La începutul secolului al XX-lea au apărut mișcările de avangardă, care au căutat să rupă cu tradiția. Astfel, futurismul, dadaismul și suprarealismul, printre altele, au spart barierele a ceea ce putea fi considerat artă. Astfel, a fost modul în care a fi un artist modern însemna să inovezi și să sfidezi lumea prin lucrări care nu mai încercau să copieze realitatea sau să fie frumoase, ci căutau să zdruncine concepțiile estetice și sociale existente.

Prin urmare, se va aplica Expresiile artistice actuale se bazează pe impactul pe care îl au asupra publicului. Cu cât este mai controversată și mai provocatoare, cu atât este mai bine primită.

Te-ar putea interesa: Avangarde artistice, Mișcări artistice ale secolului XX

Ce este arta contemporană?

Arta contemporană este cea care produse începând cu 1950 Acestea sunt creații direct legate de circumstanțele timpului lor. globalizarea, societatea de consum și bunurile manufacturate .

Artiștii nu mai trebuie să fie experți sau să aibă vreun talent anume, pentru că ideea și conceptul sunt cele care predomină Este o realitate în care instalații, sculpturi și lucrări sculpturale abundă. readymade care iau un obiect obișnuit și îi dau o nouă viață.

Rețelele sociale au devenit și ele principalul mijloc de diseminare, originalitatea și îndrăzneala fiind cele mai apreciate valori. Este vorba despre merg din ce în ce mai departe și sfidează toate standardele. Astăzi, orice propunere bine fundamentată poate fi înțeleasă ca artă.

Acest lucru are sens într-un perioade saturate de stimuli și informații Așadar, ceea ce este interesant este că istoria artei are secole întregi de mari creatori care și-au demonstrat deja măiestria tehnică. Așadar, ceea ce este interesant este că să uimească și să deranjeze .

Iată câțiva dintre cei mai revoluționari, ciudați și faimoși artiști contemporani din ultima vreme, lăudați și detestați în același timp, care au reușit, fără îndoială, să ocupe un spațiu în imaginarul colectiv.

S-ar putea să te intereseze: Arta conceptuală: caracteristici și exemple

Sculptură

1. Jeff Koons

Jeff Koons (Statele Unite ale Americii, 1955) este unul dintre cei mai controversați artiști ai momentului, datorită unei propuneri în care predomină excesul. A devenit celebru în anii '80 prin intermediul unei artă conceptuală, în care se remarcă elementele pop și kitsch. .

A lucrat la bursa de pe Wall Street, așa că a fost unul dintre primii creatori care a apelat la serviciile unei agenții de publicitate pentru a-și promova imaginea.

Deși a realizat picturi și fotografii, este cunoscut mai ales pentru lucrările sale de sculpturi monumentale, strălucitoare Tema sa se învârte în jurul frumusețe la Doresc să și banalitate .

În timp ce unii îl consideră un pionier și o piatră de hotar în istoria artei, el are mai multe detractorii care critică producția lor în masă Koons a fost caracterizat prin faptul că este un artist de idei. Astfel, creează un concept care ajunge să fie pus la punct de alți specialiști și face mai multe copii care se vând cu milioane de dolari.

Câine cu baloane (albastru), The Broad, Los Angeles, California, SUA

Koons a devenit popular cu această serie de sculpturi realizate între 1994 și 2000. Până în prezent, el este asociat cu această imagine a unui câine din baloane umflate, tipică petrecerilor aniversare sau carnavalurilor, destinată unui public de copii. Cu al său Câini cu baloane a devenit reprezentantul maxim al artei kitsch, bazată pe o estetică supraîncărcată și pe "prost gust". .

În acest fel, a luat un obiect de valoare minimă, efemer, aparținând culturii de masă și a vrut să-i dea locul de operă de artă. Astfel, se poate observa interacțiunea dintre limbajul vizual cotidian și trimiterea la acțiuni rupturiste, cum ar fi urinarul lui Duchamp. Este vorba de transformarea celui mai puțin imaginat într-o operă de artă.

