Aan het begin van de 20e eeuw ontstonden de avant-gardebewegingen die met de traditie wilden breken. Zo doorbraken onder meer het futurisme, het dadaïsme en het surrealisme de grenzen van wat als kunst kon worden beschouwd. Zo werd een moderne kunstenaar zijn betekende innoveren en de wereld uitdagen... door werken die niet langer probeerden de werkelijkheid te kopiëren of mooi te zijn, maar probeerden bestaande esthetische en sociale opvattingen op te schudden.

Daarom is de De huidige kunstuitingen zijn gebaseerd op de impact die ze hebben op het publiek. Hoe controversiëler en uitdagender, hoe beter het wordt ontvangen.

Je bent misschien geïnteresseerd in: Artistieke avant-gardes, Artistieke stromingen van de 20e eeuw

Wat is hedendaagse kunst?

Hedendaagse kunst is datgene wat geproduceerd vanaf 1950 Het zijn creaties die rechtstreeks verband houden met de omstandigheden van hun tijd. globalisering, consumptiemaatschappij en industrieproducten .

Kunstenaars hoeven niet langer experts te zijn of een bepaald talent te hebben, want het is het idee en het concept dat overheerst Het is een realiteit waarin installaties, beelden en sculpturen in overvloed. readymade die een gewoon voorwerp een nieuw leven geven.

Sociale netwerken zijn ook het belangrijkste verspreidingsmiddel geworden, aangezien originaliteit en durf de meest gewaardeerde waarden zijn. Het gaat om gaan steeds verder en dagen alle normen uit. Tegenwoordig kan elk goed onderbouwd voorstel als kunst worden opgevat.

Dit is zinvol in een stimulus- en informatieverzadigde tijden Dus, het interessante is dat de kunstgeschiedenis eeuwen van grote scheppers kent die hun technische bekwaamheid al bewezen hebben. Dus, het interessante is verbazen en verstoren .

Hier volgen enkele van de meest baanbrekende, vreemde en beroemde hedendaagse kunstenaars van de laatste tijd, die tegelijkertijd geprezen en gehaat worden, en die ongetwijfeld een plaats in de collectieve verbeelding hebben weten in te nemen.

Misschien bent u geïnteresseerd in: Conceptuele kunst: kenmerken en voorbeelden

Sculptuur

1. Jeff Koons

Jeff Koons (Verenigde Staten, 1955) is een van de meest controversiële kunstenaars van dit moment, door een voorstel waarin overdaad de boventoon voert. Hij werd beroemd in de jaren tachtig door een conceptuele kunst, waarin pop en kitsch elementen opvallen. .

Hij werkte vroeger op de beurs van Wall Street, dus was hij een van de eerste ontwerpers die een reclamebureau inschakelde om zijn imago te promoten.

Hoewel hij schilderijen en foto's heeft gemaakt, is hij het meest bekend om zijn monumentale, glanzende beelden Het thema draait om de schoonheid de Ik wil en de banaliteit .

Terwijl sommigen hem beschouwen als een pionier en een mijlpaal in de kunstgeschiedenis, heeft hij verschillende tegenstanders die hun massaproductie bekritiseren Koons wordt gekenmerkt door een kunstenaar van ideeën. Dus, creëert een concept dat uiteindelijk wordt samengesteld door andere specialisten en maakt verschillende kopieën die voor miljoenen dollars verkopen.

Ballon hond (Blauw), The Broad, Los Angeles, California, USA

Koons werd populair met deze serie sculpturen, gemaakt tussen 1994 en 2000. Tot op de dag van vandaag wordt hij geassocieerd met dit beeld van een hond gemaakt van opgeblazen ballonnen, typisch voor verjaardagsfeestjes of carnaval, gericht op een kinderpubliek. Met zijn Ballon honden werd de de maximale vertegenwoordiger van kitsch kunst, gebaseerd op een overladen esthetiek en "slechte smaak". .

Op deze manier, nam een object van minimale waarde, vluchtig, behorend tot de massacultuur en wilde het zijn plaats geven als kunstwerk. Zo kan men de wisselwerking zien tussen de alledaagse beeldtaal en de verwijzing naar rupturistische acties zoals het urinoir van Duchamp. Het gaat erom van het minst denkbare een kunstwerk te maken.

