Remedios Varo (1908 - 1963) è stato un artista di origine spagnola che ha sviluppato la sua opera in Messico. Sebbene abbia influenze surrealiste, il suo stile è stato caratterizzato dalla creazione di mondi fantastici, mistici e simbolici. I suoi dipinti sembrano tratti da racconti medievali in cui presenta personaggi misteriosi e una narrazione magica. Nel tour che segue è possibile apprezzare alcune delle sue opere.dei suoi dipinti più importanti e alcune chiavi di lettura.

1. Creazione di uccelli

Museo d'Arte Moderna di Città del Messico

Questo dipinto del 1957 è una delle opere più importanti di Remedios Varo, in quanto esplora appieno il suo mondo fantastico, mescolato alle influenze surrealiste degli anni trascorsi a Parigi (1937-1940).

La rappresentazione può essere intesa come una allegoria della creazione plastica Ritrae un donna gufo che simboleggia l'artista Dalla finestra sul lato sinistro, un materiale entra attraverso un contenitore, si trasforma in tre colori e con essi dipinge uccelli. Allo stesso tempo, tiene un prisma attraverso il quale entra la luce della luna. Con questa ispirazione e i materiali, è in grado di creare un essere vivente.

Al collo porta un dispositivo con cui imprime il suo marchio a ciascuna delle sue invenzioni. Quando gli uccelli prendono vita, si alzano in volo. Proprio come un'opera finita, che viene rilasciata nel mondo, trova il suo pubblico e viene interpretata da ogni spettatore in modo diverso.

Si riferisce quindi all'atto di la pittura come una sorta di processo alchemico L'artista, come lo scienziato, è in grado di trasformare la materia in nuova vita. Qui, come nella maggior parte delle sue opere, si respira un'atmosfera in cui magia e scienza si intersecano, conferendo un carattere mistico a ciò che viene rappresentato.

2. Rottura

Museo d'Arte Moderna di Città del Messico

Remedios Varo ha studiato presso la Escuela de Artes y Oficios, la Escuela de Bellas Artes di Madrid e l'Academia de San Fernando di Barcellona, dove ha conseguito un master in disegno. Il padre, ingegnere idraulico, l'ha introdotta fin da piccola al disegno tecnico, che ha poi approfondito in questi corsi.

Così, in questo dipinto del 1953, possiamo vedere una composizione equilibrata Tuttavia, al centro dell'attenzione c'è la misteriosa figura che scende le scale: sebbene scenda dal lato destro, la sua ombra crea un contrappeso che conferisce armonia all'immagine.

Sullo sfondo, si vede un edificio dalle cui finestre appare lo stesso volto del protagonista e dalla porta volano dei fogli. Pur essendo una scena semplice, ha molto di simboli che possono prestarsi a diverse interpretazioni.

Uno dei più diffusi ha un correlato autobiografico Molti sostengono che l'essere androgino è il rappresentazione della pittrice che abbandona il suo passato per far posto a una nuova donna Ecco perché il suo volto si ripete nelle vetrine, perché corrisponde a ogni versione di se stessa che si è lasciata alle spalle, per diventare un'artista con un look particolare.

È questo il momento in cui decide di abbandonare il suo apprendistato basato sul canone, le influenze surrealiste degli anni parigini, e di avventurarsi nella creazione di una stile proprio Da qui i fogli volanti che, pur essendo importanti nella loro formazione, hanno bisogno di volare per dare spazio all'espressione della loro immaginazione.

D'altra parte, i colori sono molto importanti in questo dipinto, i toni rossastri suggeriscono che è l'ora del tramonto, cioè un giorno che sta per finire. Se mettiamo in relazione questo con il titolo dell'opera, "La rottura", capiamo che allude a un ciclo che si sta chiudendo per lasciare il posto a un altro.

3. La scienza inutile o l'alchimista

Collezione privata

L'alchimia era uno dei temi che più affascinavano l'artista. In questo dipinto del 1955, l'artista ritrae una donna che lavora nella processo di creazione Con l'aiuto di un apparecchio, trasforma l'acqua piovana in un liquido che poi imbottiglia.

La protagonista si ricopre con lo stesso pavimento su cui si posa per lavorare, dimostrando l'abilità tecnica che Varo possedeva. Inoltre, attraverso la fantasia, cerca di esplorare uno dei suoi concetti preferiti: la capacità di trasformare la realtà Ciò avviene attraverso la rappresentazione del lavoro alchemico e il modo in cui l'ambiente si fonde con la giovane donna: il pavimento cessa di essere rigido e si fonde nel processo di cambiamento, che è sia fisico che spirituale.

