I begyndelsen af det 20. århundrede opstod avantgardebevægelser, der søgte at bryde med traditionerne. Således brød bl.a. futurismen, dadaismen og surrealismen med grænserne for, hvad der kunne betragtes som kunst. Det var sådan, at at være en moderne kunstner betød at være nyskabende og udfordre verden gennem værker, der ikke længere forsøgte at kopiere virkeligheden eller at være smukke, men forsøgte at rykke ved de eksisterende æstetiske og sociale opfattelser.

Derfor skal den De aktuelle kunstneriske udtryk er baseret på den virkning, de har på publikum. Jo mere kontroversielt og udfordrende, jo bedre bliver det modtaget.

Du er måske interesseret i: Kunstneriske avantgarder, Kunstneriske bevægelser i det 20. århundrede

Hvad er samtidskunst?

Moderne kunst er det, der fremstillet fra 1950 og fremefter De er skabelser, der er direkte relateret til omstændighederne i deres tid. globalisering, forbrugersamfundet og industrivarer .

Kunstnere behøver ikke længere at være eksperter eller have et særligt talent, fordi det er idéen og konceptet, der er det dominerende Det er en virkelighed, hvor installationer, skulpturer og skulpturelle værker i overflod. færdiglavet der tager en almindelig genstand og giver den nyt liv.

De sociale netværk er også blevet det vigtigste formidlingsmiddel, da originalitet og dristighed er de mest værdsatte værdier. Det drejer sig om i stigende grad gå længere og længere og udfordre alle standarder. I dag kan ethvert velbegrundet forslag opfattes som kunst.

Dette giver mening i en en tid, hvor der er mættet af stimulus og information Så det interessante er, at kunsthistorien har århundreder af store kunstnere, der allerede har demonstreret deres tekniske kunnen. Så det interessante er forbløffe og være forstyrrende .

Her er nogle af de mest banebrydende, mærkelige og berømte samtidskunstnere i nyere tid, som både er blevet rost og hadet på samme tid, og som uden tvivl har formået at indtage en plads i den kollektive fantasi.

Du vil måske være interesseret i: Konceptkunst: karakteristika og eksempler

Skulptur

1. Jeff Koons

Jeff Koons (USA, 1955) er en af nutidens mest kontroversielle kunstnere på grund af et forslag, hvor overskuddet er fremherskende. Han blev berømt i 1980'erne gennem en konceptuel kunst, hvor pop- og kitschelementer træder frem. .

Han arbejdede tidligere på børsen på Wall Street, så han var en af de første skabere, der hyrede et reklamebureau til at promovere sit image.

Selv om han har lavet malerier og fotografier, er han mest kendt for sine monumentale, skinnende skulpturer Dens tema drejer sig om den skønhed Jeg ønsker at og banalitet .

Mens nogle anser ham for at være en pioner og en milepæl i kunsthistorien, har han flere kritikere, der kritiserer deres masseproduktion Koons er blevet karakteriseret ved at være en kunstner af ideer. Således, skaber et koncept, der ender med at blive sammensat af andre specialister og fremstiller flere eksemplarer, der sælges for millioner af dollars.

Ballonhund (Blå), The Broad, Los Angeles, Californien, USA

Koons blev populær med denne serie skulpturer, der blev lavet mellem 1994 og 2000. Den dag i dag er han forbundet med dette billede af en hund lavet af oppustede balloner, som er typisk for fødselsdagsfester og karnevaler og henvender sig til et børnepublikum. Med sin Ballonhunde blev den den maksimale repræsentant for kitschkunst, der er baseret på en overdreven æstetik og "dårlig smag". .

På denne måde, tog en genstand af minimal værdi, flygtig, som tilhører massekulturen, og ønskede at give den sin plads som kunstværk. Man kan således se samspillet mellem det daglige billedsprog og henvisningen til rupturistiske handlinger som Duchamps urinal. Det handler om at gøre det mindst tænkelige til et kunstværk.

