Guernica ist ein Ölgemälde des spanischen Malers, Bildhauers und Dichters Pablo Ruiz Picasso (Málaga, Spanien 1881 - Mougins, Frankreich 1973) aus dem Jahr 1937, das sich heute im Museo de Arte Reina Sofia in Madrid befindet.

Pablo Picasso: Guernica . 1937, Öl auf Leinwand, 349,3 x 776,6 cm, Museo Reina Sofía, Madrid.

Das Gemälde wurde von der Regierung der Zweiten Republik in Spanien für den spanischen Pavillon auf der Internationalen Ausstellung in Paris 1937, mitten im Spanischen Bürgerkrieg, in Auftrag gegeben. Picasso erhielt keine Anfrage für das Thema, so dass er einige Zeit brauchte, um ein geeignetes Konzept zu finden. Aus dieser Situation heraus ergeben sich eine Reihe von Zweifeln bezüglich der Entstehung und des tatsächlichen Themas.der Leinwand.

Analyse

Guernica gilt als eines der wichtigsten Gemälde in Pablo Picassos Karriere und im 20. Jahrhundert, sowohl wegen seines politischen Charakters als auch wegen seines Stils, einer Mischung aus kubistischen und expressionistischen Elementen, die es einzigartig machen. Was stellt es dar, woher kommt sein politischer Charakter und welche Bedeutung schreibt der Maler ihm zu?

Was stellt das Bild dar? Guernica ?

Derzeit werden zwei Thesen darüber diskutiert, was das Guernica von Pablo Picaso: Die am weitesten verbreitete Behauptung ist, dass es durch den historischen Kontext des Spanischen Bürgerkriegs inspiriert wurde; eine andere, neuere und skandalösere Behauptung besteht darauf, dass es sich um eine Autobiografie handelt.

Historischer Kontext

Die meisten Quellen weisen auf die Tatsache hin, dass das Bild Guernica Guernica, in Vizcaya im Baskenland gelegen, stand unter der Kontrolle der Zweiten Republik und verfügte über drei Rüstungsfabriken.

Infolgedessen wurde die Stadt Villa Vasca de Guernica am 26. April 1937 von der Legion Condor der deutschen Luftwaffe mit Unterstützung der italienischen Luftwaffe bombardiert. 127 Menschen starben bei der Bombardierung, die in der Bevölkerung Reaktionen auslöste und die internationale öffentliche Meinung beeinflusste.

Eine mögliche Autobiographie

Nach der Analyse der Skizzen für die Leinwand und ihrer Datierung haben sich einige Forscher gefragt, ob Picasso wirklich von Anfang an eine bewusste Darstellung der Bombardierung von Guernica beabsichtigte.

In einem Artikel von Macarena García mit dem Titel Was wäre, wenn "Guernica" eine andere Geschichte erzählen würde? in dem er das Buch bespricht Guernica: das unbekannte Meisterwerk von José María Juarranz de la Fuente (2019) wird berichtet, dass die Arbeiten begonnen wurden, bevor die Bombardierungen bekannt waren.

Juarranz zufolge war das ursprüngliche Thema eine autobiografische Darstellung der Familiengeschichte des Malers mit seiner Mutter, seinen Liebhabern und seiner Tochter, die bei seiner Geburt fast gestorben wäre. Diese Hypothese wurde bereits von Daniel-Henry Kanhweiler, dem Händler und Biografen des Malagas, vorgeschlagen.

Kann eine ikonografische Analyse diese Interpretation bestätigen oder entkräften? Wir werden es im Folgenden sehen.

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Ikonographische Beschreibung

Unter Guernica Es handelt sich um ein polychromes Gemälde, dessen Palette Schwarz, Grau, Blau und Weiß umfasst, damit der Maler die starken Hell-Dunkel-Kontraste, die diese Farben ermöglichen, optimal nutzen kann.

Das Gemälde spiegelt die Dualität zweier Szenen in einer wider: die linke Seite ähnelt dem Inneren eines Hauses und die rechte Seite dem Äußeren, vereint und gleichzeitig durch Schwellen getrennt.