4. Le foglie morte

Collezione privata

Nel 1956 Remedios Varo realizzò questo dipinto, che intitolò in francese e che significa "le foglie morte". Mostra una donna che avvolge un filo proveniente da un passaggio che emerge dal petto di una figura appoggiata accanto a lei. Da quest'ombra emergono anche due uccelli, uno bianco e l'altro rosso.

Entrambi i personaggi si trovano in una stanza dai toni neutri che dà l'impressione del vuoto e del degrado. Sullo sfondo, si vede una finestra aperta con tende svolazzanti, da cui entrano delle foglie. Ciò che colpisce è che solo alcuni elementi sono colorati: la donna, il filo, le foglie e gli uccelli. Per questo motivo, possono essere visti come aspetti simbolici che l'artista cerca di evidenziare.

Il donna può essere inteso come un rappresentazione di se stessa, meditando sulla sua vita e sul suo passato Varo è ora stabilmente in Messico e ha deciso di dedicarsi interamente alla pittura, lasciandosi alle spalle il passato come quelle foglie secche che, pur avendo perso la loro vitalità, sono ancora presenti.

Tuttavia, l'attenzione è ora rivolta al suo lavoro che viene presentato come un creatura che prende vita grazie al suo filato Così, con la sua mano è in grado di creare una realtà completamente nuova, che le dà pace (uccello bianco) e forza (uccello rosso).

5. Natura morta che risorge dai morti

Museo d'Arte Moderna di Città del Messico

Si tratta dell'ultimo dipinto dell'artista, datato 1963, uno dei più grandi e, nonostante l'apparente semplicità, uno dei più simbolici.

La prima cosa che salta all'occhio è che questa è una delle sue poche opere in cui non ci sono personaggi umani o antropomorfi. Questa volta ha deciso di fare una tributo ad un classico dell'arte: il natura morta Questo tipo di pittura serviva a dimostrare la padronanza tecnica dell'artista sulla luce, sulla composizione e sulla capacità di creare una rappresentazione fedele della realtà.

Di fronte alla staticità di questi dipinti, Varo decise di riempirli con movimento e dinamismo È interessante osservare il titolo, dato che ha scelto il gerundio risorgere La forma del verbo, che allude a un tempo dinamico, è un'azione che si sta svolgendo.

È inoltre importante menzionare che esiste una lavoro numerico Il pavimento è composto da 10 triangoli, due simboli chiave, poiché il 10 è inteso come numero sacro e perfetto, mentre il 3 corrisponde alla santa trinità e all'armonia. Inoltre, c'è un tavolo rotondo che rimanda alla ciclicità e all'eterno. C'è un set di otto piatti, un numero che rimanda all'infinito.

Intorno ad essa si vedono quattro libellule che ruotano allo stesso ritmo, identificabili come segno di cambiamento e con una forte carica simbolica in quanto messaggeri tra piani spirituali. In ogni caso, la candela è l'asse attorno al quale ruota questo piccolo mondo. La critica ha capito che questa luce è una rappresentazione di se stessa, in quanto è posta al centro della creazione, proprio come l'artistaè capace di immaginare mondi e di catturarli sulla tela.

Inoltre, mostra un atto di magia in cui gli oggetti assumono una vita propria e simulano il movimento del cosmo, in quanto si vedono i frutti orbitare. È come se mostrasse la creazione dell'universo, in quanto vi sono un melograno e un'arancia che esplodono e i loro semi si espandono. Si allude quindi alla natura ciclica dell'esistenza. In altre parole, nulla si distrugge, ma solo si trasforma.

6. Verso la torre

Collezione privata

L'ispirazione per questa immagine è venuta da un sogno raccontatole dall'amica Kati Horna, fotografa di origine ungherese residente in Messico. L'idea di un gruppo di ragazze che prende d'assalto una torre si è poi mescolata ai suoi ricordi.

Così, nel 1960, decise di creare un trittico di grandi proporzioni per raccontare un'unica storia. Nonostante le sue intenzioni, oggi ogni parte è considerata un dipinto autonomo.

In questo primo estratto, fa riferimento al suo infanzia nelle scuole cattoliche della sua terra natale, la Spagna L'ambientazione è cupa e tenebrosa, con nebbia e alberi spogli. Le ragazze sono vestite e pettinate in modo identico. Sono scortate da un uomo e da una suora. L'insieme l'atmosfera si riferisce alle sfumature di grigio e all'omogeneità. L'educazione è quindi intesa come molto rigorosa e controllata.

