На початку 20-го століття з'явилися авангардні рухи, які прагнули порвати з традицією. Так, футуризм, дадаїзм і сюрреалізм, серед інших, зламали бар'єри того, що можна вважати мистецтвом. Це було зроблено таким чином бути сучасним художником означало впроваджувати інновації та кидати виклик світові через роботи, які більше не намагалися копіювати реальність чи бути красивими, а прагнули похитнути існуючі естетичні та соціальні концепції.

Тому в рамках проекту Сучасні мистецькі засоби вираження ґрунтуються на впливі, який вони мають на аудиторію. Чим суперечливіше і складніше, тим краще вона сприймається.

Вас може зацікавити: Мистецькі авангарди, Мистецькі течії 20 століття

Що таке сучасне мистецтво?

Сучасне мистецтво - це те, що випущені з 1950 року і далі Це твори, безпосередньо пов'язані з обставинами свого часу. глобалізація, суспільство споживання та промислові товари .

Художникам більше не потрібно бути експертами чи мати якийсь особливий талант, адже саме ідея та концепція домінує Це реальність, в якій інсталяції, скульптури та скульптурні роботи. готові які беруть звичайний об'єкт і дають йому нове життя.

Соціальні мережі також стали основним засобом поширення, оскільки оригінальність і сміливість є найбільш цінними цінностями. Йдеться про заходять все далі і далі та кидають виклик усім стандартам. Сьогодні будь-яка обґрунтована пропозиція може бути сприйнята як мистецтво.

Це має сенс у наступних випадках час, насичений стимулами та інформацією Отже, цікавим є те, що історія мистецтва налічує століття великих творців, які вже продемонстрували свою технічну майстерність. Отже, цікавим є те, що дивувати та бути проривними .

Тут представлені деякі з найбільш новаторських, дивних і відомих сучасних художників останнього часу, яких і хвалять, і ненавидять одночасно, і які, безсумнівно, зуміли зайняти певний простір у колективній уяві.

Вас може зацікавити: Концептуальне мистецтво: характеристика та приклади

Скульптура

1. Джефф Кунс

Джефф Кунс (США, 1955) - один з найсуперечливіших художників сучасності через пропозицію, в якій переважає надмірність. Він став відомим у 1980-х роках завдяки концептуальне мистецтво, в якому виділяються елементи поп-музики та кітчу. .

Раніше він працював на фондовій біржі Уолл-стріт, тож був одним із перших творців, які звернулися до рекламної агенції для просування свого іміджу.

Хоча він створював картини і фотографії, він найбільш відомий своїми монументальні, блискучі скульптури Його тема обертається навколо краса "У нас тут є Я хочу і банальність .

Хоча дехто вважає його піонером і віхою в історії мистецтва, у нього є кілька недоброзичливців, які критикують їхнє масове виробництво Кунс характеризується тим, що він художник ідей. Таким чином, створює концепцію, яку в кінцевому підсумку втілюють інші фахівці і робить кілька копій, які продаються за мільйони доларів.

Собака з повітряної кульки. (Синій), The Broad, Лос-Анджелес, Каліфорнія, США

Кунс став популярним завдяки цій серії скульптур, створених між 1994 і 2000 рр. До сьогодні його ім'я асоціюється з образом собаки з надутих повітряних кульок, типовим для днів народження або карнавалів, орієнтованих на дитячу аудиторію. Собаки з повітряних кульок став максимальний представник мистецтва кітчу, заснованого на перевантаженій естетиці та "поганому смаку". .

Таким чином, взяли об'єкт мінімальної цінності, ефемерний, що належить до масової культури, і захотіли відвести йому місце витвору мистецтва. Таким чином, можна побачити взаємодію між повсякденною візуальною мовою та відсиланням до руппуристських акцій, таких як пісуар Дюшана. Йдеться про перетворення найменш уявляємого на витвір мистецтва.