De fem versioner fås i blå, magenta, gul, orange, orange og rød. Det mest slående er deres store dimensioner (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), da han besluttede at lege med skalaen for at gøre sit projekt endnu mere iøjnefaldende.

Et af de vigtigste aspekter har at gøre med materialiteten. Kunstneren har valgt at bruge et billede, der skiller sig ud ved sin farve og form, og som hentyder til den den nuværende materialistiske fetichisme, som er baseret på ophobning af det ubrugelige. .

Spil- doh, Whitney Museum of American Art, New York, New York, USA

Med Play-doh fortsatte sin stil med monumentale værker (315 x 386,7 x 348 cm.) ved at skabe denne skulptur, der består af 27 separate stykker malet aluminium. I 2014 blev den vist første gang i en retrospektiv udstilling på Whitney Museum of American Art i New York.

Kunstneren har lavet fem kopier af dette værk, hvilket gør henvisning til mærket Play doh som producerer materialer, der tjener til at håndværksprojekter for børn Inspirationen kom fra hans søn Ludwig, der som barn modellerede en plastichøj og gav den i gave til sin far.

Koons forsøgte at give ham den så realistisk som muligt for at appellere til beskuerens sanser. På denne måde kan man se fingeraftryk, som om det var en nyoprettet komposition.

I årenes løb har deres værker har nået nogle af de højeste værdier, som en levende kunstner kan håbe på. I 2018 blev en af disse versioner solgt for 20 millioner dollars.

Buket tulipaner, Petit Palais, Paris, Frankrig

Buket tulipaner blev udstillet i 2019 i hyldest til ofrene for de terrorangreb, der fandt sted i Frankrig i november 2015. På initiativ af den amerikanske ambassadør gav Koons denne skulptur til befolkningen i Paris.

Den er 12 meter høj, vejer 33 tons og er lavet af bronze, rustfrit stål og aluminium og er inspireret af maleriet Buket af fred (1958) af Pablo Picasso og Frihedsgudinden. Hånden holder 11 tulipaner i stedet for det klassiske dusin for at symbolisere fravær, men også håb.

Dette arbejde forårsagede imidlertid en stor uenighed Den blev finansieret af amerikanske og franske samlere, og mange hævdede, at pengene kunne have været doneret direkte til ofrenes foreninger.

De beskyldte også Koons for at være opportunistisk, da han ønskede at bruge tragedien som en undskyldning for at installere et af sine værker på et turiststed. Som svar forsikrede kunstneren, at 80 % af indtægterne fra den audiovisuelle gengivelse ville gå til dem, der var berørt af angrebet, og til bystyret.

Damien Hirst

Damien Hirst (England, 1965) er en af nutidens mest innovative kunstnere. I sit arbejde har han valgt at udforske grænserne for, hvad der kan forstås som kunst.

Han er blevet sammenlignet med Andy Warhol på grund af sin respektløshed, sine projekter, som mange kalder uhyggelige, og sin evne til at generere penge. En af hans vigtigste kritikere er Julian Spalding, kritiker og forfatter, som har defineret hans produktion som "con-art" (kunstsvindel).

Ja, ikke gør sine gerninger men udføres af en gruppe af samarbejdspartnere På denne måde fastslår han, at det væsentlige er hans revolutionære idéer der søger at udfordre de accepterede temaer i kunstverdenen. Således er den materialiseringen træder i baggrunden Desuden er hun blevet en berømthed, da hendes figur og hendes udtalelser alene tiltrækker et publikum.

Den fysiske umulighed af døden i et levende menneskes sind

I 1991 begyndte Hirst sin serie Naturhistorie hvor han brugte dyrekroppe, som han konserverede ved hjælp af formaldehyd. Et af de mest kontroversielle stykker var Den fysiske umulighed af døden i et levende menneskes sind.

I en stål- og glastank sidder en tigerhaj, hvis mål var at sætte et farligt dyr i forgrunden, som sjældent kan ses så tæt på Jeg ledte efter at skabe følelser hos publikum ved at konfrontere dem på grænsen mellem liv og død.