De vijf versies zijn verkrijgbaar in blauw, magenta, geel, oranje en rood. Het meest opvallend zijn de grote afmetingen (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), omdat hij besloot te spelen met schaal om zijn project nog meer in het oog te laten springen.

Een van de belangrijkste aspecten heeft te maken met de materialiteit. De kunstenaar besloot een beeld te gebruiken dat opvalt door zijn kleur en vorm, verwijzend naar de het huidige materialistische fetisjisme, dat gebaseerd is op de accumulatie van het nutteloze. .

Speel- doh, Whitney Museum of American Art, New York, New York, USA

Met Play-doh zette zijn stijl van monumentale stukken (315 x 386,7 x 348 cm.) voort door deze sculptuur te maken die bestaat uit 27 afzonderlijke stukken beschilderd aluminium. In 2014 ging het in première in een overzichtstentoonstelling in het Whitney Museum of American Art in New York.

De kunstenaar maakte vijf kopieën van dit werk. verwijzing naar het merk Play doh die materialen produceert die dienen om knutselprojecten voor kinderen Zijn inspiratie kwam van zijn zoon Ludwig, die als kind een plasticineheuvel boetseerde en aan zijn vader cadeau deed.

Koons probeerde hem de zo realistisch mogelijk, om de zintuigen van de kijker aan te spreken. Op deze manier zijn vingerafdrukken te zien, alsof het een nieuw gecreëerde compositie betreft.

In de loop der jaren hebben hun werken hebben enkele van de hoogste waarden bereikt waarop een levende kunstenaar kan hopen In 2018 werd een van deze versies verkocht voor 20 miljoen dollar.

Boeket tulpen, Petit Palais, Parijs, Frankrijk

Boeket tulpen werd in 2019 tentoongesteld in eerbetoon aan de slachtoffers van de terroristische aanslagen die in november 2015 in Frankrijk plaatsvonden. Op initiatief van de Amerikaanse ambassadeur schonk Koons deze sculptuur aan de bevolking van Parijs.

Het is 12 meter hoog, weegt 33 ton en is gemaakt van brons, roestvrij staal en aluminium. Het is geïnspireerd op het schilderij Boeket van vrede (1958) van Pablo Picasso en het Vrijheidsbeeld. De hand houdt 11 tulpen vast in plaats van het klassieke dozijn, om afwezigheid, maar ook hoop te symboliseren.

Dit werk veroorzaakte echter een grote controverse Het werd gefinancierd door Amerikaanse en Franse verzamelaars, en velen beweerden dat het geld rechtstreeks aan de verenigingen van de slachtoffers had kunnen worden geschonken.

Ook beschuldigden ze Koons van opportunisme, omdat hij de tragedie wilde gebruiken als excuus om een van zijn werken op een toeristische plek te installeren. In reactie daarop verzekerde de kunstenaar dat 80% van de inkomsten van de audiovisuele reproductie naar de getroffenen van de aanslag en naar het stadsbestuur zou gaan.

Damien Hirst

Damien Hirst (Engeland, 1965) is een van de meest innovatieve kunstenaars van dit moment. In zijn werk heeft hij ervoor gekozen om de grenzen verkennen van wat als kunst kan worden opgevat.

Hij is vergeleken met Andy Warhol, vanwege zijn oneerbiedigheid, projecten die velen sinister noemen en zijn vermogen om geld te genereren. Een van zijn belangrijkste criticasters is Julian Spalding, criticus en schrijver, die zijn productie heeft omschreven als "con-art" (kunstzwendel).

Inderdaad doet zijn werk niet maar worden uitgevoerd door een groep medewerkers Zo stelt hij dat het wezenlijke zijn revolutionaire ideeën die de geaccepteerde thema's van de kunstwereld uitdagen. Dus, de materialisatie komt op de achtergrond Bovendien is zij een beroemdheid geworden, omdat haar figuur en haar uitspraken alleen al een publiek aantrekken.

De fysieke onmogelijkheid van de dood in de geest van een levend persoon...

In 1991 begon Hirst zijn serie Natuurlijke historie waarin hij kadavers gebruikte die hij conserveerde met formaldehyde. Een van de meest controversiële stukken was De fysieke onmogelijkheid van de dood in de geest van een levend persoon.