Die Schwelle ist ein wichtiges Symbol in der künstlerischen Vorstellungswelt. Sie ermöglicht den Übergang von innen nach außen und umgekehrt und vermittelt verschiedene Räume und Welten. Wenn man eine Schwelle überschreitet, betritt man daher eine gefährliche Zone unsichtbarer, aber realer Kämpfe: das Unterbewusstsein.

Um die verschiedenen Aspekte des Gemäldes zu vereinheitlichen, wandte Picasso die Technik des synthetischen Kubismus an, die darin besteht, eine gerade Linie durch das Bild zu ziehen und so die unverbundenen Formen zu vereinen.

Das Licht in dem Gemälde ist entscheidend, um die Dramatik und die Verbindung zwischen den verschiedenen Charakteren zu zeigen, da sie alle beleuchtet sind und alle gemeinsam in diesem Leiden stecken.

Zeichen und Figuren in Guernica

Die Zusammensetzung der Guernica zeigt neun Figuren: vier Frauen, ein Pferd, einen Stier, einen Vogel, eine Glühbirne und einen Mann.

Frauen

Für Picasso sind Frauen ein wirksames Mittel zur Darstellung von Leid und Schmerz, da er ihnen diese emotionale Qualität zuschreibt.

Die beiden Frauen, die den Himmel um Gerechtigkeit anflehen, befinden sich an beiden Enden des Gemäldes und rahmen das Leiden ein. Die Frau auf der linken Seite fleht um das Leben ihres Kindes, vielleicht symbolisch für den psychischen Schmerz, und erinnert an die Ikonographie der Piedad .

Die Frau auf der rechten Seite schreit nach dem Feuer, das sie verzehrt, was wahrscheinlich für körperlichen Schmerz steht, und Picasso gelingt es, das Gefühl der Eingeschlossenheit zu verstärken, indem er sie in ein Quadrat einschließt.

Die beiden anderen Frauen bewegen sich von rechts zur Mitte des Werks, wobei die kleinere Frau vom Licht der Glühbirne in der Mitte des Raums absorbiert zu werden scheint, so dass ihr Körper (diagonal) die dreieckige Komposition vervollständigt.

Die andere Frau erscheint wie ein Gespenst durch ein Fenster und trägt eine Kerze in Richtung der zentralen Figur des Pferdes. Sie ist das einzige ätherische Bild und das einzige, das durch ein Fenster oder eine Schwelle aus- oder eingeht und von einer Welt in die andere wechselt.

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Das Pferd

Detail von Tieren: Stier, Taube und Pferd.

Das mit einer Lanze verwundete Pferd verrenkt Kopf und Hals in kubistischer Weise, wobei ihm ein Messer als Zunge aus dem Maul ragt und in Richtung des Stiers zeigt.

Der Stier

Der Stier auf der linken Seite des Gemäldes ist erstaunlich teilnahmslos. Der Stier ist der einzige, der das Publikum anschaut und auf eine Weise mit ihm kommuniziert, wie es die anderen Figuren nicht tun.

In den 1930er Jahren machte Pablo Picasso den Stier zu einem immer wiederkehrenden Tier in seiner Ikonografie, bis er zum Symbol für das Labyrinth seines Lebens wurde.

Der Vogel (Taube)

Der Vogel ist sehr subtil zwischen den beiden starken Tieren des Gemäldes platziert: dem Stier und dem Pferd, was ihn aber nicht daran hindert, genauso zum Himmel zu schreien wie die Frauen, die auf beiden Seiten des Bildes eingerahmt sind.

Die Glühbirne

Die Glühbirne, die in eine Art Auge mit sonnenähnlichen Strahlen eingefasst ist, beherrscht die ganze Szene und vermittelt den Eindruck, als ob sie das Geschehen von außen beobachtet.

Die Innenraum-Glühbirne spielt mit der Zweideutigkeit und Dualität, nicht zu wissen, ob es Nacht oder Tag, innen oder außen ist, und versetzt uns in eine Welt außerhalb dieser Welt.

Der Mann

Der Mann wird durch eine einzelne Figur dargestellt, die auf dem Boden liegt und die Arme ausgestreckt und zerstückelt hat.