Samler Charles Saatchi finansierede købet af kadaveret, og kunstneren bestilte det hos en fisker, der bad om et dyr "stort nok til at sluge dig". Da skulpturen var færdig, blev den udstillet i Saatchi Gallery i London.

På trods af brugen af formalin måtte hajen i 2006 udskiftes på grund af nedbrydning af kroppen.

Kun Gud ved det

I 2007 udstillede kunstneren Kun Gud ved det Den består af tre flåede får i separate tanke, der fremkalder billedet af Kristi korsfæstelse.

Her er det appellerer til det groteske På denne måde fungerer det som en kritik af den moderne fødevareindustri Det gør også en et vink til opstandelsen Titlen hentyder til Guds visdom, for han ved, hvorfor tingene sker, som de gør.

Af kærlighed til Gud

Hans mest berømte værk til dato er Af kærlighed til Gud (2007) anerkendt som den dyrest i verden . dens produktion havde en værdi på 17 millioner .

Han brugte et kranium fra det 18. århundrede til at lave en platinform. 8 601 diamanter blev tilføjet til dette kunstige kranium, og de originale tænder blev tilføjet til det, efter at det var blevet sat fast. Et præsteligt ornament, også lavet af diamanter, blev indlagt på dets pande.

Værket blev første gang udstillet på White Cube Gallery i London, hvor det hentyder til temaer som f.eks. død og penge På samme måde er det religiøse tema igen indføjet i titlen, men ved navngivningen blev han inspireret af sin mor, som dengang sagde til ham: "For Guds skyld, hvad vil du nu gøre?

Kunstneren sagde, at han med denne skulptur ønskede at at reflektere over det uundgåelige i, at tilværelsen ender Han sagde: "Døden gør livet spændende. Den er en universel udløser. Vi frygter alle døden".

Selv om Hirst oplyste, at det blev solgt samme år til et anonymt konsortium for 60 millioner, har nogle stemmer i kunstverdenen sat spørgsmålstegn ved dette, og mange beskylder ham for, at det stadig er i kunstnerens hænder, og at den påståede pris er blevet brugt til at øge hans popularitet og værdien af hans andre værker.

Et af de værker af La Moneda

Hirsts seneste projekt har uden tvivl været den mest kontroversielle i kunstverdenen til dato I 2016 producerede han 10.000 oliemalerier på papir. I 2021 besluttede han at knytte dem til NFT og kalde forslaget for Valutaen De blev således udbudt til salg til en værdi af 2.000 dollars.

Når først nogen havde erhvervet den, kunne de Om personen vælger at beholde kryptokunsten (værket i digital form) eller at få den i fysisk form. Hvis personen vælger NFT, vil maleriet blive eksponeret og derefter brændt. .

På denne måde blev der sat spørgsmålstegn ved den Hvad er den moderne kunsts natur i dag, det materielle eller det immaterielle? Siden åbningen i september 2021 har 4 137 købere besluttet at bytte deres NFT'er ud med det fysiske værk, mens 5 863 ønskede at beholde den krypterede version. Næsten 6 000 lærreder blev brændt.

Greg Lansky

Greg Lansky (Frankrig, 1982) blev i år berømt for en skulptur, der fangede offentlighedens og specialisternes opmærksomhed på grund af sin fortolkning af det nye århundrede.

Selv om han er uddannet fotograf, har han udviklet en karriere som instruktør og producent af pornografiske film. Nu hvor han er iværksætter og har økonomisk frihed, besluttede han sig for at udforske kunstverdenen. Hans skulpturer refererer til nutidens verden og fungerer som en kritisk refleksion over den moderne virkeligheds betingelser. .