П'ять версій доступні в синьому, пурпуровому, жовтому, помаранчевому, оранжевому та червоному кольорах. Найбільше вражають їхні великі розміри (307,3 x 363,2 x 114,3 см), оскільки він вирішив погратися з масштабом, щоб зробити свій проект ще більш привабливим.

Один з головних аспектів пов'язаний з матеріальністю. Художниця вирішила використати зображення, яке виділяється кольором і формою, натякаючи на сучасний матеріалістичний фетишизм, який базується на накопиченні непотрібного. .

Грай. Дох, Музей американського мистецтва Вітні, Нью-Йорк, Нью-Йорк, США

З Пластилін. продовжив свій стиль монументальних робіт (315 x 386,7 x 348 см), створивши цю скульптуру з 27 окремих шматків пофарбованого алюмінію. 2014 року відбулася її прем'єра на ретроспективі в Музеї американського мистецтва Вітні в Нью-Йорку.

Художник зробив п'ять копій цієї роботи, що становить посилання на бренд Play doh яка виробляє матеріали, що слугують для дитячі рукодільні проекти Його надихнув син Людвіг, який у дитинстві зліпив з пластиліну курган і подарував його батькові.

Кунс намагався дати йому максимально реалістичними, щоб апелювати до почуттів глядача. Таким чином, сліди пальців можна побачити, ніби це щойно створена композиція.

За ці роки їхній творів досягли одних з найвищих значень, на які може сподіватися живий художник. У 2018 році одна з таких версій була продана за $20 млн.

Букет тюльпанів, Маленький палац, Париж, Франція

Букет тюльпанів була виставлена в 2019 році на данина пам'яті жертвам терористичних атак, що сталися у Франції в листопаді 2015 року. З ініціативи посла США Кунс подарував цю скульптуру жителям Парижа.

Він має висоту 12 метрів, важить 33 тонни і виготовлений з бронзи, нержавіючої сталі та алюмінію. На його створення надихнула картина Букет миру (1958) Пабло Пікассо і Статуя Свободи. Рука тримає 11 тюльпанів замість класичної дюжини, що символізує відсутність, але також і надію.

Однак ця робота викликала основна суперечка Вона була профінансована американськими та французькими колекціонерами, і багато хто стверджував, що гроші могли бути пожертвувані безпосередньо асоціаціям жертв.

Вони також звинуватили Кунса в опортунізмі, оскільки він хотів використати трагедію як привід для встановлення однієї зі своїх робіт у туристичному місці. У відповідь художник запевнив, що 80% доходу від аудіовізуальної репродукції піде постраждалим від теракту та міській раді.

Дем'єн Хьорст

Дем'єн Хьорст (Англія, 1965) - один з найбільш новаторських художників сучасності. У своїй творчості він обирає дослідити межі того, що можна розуміти під мистецтвом.

Його порівнюють з Енді Ворголом через його нешанобливість, проекти, які багато хто називає зловісними, і здатність заробляти гроші. Один з його найголовніших недоброзичливців - Джуліан Сполдінг, критик і письменник, який визначив його творчість як "кон-арт" (мистецтво-шахрайство).

Дійсно. не робить своїх справ але виконуються групою співавторів Таким чином, він стверджує, що головне - це його революційні ідеї які прагнуть кинути виклик загальноприйнятим темам у світі мистецтва. Так, на виставці матеріалізація відходить на другий план Більше того, вона стала знаменитістю, оскільки її фігура та висловлювання самі по собі привертають увагу аудиторії.

Фізична неможливість смерті у свідомості живої людини

У 1991 році Хьорст розпочав свою серія Природознавство в яких він використовував туші тварин, законсервовані за допомогою формальдегіду. Однією з найбільш суперечливих статей була Фізична неможливість смерті у свідомості живої людини.