L'artista si ritrae al centro Mentre le altre ragazze avanzano in modo indipendente e con gli occhi distolti, lei guarda con sospetto verso destra. In effetti, è l'unica ad avere uno sguardo espressivo in tutta la scena.

Lo stile del dipinto, con toni scuri, figure allungate e uno sfondo piuttosto piatto, ricorda i dipinti del primo Rinascimento, come quelli di Giotto. dettagli fantastici Le biciclette sembrano fatte di filo e spuntano dai vestiti dei personaggi.

Inoltre, la guida viene mostrata come un essere particolare, in quanto dai suoi abiti spuntano delle ali da cui entrano e escono degli uccelli. In questo modo, se si osserva ogni dettaglio, potrebbe sembrare l'illustrazione di un fiaba.

7. Il ricamo del mantello terrestre

Collezione privata

Nel 1961, Remedios Varo realizza la seconda parte del trittico iniziato l'anno precedente. continua la storia delle ragazze, che ora si trovano a lavorare in una torre isolata. Stanno letteralmente ricamando la terra, come dice il titolo.

Al centro, c'è un essere magico che fornisce loro il filo per portare a termine il loro compito. In questo modo, egli introduce la sua passione per l'alchimia mostrando come il la realtà ha la capacità di trasformarsi .

Oggi, questo dipinto è considerato uno dei più importanti capolavori della pittrice per il modo in cui gioca con la prospettiva conica. Qui decide di creare un'atmosfera drammatica utilizzando tre punti di fuga, simulando una sorta di fisheye che aiuta a produrre un'atmosfera magica che accompagna il soggetto raffigurato.

8. Il volo

Museo d'Arte Moderna di Città del Messico

Con questa immagine completa il trittico nel 1961. Come nella prima parte, l'artista prosegue con il tema autobiografico, come si può notare la stessa ragazza che osservava con attenzione, scappando con il suo amante Viene mostrato in un posa attiva Finalmente è riuscita a liberarsi dall'ambiente repressivo e a intraprendere una nuova avventura.

Nell'ottobre del 1941, Remedios Varo e Benjamin Peret fuggirono dalla Francia a causa dell'occupazione nazista e intrapresero un lungo viaggio che li portò a Marsiglia, a Casablanca e, infine, in Messico. Questo viaggio si riflette in questo coppia in pericolo con coraggio e fiducia nel futuro.

Le figure allungate e le tonalità ricordano i dipinti di El Greco, ma l'inserimento del suo stile è evidente, poiché le figure sembrano levitare in un mare di nuvole su una barca dalle caratteristiche eteree.

9. La chiamata

Museo nazionale delle donne artiste, Washington, Stati Uniti

Questo dipinto del 1961 è una delle migliori descrizioni della creazione di una universo fantastico in cui il mistico è presente Il titolo si riferisce alla "chiamata" spirituale che avvicina la protagonista al suo destino. Il quadro si concentra quindi su una donna "illuminata che porta nelle mani e nel collo oggetti di origine alchemica.

Il tuo capelli è uno degli elementi compositivi più importanti, perché è quello che si innalza e lo collega al energia universale Si riferisce anche alla libertà che assume nei confronti del mondo, poiché lo lascia libero e gli permette di esistere a suo piacimento.

Il sentiero che percorre è pieno di figure che sembrano prendere vita dalle pareti, tutti i volti alludono alle caratteristiche dell'artista, con il naso allungato e gli occhi grandi.

10. Fenomeno

Museo d'Arte Moderna di Città del Messico

Nel 1962 dipinse questo quadro in cui allude a un processo di sdoppiamento. Una donna si affaccia alla finestra e, sorpresa, scopre che l'uomo è rimasto intrappolato sul marciapiede e che è la sua ombra ad avanzare lungo la strada. Si ritiene che l'osservatrice sia l'artista stessa, che era solita rappresentare se stessa nei suoi quadri.

L'influenza del mondo dell'inconscio è stato molto importante per i surrealisti e fa parte dell'immaginario della pittrice, per questo, in quest'opera, fa riferimento a uno dei grandi temi dell'arte e della letteratura: la altro me .

Nel suo psicologia analitica lo psichiatra Carl Jung ha ricercato il fenomeno dell'autocoscienza, che corrisponde alla versione di noi stessi che creiamo per gli altri. Tuttavia, c'è una parte repressa, il "archetipo ombra". Per lui rappresenta il lato oscuro Quegli atteggiamenti che l'io cosciente nega o vuole nascondere, perché rappresentano una minaccia.