In een stalen en glazen tank zit een tijgerhaai, zijn doelwit was een gevaarlijk dier op de voorgrond plaatsen dat zelden van zo dichtbij te zien is Ik was op zoek naar viscerale emoties opwekken bij het publiek door ze te confronteren op de grens tussen leven en dood.

Verzamelaar Charles Saatchi financierde de aankoop van het karkas, en de kunstenaar gaf de opdracht aan een visser die vroeg om een dier "groot genoeg om je te verslinden". Toen het beeld eenmaal klaar was, werd het tentoongesteld in de Saatchi Gallery in Londen.

Ondanks het gebruik van formaline moest de haai in 2006 worden vervangen wegens aantasting van het lichaam.

Alleen God weet

In 2007 exposeerde de kunstenaar Alleen God weet Het bestaat uit drie gevilde schapen in afzonderlijke bakken, die het beeld van de kruisiging van Christus oproepen.

Hier is de doet een beroep op het groteske Op die manier functioneert het als een kritiek op de moderne voedselindustrie Het maakt ook een een knipoog naar de opstanding De titel verwijst naar Gods wijsheid, want hij weet waarom de dingen gebeuren zoals ze gebeuren.

Voor de liefde van God

Zijn beroemdste werk tot nu toe is Voor de liefde van God (2007) erkend als de duurste ter wereld . zijn productie had een waarde van 17 miljoen .

Hij gebruikte een 18e eeuwse mannenschedel om een platina mal te maken. 8.601 diamanten werden toegevoegd aan deze kunstmatige schedel, en de originele tanden werden eraan toegevoegd nadat hij was bevestigd. Een priesterlijk ornament, ook gemaakt van diamanten, werd ingelegd op zijn voorhoofd.

Het stuk werd voor het eerst tentoongesteld in de White Cube Gallery in Londen, waar het zinspeelt op thema's als dood en geld Op dezelfde manier wordt met de titel opnieuw het religieuze thema ingevoegd, maar bij de naamgeving werd hij geïnspireerd door zijn moeder, die destijds tegen hem zei: "In godsnaam, wat ga je nu doen?

De kunstenaar verzekerde dat hij met deze sculptuur nadenken over de onvermijdelijkheid van het einde van het bestaan... Hij zei: "De dood maakt het leven spannend. Het is een universele trigger. We zijn allemaal bang voor de dood."

Hoewel Hirst verklaarde dat het in hetzelfde jaar werd verkocht aan een anoniem consortium voor 60 miljoen, hebben sommigen in de kunstwereld dit in twijfel getrokken, velen beschuldigen dat het nog steeds in handen is van de kunstenaar en dat de vermeende prijs is gebruikt om zijn populariteit en de waarde van zijn andere creaties te verhogen.

Een van de werken van La Moneda

Zonder twijfel is Hirst's laatste project de de meest controversiële in de kunstwereld tot nu toe... In 2016 maakte hij 10.000 olieverfschilderijen op papier. In 2021 besloot hij ze te koppelen aan NFT en het voorstel te noemen De Valuta Ze werden dus te koop aangeboden voor een waarde van tweeduizend dollar.

Als iemand het eenmaal heeft, kunnen ze Als de persoon ervoor kiest om de cryptokunst te behouden (het stuk in digitale vorm) of om het in fysieke vorm te hebben. Als de persoon voor NFT kiest, wordt het schilderij blootgelegd en vervolgens verbrand. .

Op die manier werd de Wat is de aard van de moderne kunst vandaag, het materiële of het immateriële? Sinds de opening in september 2021 besloten 4.137 kopers hun NFT in te ruilen voor het fysieke werk, terwijl 5.863 de gecodeerde versie wilden houden. Bijna 6.000 doeken werden verbrand.

Greg Lansky

Greg Lansky (Frankrijk, 1982) werd dit jaar beroemd met een sculptuur die de aandacht van het publiek en specialisten trok vanwege zijn interpretatie van de nieuwe eeuw.

Hoewel hij is opgeleid als fotograaf, heeft hij een carrière opgebouwd als regisseur en producent van pornografische films. Nu hij ondernemer is en financiële vrijheid heeft, heeft hij besloten de wereld van de kunst te verkennen. Zijn sculpturen verwijzen naar de wereld van vandaag en functioneren als een kritische reflectie op de omstandigheden van de hedendaagse realiteit. .