У сталевому та скляному резервуарі сидить тигрова акула, її метою була висування на передній план небезпечної тварини, яку рідко можна побачити так близько Я шукав викликати вісцеральні емоції у глядачів зіштовхуючи їх на межі між життям і смертю.

Колекціонер Чарльз Саатчі профінансував придбання туші, а художник замовив її у рибалки, який попросив тварину, "достатньо велику, щоб зжерти тебе". Коли скульптура була завершена, її виставили в галереї Саатчі в Лондоні.

Незважаючи на використання формаліну, в 2006 році акулу довелося замінити через деградацію організму.

Тільки Бог знає.

У 2007 році художник виставлявся на виставках Тільки Бог знає. Він складається з трьох обдертих овець в окремих резервуарах, що нагадує образ розп'яття Христа.

Ось тут, на апелює до гротеску Таким чином, він функціонує як критика сучасної харчової промисловості Це також робить кивок на воскресіння Його назва натякає на Божу мудрість, адже Він знає, чому все відбувається саме так, а не інакше.

Заради любові до Бога

Найвідомішими його роботами на сьогоднішній день є Заради любові до Бога (2007) визнаний як найдорожчий у світі . його виробництво мала значення 17 мільйонів .

Він використав чоловічий череп 18 століття для виготовлення платинової форми. 8 601 діамант був доданий до цього штучного черепа, а оригінальні зуби були додані до нього після того, як він був зафіксований. На лобі був інкрустований орнамент у священицькому стилі, також зроблений з діамантів.

Вперше робота була виставлена в галереї White Cube в Лондоні, де вона натякає на такі теми, як смерть і гроші Так само і в назві знову присутня релігійна тема, але на її створення його надихнула мати, яка свого часу сказала йому: "Заради Бога, що ти тепер будеш робити?

Художник розповів, що цією скульптурою він хотів роздуми про неминучість кінця буття Він сказав: "Смерть робить життя захоплюючим. Це універсальний спусковий гачок. Ми всі боїмося смерті".

Хоча Хьорст стверджував, що картина була продана того ж року анонімному консорціуму за 60 мільйонів, деякі голоси у світі мистецтва ставлять це під сумнів, багато хто звинувачує, що вона все ще перебуває в руках художника, і що передбачувана ціна була використана для підвищення його популярності та вартості інших його творінь.

Одна з робіт Ла Монеда

Без сумніву, останнім проектом Херста став найсуперечливіша у світі мистецтва на сьогоднішній день У 2016 році він створив 10 000 олійних картин на папері. У 2021 році він вирішив пов'язати їх з NFT і назвати пропозицію Валюта Таким чином, вони були виставлені на продаж за ціною дві тисячі доларів.

Після того, як хтось придбав його, він міг Якщо людина обирає зберігати крипто-арт (твір у цифровому вигляді) або мати його у фізичній формі, то якщо вона обирає NFT, то картина буде виставлена на показ, а потім спалена. .

Таким чином, це поставило під сумнів Яка природа сучасного мистецтва сьогодні - матеріальна чи нематеріальна? З моменту відкриття у вересні 2021 року 4 137 покупців вирішили обміняти свої NFT на фізичну роботу, тоді як 5 863 захотіли залишити зашифровану версію. Майже 6 000 полотен було спалено.

Грег Ланскі

Грег Ланскі (Франція, 1982) прославився цього року скульптурою, яка привернула увагу публіки та фахівців своєю інтерпретацією нового століття.

Хоча він навчався на фотографа, він розвинув кар'єру режисера і продюсера порнографічних фільмів. Тепер, коли він підприємець і має фінансову свободу, він вирішив дослідити світ мистецтва. Його скульптури відсилають до сьогоднішнього світу і функціонують як критична рефлексія на умови сучасної дійсності. .

Грег Ланскі біля своєї скульптури Алгоритмічна краса

У листопаді 2022 року він презентував мармурову скульптуру під назвою Алгоритмічна краса . Це сучасне переосмислення класичної Венери Мілоської Він повторює традицію, але вирішує надати їй нового вигляду, з великою різницею в тому, що у нього є руки, в яких він тримає iPhone.

