Remedios Varo (1908 - 1963) est un artiste d'origine espagnole qui a développé son œuvre au Mexique. Bien qu'il ait des influences surréalistes, son style se caractérise par la création de mondes fantastiques, mystiques et symboliques. Ses peintures semblent être tirées de contes médiévaux dans lesquels elle présente des personnages mystérieux et une narration magique. Dans la visite suivante, vous pourrez apprécier quelques-unes de ses œuvres.de ses peintures les plus importantes et quelques clés pour les comprendre.

1. création d'oiseaux

Musée d'art moderne, Mexico

Ce tableau de 1957 est l'une des plus grandes œuvres de Remedios Varo, car il explore pleinement son univers fantastique, mêlé aux influences surréalistes de ses années à Paris (1937-1940).

La représentation peut être considérée comme une allégorie de la création plastique Portrait d'un femme hibou symbolisant l'artiste Par la fenêtre de gauche, un matériau entre par un récipient, se transforme en trois couleurs et avec celles-ci, il peint des oiseaux. En même temps, il tient un prisme par lequel pénètre la lumière de la lune. Avec cette inspiration et les matériaux, il est capable de créer un être vivant.

A son cou, il accroche un appareil avec lequel il donne sa marque à chacune de ses inventions. Au fur et à mesure que les oiseaux prennent vie, ils s'envolent. Comme une œuvre achevée, lâchée dans le monde, elle trouve son public et est interprétée par chaque spectateur d'une manière différente.

Il s'agit donc de l'acte de la peinture comme une sorte de processus alchimique L'artiste, comme le scientifique, est capable de transformer la matière en une nouvelle vie. Ici, comme dans la plupart de ses œuvres, il y a une atmosphère dans laquelle la magie et la science se croisent, conférant un caractère mystique à ce qui est représenté.

2. rupture

Musée d'art moderne, Mexico

Remedios Varo a étudié à l'Escuela de Artes y Oficios, à l'Escuela de Bellas Artes de Madrid et à l'Academia de San Fernando de Barcelone, où elle a obtenu une maîtrise en dessin. Son père, ingénieur hydraulique, l'a initiée dès son plus jeune âge au dessin technique, qu'elle a ensuite approfondi dans le cadre de ces cours.

Ainsi, dans ce tableau datant de 1953, on peut voir une une composition équilibrée Bien qu'il descende du côté droit, son ombre crée un contrepoids qui confère une certaine harmonie à l'image.

À l'arrière-plan, on aperçoit un bâtiment à travers les fenêtres duquel apparaît le même visage que le protagoniste et des papiers s'envolent de la porte. symboles qui peuvent donner lieu à différentes interprétations.

L'un des plus répandus est un corrélation autobiographique Beaucoup affirment que l'être androgyne est la représentation de la peintre qui abandonne son passé pour laisser place à une nouvelle femme C'est pourquoi son visage est répété dans les vitrines, car il correspond à chaque version d'elle-même qu'elle a laissée derrière elle, pour devenir une artiste au look particulier.

C'est à ce moment-là qu'il décide d'abandonner son apprentissage basé sur les canons, les influences surréalistes de ses années à Paris, et de s'aventurer dans la création d'une œuvre d'art. son propre style D'où les papiers volants qui, bien qu'importants dans leur formation, ont besoin de voler pour laisser libre cours à l'expression de leur imagination.

D'autre part, les couleurs sont très importantes dans ce tableau, les tons rougeâtres suggérant qu'il s'agit de l'heure du coucher du soleil, c'est-à-dire d'une journée sur le point de s'achever. Si l'on fait le lien avec le titre de l'œuvre, "La rupture", on comprend qu'il s'agit d'une allusion à un cycle qui s'achève pour laisser place à un autre.

3. la science inutile ou l'alchimiste

Collection privée

L'alchimie est l'un des thèmes qui fascinent le plus l'artiste. Dans ce tableau de 1955, elle représente une femme travaillant dans le domaine de l'alchimie. processus de création A l'aide d'un dispositif, elle transforme l'eau de pluie en un liquide qu'elle met ensuite en bouteille.

La protagoniste se recouvre du même sol que celui sur lequel elle s'installe pour travailler, démontrant ainsi l'habileté technique de Varo. De plus, à travers la fantaisie, elle cherche à explorer l'un de ses concepts préférés : la la capacité de transformer la réalité Le sol cesse d'être rigide et se fond dans le processus de changement, qui est à la fois physique et spirituel.