Greg Lansky naast zijn beeldhouwwerk Algoritmische schoonheid

In november 2022 presenteerde hij een marmeren beeldhouwwerk met de naam Algoritmische schoonheid . Het is een moderne herinterpretatie van de klassieke Venus de Milo Het echoot de traditie, maar besluit het een nieuwe look te geven, met als grote verschil dat het armen heeft waarmee het een iPhone vasthoudt.

Lansky plaatste de foto op zijn instagram account, vergezeld van het volgende bericht: "Hoeveel pijn zou je verdragen om je geliefd te voelen?" In zijn woorden:

Ik heb dit werk gemaakt dat de relatie weergeeft tussen pijn en je geliefd voelen in een wereld gedreven door AI-algoritmen. Er is geen spiegel voor je selfie omdat de mensheid de spiegel is. We zijn allemaal de spiegel. Algoritmische Schoonheid heeft geen schoonheidsfilters. De sporen van plastische chirurgie worden met gratie en waardigheid getoond als de littekens van een nooit eindigende oorlog die niemand kanwinnen.

Op die manier tracht zij een kritiek op het huidige systeem dat een vervalst beeld van de mens bevordert Schoonheidsnormen zorgen ervoor dat mensen plastische operaties ondergaan die veel pijn met zich meebrengen. Al deze opofferingen worden gemaakt om erbij te horen en om de beste versie van zichzelf aan de wereld te kunnen geven. In ruil daarvoor krijgen ze de valse liefde voor de netwerken door "likes" en commentaar van anderen.

Deze moderne Venus toont dus een lichaam met siliconen implantaten en merktekens die verschillende esthetische ingrepen onthullen. Voor Lansky is het een weerspiegeling van de huidige maatschappij, die voortdurend streeft naar verbetering van haar uiterlijk, zonder zich te bekommeren om meer dan het uiterlijk.

Jij bent de volgende.

In december 2022 onthulde de kunstenaar een nieuwe sculptuur waarin hij opnieuw elementen uit het verleden koos om de moderne cultuur in vraag te stellen.

Op Jij bent de volgende. bouwde een guillotine Dit instrument van de dood was al heel paradigmatisch in zijn tijd. Terwijl de idealen van gelijkheid, broederschap en vrijheid werden gepromoot, werd ook een instrument gecreëerd om iedereen te vermoorden die de machthebbers onwelgevallig was.

Lansky pakt dit idee op en plaatst in het centrum van de compositie de symbool van Twitter een van de meest controversiële en destructieve sociale netwerken van dit moment. Net als in het Frankrijk van de 18e eeuw kan dit medium worden gezien als een wreed maar gerechtvaardigd element dat een beroep doet op een publiek dat zit te springen om het leed van anderen.

Faciliteiten

1. Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (Denemarken, 1967) is bekend om zijn werk aan de grootschalige sculpturen en installaties, Hij heeft ook gewerkt in de schilderkunst, fotografie en film, en zijn visie heeft te maken met ingrijpen in de ruimte en mensen dichter bij natuurverschijnselen als licht en water brengen. Het idee is dat ze, wanneer ze op originele manieren zijn opgesteld, ons in staat stellen hun kwaliteit als kunstobject te heroverwegen.

In 1995 richtte hij een studio op in Berlijn, omdat zijn aanpak draait om teamwork en samenwerking. Het bestaat uit een gebouw van vier verdiepingen met ongeveer 100 mensen, waaronder technische specialisten, ambachtslieden, architecten, kunsthistorici, webdesigners, grafisch ontwerpers en filmmakers.

Schoonheid

Op Schoonheid (1993) probeerde het herontdekken van de charme van natuurverschijnselen Het bestond uit een faciliteit in een donkere kamer Er lag een slang op het dak, waar een slang uit kwam. water in de vorm van dauw en een lamp De combinatie van deze elementen leverde een regenboog die de kijker moest vinden door in de juiste hoek te gaan staan.

Het klimaatproject

De 2003 Elliason exposeerde in Tate Modern, Londen Het klimaatproject In de enorme turbinezaal (155 meter lang, 23 meter breed en 35 meter hoog) plaatste hij luchtbevochtigers om een nevel te creëren. In het midden installeerde hij een schijf bestaande uit honderden monochrome lampen die geel licht uitstralen. Vervolgens werd een spiegel op het plafond geplaatst, waardoor de bezoekers zichzelf als kleine schaduwen konden weerspiegelen.