Greg Lansky ved siden af sin skulptur Algoritmisk skønhed

I november 2022 præsenterede han en marmorskulptur ved navn Algoritmisk skønhed . Det er en moderne nyfortolkning af den klassiske Venus de Milo Den er et ekko af traditionen, men beslutter sig for at give den et nyt udseende, og den store forskel er, at den har arme, som den holder en iPhone med.

Lansky lagde billedet ud på sin Instagram-konto, ledsaget af følgende besked: "Hvor meget smerte ville du udholde for at føle dig elsket?" Med hans ord:

Jeg har skabt dette værk, der afspejler forholdet mellem smerte og at føle sig elsket i en verden drevet af AI-algoritmer. Der er intet spejl til din selfie, fordi menneskeheden er spejlet. Vi er alle spejlet. Algoritmisk skønhed har ingen skønhedsfiltre. Sporene efter plastikkirurgi vises med ynde og værdighed som arene fra en uendelig krig, som ingen kanvinde.

På denne måde søger den at udøve en kritik af det nuværende system, der fremmer et forfalsket billede af mennesket Skønhedsstandarderne får folk til at gennemgå plastikkirurgiske operationer, som indebærer mange smerter. Alle disse ofre er foretaget for at høre til og for at kunne give den bedste version af sig selv til verden. Til gengæld får de den falsk kærlighed til netværkene gennem "likes" og kommentarer fra andre.

Denne moderne Venus viser således en krop med silikoneimplantater og mærker, der afslører forskellige æstetiske indgreb. For Lansky er det en afspejling af det moderne samfund, som konstant søger at forbedre sit ydre uden at bekymre sig om andet end det ydre.

Du er den næste

I december 2022 afslørede kunstneren en ny skulptur, hvor han endnu en gang valgte elementer fra fortiden for at sætte spørgsmålstegn ved den moderne kultur.

På Du er den næste bygget en guillotine Dette dødsinstrument var allerede i sin tid ganske paradigmatisk: Mens man promoverede idealerne om lighed, broderskab og frihed, skabte man samtidig et redskab til at myrde alle dem, der var ubekvemme for magthaverne.

Lansky tager denne idé op og placerer i midten af kompositionen den symbol på Twitter et af de mest kontroversielle og destruktive sociale netværk på den aktuelle scene. Ligesom i det 18. århundredes Frankrig kan dette medie ses som et grusomt, men berettiget element, der appellerer til et publikum, der er ivrig efter at lide andres smerte.

Faciliteter

1. Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (Danmark, 1967) er kendt for sit arbejde med den store skulpturer og installationer, Han har også arbejdet med maleri, fotografi og film, og hans vision har at gøre med griber ind i rummet og bringer mennesker tættere på naturfænomener som lys og vand. Tanken er, at de, når de arrangeres på originale måder, giver os mulighed for at genoverveje deres kvalitet som kunstgenstande.

I 1995 oprettede han et studie i Berlin, fordi hans tilgang er baseret på teamwork og samarbejde. Det består af en fireetagers bygning med omkring 100 mennesker, herunder tekniske specialister, håndværkere, arkitekter, kunsthistorikere, webdesignere, grafiske designere og filmskabere.

Skønhed

På Skønhed (1993) har forsøgt at at genopdage charmen ved naturfænomener Den bestod af en facilitet, der lå i en mørkekammer Der var en slange på taget, hvorfra der kom en slange ud. vand i form af dug og en lampe Samspillet mellem disse elementer gav en regnbue som beskueren skulle finde ved at stå i den rigtige vinkel.

Klimaprojektet

2003 Elliason udstillede på Tate Modern, London Klimaprojektet I det enorme turbinelokale (155 meter langt, 23 meter bredt og 35 meter højt) placerede han luftfugtere, der skabte en tåge. I midten installerede han en skive bestående af hundredvis af monokromatiske lamper, der udstråler gult lys. Derefter blev der placeret et spejl i loftet, så de besøgende kunne spejle sig selv som små skygger.