Cele cinci versiuni sunt disponibile în culorile albastru, magenta, galben, portocaliu, portocaliu și roșu. Ceea ce frapează cel mai mult sunt dimensiunile mari ale acestora (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), deoarece a decis să se joace cu scara pentru a-și face proiectul și mai atrăgător.

Unul dintre principalele aspecte ține de materialitate. Artistul a decis să folosească o imagine care se remarcă prin culoare și formă, făcând aluzie la fetișismul materialist actual, care se bazează pe acumularea de lucruri inutile. .

Joacă- doh, Muzeul Whitney de Artă Americană, New York, New York, SUA

Cu Play-doh a continuat stilul său de piese monumentale (315 x 386,7 x 348 cm.), realizând această sculptură formată din 27 de bucăți separate de aluminiu vopsit, care a fost prezentată în premieră în cadrul unei retrospective la Whitney Museum of American Art din New York, în 2014.

Artistul a realizat cinci exemplare ale acestei lucrări, ceea ce face ca referire la marca Play doh care produce materiale care servesc la proiecte de artizanat pentru copii Inspirația i-a venit de la fiul său Ludwig, care a modelat o movilă din plastilină în copilărie și i-a făcut-o cadou tatălui său.

Koons a încercat să-i dea cât mai realist posibil, pentru a face apel la simțurile privitorului. În acest fel, pot fi observate urmele degetelor, ca și cum ar fi o compoziție nou creată.

De-a lungul anilor, au lucrări au atins unele dintre cele mai înalte valori la care un artist în viață poate spera. În 2018, una dintre aceste versiuni a fost vândută pentru 20 de milioane de dolari.

Buchet de lalele, Petit Palais, Paris, Franța

Buchet de lalele a fost expusă în 2019 în omagiu victimelor atacurilor teroriste care au avut loc în Franța în noiembrie 2015. La inițiativa ambasadorului SUA, Koons a dăruit această sculptură locuitorilor din Paris.

Are o înălțime de 12 metri, cântărește 33 de tone și este realizat din bronz, oțel inoxidabil și aluminiu, fiind inspirat de tabloul Buchet de pace (1958) de Pablo Picasso și Statuia Libertății. Mâna ține în mână 11 lalele în loc de duzina clasică, pentru a simboliza absența, dar și speranța.

Cu toate acestea, această lucrare a provocat o controversă majoră A fost finanțată de colecționari americani și francezi, iar mulți au afirmat că banii ar fi putut fi donați direct asociațiilor de victime.

De asemenea, aceștia l-au acuzat pe Koons de oportunism, deoarece a vrut să folosească tragedia ca pretext pentru a-și instala una dintre operele sale într-un loc turistic. În replică, artistul a dat asigurări că 80% din veniturile obținute din reproducerea audiovizuală vor merge către cei afectați de atac și către consiliul municipal.

Damien Hirst

Damien Hirst (Anglia, 1965) este unul dintre cei mai inovatori artiști ai momentului. În lucrările sale, el a ales să să exploreze limitele a ceea ce poate fi înțeles ca artă.

A fost comparat cu Andy Warhol, datorită ireverenței sale, a proiectelor pe care mulți le numesc sinistre și a capacității sale de a genera bani. Unul dintre cei mai importanți detractori ai săi este Julian Spalding, critic și scriitor, care a definit producția sa drept "con-art" (art-scam).

Într-adevăr nu-și face faptele dar sunt realizate de un grup de colaboratori În acest fel, el afirmă că esențial este faptul că el este idei revoluționare care caută să conteste temele acceptate de lumea artei. Astfel, expoziția materializarea trece în plan secund În plus, a devenit o celebritate, deoarece doar figura și declarațiile sale atrag publicul.

Imposibilitatea fizică a morții în mintea unei persoane vii

În 1991, Hirst și-a început lucrarea seria Istorie naturală în care a folosit carcase de animale pe care le-a conservat prin utilizarea formaldehidei. Una dintre cele mai controversate piese a fost Imposibilitatea fizică a morții în mintea unei persoane vii.

Într-un acvariu de oțel și sticlă stătea un rechin tigru, ținta sa era în prim-plan un animal periculos care rareori poate fi văzut atât de aproape. Căutam să genereze emoții viscerale în rândul publicului prin confruntarea lor la granița dintre viață și moarte.