4. les feuilles mortes

Collection privée

En 1956, Remedios Varo réalise ce tableau, qu'elle intitule en français et qui signifie "les feuilles mortes". Il représente une femme enroulant un fil provenant d'un passage qui émerge de la poitrine d'un personnage penché à côté d'elle. Deux oiseaux, l'un blanc et l'autre rouge, émergent également de cette ombre.

Les deux personnages se trouvent dans une pièce aux tons neutres qui donne une impression de vide et de décomposition. À l'arrière-plan, on aperçoit une fenêtre ouverte avec des rideaux flottants par lesquels entrent des feuilles. Ce qui est frappant, c'est que seuls certains éléments sont colorés : la femme, le fil, les feuilles et les oiseaux. De ce fait, ils peuvent être perçus comme des aspects symboliques que l'artiste cherche à mettre en valeur.

Les femme peut être comprise comme une représentation d'elle-même, méditant sur sa vie et son passé Aujourd'hui installée définitivement au Mexique, Varo a décidé de se consacrer entièrement à sa peinture, laissant derrière elle son passé, comme ces feuilles sèches qui, bien qu'ayant perdu leur vitalité, sont toujours présentes.

Cependant, l'attention se porte désormais sur son travail qui se présente sous la forme d'un créature qui prend vie grâce à son fil Ainsi, avec sa main, elle est capable de créer une réalité complètement nouvelle, qui lui donne la paix (oiseau blanc) et la force (oiseau rouge).

5. nature morte ressuscitée

Musée d'art moderne, Mexico

Il s'agit du dernier tableau de l'artiste, daté de 1963, l'un de ses plus grands et, malgré son apparente simplicité, l'un des plus symboliques.

La première chose qui frappe est qu'il s'agit de l'une de ses rares œuvres dans laquelle il n'y a pas de personnages humains ou anthropomorphes. Cette fois-ci, il a décidé de faire une hommage à un classique de l'art : le nature morte Ce type de peinture permet de démontrer la maîtrise technique de l'artiste en matière de lumière, de composition et sa capacité à créer une représentation fidèle de la réalité.

Face à la nature statique de ces peintures, Varo a décidé de les remplir avec de la peinture. mouvement et dynamisme Il est intéressant de regarder le titre, puisqu'il a choisi le gérondif ressusciter La forme du verbe, qui renvoie à un temps dynamique, est une action en cours.

Il est également important de mentionner qu'il existe une travail numérique Le sol est composé de 10 triangles, deux symboles clés, puisque 10 est compris comme le nombre sacré et parfait, tandis que 3 correspond à la sainte trinité et à l'harmonie. En outre, il y a une table ronde qui se réfère au cyclique et à l'éternel. Il y a un ensemble de huit assiettes, un nombre qui se réfère à l'infini.

Autour d'elle, on peut voir quatre libellules qui tournent au même rythme. Elles peuvent être identifiées comme un signe de changement et ont une forte charge symbolique en tant que messagères entre les plans spirituels. Quoi qu'il en soit, la bougie est l'axe autour duquel tourne ce petit monde. Les critiques ont compris que cette lumière est une représentation d'elle-même, puisqu'elle est placée au centre de la création, tout comme l'artiste.est capable d'imaginer des mondes et de les capturer sur la toile.

Elle montre également un acte de magie dans lequel les objets prennent vie et simulent le mouvement du cosmos, car on peut voir les fruits en orbite. C'est comme si elle montrait la création de l'univers, car il y a une grenade et une orange qui explosent et leurs graines se dilatent. Elle fait donc allusion à la nature cyclique de l'existence. En d'autres termes, rien n'est détruit, mais seulement transformé.

6. vers la tour

Collection privée

L'inspiration pour cette image est venue d'un rêve raconté par son amie Kati Horna, une photographe d'origine hongroise basée au Mexique. L'idée d'un groupe de filles prenant d'assaut une tour a ensuite été mélangée à ses propres souvenirs.

C'est ainsi qu'en 1960, il décide de créer un triptyque de grandes proportions pour raconter une seule histoire. Malgré ses intentions, chaque partie est aujourd'hui considérée comme un tableau autonome.

Dans ce premier extrait, il fait référence à son enfance dans les écoles catholiques de son Espagne natale Le décor est sombre et lugubre, avec de la brume et des arbres dénudés. Les jeunes filles sont habillées et peignées de manière identique. Elles sont escortées par un homme et une religieuse. L'ensemble l'atmosphère fait référence aux nuances de gris et à l'homogénéité. L'enseignement se veut donc très rigoureux et contrôlé.

L'artiste se présente comme le centre Alors que les autres filles avancent de manière autonome et détournent les yeux, elle regarde avec méfiance vers la droite. En fait, elle est la seule à avoir un regard expressif dans toute la scène.