Installationen varede i fem måneder og tiltrak to millioner seere, som interagerede med elementerne, delte, tænkte over og kunne meditere over klimaforandringer. Hans arbejde søger at få folk til at tænke gennem interaktion. Af denne grund har Mark Godfrey, kurator for Klimaprojekt, udtrykt:

Eliasson mener, at klimaets nødsituation nogle gange kun kommunikeres gennem diskurser om frygt. Han ønsker at ændre den måde, vi tænker om problemet på, med en diskurs om glæde og kærlighed. Du ved, hvad kan jeg lide ved verden, og hvorfor skulle jeg bekymre mig om den?"

Ice Clock i London

Det år 2014 sammen med geologen Minik Rosing, påtog sig at installere den Is-ur som på en direkte måde søgte at synliggøre de problemer, der er forårsaget af den global opvarmning Udstillingen besøgte København, Paris og London.

Den bestod af isblokke fra Grønland Disse stykker blev flyttet og fjernet til et nyt sted. arrangeret i en cirkulær form, der efterligner et ur De 24 blokke vejede 12 tons og inviterede beskueren til at blive en deltager Folk kunne røre, føle kulden og se smelteprocessen live.

For Elaisson er kunstnerens rolle meget vigtig i dag, og han erklærede: "Man kan ikke vælge ikke at være politisk. Alt, hvad vi gør, har konsekvenser, og vi kan ikke undslippe det faktum, at vi alle er indbyrdes forbundne". Derfor opfordrede han publikum til at overveje hans forslag:

Vi må erkende, at vi sammen har magt til at træffe individuelle foranstaltninger og skabe systemiske ændringer. Kom og rør ved den grønlandske indlandsis, og lad den røre ved dig. Lad os omsætte klimaviden til klimahandling.

Du vil måske være interesseret i: Landkunst: definition, historie og store eksponenter

2. Félix González Torres

Félix González Torres (1957-1996) var en cubansk kunstner, bosat i USA, hvor han udviklede sit arbejde. De vigtigste af hans produktion var hans installationer i minimalistisk stil, hvor han brugte materialer fra hverdagen. som f.eks. ure, blyanter, slik osv.

Hans stil var præget af anvendelse af metaforer til at henvise til følelser af universel karakter som offentligheden kan leve sig ind i.

Uden titel (Perfect Lovers)

På MOMA i New York kan du finde Uden titel (Perfect Lovers) (1991), en installation, der udmærker sig ved sin enkelhed, men også ved det smukke budskab, den indeholder. Det er et værk, som henviser til kærlighed, tab og sorg Kunstneren monterede to ure på tidspunktet for sin partner Ross Laycocks død, som hver især repræsenterer dem, og med tiden bliver de uundgåeligt ude af synkronisering, hvilket øger afstanden mellem dem.

Uden titel (portræt af Ross i LA)

Året efter skabte han endnu et værk som en hyldest til sin afdøde kærlighed. Uden titel (portræt af Ross i LA) Det interessante ved denne installation er, at den hver gang ændrede sin opstilling, afhængigt af hvor den blev udstillet, og hvordan publikum interagerede med den.

Tilskuerne blev opfordret til at tage slik med sig eller omarrangere dem. Således søgte kunstneren at der viser, hvordan tabet fungerer over tid Den kan finde nye former og tilpasse sig, men den forsvinder aldrig.

Ligesom sin partner døde González Torres af komplikationer som følge af aids i 1996 og var en af de første i kunstverdenen, der udtalte sig om emnet.

Ydelse

Marina Abramović

Marina Abramović (Serbien, 1946) er blevet kendt for sin provokerende forestillinger i hvilken forvandlede sig selv til et kunstnerisk objekt Hans karriere begyndte i 1970'erne. Hans stil var præget af trods og et ønske om at undersøge de forholdet mellem kunstneren og publikum. Med hans ord: "Første gang jeg viste min krop frem for offentligheden, forstod jeg, at det var min støtte".