Colecționarul Charles Saatchi a finanțat achiziția carcasei, iar artistul a comandat-o unui pescar care a cerut un animal "suficient de mare pentru a te devora". După ce sculptura a fost finalizată, a fost expusă la Galeria Saatchi din Londra.

În ciuda folosirii formalinei, în 2006, rechinul a trebuit să fie înlocuit din cauza degradării corpului.

Numai Dumnezeu știe

În 2007, artistul a expus Numai Dumnezeu știe Acesta este compus din trei oi jupuite în bazine separate, evocând imaginea crucificării lui Hristos.

În acest caz, se va utiliza face apel la grotesc În acest fel, funcționează ca un critica industriei alimentare moderne De asemenea, face un un indiciu despre înviere Titlul său face aluzie la înțelepciunea lui Dumnezeu, căci El știe de ce se întâmplă lucrurile așa cum se întâmplă.

Pentru dragostea lui Dumnezeu

Cea mai cunoscută lucrare a sa de până acum este Pentru dragostea lui Dumnezeu (2007) recunoscută ca fiind cel mai scump din lume . sale producție a avut o valoare de 17 milioane de euro .

El a folosit un craniu de bărbat din secolul al XVIII-lea pentru a face o matriță din platină. 8.601 diamante au fost adăugate la acest craniu artificial, iar dinții originali au fost adăugați după ce a fost fixat. Un ornament în stil preoțesc, realizat tot din diamante, a fost încrustat pe fruntea acestuia.

Piesa a fost expusă pentru prima dată la White Cube Gallery din Londra, unde face aluzie la teme precum moartea și banii La fel, odată cu titlul, se inserează din nou tema religioasă, dar în denumirea lui s-a inspirat de la mama sa, care la vremea respectivă îi spunea "Pentru numele lui Dumnezeu, ce ai de gând să faci acum?

Artistul a spus că prin această sculptură a vrut să reflectând asupra inevitabilității sfârșitului existenței El a spus: "Moartea face viața palpitantă. Este un declanșator universal. Cu toții ne temem de moarte".

Deși Hirst a declarat că a fost vândut în același an unui consorțiu anonim pentru 60 de milioane de euro, unele voci din lumea artei au pus la îndoială acest lucru, mulți acuzând că tabloul se află încă în mâinile artistului și că presupusul preț a fost folosit pentru a-i crește popularitatea și valoarea altor creații ale sale.

Una dintre lucrările de La Moneda

Fără îndoială, cel mai recent proiect al lui Hirst a fost cea mai controversată din lumea artei de până acum În 2016, a realizat 10.000 de picturi în ulei pe hârtie. În 2021 a decis să le lege de NFT și să numească propunerea Moneda Astfel, acestea au fost scoase la vânzare la o valoare de două mii de dolari.

Odată ce cineva îl achiziționa, putea Dacă persoana alege să păstreze cripto-arta (piesa în formă digitală) sau să o aibă în formă fizică. Dacă persoana alege NFT, pictura va fi expusă și apoi arsă. .

În acest fel, a pus sub semnul întrebării Care este natura artei moderne de astăzi, cea materială sau cea imaterială? De la deschiderea sa, în septembrie 2021, 4.137 de cumpărători au decis să schimbe NFT-ul cu opera fizică, în timp ce 5.863 au dorit să păstreze versiunea criptată. Aproape 6.000 de pânze au fost arse.

Greg Lansky

Greg Lansky (Franța, 1982) a devenit celebru în acest an pentru o sculptură care a atras atenția publicului și specialiștilor pentru interpretarea noului secol.

Deși s-a format ca fotograf, și-a dezvoltat o carieră ca regizor și producător de filme pornografice. Acum, că este antreprenor și are libertate financiară, a decis să exploreze lumea artei. Sculpturile sale se referă la lumea de astăzi și funcționează ca o reflecție critică asupra condițiilor realității contemporane. .