Le style du tableau, avec ses tons sombres, ses figures allongées et son fond plutôt plat, rappelle les peintures du début de la Renaissance, comme celles de Giotto. des détails fantastiques Les bicyclettes semblent faites de fil et sortent des vêtements des personnages.

En outre, le guide est représenté comme un être particulier, puisque des ailes sortent de ses vêtements, d'où s'envolent des oiseaux. Ainsi, si l'on observe chaque détail, on pourrait croire qu'il s'agit de l'illustration d'un conte de fées.

7. broder le manteau terrestre

Collection privée

En 1961, Remedios Varo réalise la deuxième partie du triptyque qu'elle avait commencé l'année précédente. Ici poursuit l'histoire des filles, qui se retrouvent maintenant à travailler dans une tour isolée. Ils brodent littéralement la terre, comme le dit le titre.

Au centre, il y a un être magique qui leur fournit le fil pour accomplir leur tâche. Il introduit ainsi son penchant pour l'alchimie en montrant comment l'alchimie peut être un outil de travail. la réalité a la capacité de se transformer .

Aujourd'hui, cette peinture est considérée comme l'une des plus importantes. chefs-d'œuvre du peintre en raison de la manière dont elle joue avec la perspective conique. Ici, il décide de créer une atmosphère dramatique en utilisant trois points de fuite, simulant une sorte de fisheye qui aide à produire une atmosphère magique qui accompagne le sujet représenté.

8. le vol

Musée d'art moderne, Mexico

C'est avec cette image qu'il achève le triptyque en 1961. Comme dans la première partie, il poursuit le thème de l'autobiographie, comme on peut le voir la même fille qui observait avec sagacité, s'enfuyant avec son amant Il est présenté dans un pose active Elle a enfin pu se libérer de cet environnement répressif et se lancer dans une nouvelle aventure.

En octobre 1941, Remedios Varo et Benjamin Peret fuient la France en raison de l'occupation nazie et entreprennent un long voyage qui les conduit à Marseille, à Casablanca et, enfin, au Mexique. couple en danger avec courage et confiance en l'avenir.

Les figures allongées et les tonalités rappellent les peintures du Greco, mais l'insertion de son style est visible, car les figures semblent léviter dans une mer de nuages sur un bateau aux caractéristiques éthérées.

9. l'appel

Musée national des femmes artistes, Washington, États-Unis

Cette peinture de 1961 est l'une des meilleures descriptions de la création d'une univers fantastique dans lequel le mystique est présent Le titre fait référence à l'"appel" spirituel qui rapproche la protagoniste de sa destinée. femme "éclairée qui porte des objets d'origine alchimique dans ses mains et son cou.

Votre cheveux est l'un des éléments de composition les plus importants, car c'est lui qui s'élève et le relie à l'ensemble de l'édifice. l'énergie universelle Il fait également référence à la liberté qu'il assume vis-à-vis du monde, puisqu'il le laisse libre et lui permet d'exister à sa guise.

Le chemin qu'elle emprunte est peuplé de personnages qui semblent prendre vie sur les murs, tous les visages évoquant les propres traits de l'artiste, avec un nez allongé et de grands yeux.

10) Phénomène

Musée d'art moderne, Mexico

En 1962, elle a peint ce tableau dans lequel elle fait allusion à un processus de dédoublement. Une femme regarde par la fenêtre et, surprise, découvre que l'homme est resté coincé sur le trottoir et que c'est son ombre qui avance dans la rue. On pense que l'observatrice est l'artiste elle-même, qui avait l'habitude de se représenter dans ses tableaux.

L'influence de la le monde de l'inconscient a été très importante pour les surréalistes et fait partie de l'imaginaire du peintre, c'est pourquoi, dans cette œuvre, elle se réfère à l'un des grands thèmes de l'art et de la littérature : l'histoire de l'homme. autre moi .

Dans son psychologie analytique le psychiatre Carl Jung a recherché le phénomène de la conscience de soi, qui correspond à la version de nous-mêmes que nous créons pour les autres. Cependant, il existe une partie refoulée, la " conscience de soi ". "archétype de l'ombre". Pour lui, elle représente la côté obscur Ces attitudes que le moi conscient nie ou veut cacher, parce qu'elles constituent une menace.

Jung appelle à l'acceptation des ombres, car ce n'est qu'en réconciliant les polarités que l'individu peut être libéré. Selon lui, l'ombre ne peut jamais être détruite, mais seulement assimilée. Par conséquent, le risque de la garder cachée peut conduire à la névrose et cette partie de la personnalité peut prendre le dessus sur la personne.