Ланський опублікував фото на своєму акаунті в Instagram, супроводивши його наступним повідомленням: "Скільки болю ви б витерпіли, щоб відчути, що вас люблять?" За його словами, "скільки болю ви б витерпіли, щоб відчути, що вас люблять?":

Я створив цю роботу, щоб відобразити зв'язок між болем і почуттям кохання у світі, керованому алгоритмами штучного інтелекту. Немає дзеркала для вашого селфі, тому що людство - це дзеркало. Ми всі - дзеркало. Алгоритмічна краса не має фільтрів краси. Сліди пластичних операцій показані з витонченістю і гідністю, як бойові шрами нескінченної війни, яку ніхто не може виграти.виграти.

Таким чином, він прагне здійснювати критика існуючої системи, яка пропагує спотворений образ людини Стандарти краси змушують людей робити пластичні операції, які супроводжуються сильним болем. Всі ці жертви приносяться заради того, щоб належати і мати можливість дарувати світові найкращу версію себе. Натомість вони отримують помилкова любов до мереж через "лайки" та коментарі інших.

Таким чином, ця сучасна Венера показує тіло з силіконовими імплантатами та слідами різних естетичних втручань. Для Ланського це відображення сучасного суспільства, яке постійно прагне покращити свій зовнішній вигляд, не переймаючись нічим, окрім зовнішнього вигляду.

Ти наступний.

У грудні 2022 року художник представив нову скульптуру, в якій знову обрав елементи з минулого, щоб поставити під сумнів сучасну культуру.

За адресою Ти наступний. побудував гільйотина Це знаряддя смерті вже свого часу було досить парадигматичним. У той час, коли пропагувалися ідеали рівності, братерства і свободи, був створений інструмент для вбивства всіх, хто був незручним для сильних світу цього.

Ланський підхоплює цю ідею і ставить у центр композиції символ Twitter одна з найбільш суперечливих і деструктивних соціальних мереж на сучасній сцені. Як і у Франції 18 століття, цей засіб можна розглядати як жорстокий, але виправданий елемент, що апелює до публіки, яка прагне болю інших.

Зручності

1. Олафур Еліассон

Олафур Еліассон (Данія, 1967) відомий своїми роботами над масштабні скульптури та інсталяції, Він також працював у сфері живопису, фотографії та кіно, і його бачення пов'язане з втручатися в простір і наближати людей до природних явищ, таких як світло і вода. Ідея полягає в тому, що, будучи скомпонованими в оригінальний спосіб, вони дозволяють нам переосмислити їхню якість як мистецьких об'єктів.

У 1995 році він заснував студію в Берліні, оскільки його підхід полягає в командній роботі та співпраці. Це чотириповерхова будівля, в якій працює близько 100 осіб, серед яких технічні фахівці, ремісники, архітектори, мистецтвознавці, веб-дизайнери, графічні дизайнери та кінорежисери.

Краса

За адресою Краса (1993) прагнула до того, щоб заново відкриваючи чарівність природних явищ Він складався з об'єкта, розташованого в фотолабораторія На даху стояла труба, з якої виходив шланг. вода у вигляді роси та лампа Поєднання цих елементів створило веселка яку глядач мав знайти, ставши під правильним кутом.

Кліматичний проект

У "The 2003 Еллісон виставлявся в Тейт Модерн, Лондон Кліматичний проект У величезному машинному залі (155 метрів завдовжки, 23 метри завширшки і 35 метрів заввишки) він розмістив зволожувачі повітря для створення туману. У центрі він встановив диск із сотень монохроматичних ламп, що випромінюють жовте світло. Потім на стелі розмістив дзеркало, що дозволяє відвідувачам відображати себе у вигляді маленьких тіней.