Greg Lansky alături de sculptura sa Frumusețe algoritmică

În noiembrie 2022, a prezentat o sculptură din marmură numită Frumusețe algoritmică . Este un reinterpretare modernă a clasicei Venus de Milo Acesta reia tradiția, dar decide să îi dea un nou aspect, marea diferență fiind că are brațe cu care ține un iPhone.

Lansky a postat fotografia pe contul său de instagram, însoțită de următorul mesaj: "Câtă durere ai îndura pentru a te simți iubit?" În cuvintele sale:

Am creat această lucrare care reflectă relația dintre durere și sentimentul de iubire într-o lume condusă de algoritmi AI. Nu există o oglindă pentru selfie-ul tău, pentru că umanitatea este oglinda. Noi toți suntem oglinda. Algorithmic Beauty nu are filtre de frumusețe. Urmele operațiilor plastice sunt arătate cu grație și demnitate, precum cicatricile de luptă ale unui război fără sfârșit, pe care nimeni nu le poatecâștig.

În acest fel, se urmărește exercitarea unui critica sistemului actual care promovează o imagine alterată a ființei umane Standardele de frumusețe îi determină pe oameni să se supună unor operații estetice care implică multă durere. Ei fac toate aceste sacrificii pentru a aparține și pentru a putea oferi lumii cea mai bună versiune a lor. În schimb, ei primesc în schimb dragostea falsă a rețelelor prin "like-uri" și comentarii din partea altora.

Astfel, această Venus modernă arată o corp cu implanturi de silicon și semne care dezvăluie diverse intervenții estetice. Pentru Lansky, este o reflectare a societății de astăzi, care caută în mod constant să-și îmbunătățească exteriorul, fără a se preocupa de nimic altceva decât de aparențe.

Sunteți următorul

În decembrie 2022, artistul a dezvăluit o nouă sculptură în care a ales din nou elemente din trecut pentru a pune în discuție cultura modernă.

La Sunteți următorul a construit un ghilotină Acest instrument al morții a fost deja paradigmatic în epocă: în timp ce erau promovate idealurile de egalitate, fraternitate și libertate, se crease și un instrument pentru a-i asasina pe toți cei care erau incomozi pentru putere.

Lansky preia această idee și plasează în centrul compoziției simbol al Twitter una dintre cele mai controversate și distructive rețele sociale de pe scena actuală. La fel ca în Franța secolului al XVIII-lea, acest mediu poate fi văzut ca un element crud, dar justificabil, care face apel la un public dornic de a suferi pentru alții.

Facilități

1. Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (Danemarca, 1967) este cunoscut pentru lucrările sale la sculpturi și instalații de mari dimensiuni, A lucrat și în pictură, fotografie și film, iar viziunea sa are de-a face cu să intervină în spațiu și să aducă oamenii mai aproape de fenomenele naturale, cum ar fi lumina și apa. Ideea este că, atunci când sunt aranjate în moduri originale, ele ne permit să regândim calitatea lor de obiecte de artă.

În 1995 a înființat un studio la Berlin, deoarece abordarea sa este bazată pe munca în echipă și colaborare. Acesta este format dintr-o clădire cu patru etaje, în care lucrează aproximativ 100 de persoane, printre care specialiști tehnici, artizani, arhitecți, istorici de artă, designeri web, graficieni și realizatori de filme.

Frumusețe

La Frumusețe (1993) a încercat să redescoperirea farmecului fenomenelor naturale Acesta a constat dintr-o instalație situată într-o camera obscură Pe acoperiș se afla un furtun din care ieșea un furtun. apă sub formă de rouă și o lampă Juxtapunerea acestor elemente a produs un curcubeu pe care privitorul trebuia să o găsească stând în unghiul potrivit.

Proiectul climatic

The 2003 Elliason a expus la Tate Modern, Londra Proiectul climatic În uriașa sală a turbinei (155 de metri lungime, 23 de metri lățime și 35 de metri înălțime) a amplasat umidificatoare pentru a crea o ceață, iar în centru a instalat un disc format din sute de lămpi monocrome care radiază lumină galbenă. Apoi, pe tavan a fost amplasată o oglindă care permite vizitatorilor să se reflecte ca niște umbre mici.