De installatie duurde vijf maanden en trok twee miljoen kijkers die met de elementen interageerden, deelden, nadachten en konden mediteren over klimaatverandering. Zijn werk wil mensen aan het denken zetten door middel van interactie. Daarom heeft Mark Godfrey, curator van De Klimaatproject, uitgedrukt:

Eliasson is van mening dat de klimaatnood soms alleen wordt gecommuniceerd door een discours van angst. Hij wil de manier waarop we over de kwestie denken veranderen door een discours van plezier en liefde. Weet je, wat vind ik leuk aan de wereld? En waarom zou ik me er zorgen over maken?".

IJsklok in Londen

Het jaar 2014 samen met geoloog Minik Rosing de installatie van de IJsklok die probeerde op een directe manier de problemen zichtbaar te maken die werden veroorzaakt door de opwarming van het klimaat De tentoonstelling bezocht Kopenhagen, Parijs en Londen.

Het bestond uit ijsblokken uit Groenland Deze stukken werden verplaatst en afgevoerd naar een nieuwe locatie. gerangschikt in een cirkelvorm, die een klok nabootst. De 24 blokken wogen 12 ton en nodigde de toeschouwer uit om deelnemer te worden Mensen konden de kou aanraken, voelen en het smeltproces live volgen.

Voor Elaisson is de rol van de kunstenaar vandaag erg belangrijk. Hij verklaarde: "Je kunt er niet voor kiezen om niet politiek te zijn. Alles wat we doen heeft gevolgen, en we kunnen er niet omheen dat we allemaal met elkaar verbonden zijn". Daarom moedigde hij het publiek aan om zijn voorstel in overweging te nemen:

We moeten erkennen dat we samen de macht hebben om individuele actie te ondernemen en systemische verandering teweeg te brengen. Kom de Groenlandse ijskap aanraken en laat die jou aanraken. Laten we klimaatkennis omzetten in klimaatactie.

Misschien bent u geïnteresseerd in: Land art: definitie, geschiedenis en grote exponenten

2. Félix González Torres

Félix González Torres (1957 - 1996) was een Cubaanse kunstenaar, gevestigd in de Verenigde Staten, waar hij zijn werk ontwikkelde. De belangrijkste van zijn productie waren zijn minimalistische installaties waarin hij materialen uit het dagelijks leven gebruikte. zoals horloges, potloden, snoep, enz.

Zijn stijl werd gekenmerkt door het gebruik van metaforen om te verwijzen naar gevoelens van universele aard waarin het publiek zich kan inleven.

Zonder titel (Perfect Lovers)

In het MOMA in New York vindt u Zonder titel (Perfect Lovers) (1991), een installatie die opvalt door haar eenvoud, maar ook door de mooie boodschap die ze bevat. Het is een werk dat verwijst naar liefde, verlies en rouw De kunstenaar heeft bij de dood van zijn partner, Ross Laycock, twee klokken gemonteerd die elk hen vertegenwoordigen, en na verloop van tijd lopen ze onvermijdelijk niet meer synchroon, waardoor de afstand tussen hen groter wordt.

Zonder titel (Portret van Ross in LA)

Het jaar daarop maakte hij een ander werk als eerbetoon aan zijn overleden liefde. In Zonder titel (Portret van Ross in LA) Het interessante aan deze installatie is dat ze telkens van opstelling veranderde, afhankelijk van de plaats waar ze werd tentoongesteld en de manier waarop het publiek ermee omging.

Toeschouwers werden uitgenodigd om de snoepjes mee te nemen of te herschikken. Zo probeerde de kunstenaar die laat zien hoe verlies in de tijd werkt Het kan nieuwe vormen vinden en zich aanpassen, maar het verdwijnt nooit.

Net als zijn partner stierf González Torres in 1996 aan complicaties als gevolg van AIDS en was hij een van de eerste stemmen in de kunstwereld die zich over deze kwestie uitspraken.

Prestaties

Marina Abramović

Marina Abramović (Servië, 1946) staat bekend om haar provocerend voorstellingen waarin veranderde zichzelf in een artistiek object Zijn carrière begon in de jaren 1970. Zijn stijl werd gekenmerkt door trots en een verlangen om de relatie tussen de kunstenaar en het publiek. In zijn woorden: "de eerste keer dat ik mijn lichaam voor het publiek zette, begreep ik dat het mijn steun was".