Інсталяція тривала п'ять місяців і привернула увагу двох мільйонів глядачів, які взаємодіяли з елементами, ділилися, споглядали і мали змогу медитувати на тему зміни клімату. Його робота прагне змусити людей мислити через взаємодію. З цієї причини Марк Годфрі, куратор У "The Кліматичний проект, виражений:

Еліассон вважає, що іноді про кліматичну надзвичайну ситуацію повідомляють лише через дискурс страху. Він хоче змінити наше уявлення про цю проблему за допомогою дискурсу задоволення і любові. Знаєте, що мені подобається у світі? І чому я повинен про нього турбуватися?".

Крижаний годинник у Лондоні

Рік 2014 разом з геологом Мініком Росінгом взялися за встановлення Крижаний годинник який мав на меті зробити видимими безпосередньо проблеми, спричинені глобальне потепління Виставка побувала в Копенгагені, Парижі та Лондоні.

Він складався з крижані брили, що надходять з Гренландії Ці фрагменти були переміщені та перенесені на нове місце. розташовані по колу, імітуючи годинник 24 блоки важили 12 тонн і запрошували глядача стати учасником Люди могли доторкнутися, відчути холод і спостерігати за процесом плавлення наживо.

Для Еліссона роль художника сьогодні дуже важлива. Фактично, він заявив: "Ви не можете вибрати не бути політиком. Все, що ми робимо, має наслідки, і ми не можемо уникнути того факту, що ми всі взаємопов'язані". Тому він закликав громадськість розглянути його пропозицію:

Ми повинні визнати, що разом ми маємо силу для індивідуальних дій та системних змін. Доторкніться до льодовикового щита Гренландії і дозвольте йому торкнутися вас. Перетворімо знання про клімат на кліматичні дії.

Вас може зацікавити: Ленд-арт: визначення, історія та найкращі експонати

2. Фелікс Гонсалес Торрес

Фелікс Гонсалес Торрес (1957 - 1996) - кубинський художник, який мешкав у США, де розвивав свою творчість. Найважливішими з його робіт були інсталяції в стилі мінімалізму, в яких він використовував матеріали з повсякденного життя. такі як годинники, олівці, солодощі тощо.

Його стиль характеризувався використання метафор для позначення почуттів універсального характеру з якими може співпереживати громадськість.

Без назви (Ідеальні коханці)

У нью-йоркському музеї MOMA ви знайдете Без назва (Ідеальні коханці) (1991), інсталяція, яка вирізняється своєю простотою, але також і прекрасним посланням, яке вона містить. Це робота, яка стосується любові, втрати та жалоби Художник встановив два годинники в момент смерті свого партнера, Росса Лейкока, кожен з яких представляє його, і з часом вони неминуче розходяться в часі, таким чином збільшуючи відстань між ними.

Без назви (Портрет Росса в Лос-Анджелесі)

Наступного року він створив ще одну роботу, присвячену своїй померлій коханій. Без назви (Портрет Росса в Лос-Анджелесі) Цікавим у цій інсталяції є те, що кожного разу вона змінювала своє розташування, залежно від того, де її виставляли і як з нею взаємодіяла публіка.

Глядачам було запропоновано взяти солодощі, щоб забрати або переставити їх. Таким чином, художник прагнув показуючи, як втрати змінюються з плином часу Вона може знаходити нові форми та адаптуватися, але ніколи не зникає.

Як і його партнер, Гонсалес Торрес помер від ускладнень, викликаних СНІДом, у 1996 році і був одним із перших у світі мистецтва, хто заговорив про цю проблему.

Продуктивність

Марина Абрамович

Марина Абрамович (Сербія, 1946) була відзначена за її провокаційний перформанси в якому перетворився на мистецький об'єкт Його кар'єра почалася в 1970-х. Його стиль характеризувався викликом і бажанням дослідити стосунки між художником і глядачем. За його словами: "коли я вперше виставив своє тіло перед публікою, я зрозумів, що це моя опора".