Instalația a durat cinci luni și a atras două milioane de spectatori care au interacționat cu elementele, au împărtășit, au contemplat și au putut medita asupra schimbărilor climatice. Lucrările sale încearcă să îi facă pe oameni să gândească prin interacțiune. Din acest motiv, Mark Godfrey, curatorul expoziției The Proiect climatic, exprimat:

Eliasson crede că, uneori, urgența climatică este comunicată doar prin discursuri de frică. El vrea să schimbe modul în care gândim despre această problemă cu un discurs al plăcerii și al iubirii. Știi, ce îmi place la lume? Și de ce ar trebui să-mi pese de ea?".

Ceas de gheață în Londra

Anul 2014 împreună cu geologul Minik Rosing, au întreprins instalarea de Ceas de gheață care a urmărit să facă vizibile în mod direct problemele cauzate de încălzirea globală Expoziția a vizitat Copenhaga, Paris și Londra.

Acesta a constat din blocuri de gheață provenind din Groenlanda Aceste piese au fost mutate și mutate într-o nouă locație. dispuse în formă circulară, imitând un ceas. Cele 24 de blocuri cântăreau 12 tone și a invitat spectatorul să devină participant Oamenii au putut atinge, simți frigul și urmări în direct procesul de topire.

Pentru Elaisson, rolul artistului este foarte important în zilele noastre. De fapt, el a declarat: "Nu poți alege să nu fii politic. Tot ceea ce facem are consecințe și nu putem scăpa de faptul că suntem cu toții interconectați". Prin urmare, el a încurajat publicul să ia în considerare propunerea sa:

Trebuie să recunoaștem că, împreună, avem puterea de a acționa individual și de a determina schimbări sistemice. Veniți să atingeți calota de gheață din Groenlanda și lăsați-o să vă atingă. Să transformăm cunoștințele despre climă în acțiuni climatice.

Te-ar putea interesa și: Land art: definiție, istorie și mari exponenți

2. Félix González Torres

Félix González Torres (1957 - 1996) a fost un artist cubanez, stabilit în Statele Unite, unde și-a dezvoltat activitatea. Cele mai importante producții ale sale au fost cele de instalații în stil minimalist, în care a folosit materiale din viața de zi cu zi. cum ar fi ceasuri, creioane, dulciuri etc.

Stilul său a fost caracterizat de utilizarea metaforelor pentru a se referi la sentimente de natură universală cu care publicul poate empatiza.

Fără titlu (Perfect Lovers)

La MOMA din New York veți găsi Fără titlu (Perfect Lovers) (1991), o instalație care se remarcă prin simplitatea sa, dar și prin mesajul frumos pe care îl conține. Este o lucrare care se referă la dragoste, pierdere și doliu Artistul a montat două ceasuri în momentul morții partenerului său, Ross Laycock, fiecare dintre ele reprezentându-i pe cei doi, iar în timp acestea se desincronizează inevitabil, mărind astfel distanța dintre ele.

Fără titlu (Portret al lui Ross în Los Angeles)

În anul următor, a creat o altă lucrare în semn de omagiu pentru iubirea sa dispărută. În Fără titlu (Portret al lui Ross în Los Angeles) Ceea ce este interesant la această instalație este faptul că de fiecare dată și-a schimbat aranjamentul, în funcție de locul în care a fost expusă și de modul în care publicul a interacționat cu ea.

Spectatorii au fost invitați să ia dulciurile pentru a le lua sau pentru a le rearanja. Astfel, artistul a căutat să descrierea modului în care funcționează pierderea în timp Poate găsi noi forme și se poate adapta, dar nu dispare niciodată.

La fel ca și partenerul său, González Torres a murit din cauza complicațiilor cauzate de SIDA în 1996 și a fost una dintre primele voci din lumea artei care a vorbit despre această problemă.

Performanță

Marina Abramović

Marina Abramović (Serbia, 1946) s-a remarcat prin provocator spectacole în care s-a transformat într-un obiect artistic Cariera sa a început în anii '70. Stilul său a fost caracterizat de sfidare și de dorința de a sonda relația dintre artist și public. În cuvintele sale: "prima dată când mi-am expus corpul în fața publicului, am înțeles că acesta era sprijinul meu".