Jung invita ad accettare le ombre, perché solo riconciliando le polarità si può liberare l'individuo. Secondo lui, l'ombra non può mai essere distrutta, ma solo assimilata. Pertanto, il rischio di tenerla nascosta può portare alla nevrosi e questa parte della personalità può prendere il sopravvento sulla persona.

Il pensatore era molto letto in quegli anni ed era uno degli autori preferiti dai surrealisti, quindi Varo era a conoscenza delle sue teorie. Così, ritrae il momento in cui l'ombra prende il sopravvento sulla vita del personaggio. e decide di fare tutto ciò che gli è stato negato a livello cosciente.

Remedios Varo e il suo stile

Biografia

María de los Remedios Varo Uranga nasce il 16 dicembre 1908 ad Anglés, nella provincia di Girona, in Spagna. Fin da piccola subisce l'influenza del padre, liberale e agnostico, che le infonde il gusto per la letteratura, la mineralogia e il disegno, mentre la madre, cattolica praticante e di mentalità conservatrice, influisce sulla sua visione cristiana del peccato.e il dovere.

Nel 1917 la famiglia si trasferisce a Madrid e questo è un periodo importante per la definizione del suo stile. Frequenta spesso il Museo del Prado e rimane affascinato dalle opere di Goya e di El Bosco. Pur frequentando una scuola cattolica, legge autori fantastici come Jules Verne e Edgar Allan Poe, oltre alla letteratura mistica e orientale.

Studia arte e nel 1930 sposa Gerardo Lizarraga, con il quale si stabilisce a Barcellona e lavora a campagne pubblicitarie, poi entra in contatto con artisti d'avanguardia e inizia a esplorare il surrealismo.

Nel 1936 incontra il poeta francese Benjamin Péret e, a causa dello scoppio della guerra civile spagnola, fugge con lui in Francia. Questo ambiente è decisivo per la sua opera, poiché viene coinvolto nel gruppo surrealista formato, tra gli altri, da André Breton, Max Ernst, Leonora Carrington e René Magritte.

Dopo l'occupazione nazista e un lungo viaggio, nel 1941 si stabilisce in Messico, dove vive con Péret e inizia a frequentare il gruppo di artisti locali. In questo periodo dipinge mobili e strumenti musicali e disegna costumi per opere teatrali. Dopo essersi separata dal poeta, nel 1947 si trasferisce in Venezuela, dove lavora come illustratrice tecnica per il governo e per l'amministrazione.per l'azienda farmaceutica Bayer.

Nel 1949 torna in Messico e continua a dedicarsi all'arte commerciale fino all'incontro con Walter Gruen, che diventa il suo ultimo socio e la incoraggia a dedicarsi completamente all'arte. Così, a partire dal 1952, intraprende un lavoro minuzioso e produce la maggior parte della sua opera.

Partecipò a diverse mostre e si fece un nome, ma purtroppo morì per un attacco di cuore nel 1963. Sebbene dopo la sua morte sia stata organizzata una retrospettiva, ci sono voluti molti anni prima che la sua eredità venisse apprezzata. Nel 1994, Walter Gruen e sua moglie hanno realizzato un catalogo e hanno donato 39 delle sue opere al Messico.

Stile

Sebbene abbia sempre mantenuto le sue radici surrealiste, il suo stile è stato caratterizzato dalla narrativa Era una creatrice di universi fantastici I suoi dipinti possono essere intesi come storie in cui abitano esseri magici e in cui accadono cose. C'è una contenuto della storia meraviglioso .

C'è anche una forte influenza dei suoi artisti preferiti, come Goya, El Bosco e El Greco, che si nota nelle figure allungate, nelle tonalità e nell'uso di creature bizzarre.

La sua esperienza con il disegno tecnico lo portò a un processo creativo molto meticoloso, in quanto seguiva un metodo simile a quello utilizzato nel Rinascimento: prima di eseguire un'opera, realizzava un disegno delle stesse dimensioni, che poi ricalcava e dipingeva. In questo modo si ottengono composizioni molto perfette e matematiche, in cui abbondano i dettagli.

Inoltre, c'è un elemento di autobiografico In un modo o nell'altro, ha sempre rappresentato se stessa. Attraverso i suoi dipinti-racconto, ha analizzato le circostanze o le emozioni che ha vissuto in momenti diversi, così come le sue preoccupazioni mistiche. In quasi tutte le sue opere, lei può essere vista indirettamente, in quanto era solita realizzare i volti con caratteristiche molto simili alle sue, con personaggi con occhi grandi enasi allungati.

Bibliografia

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• Phoenix, Alex. "El último cuadro que pintó Remedios Varo" (L'ultimo quadro dipinto da Remedios Varo) Ibero 90.9.
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