Фотографія продуктивність Ritmo 0

У 1974 році він зробив один з найсміливіших його перформансів і який, крім того, відкрив йому темрява людської істоти Втомившись від того, що її називають ексгібіціоністкою та мазохісткою, вона сказала Темп 0 де Глядачі повинні були безпосередньо взаємодіяти з її тілом, а вона виконувала роль чистого полотна. .

У студії Морра в Неаполі (Італія) він виступав протягом шести годин. Він стояв нерухомо. 72 об'єкти лежали на столі поруч з табличкою: "Ви можете робити зі мною все, що завгодно. Я - об'єкт. Я беру на себе відповідальність за все, що може статися в цьому просторі часу".

Таким чином, Абрамович віддавала себе глядачам, наче ляльку. Метою було побачити, як люди відреагують на можливість мати людину в якості іграшки. .

Було дві категорії: об'єкти насолоди, такі як парфуми, квіти та пір'я, і об'єкти руйнування - ножі, ножиці, леза для гоління і навіть пістолет.

На початку Це все було цілком невинно, вони змушували її змінювати позу, дарували квіти і цілували її Однак після третьої години все пішло на спад. Зловісний поворот: її зв'язали, роздягли догола, кололи терням і навіть зарізав чоловік. Після завершення своєї презентації він заявив:

Вона показує, як швидко хтось може вирішити завдати вам болю, коли йому це дозволено. Вона показує, як легко дегуманізувати того, хто не чинить опору. Вона показує, що більшість "нормальних" людей можуть стати дуже жорстокими на людях, якщо їм дадуть таку можливість.

Фотографія продуктивність Вдих/видих

У 1976 році він переїхав до Амстердама, де познайомився з Німецький художник Франк Уве Лайсіпен, більш відомий як Улай У них почалися романтичні стосунки, які вилилися в співпраця який тривав більше десяти років і створив деякі з його найцікавіших робіт.

Як команда вони хотіли дослідити межі тіла, тому вирішили погратися з собою. 1977 року вони створили "Вдих/видих У "The продуктивність був виконаний двічі, в Белграді та Амстердамі. При цьому вони затикали ніздрі і стискали роти разом. Ідея полягала в тому, щоб вдихати повітря, яке видихає інший, лише доти, доки не буде використано весь наявний кисень .

Обидва впали на підлогу без свідомості, і при цьому намагалися викривають підводні камені сучасних стосунків, адже одна людина здатна поглинути та знищити іншу.

Фотографія перформанс Художник присутній

Рік 2010 "У нас тут є У МОМА відбулася ретроспектива Вона складалася з відео, фотографій і документів, що фіксували роботу художниці протягом чотирьох десятиліть. Там вона вирішила зробити нову продуктивність Публіка була запрошена сісти і розділити з художницею, відчути її присутність в атріумі музею. Ця акція була однією з найдовших у його кар'єрі, оскільки він проводив вісім годин на день протягом трьох місяців, займаючись цією діяльністю.

Живопис

1. Зенг Фанджі

Зенг Фанчжі (1964 р.н.) - один з найбільш всесвітньо відомих китайських художників і один з найбільш високооплачуваних на сьогоднішній день. Він характеризується такими рисами, як Він створює експресіоністичні картини, в яких відображає реальність своєї країни, водночас натякаючи на вплив Заходу.

Він виріс під час Культурної революції в Китаї, і саме тому його роботи відсилають до труднощів, пережитих у ті роки. За його словами:

Коли я був молодим, життя було настільки важким, що важко було думати про майбутнє. Тоді найголовніше було звести кінці з кінцями і мати можливість прогодувати себе.

Після навчання в Хубейській академії образотворчих мистецтв вирішив спеціалізуватися на ОЛІЙНА ФАРБА Його основні впливи - Поль Сезанн, Віллем де Кунінг і Люсьєн Фрейд.