Fotografi af den ydeevne Ritmo 0

I 1974 lavede han en af hans mest dristige præstationer og som desuden åbenbarede ham den menneskets mørke Hun er træt af at blive stemplet som exhibitionist og masochist og sagde Tempo 0 hvor den publikum skulle interagere direkte med hendes krop, mens hun fungerede som et tomt lærred. .

I Morra Studio i Napoli (Italien) optrådte han i seks timer. Han stod ubevægelig. 72 objekter lå på et bord ved siden af et skilt, hvorpå der stod: "Du kan gøre med mig, hvad du vil. Jeg er et objekt. Jeg tager ansvaret for alt, hvad der kan ske i dette tidsrum".

På denne måde gav Abramović sig selv til publikum, som om hun var en dukke. Formålet var at se, hvordan folk ville reagere på muligheden for at have et menneske til rådighed som legetøj. .

Der var to kategorier: nydelsesgenstande, såsom parfume, blomster og fjer, og ødelæggelsesgenstande med knive, sakse, barberblade og endda en pistol.

I begyndelsen Det hele var ganske uskyldigt, de fik hende til at ændre positur, gav hende blomster og kyssede hende Men efter den tredje time blev det værre og værre. En uhyggelig drejning: Hun blev bundet, klædt af, stukket med torne og endda stukket af en mand. Da hans præsentation var slut, sagde han:

Det viser, hvor hurtigt nogen kan beslutte sig for at gøre dig ondt, når de har lov til det. Det viser, hvor let det er at afhumanisere nogen, der ikke kæmper imod. Det viser, at de fleste "normale" mennesker kan blive meget voldelige i offentligheden, hvis de får chancen.

Fotografi af den ydeevne Indånding/udånding

I 1976 flyttede han til Amsterdam, hvor han mødte den Tysk kunstner Frank Uwe Laysiepen, bedre kendt som Ulay De indledte et romantisk forhold, som resulterede i et samarbejde som varede mere end et årti og frembragte nogle af hans mest interessante værker.

Som et team ønskede de at udforske kroppens grænser, så de besluttede at lege med sig selv. I 1977 producerede de "Indånding/udånding ydeevne blev udført to gange, i Beograd og Amsterdam. De stoppede deres næsebor til og pressede munden sammen. Ideen var at kun indånder den luft, som den anden udstøder, indtil al den tilgængelige ilt er opbrugt .

Begge faldt bevidstløse om på gulvet, og i den forbindelse forsøgte de at afslører faldgruberne i moderne forhold, hvor den ene person er i stand til at opsluge og ødelægge den anden.

Fotografi af den performance Kunstneren er til stede

Det år 2010 MOMA afholdt en retrospektiv udstilling Den bestod af videoer, fotografier og dokumenter, der registrerede kunstnerens arbejde gennem fire årtier. Her besluttede hun sig for at lave en ny ydeevne Publikum blev inviteret til at sidde og dele med kunstneren, til at føle hendes tilstedeværelse i museets atrium. Det var en af de længste aktioner i hans karriere, da han brugte otte timer om dagen i tre måneder på denne aktivitet.

Maleri

1. Zeng Fanzhi

Zeng Fanzhi (f. 1964) er en af Kinas mest internationalt anerkendte kunstnere og en af de bedst betalte i dag. Han er kendetegnet ved den Han skabte ekspressionistiske malerier, hvor han afspejler virkeligheden i sit land, samtidig med at han hentyder til indflydelsen fra Vesten.

Han voksede op under kulturrevolutionen i Kina, og derfor refererer hans værker til de hårde oplevelser, han oplevede i disse år. Med hans egne ord:

Da jeg var ung, var livet så hårdt, at det var svært at tænke på fremtiden. Dengang var det vigtigste at få enderne til at mødes og at kunne brødføde os selv.

Efter at have studeret på Hubei Academy of Fine Arts besluttede han sig for at specialisere sig i OIL MALING Hans vigtigste påvirkninger er Paul Cézanne, Willem de Kooning og Lucian Freud.