Le penseur était très lu dans ces années-là et était l'un des auteurs préférés des surréalistes, de sorte que Varo connaissait ses théories. Ainsi, représente le moment où l'ombre prend le dessus sur la vie du personnage. et décide de faire tout ce qui lui a été refusé au niveau conscient.

À propos de Remedios Varo et de son style

Biographie

María de los Remedios Varo Uranga est née le 16 décembre 1908 à Anglés, dans la province de Gérone, en Espagne. Dès son plus jeune âge, elle subit l'influence de son père, libéral et agnostique, qui lui inculque le goût de la littérature, de la minéralogie et du dessin, tandis que sa mère, catholique pratiquante à l'esprit conservateur, est celle qui influencera sa vision chrétienne du péché.et le devoir.

En 1917, la famille s'installe à Madrid, une période importante pour la définition de son style. Il fréquente assidûment le musée du Prado et se passionne pour les œuvres de Goya et d'El Bosco. Bien qu'il fréquente une école catholique, il lit des auteurs fantastiques tels que Jules Verne et Edgar Allan Poe, ainsi que de la littérature mystique et orientale.

Elle étudie l'art et épouse en 1930 Gerardo Lizarraga, avec qui elle s'installe à Barcelone et travaille sur des campagnes publicitaires, puis entre en contact avec des artistes d'avant-garde et commence à explorer le surréalisme.

En 1936, il rencontre le poète français Benjamin Péret et, en raison du déclenchement de la guerre civile espagnole, il s'enfuit avec lui en France. Cet environnement a été décisif pour son travail, car il s'est engagé dans le groupe surréaliste formé par André Breton, Max Ernst, Leonora Carrington et René Magritte, entre autres.

Après l'occupation nazie et un long voyage, elle s'installe au Mexique en 1941, où elle vit avec Péret et commence à fréquenter le groupe d'artistes locaux. Pendant cette période, elle peint des meubles et des instruments de musique et dessine des costumes pour des pièces de théâtre. Après s'être séparée du poète, elle s'installe au Venezuela en 1947, où elle travaille comme illustratrice technique pour le gouvernement et la société civile.pour l'entreprise pharmaceutique Bayer.

En 1949, elle retourne au Mexique et continue à se consacrer à l'art commercial jusqu'à ce qu'elle rencontre Walter Gruen, qui devient son dernier associé et l'encourage à se consacrer entièrement à l'art. C'est ainsi qu'à partir de 1952, elle entreprend un travail minutieux et produit la majeure partie de son œuvre.

Il a participé à plusieurs expositions et s'est fait un nom, mais il est malheureusement décédé d'une crise cardiaque en 1963. Bien qu'une rétrospective ait été organisée après sa mort, il a fallu de nombreuses années pour que son héritage soit apprécié. En 1994, Walter Gruen et sa femme ont produit un catalogue et ont fait don de 39 de ses œuvres au Mexique.

Style

Bien qu'il ait toujours conservé ses racines surréalistes, son style se caractérise par la narratif Elle a été la créatrice de univers fantastiques Ses peintures peuvent être considérées comme des histoires dans lesquelles vivent des êtres magiques et où il se passe des choses. contenu de l'histoire merveilleux .

L'influence de ses artistes préférés, tels que Goya, El Bosco et El Greco, est également très présente, comme en témoignent les figures allongées, les tonalités et l'utilisation de créatures bizarres.

Son expérience du dessin technique l'a conduit à un processus créatif très méticuleux, puisqu'il suit une méthode similaire à celle utilisée à la Renaissance. Avant d'exécuter une œuvre, il fait un dessin de la même taille, qu'il trace et peint ensuite. Il obtient ainsi des compositions très parfaites et mathématiques, dans lesquelles les détails abondent.

En outre, il existe un élément de autobiographique D'une manière ou d'une autre, elle s'est toujours représentée elle-même. À travers ses peintures d'histoires, elle a analysé les circonstances ou les émotions qu'elle a vécues à différents moments, ainsi que ses préoccupations mystiques. Dans presque toutes ses œuvres, on peut la voir indirectement, car elle avait l'habitude de créer des visages aux traits très semblables aux siens, avec des personnages aux grands yeux et à l'esprit de synthèse, et des personnages à l'esprit de synthèse, avec un esprit de synthèse.nez allongés.

Bibliographie

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• Phoenix, Alex, "El último cuadro que pintó Remedios Varo" (Le dernier tableau que Remedios Varo a peint) Ibero 90.9.
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