Маска №1

Згодом він розробив власний стиль і прославився своїми серіалами Маски, що було підкреслено презентацією персонажі, що ховаються за маскою Крім того, його Руки перебільшено непропорційні до решти тіла.

Тут, у Маска N°1 ( 1999) можна побачити типовий портрет чоловіка, який належить до китайського режиму. Це видно по червоному шарфу і символу на його правій руці. Хоча він закриває обличчя, біль і страждання неможливо приховати, і густі сльози падають з очей, які здаються неживими.

Таємна вечеря

Таємна вечеря (2001) - одна з найвідоміших його картин, в якій він робить посилання на творчість Леонардо да Вінчі використовуючи ту саму композицію та розподіл символів.

У цьому випадку Головні герої походять з сучасної епохи і мають типові для своїх серій характеристики. Маски Так, вони носять червоні шарфи, що натякають на комунізм, великі руки та маски в китайському стилі, що закривають їхні обличчя. На відміну від оригіналу, вечеря відрізняється своєю економністю. .

Робота була продана у 2013 році за 23 мільйони доларів, що зробило Фанжі одним з найбільш затребуваних художників у світі.

Гільєрмо Лорка Гарсія

Гільєрмо Лорка Гарсія (1984) - чилійський художник, який вирізняється створенням полотен, в яких він поселяє чарівний світ В епоху інсталяцій та робіт, в яких переважають ідеї, молодий чоловік вирішив повернутися до класичний олійний живопис Таким чином, можна знайти наступне діти та тварини в стилі бароко в якому протиставляються один одному краса і тривога .

Він став відомим завдяки своїм гігантські картини (до трьох метрів) і для його живописна віртуозність Існує величезний обсяг роботи в композиціях, де переважають кольори, а також використання світла і тіні.

Маленькі садівники

У нього є досить специфічний стиль, в якому перетинаються прийоми реалістичного живопису та сюрреалістичні образи. Наприклад, у своїй таблиці Маленькі садівники У 2021 році двох маленьких дівчаток можна побачити в омріяному саду з гігантськими метеликами, фламінго та іншими барвистими екзотичними тваринами.

Щодо типу персонажів, які він зазвичай використовує, в одному з інтерв'ю він сказав:

Для мене діти і тварини разом мають сенс, можна сказати, що їхні "душі" більш схожі. Це місце, де найсильніші емоції. Я думаю, що персонажі представляють різні частини нашої природи, як у казках, міфах і легендах.

Зі свого боку, той факт, що що в однієї з дівчаток блакитне волосся або що є рожевий тигр. працює в якості ресурс створити чарівні сцени, в яких вони живуть істоти без часу Вона також визнає, що японське аніме, яке вона дивилася в дитинстві, надихнуло її на ідеал краси, який вона висуває.

Англійське ліжко

Художник називає свою творчість взаємодія між протилежностями Так само, як існують невинність і краса також можна знайти в загроза, насильство та смерть Це те, що надає йому поетичний ефект до своїх кадрів.

За адресою Англійське ліжко (2021) ми бачимо більш реалістичне вторгнення в портрет. Більше немає ні кольорів, ні відчуття чарівного світу. Ми бачимо молоду дівчину, яка дивиться прямо на глядача, а за нею - тигра, який, здається, хоче її зжерти. Лорка стверджує, що ця тема пов'язана з дитячими фантазіями. Хоча символічні асоціації також можуть бути зроблені, оскільки зазвичай дика природа - цепов'язані з еротикою.

Фотографія

1. Сінді Шерман

Сінді Шерман (народилася 1954 року в Сполучених Штатах Америки) - це один з найвідоміших світових фотографів Художниця вирішила використовуючи себе як засіб, будучи моделлю та автором своїх образів .