Maske nr. 1

Med tiden udviklede han en egen stil og blev berømt med sin serie Masker, som blev markeret med præsentationen af personer, der gemmer sig bag en maske Desuden er dens Hænderne er overdrevent uforholdsmæssigt store i forhold til resten af kroppen.

Her, i Maske nr. 1 ( 1999) kan man se et typisk portræt af en mand, der tilhører det kinesiske regime. Dette kan ses på det røde tørklæde og symbolet på hans højre arm. Selv om det dækker hans ansigt, er det umuligt at skjule smerten og angsten, og tykke tårer falder fra øjne, der synes livløse.

Den sidste nadver

Den sidste nadver (2001) er et af hans mest berømte malerier, hvor han gør henvisning til Leonardo Da Vincis værker med den samme sammensætning og fordeling af tegn.

I dette tilfælde skal Hovedpersonerne kommer fra den moderne æra og har de typiske karakteristika for deres serie. Masker De har således røde tørklæder, der hentyder til kommunismen, overdimensionerede hænder og masker i kinesisk stil, der dækker deres ansigter. I modsætning til originalen er middagen kendetegnet ved sin sparsommelighed. .

Værket blev solgt i 2013 for 23 millioner dollars, hvilket gjorde Fanzhi til en af de mest eftertragtede kunstnere i verden.

Guillermo Lorca García

Guillermo Lorca García (1984) er en chilensk kunstner, der er kendetegnet ved at skabe lærreder, hvor han bebor en magisk verden I en tid med installationer og værker, hvor ideer dominerer, besluttede den unge mand at vende tilbage til den klassisk oliemaleri Der kan således findes følgende børn og dyr i barokstil hvor følgende punkter er sat op mod hinanden skønhed og foruroligende .

Han er blevet kendt for sine gigantiske malerier (op til tre meter) og for sin billedkunstnerisk virtuositet Der arbejdes enormt meget med kompositioner, hvor farverne er dominerende, og med brugen af lys og skygge.

De små gartnere

Den har en en helt særlig stil, hvor teknikker fra realistisk maleri og surrealistiske billeder krydser hinanden. For eksempel i tabellen De små gartnere I år 2021 kan to små piger ses i en drømmehave med store sommerfugle, flamingoer og andre farverige eksotiske dyr.

I et interview sagde han om den type figurer, han normalt bruger, følgende:

For mig giver børn og dyr sammen mening; man kan sige, at deres "sjæle" er mere ens. Det er der, hvor de stærkeste følelser er. Jeg tror, at karaktererne repræsenterer forskellige dele af vores natur, ligesom i eventyr, myter og legender.

Det forhold, at den pågældende at en af pigernes hår er blåt, eller at der er en lyserød tiger. fungerer som en ressource til at skabe magiske scener, hvor de lever i skabninger uden tid Hun erkender også, at den japanske anime, som hun så som barn, var en inspiration til det skønhedsideal, som hun fremfører.

Den engelske seng

Maleren betegner sit værk som den samspil mellem modsætninger Ligesom der er uskyld og skønhed kan også findes i trusler, vold og død Det er det, der giver den den poetisk virkning til deres ledere.

På Den engelske seng (2021) kan vi se et mere realistisk indtog i portrættet. Der er ikke længere farver eller fornemmelsen af en magisk verden. Vi kan se en ung pige, der ser direkte på beskueren, og bag hende en tiger, der ser ud til at ville fortære hende. Lorca bekræfter, at dette tema har noget med børns fantasier at gøre. Selv om der også kan laves symbolske associationer, da det vilde normalt errelateret til det erotiske.

Fotografi

1. Cindy Sherman

Cindy Sherman (født 1954 i USA) er en af verdens mest internationalt anerkendte fotografer Kunstneren besluttede at at bruge sig selv som et middel ved at være model og ophavsmand til sine billeder .

På denne måde griber den ofte til den kostume, på make-up og til den scenografi Han bliver således både subjekt og objekt for sit arbejde og opnår undergrave de roller, der tilskrives deres køn, f.eks. passivitet.