Auf dem Boden auf der linken Seite sehen wir seinen amputierten Arm, der immer noch ein zerbrochenes Schwert führt, neben einer einzelnen kleinen Blume in der unteren Mitte des Bildes, die vielleicht die Hoffnung darstellt.

Die Striemen auf seinem Arm symbolisieren die Geißelung, die zusammen mit den offenen Armen an die Kreuzigung als Leiden und Opfer des Menschen erinnert.

Siehe auch Kubismus

Bedeutung von Guernica

Pablo Picasso sagte dies über seine Arbeit:

Meine Arbeit ist ein Schrei der Anprangerung des Krieges und der Angriffe der Feinde der Republik, die nach den Wahlen vom 31. (...) rechtmäßig errichtet wurden. Die Malerei dient nicht der Dekoration von Wohnungen, die Kunst ist ein Instrument des offensiven und defensiven Krieges gegen den Feind. Der Krieg in Spanien ist der Kampf der Reaktion gegen das Volk, gegen die Freiheit. In der Wandmalerei, an der ich arbeitearbeiten, und die ich als Guernica und in all meinen jüngsten Werken bringe ich deutlich meine Ablehnung gegenüber der Militärkaste zum Ausdruck, die Spanien in ein Meer von Schmerz und Tod gestürzt hat.

Pablo Picassos kämpferische Aussage bedeutete jedoch, dass das Werk Guernica Wurde sie wirklich durch die Bombardierung von Guernica inspiriert oder entsprach sie den propagandistischen Zielen der spanischen Linken? Macarena García argumentiert in Anlehnung an José María Juarranz de la Fuente, dass sie es war:

Picasso genannt Guernica zu ihrem Werk, um es aufzuwerten und seine Sichtbarkeit in Europa zu vervielfachen und es zu einem Symbol gegen die faschistische Barbarei des spanischen Krieges zu machen.

Macarena García fasst die Schlussfolgerungen von Juarranz de la Fuente wie folgt zusammen:

Der Stier steht für Picassos Selbstporträt, die Frau mit dem ohnmächtigen Kind für seine Geliebte Marie Thèresse Walter und die gemeinsame Tochter Maya im Moment ihrer Geburt und das Pferd für seine Ex-Frau Olga Koklova und die spitze Zunge für seine heftigen Auseinandersetzungen mit ihr vor ihrer Trennung.

Die weibliche Figur, die eine Lampe aus dem Fenster hält, assoziiert José María mit der Mutter des Künstlers zur Zeit des Erdbebens, das sie in Málaga erlebten?

In einem anderen Artikel mit dem Titel Ist "Guernica" ein Familienporträt von Picasso? geschrieben von Angélica García und veröffentlicht in El País Auch in dem Buch von Juarranz de la Fuente wird auf das Buch Bezug genommen, in dem es heißt, dass:

Der am Boden liegende Krieger ist seine umstrittenste Interpretation, gibt der Autor zu, der keinen Zweifel daran hat, dass es sich um den Maler Carlos Casagemas handelt, den Picasso seiner Meinung nach während einer Reise nach Málaga verraten hat.

Abgesehen von der Frage, welche Interpretation wahr ist, stellen sich eine Reihe von Fragen: Entkräftet diese Befragung die symbolische Bedeutung, die dem Werk zugeschrieben wird? Könnte es sein, dass Picasso das Projekt als etwas Persönliches begann und angesichts des Ereignisses seine vorläufigen Skizzen vor der endgültigen Ausführung umdrehte? Könnte es sein, dass er in seinemDie eigene Lebensgeschichte als Metapher für einen Krieg?

Auch wenn man Picassos ursprüngliche Beweggründe in Frage stellen kann, so bestätigt die Polemik doch den polysemischen Charakter der Kunst. Auf jeden Fall kann man diese Diskussion als Zeichen für die oft unbewusste Fähigkeit von Künstlern interpretieren, über die kleine Welt der erklärten Absichten hinauszugehen und universelle Bedeutungen zu erfassen. Vielleicht ist in jedem Werk, wie in der Aleph von Borges, verbirgt das lebendige Universum.