Таким чином, він часто вдається до костюм, за адресою макіяж і до сценографія Таким чином, він стає і суб'єктом, і об'єктом своєї праці, досягаючи підривають ролі, які приписують їхній статі, наприклад, пасивність.

Фільм без назви #7

Між 1977 і 1980 роками Шерман створив серію під назвою Кадр з фільму без назви ( Фільм ще не має назви ). 80 чорно-білих фотографій в одному форматі, з якими він став всесвітньо відомим. У номері 7 ми бачимо жінку, яка щойно прокинулася, в білих панчохах, нічній сорочці та сонцезахисних окулярах. Вона, здається, здивована камерою, оскільки йде вперед зі склянкою вина. Мартіні. в лівій руці.

Тут я шукав гра з зображенням жінок у медіа Йдеться про репрезентацію жіночності та її стереотипів, так само, як це робили пропаганда та кіно в ті роки.

З цієї причини, імітує сцени з художніх фільмів в якому він імітує привабливих молодих жінок у спокусливих позах прямо посеред сцени. Він вирішує скопіювати в стилі 50-х і 60-х років, де жінка розглядалася як декоративний, чуттєвий та ідеалізований об'єкт. .

Фільм без назви #6

Шерман є не лише моделлю, але й відповідає за дизайн декорацій, костюми та реквізит, а також відповідає за технічний процес, як можна побачити в Фільм без назви #6 Там, ліворуч, видно кабель, що робить видимою якість зображення.

Художник шукав привласнення поширеного в ті роки спотвореного уявлення про жіночу стать Використовуючи ті ж механізми, що й офіційний дискурс, я хотів перевернути його з ніг на голову і змусити громадськість замислитися.

Без назви

Починаючи з 1980-х років, вона більше не знімалася у фотографіях, і поступилася місцем штучні анатомічні ляльки та кінцівки Це період, з якого бере початок його серія, Історичні портрети, Надихаючись класичними творами, беручи за основу Він створює портрети в стилі ренесансного портрета, які він змінює, щоб досягти тривожного ефекту. . в Без назви (1989) зображує жінку, яка наслідує прототип матері, перебільшуючи це послання додаванням гумових грудей, тримаючи на руках дитину, загорнуту в білу ковдру.

2. Анхела Бурон

Анхела Бурон - молода іспанська фотографка, яка стала відомою завдяки своїм роботам у галузі фотографії. сюрреалістичні образи, в яких вона сама виступає моделлю . його Центральною темою є тіло, скомпоноване у нові та несподівані способи завдяки використанню фотошопу. Таким чином, вона створює нову реальність, в якій вже неможливо розрізнити початок або кінець, а отже, і людська фігура стає вираженням нескінченності.

Нічні переїзди

У своїх роботах він живе частини тіла Ці елементи розташовуються дивовижним чином, населяючи повсякденні простори, такі як інтер'єри простих будинків або просто ліжко. Ця книга публікується вперше. реорганізація дозволяє глядачеві переосмислити те, як він розуміє і спостерігає реальність. .

Вона також вирішує гра з матеріальністю тіла та його якістю як інструменту посилаючись на художників з продуктивність що виникли в 1970-х роках.

Мрії

Бібліографія

• Маркес, Моніка (2019) "Гільєрмо Лорка: сучасне бароко", Revista Metal.
• Гросеник, Юта (2005). Жінки-художниці 20-го та 21-го століть. Ташен.
• Ходж, Сьюзі (2020). Коротка історія жінок-художниць Блюм.
• Хольцварт, Ганс Вернер і Ташен, Ласло (ред.) (2011). Сучасне мистецтво: історія від імпресіонізму до наших днів Ташен.
• Оппенгеймер, Вальтер (2012), "Дем'єн Хьорст або мистецтво заробляти (багато) грошей", El País.
• Зельдес, Джейсон (2019). Анотація. Сезон 2, епізод 1: "Олафур Еліассон: Дизайн мистецтва" Netflix.