Fotografie a performanță Ritmo 0

În 1974 a făcut una dintre cele mai îndrăznețe performanțe ale sale ș i care, în plus, i-a dezvăluit întunericul ființei umane Sătulă să fie etichetată drept exhibiționistă și masochistă, ea a declarat Pace 0 unde publicul trebuia să interacționeze direct cu corpul ei, în timp ce ea funcționa ca o pânză albă. .

În studioul Morra din Napoli (Italia) a făcut o reprezentație de șase ore. 72 de obiecte erau așezate pe o masă, lângă un panou pe care scria: "Puteți să-mi faceți ce vreți. Sunt un obiect. Îmi asum responsabilitatea pentru tot ce se poate întâmpla în acest interval de timp".

În acest fel, Abramović s-a dăruit publicului ca și cum ar fi fost o păpușă. Scopul a fost de a vedea cum ar reacționa oamenii la posibilitatea de a avea o ființă umană disponibilă ca jucărie. .

Existau două categorii: obiecte de plăcere, cum ar fi parfumuri, flori și pene, și obiecte de distrugere, cuțite, foarfece, lame de ras și chiar un pistol.

La început Totul a fost destul de inocent, au făcut-o să-și schimbe postura, i-au dat flori și au sărutat-o. Cu toate acestea, după a treia oră, lucrurile au luat o întorsătură negativă. O întorsătură sinistră: a fost legată, dezbrăcată de haine, înjunghiată cu spini și chiar înjunghiată de un bărbat. După ce și-a încheiat prezentarea, acesta a declarat:

Arată cât de repede se poate decide cineva să te rănească atunci când i se permite. Arată cât de ușor este să dezumanizezi pe cineva care nu ripostează. Arată că majoritatea oamenilor "normali" pot deveni foarte violenți în public dacă li se oferă ocazia.

Fotografie a performanță Inhalare/Expirație

În 1976, s-a mutat la Amsterdam, unde a cunoscut-o pe Artist german Frank Uwe Laysiepen, mai bine cunoscut sub numele de Ulay Au început o relație romantică care a dus la o cooperare care a durat mai mult de un deceniu și a produs unele dintre cele mai interesante lucrări ale sale.

Ca echipă, au vrut să exploreze limitele corpului, așa că au decis să se joace cu ei înșiși. În 1977 au produs "Inspirație/Expirație The performanță a fost executat de două ori, la Belgrad și Amsterdam. Astfel, ei și-au astupat nările și și-au presat gurile împreună. Ideea era de a respiră doar aerul expulzat de celălalt până când tot oxigenul disponibil este consumat. .

Amândoi au căzut inconștienți pe podea, iar în acest fel au căutat să expun capcanele relațiilor moderne, deoarece un individ este capabil să îl consume și să îl distrugă pe celălalt.

Fotografie a performance Artistul este prezent

Anul 2010 la MOMA a organizat o retrospectivă Aceasta era compusă din videoclipuri, fotografii și documente care înregistrau activitatea artistei de-a lungul a patru decenii. Acolo, ea a decis să facă o nouă performanță Publicul a fost invitat să stea și să împărtășească cu artista, să îi simtă prezența în atriumul muzeului. Acțiunea a fost una dintre cele mai lungi din cariera sa, deoarece a petrecut opt ore pe zi, timp de trei luni, în această activitate.

Pictură

1. Zeng Fanzhi

Zeng Fanzhi (n. 1964) este unul dintre cei mai renumiți artiști chinezi la nivel internațional și unul dintre cei mai bine plătiți din prezent. El se caracterizează prin A creat picturi expresioniste în care reflectă realitatea din țara sa, făcând în același timp aluzie la influența Occidentului.

A crescut în timpul Revoluției Culturale din China, motiv pentru care lucrările sale se referă la greutățile trăite în acei ani. În cuvintele sale:

Când eram tânără, viața era atât de grea încât era greu să te gândești la viitor. În acea perioadă, cel mai important era să ne descurcăm și să ne putem hrăni.

