιπου σχετίζονται με το ερωτικό.

Φωτογραφία

1. Cindy Sherman

Η Cindy Sherman (γεννημένη το 1954 στις Ηνωμένες Πολιτείες της Αμερικής) είναι ένας από τους πιο γνωστούς φωτογράφους παγκοσμίως Ο καλλιτέχνης αποφάσισε να χρησιμοποιώντας τον εαυτό της ως όχημα, όντας μοντέλο και δημιουργός των εικόνων της .

Με τον τρόπο αυτό, καταφεύγει συχνά στην κοστούμι, στο μακιγιάζ και στο σκηνογραφία Έτσι, γίνεται ταυτόχρονα υποκείμενο και αντικείμενο του έργου του, επιτυγχάνοντας ανατρέπουν τους ρόλους που αποδίδονται στο φύλο τους, όπως η παθητικότητα.

Άγνωστη ταινία #7

Μεταξύ 1977 και 1980, ο Σέρμαν δημιούργησε μια σειρά με τίτλο Ατιτλοφόρητη ταινία ( Ταινία που δεν έχει ακόμη τίτλο ). 80 ασπρόμαυρες φωτογραφίες στο ίδιο σχήμα, με το οποίο έγινε διεθνώς διάσημη. Η 7 δείχνει μια γυναίκα που μόλις σηκώθηκε, φορώντας λευκές κάλτσες, νυχτικό και γυαλιά ηλίου. Φαίνεται να εκπλήσσεται από την κάμερα, καθώς προχωρά μπροστά με ένα ποτήρι με Martini στο αριστερό του χέρι.

Εδώ έψαχνα για παίζοντας με την απεικόνιση της γυναίκας στα μέσα μαζικής ενημέρωσης Πρόκειται για την αναπαράσταση της θηλυκότητας και των στερεοτύπων της, όπως ακριβώς έκαναν η προπαγάνδα και ο κινηματογράφος εκείνα τα χρόνια.

Για το λόγο αυτό, μιμείται σκηνές από ταινίες μυθοπλασίας στην οποία μιμείται ελκυστικές νεαρές γυναίκες σε υποβλητικές πόζες, ακριβώς στη μέση μιας σκηνής. Αποφασίζει να αντιγράψει την στυλ των δεκαετιών του '50 και του '60, όπου η η γυναίκα θεωρούνταν διακοσμητικό, αισθησιακό και εξιδανικευμένο αντικείμενο. .

Άγνωστη ταινία #6

Η Σέρμαν δεν είναι μόνο μοντέλο, αλλά είναι υπεύθυνη για τη σκηνογραφία, τα κοστούμια και τα σκηνικά, και είναι επίσης υπεύθυνη για την τεχνική διαδικασία, όπως φαίνεται στο Άγνωστη ταινία #6 Εκεί, στα αριστερά, διακρίνεται ένα καλώδιο, κάνοντας ορατή την ποιότητα του τεχνάσματος της εικόνας.

Ο καλλιτέχνης έψαχνε για οικειοποιούμενοι την παραποίηση του γυναικείου φύλου που κυκλοφορούσε εκείνα τα χρόνια Χρησιμοποιώντας τους ίδιους μηχανισμούς με τον επίσημο λόγο, ήθελα να τον ανατρέψω και να κάνω το κοινό να σκεφτεί.

Χωρίς τίτλο

Από τη δεκαετία του 1980 και μετά, οι φωτογραφίες της δεν είχαν πια την ίδια ως πρωταγωνίστρια και έδωσε τη θέση της σε τεχνητές ανατομικές κούκλες και άκρα Αυτή είναι η περίοδος από την οποία προέρχεται η σειρά του, Ιστορικά πορτρέτα, Εμπνευσμένο από κλασικά έργα, παίρνοντας το Αναγεννησιακό στυλ πορτραίτου, δημιουργεί έργα τα οποία μεταβάλλει για να παράγει ένα ανησυχητικό αποτέλεσμα. . σε Χωρίς τίτλο (1989) δείχνει μια γυναίκα που ακολουθεί το πρότυπο της μητέρας, υπερτονίζοντας το μήνυμα αυτό με την προσθήκη ενός στήθους από καουτσούκ, ενώ κρατάει ένα παιδί τυλιγμένο σε μια λευκή κουβέρτα.

2. Ángela Burón

Η Angela Burón είναι μια νεαρή Ισπανίδα φωτογράφος που έχει γίνει γνωστή για το έργο της στον τομέα της φωτογραφίας. σουρεαλιστικές εικόνες στις οποίες η ίδια λειτουργεί ως μοντέλο . του κεντρικό θέμα είναι το σώμα, τοποθετημένο με νέους και απροσδόκητους τρόπους χάρη στη χρήση του Photoshop. Με αυτόν τον τρόπο, δημιουργεί μια νέα πραγματικότητα στην οποία δεν είναι πλέον δυνατόν να διακρίνει κανείς αρχή ή τέλος, και έτσι, η η ανθρώπινη φιγούρα γίνεται έκφραση του απείρου.

Νυχτερινές κινήσεις

Στο έργο του ζουν μέρη του σώματος Τα στοιχεία αυτά οργανώνονται με εκπληκτικούς τρόπους, ενώ κατοικούν σε καθημερινούς χώρους, όπως οι εσωτερικοί χώροι απλών σπιτιών ή απλώς ένα κρεβάτι. Είναι η πρώτη φορά που εκδίδεται αυτό το βιβλίο. η αναδιοργάνωση επιτρέπει στον θεατή να επανεξετάσει τον τρόπο με τον οποίο κατανοεί και παρατηρεί την πραγματικότητα. .

Αποφασίζει επίσης να παίζοντας με την υλικότητα του σώματος και την ποιότητά του ως οργάνου αναφερόμενος σε καλλιτέχνες από το απόδοση που εμφανίστηκε τη δεκαετία του 1970.

Όνειρα

Βιβλιογραφία

• Márquez, Mónica (2019) "Guillermo Lorca: contemporary baroque", Revista Metal.
• Grosenick, Uta. (2005). Γυναίκες καλλιτέχνες του 20ού και 21ου αιώνα. Taschen.
• Hodge, Susie (2020). Μια σύντομη ιστορία των γυναικών καλλιτεχνών Blume.
• Holzwarth, Hans Werner και Taschen, Laszlo (Eds.) (2011). Μοντέρνα τέχνη: Ιστορία από τον ιμπρεσιονισμό έως σήμερα Taschen.
• Oppenheimer, Walter (2012), "Damien Hirst or the art of making (a lot of) money", El País.
• Zeldes, Jason (2019). Περίληψη. Σεζόν 2, επεισόδιο 1: "Olafur Eliasson: The Design of Art" Netflix.