Foto van de voorstelling Ritmo 0

In 1974 maakte hij een van zijn meest gedurfde optredens en die hem bovendien de de duisternis van de mens Moe van het etiket exhibitionist en masochist, zei ze Tempo 0 waar de Het publiek moest direct reageren op haar lichaam, terwijl zij functioneerde als een blanco doek. .

In de Morra Studio in Napels (Italië) trad hij zes uur lang op. Hij stond roerloos. 72 objecten lagen op een tafel naast een bord met de tekst "Je kunt met mij doen wat je wilt. Ik ben een object. Ik neem de verantwoordelijkheid voor alles wat er in deze periode kan gebeuren".

Zo gaf Abramović zichzelf aan het publiek alsof ze een pop was. De Het doel was om te zien hoe mensen zouden reageren op de mogelijkheid om een mens als speelgoed ter beschikking te hebben. .

Er waren twee categorieën, objecten van plezier, zoals parfum, bloemen en veren; en objecten van vernietiging met messen, scharen, scheermesjes en zelfs een pistool.

In het begin Het was allemaal heel onschuldig, ze lieten haar van houding veranderen, gaven haar bloemen en kusten haar... Maar na het derde uur ging het slechter. Een sinistere draai: ze werd vastgebonden, van haar kleren ontdaan, met doornen gestoken en zelfs door een man neergestoken. Na afloop van zijn presentatie verklaarde hij:

Het laat zien hoe snel iemand kan besluiten je pijn te doen als hij dat mag. Het laat zien hoe makkelijk het is om iemand die niet terugvecht te ontmenselijken. Het laat zien dat de meeste 'normale' mensen in het openbaar zeer gewelddadig kunnen worden als ze de kans krijgen.

Foto van de prestaties inademen/uitademen

In 1976 verhuisde hij naar Amsterdam waar hij de Duitse kunstenaar Frank Uwe Laysiepen, beter bekend als Ulay Ze begonnen een romantische relatie die resulteerde in een samenwerking die meer dan tien jaar duurde en een aantal van zijn meest interessante werken opleverde.

Als team wilden ze de grenzen van het lichaam verkennen, dus besloten ze met zichzelf te spelen. In 1977 produceerden ze "Inademen/Uitademen". De prestatie werd twee keer uitgevoerd, in Belgrado en Amsterdam. Ze stopten hun neusgaten dicht en drukten hun monden tegen elkaar. Het idee was om... alleen de door de ander uitgestoten lucht inademen tot alle beschikbare zuurstof opgebruikt is... .

Beiden vielen bewusteloos op de vloer, en daarbij probeerden ze legt de valkuilen van moderne relaties bloot, aangezien het ene individu in staat is het andere te consumeren en te vernietigen.

Foto van de performance De kunstenaar is aanwezig

Het jaar 2010 de Het MOMA hield een overzichtstentoonstelling Het bestond uit video's, foto's en documenten die het werk van de kunstenaar in de loop van vier decennia vastlegden. Daar besloot ze een nieuwe prestatie Het publiek werd uitgenodigd om te zitten en te delen met de kunstenares, om haar aanwezigheid te voelen in het atrium van het museum. De actie was een van de langste uit zijn carrière, aangezien hij gedurende drie maanden acht uur per dag met deze activiteit bezig was.

Schilderen

1. Zeng Fanzhi

Zeng Fanzhi (1964) is een van China's meest internationaal bekende kunstenaars en een van de best betaalde van dit moment. Hij wordt gekenmerkt door de Hij maakte expressionistische schilderijen waarin hij de realiteit van zijn land weergeeft en tegelijkertijd zinspeelt op de invloed van het Westen.

Hij groeide op tijdens de Culturele Revolutie in China en daarom verwijst zijn werk naar de ontberingen in die jaren. In zijn woorden:

Toen ik jong was, was het leven zo hard dat het moeilijk was om aan de toekomst te denken. In die tijd was het belangrijkste om rond te komen en onszelf te kunnen voeden.

Na zijn studie aan de Hubei Academie voor Schone Kunsten besloot hij zich te specialiseren in de OLIEVERF Zijn belangrijkste invloeden zijn Paul Cézanne, Willem de Kooning en Lucian Freud.