După ce a studiat la Academia de Arte Frumoase din Hubei, a decis să se specializeze în VOPSEA DE ULEI Principalele sale influențe sunt Paul Cézanne, Willem de Kooning și Lucian Freud.

Masca Nr. 1

În timp, el a dezvoltat o propriul stil și a devenit celebru cu seria sa Măști, care s-a evidențiat prin prezentarea personaje care se ascund în spatele unei măști În plus, în cadrul Mâinile sunt exagerat de disproporționate față de restul corpului.

Aici, în Masca nr. 1 ( 1999) se poate observa un portret tipic al unui om care aparține regimului chinezesc. Acest lucru se poate observa prin eșarfa roșie și simbolul de pe brațul drept. Deși îi acoperă fața, durerea și angoasa sunt imposibil de ascuns, iar lacrimi groase cad din ochii care par fără viață.

Cina cea de Taină

Cina cea de Taină (2001) este unul dintre cele mai cunoscute tablouri ale sale, în care face referire la opera lui Leonardo Da Vinci folosind aceeași compoziție și distribuție a caracterelor.

În acest caz, se va utiliza Protagoniștii provin din epoca modernă și au caracteristicile tipice ale seriei lor. Măști Astfel, aceștia au eșarfe roșii care fac aluzie la comunism, mâini supradimensionate și măști în stil chinezesc care le acoperă fețele. Spre deosebire de original, cina se caracterizează prin frugalitate. .

Lucrarea a fost vândută în 2013 pentru 23 de milioane de dolari, Fanzhi devenind astfel unul dintre cei mai căutați artiști din lume.

Guillermo Lorca García

Guillermo Lorca García (1984) este un artist chilian care se distinge prin crearea unor pânze în care locuiește o lumea magică Într-o epocă a instalațiilor și lucrărilor în care predomină ideile, tânărul a decis să se întoarcă la pictură clasică în ulei Astfel, se pot găsi următoarele copii și animale în stil baroc în care sunt puse în opoziție următoarele elemente frumusețea și tulburarea .

El a devenit renumit pentru picturi gigantice (până la trei metri) și pentru virtuozitate picturală Se lucrează foarte mult la compozițiile în care predomină culorile, precum și la utilizarea luminii și a umbrelor.

Micii grădinari

Acesta are un un stil destul de special în care se intersectează tehnicile picturii realiste și imaginile suprarealiste. De exemplu, în tabelul său Micii grădinari În anul 2021, două fetițe pot fi văzute într-o grădină de vis cu fluturi uriași, flamingo și alte animale exotice colorate.

În ceea ce privește tipul de personaje pe care le folosește de obicei, acesta a declarat într-un interviu:

Pentru mine, copiii și animalele împreună au un sens; ai putea spune că "sufletele" lor sunt mai asemănătoare. Este locul unde se află cele mai puternice emoții. Cred că personajele reprezintă diferite părți ale naturii noastre, la fel ca în basme, mituri și legende.

În ceea ce o privește, faptul că că părul uneia dintre fete este albastru sau că există un tigru roz. funcționează ca un resursă pentru a crea scene magice în care locuiesc creaturi fără timp De asemenea, ea recunoaște că anime-urile japoneze pe care le urmărea în copilărie au fost o sursă de inspirație pentru idealul de frumusețe pe care îl propune.

Patul englezesc

Pictorul se referă la opera sa ca fiind interacțiunea dintre opuși Așa cum există inocență și frumusețe poate fi găsită și în amenințare, violență și moarte Asta este ceea ce îi conferă efect poetic pentru cadrele lor.

La Patul englezesc (2021) putem observa o incursiune mai realistă în portret. Nu mai există culori și nici senzația de lume magică. Vedem o fetiță care privește direct spre privitor și, în spatele ei, un tigru care pare să vrea să o devoreze. Lorca afirmă că această temă are legătură cu fanteziile copiilor. Deși se pot face și asocieri simbolice, deoarece, de obicei, sălbăticia estelegate de erotism.

Fotografie

1. Cindy Sherman

Cindy Sherman (născută în 1954 în Statele Unite ale Americii) este unul dintre cei mai renumiți fotografi din lume la nivel internațional Artistul a decis să folosindu-se pe sine ca vehicul, fiind model și autor al imaginilor sale .