Film uden titel #7

Mellem 1977 og 1980 skabte Sherman en serie kaldet Film uden titel Stillbillede ( Filmen har endnu ikke fået en titel ). 80 sort/hvid-fotografier i samme format, som han blev internationalt berømt for. I nummer 7 ser vi en kvinde, der lige er vågnet, iført hvide strømper, natskjorte og solbriller. Hun synes overrasket over kameraet, da hun går frem med et glas Martini i sin venstre hånd.

Her ledte jeg efter at lege med fremstillingen af kvinder i medierne Det handler om at repræsentere kvindelighed og dens stereotyper, ligesom propaganda og film gjorde det i de år.

Af denne grund, efterligner scener fra fiktive film hvor han efterligner attraktive unge kvinder i suggestive stillinger midt i en scene. Han beslutter sig for at kopiere den stil fra 50'erne og 60'erne, hvor den kvinden blev set som et dekorativt, sensuelt og idealiseret objekt. .

Film uden titel #6

Sherman er ikke kun model, men står også for scenografi, kostumer og rekvisitter, og han står også for den tekniske proces, som det fremgår af Film uden titel #6 Her til venstre ses et kabel, hvilket gør billedets kunstige kvalitet synlig.

Kunstneren var på udkig efter tilegner sig den forvanskning af det kvindelige køn, der cirkulerede i disse år Jeg ville bruge de samme mekanismer som den officielle diskurs, men jeg ville vende den på hovedet og få offentligheden til at tænke.

Uden titel

Fra 1980'erne og fremefter var hun ikke længere i hovedrollen på hendes fotografier, og hun gav plads til kunstige anatomiske dukker og lemmer Det er den periode, som hans serie stammer fra, Historiske portrætter, Inspireret af klassiske værker, der tager den I renæssanceportræt-stil skaber han værker, som han ændrer for at skabe en foruroligende effekt. . i Uden titel (1989) viser en kvinde, der følger den prototypiske mor og overdriver budskabet ved at tilføje et gummibryst, mens hun holder et barn indhyllet i et hvidt tæppe.

2. Ángela Burón

Angela Burón er en ung spansk fotograf, der er blevet kendt for sit arbejde inden for fotografi. surrealistiske billeder, hvor hun selv fungerer som model . dens Det centrale tema er kroppen, som er arrangeret på nye og uventede måder takket være brugen af Photoshop. På den måde skaber den en ny virkelighed, hvor det ikke længere er muligt at skelne mellem en begyndelse og en slutning, og dermed er den menneskefiguren bliver et udtryk for det uendelige.

Natlige træk

I hans arbejde lever kropsdele Disse elementer arrangerer sig selv på overraskende måder, mens de bebor hverdagsrum, som f.eks. interiørerne i enkle huse eller blot en seng. Det er første gang, at denne bog er blevet udgivet. reorganiseringen giver beskueren mulighed for at genoverveje, hvordan han eller hun forstår og iagttager virkeligheden. .

Den beslutter også at at lege med kroppens materialitet og dens kvalitet som instrument med henvisning til kunstnere fra ydeevne der opstod i 1970'erne.

Drømme

Bibliografi

• Márquez, Mónica (2019) "Guillermo Lorca: contemporary baroque", Revista Metal.
• Grosenick, Uta. (2005). Kvindelige kunstnere i det 20. og 21. århundrede. Taschen.
• Hodge, Susie (2020). En kort historie om kvindelige kunstnere Blume.
• Holzwarth, Hans Werner og Taschen, Laszlo (Eds.) (2011). Moderne kunst: En historie fra impressionismen til i dag Taschen.
• Oppenheimer, Walter (2012), "Damien Hirst eller kunsten at tjene (en masse) penge", El País.
• Zeldes, Jason (2019). Resumé. Sæson 2, afsnit 1: "Olafur Eliasson: The Design of Art" Netflix.