Masker nr. 1

Na verloop van tijd ontwikkelde hij een eigen stijl en werd beroemd met zijn serie Maskers, met als hoogtepunt de presentatie van personages die zich verbergen achter een masker Bovendien zijn De handen zijn overdreven onevenredig met de rest van hun lichaam.

Hier, in Masker nr. 1 ( 1999) is een typisch portret te zien van een man die tot het Chinese regime behoort. Dit is te zien aan de rode sjaal en het symbool op zijn rechterarm. Hoewel het zijn gezicht bedekt, zijn de pijn en de angst onmogelijk te verbergen en vallen er dikke tranen uit ogen die levenloos lijken.

Het Laatste Avondmaal

Het Laatste Avondmaal (2001) is een van zijn beroemdste schilderijen, waarin hij verwijzing naar het werk van Leonardo Da Vinci met dezelfde samenstelling en verdeling van tekens.

In dit geval is de De hoofdpersonen komen uit de moderne tijd en hebben de typische kenmerken van hun serie. Maskers Zo hebben ze rode sjaals die verwijzen naar het communisme, te grote handen en Chinese maskers die hun gezicht bedekken. In tegenstelling tot het origineel wordt het diner gekenmerkt door soberheid. .

Het werk werd in 2013 verkocht voor 23 miljoen dollar, waardoor Fanzhi een van de meest gewilde kunstenaars ter wereld werd.

Guillermo Lorca García

Guillermo Lorca García (1984) is een Chileense kunstenaar die zich onderscheidt door de creatie van doeken waarin hij een magische wereld In een tijdperk van installaties en werken waarin ideeën de boventoon voeren, besloot de jongeman terug te keren naar de klassiek olieverfschilderij Aldus kan het volgende worden gevonden kinderen en dieren in barokstijl waarin het volgende tegen elkaar wordt afgezet schoonheid en het verontrustende .

Hij is beroemd geworden om zijn reusachtige schilderijen (tot drie meter) en voor zijn picturale virtuositeit Er is enorm veel werk in composities waarin kleuren de boventoon voeren, evenals het gebruik van licht en schaduw.

De kleine tuinders

Het heeft een een bijzondere stijl waarin de technieken van realistische schilderkunst en surrealistische beelden elkaar kruisen. Bijvoorbeeld, in zijn tabel De kleine tuinders In het jaar 2021 zijn twee kleine meisjes te zien in een droomachtige tuin met reusachtige vlinders, flamingo's en andere kleurrijke exotische dieren.

Over het soort personages dat hij gewoonlijk gebruikt, zei hij in een interview:

Voor mij zijn kinderen en dieren samen logisch; je zou kunnen zeggen dat hun 'zielen' meer op elkaar lijken. Daar zitten de krachtigste emoties. Ik denk dat de personages verschillende delen van onze natuur vertegenwoordigen, zoals bij sprookjes, mythen en legenden.

Het feit dat de een van de meisjes blauw haar heeft of dat er een roze tijger is. werkt als een resource om magische scènes waarin ze wonen wezens zonder tijd Ze erkent ook dat de Japanse anime die ze als kind zag een inspiratiebron was voor het schoonheidsideaal dat ze naar voren brengt.

Het Engelse bed

De schilder verwijst naar zijn werk als de interactie tussen tegenstellingen Net zoals er onschuld en schoonheid is ook te vinden in de bedreiging, geweld en dood Dat is wat het de poëtisch effect aan hun kaders.

Op Het Engelse bed (2021) zien we een meer realistische inval in het portret. Er zijn geen kleuren meer of de sensatie van een magische wereld. We zien een jong meisje dat de toeschouwer rechtstreeks aankijkt en achter haar een tijger die haar lijkt te willen verslinden. Lorca bevestigt dat dit thema te maken heeft met kinderfantasieën. Hoewel er ook symbolische associaties kunnen worden gemaakt, aangezien de wildheid gewoonlijkgerelateerd aan de erotiek.

Fotografie

1. Cindy Sherman

Cindy Sherman (geboren in 1954 in de Verenigde Staten van Amerika) is een van 's werelds meest internationaal bekende fotografen De kunstenaar besloot om zichzelf te gebruiken als voertuig, door model en auteur van haar beelden te zijn .