În acest fel, se recurge adesea la costum, la machiaj și la scenografie Astfel, el devine atât subiect cât și obiect al operei sale, realizând subminează rolurile atribuite sexului lor, cum ar fi pasivitatea.

Film fără titlu #7

Între 1977 și 1980, Sherman a creat o serie numită Film fără titlu încă ( Filmul nu are încă un titlu ). 80 de fotografii alb-negru în același format, cu care a devenit celebru pe plan internațional. În numărul 7, putem vedea o femeie abia trezită, purtând ciorapi albi, cămașă de noapte și ochelari de soare. Pare surprinsă de aparatul de fotografiat, căci înaintează cu un pahar de Martini în mâna sa stângă.

Aici am căutat jocul cu reprezentarea femeilor în mass-media Este vorba despre reprezentarea feminității și a stereotipurilor sale, așa cum făceau propaganda și cinematografia în acei ani.

Din acest motiv, imită scene din filme de ficțiune în care imită tinere femei atrăgătoare în ipostaze sugestive, chiar în mijlocul unei scene. El decide să copieze pe stilul anilor '50 și '60, unde femeia era văzută ca un obiect decorativ, senzual și idealizat. .

Film fără titlu #6

Sherman nu este doar model, ci se ocupă de scenografie, costume și recuzită, dar și de procesul tehnic, după cum se poate vedea în Film fără titlu #6 Acolo, în stânga, se vede un cablu, ceea ce face vizibilă calitatea de artificiu a imaginii.

Artistul a căutat însușindu-și reprezentările denaturate ale sexului feminin care circulau în acei ani Folosind aceleași mecanisme ca și discursul oficial, am vrut să îl întorc pe dos și să fac publicul să gândească.

Fără titlu

Începând cu anii '80, fotografiile sale nu o mai au ca protagonistă, iar ea a cedat locul la păpuși și membre anatomice artificiale Aceasta este perioada din care provine seria sa, Portrete istorice, Inspirat de lucrări clasice, luând în considerare Stilul portretului renascentist, el creează lucrări pe care le modifică pentru a crea un efect tulburător. . în Fără titlu (1989) arată o femeie care urmează prototipul mamei, exagerând acest mesaj prin adăugarea unui sân de cauciuc, în timp ce ține în brațe un copil înfășurat într-o pătură albă.

2. Ángela Burón

Angela Burón este o tânără fotografă spaniolă care a devenit celebră pentru activitatea sa în domeniul fotografiei. imagini suprarealiste în care ea însăși joacă rolul de model . sale tema centrală este corpul, aranjat în moduri noi și neașteptate datorită utilizării Photoshop. În acest fel, ea creează o nouă realitate în care nu mai este posibil să se distingă un început sau un sfârșit și, astfel, se creează o figura umană devine o expresie a infinitului.

Mișcări de noapte

În lucrarea sa trăiesc părți ale corpului Aceste elemente se aranjează în moduri surprinzătoare, în timp ce locuiesc în spații cotidiene, cum ar fi interiorul unor case simple sau pur și simplu un pat. Este pentru prima dată când această carte este publicată. reorganizarea permite privitorului să regândească modul în care înțelege și observă realitatea. .

De asemenea, decide să jocul cu materialitatea corpului și calitatea sa de instrument. referindu-se la artiștii din performanță care a apărut în anii 1970.

Vise

Bibliografie

• Márquez, Mónica (2019) "Guillermo Lorca: barocul contemporan", Revista Metal.
• Grosenick, Uta. (2005). Femeile artiste din secolele XX și XXI. Taschen.
• Hodge, Susie (2020). O scurtă istorie a femeilor artiste Blume.
• Holzwarth, Hans Werner și Taschen, Laszlo (Eds.) (2011). Artă modernă: O istorie de la impresionism până în zilele noastre Taschen.
• Oppenheimer, Walter (2012), "Damien Hirst or the art of making (a lot of) money", El País.
• Zeldes, Jason (2019). Rezumat. Sezonul 2, episodul 1: "Olafur Eliasson: The Design of Art" Netflix.