Zo neemt hij vaak zijn toevlucht tot de kostuum, op make-up en aan de scenografie Zo wordt hij zowel subject als object van zijn werk, waarbij hij... de rollen die aan hun sekse worden toegeschreven, zoals passiviteit, ondermijnen.

Untitled film #7

Tussen 1977 en 1980 maakte Sherman een serie genaamd Film zonder titel ( Film nog niet getiteld ). 80 zwart-wit foto's in hetzelfde formaat, waarmee hij internationaal beroemd werd. In nummer 7 zien we een vrouw die net wakker wordt, met witte kousen, een nachthemd en een zonnebril. Ze lijkt verrast door de camera, als ze naar voren loopt met een glas Martini in zijn linkerhand.

Hier was ik op zoek naar spelen met het beeld van vrouwen in de media... Het gaat erom vrouwelijkheid en haar stereotypen voor te stellen, net zoals propaganda en cinema dat in die jaren deden.

Daarom, imiteert scènes uit fictieve films waarin hij aantrekkelijke jonge vrouwen imiteert in suggestieve poses, midden in een scène. Hij besluit om de stijl van de jaren 50 en 60, waar de werd de vrouw gezien als een decoratief, sensueel en geïdealiseerd object. .

Untitled film #6

Sherman is niet alleen model, maar is ook verantwoordelijk voor het decorontwerp, de kostuums en de rekwisieten, en heeft ook de leiding over het technische proces, zoals te zien is in Untitled film #6 Daar, links, is een kabel zichtbaar, die de kwaliteit van de kunstgreep van het beeld zichtbaar maakt.

De kunstenaar was op zoek naar de verkeerde voorstelling van het vrouwelijk geslacht die in die jaren circuleerde... Met dezelfde mechanismen als het officiële discours wilde ik het op zijn kop zetten en het publiek aan het denken zetten.

Zonder titel

Vanaf de jaren tachtig stond ze niet meer op haar foto's en maakte ze plaats voor kunstmatige anatomische poppen en ledematen Dit is de periode waaruit zijn serie stamt, Historische portretten, Geïnspireerd door klassieke werken, waarbij de Renaissance portretstijl, creëert hij werken die hij verandert om een verontrustend effect te bereiken. . in Zonder titel (1989) toont een vrouw die het prototype van de moeder volgt en die die boodschap overdrijft door een rubberen borst toe te voegen, terwijl ze een kind vasthoudt dat in een witte deken is gewikkeld.

2. Ángela Burón

Angela Burón is een jonge Spaanse fotografe die bekend is geworden door haar werk op het gebied van fotografie. surrealistische beelden waarin ze zelf model staat... . zijn Centraal thema is het lichaam, dat dankzij het gebruik van Photoshop op nieuwe en onverwachte manieren is gerangschikt. Zo ontstaat een nieuwe werkelijkheid waarin het niet meer mogelijk is een begin of een einde te onderscheiden, en dus de wordt de menselijke figuur een uitdrukking van het oneindige.

Nachtelijke bewegingen

In zijn werk leven lichaamsdelen Deze elementen rangschikken zich op verrassende manieren, terwijl ze alledaagse ruimtes bewonen, zoals het interieur van eenvoudige huizen of gewoon een bed. Dit is de eerste keer dat dit boek is gepubliceerd. reorganisatie laat de kijker opnieuw nadenken over hoe hij of zij de werkelijkheid begrijpt en waarneemt. .

Hij besluit ook om spelen met de materialiteit van het lichaam en zijn kwaliteit als instrument verwijzend naar artiesten uit de prestatie die in de jaren 70 opdoken.

Dromen

Bibliografie

• Márquez, Mónica (2019) "Guillermo Lorca: hedendaagse barok", Revista Metal.
• Grosenick, Uta. (2005). Vrouwelijke kunstenaars van de 20e en 21e eeuw. Taschen.
• Hodge, Susie (2020). Een korte geschiedenis van vrouwelijke kunstenaars Blume.
• Holzwarth, Hans Werner en Taschen, Laszlo (Eds.) (2011). Moderne kunst: een geschiedenis van het impressionisme tot heden Taschen.
• Oppenheimer, Walter (2012), "Damien Hirst of de kunst van het (veel) geld verdienen", El País.
• Zeldes, Jason (2019). Abstract. Seizoen 2, aflevering 1: "Olafur Eliasson: The Design of Art" Netflix.