Remedios Varo (1908 - 1963) var en kunstner av spansk opprinnelse som utviklet arbeidet sitt i Mexico. Selv om han har surrealistiske påvirkninger, var stilen hans preget av skapelsen av fantastiske, mystiske og symbolske verdener. Maleriene hans ser ut til å være hentet fra middelalderfortellinger der han presenterer mystiske karakterer og det er en magisk fortelling. I den følgende omvisningen kan du sette pris på noen av hans viktigste malerier og noen nøkler for å forstå dem.

1. Creation of the Birds

Museum of Modern Art, Mexico City

Dette maleriet fra 1957 er et av Remedios Varos mesterverk, ettersom det utforsker fantasiverdenen hennes maksimalt, blandet med surrealistiske påvirkninger han hadde i årene i Paris (1937-1940).

Representasjonen kan forstås som en allegori til plastisk skapelse . Den skildrer en uglekvinne som symboliserer kunstneren . Fra vinduet på venstre side kommer et materiale inn som, når det passerer gjennom en beholder, forvandles til tre farger og med dem maler han fugler. Samtidig holder han et prisme som månelyset kommer inn gjennom. Med den inspirasjonen og materialene er han i stand til å skape et levende vesen.

For sin del, fra halsen, henger han en innretning som han setter sitt preg på hver av sine oppfinnelser. Når fuglene våkner til liv, flyr de. Som et ferdig verk,et av de viktigste komposisjonselementene, fordi det er den som reiser seg og forbinder den med den universelle energien . I tillegg hentyder den til friheten som den påtar seg foran verden, ettersom den lar den gå og lar den eksistere som den vil.

Veien den går er full av figurer som ser ut til å bli levende fra veggene. Alle ansiktene henspiller på trekkene til kunstneren selv, med lang nese og store øyne.

10. Fenomen

Museum of Modern Art, Mexico City

I 1962 malte han dette maleriet der han henspiller på en doblingsprosess. En kvinne ser ut av vinduet og oppdager overrasket at mannen har blitt fanget på fortauet og at det er skyggen hans som går videre nedover gaten. Det antas at observatøren er kunstneren selv, som pleide å representere seg selv i maleriene hennes.

Påvirkningen fra det ubevisstes verden var veldig viktig for surrealistene og er en del av malerens fantasi. Av denne grunn refererer han i dette verket til et av kunstens og litteraturens store temaer: det andre selvet .

I sin analytiske psykologi har psykiateren Carl Jung undersøkte fenomenet selvbevissthet, som tilsvarer den versjonen av oss selv som vi skaper for andre. Imidlertid er det en fortrengt del, "arketypen av skyggen" . For ham representerer den den mørke siden , de holdningene sombevisst selv benekter eller ønsker å gjemme seg, fordi de er en trussel.

Jung kaller til å akseptere skyggene, fordi bare ved å forene polaritetene kan individet frigjøre seg. I hans syn kan skyggen aldri ødelegges, bare assimileres. Derfor kan risikoen for å holde den skjult generere nevrose og at denne delen av personligheten overtar personen.

Tenkeren ble mye lest i disse årene og var en av surrealistenes favorittforfattere, så Varo var klar over teoriene hans. Dermed skildrer det øyeblikket der skyggen overtar livet til karakteren og bestemmer seg for å gjøre alt som har blitt nektet ham på et bevisst nivå.

Om Remedios Varo og hans stil

Biografi

María de los Remedios Varo Uranga ble født 16. desember 1908 i Anglés, i provinsen Girona, Spania. Siden hun var liten, hadde hun forskjellige påvirkninger. På den ene siden ga faren, som var liberal og agnostiker, ham smaken for litteratur, mineralogi og tegning. I stedet var moren hans, med en konservativ mentalitet og praktiserende katolikk, innflytelsen som markerte en kristen visjon om synd og plikt.

I 1917 flyttet familien til Madrid og det var en viktig tid for å definere stilen deres. Han gikk ofte på Prado-museet og ble fascinert av arbeidet til Goya og El Bosco. Selv om han gikk på en katolsk skole, dedikerte han seg tilleste fantastiske forfattere som Jules Verne og Edgar Allan Poe, samt mystisk og orientalsk litteratur.

Hun studerte kunst og i 1930 giftet hun seg med Gerardo Lizarraga, som hun slo seg ned med i Barcelona og dedikerte seg til å jobbe med kampanjer reklame. Senere kom han i kontakt med avantgardekunstnere og begynte å utforske surrealismen.

I 1936 møtte han den franske poeten, Benjamin Péret, og på grunn av utbruddet av den spanske borgerkrigen rømte han til Frankrike med ham. Dette miljøet var avgjørende for hans arbeid, siden han var i slekt med den surrealistiske gruppen bestående av blant andre André Breton, Max Ernst, Leonora Carrington og René Magritte.

Etter den nazistiske okkupasjonen og etter en lang reise, Han bosatte seg i Mexico i 1941, hvor han bodde sammen med Péret og begynte å forholde seg til gruppen av lokale kunstnere. I denne perioden dedikerte han seg til å male møbler og musikkinstrumenter og designe kostymer for skuespill. Etter å ha skilt seg fra poeten, flyttet han til Venezuela i 1947. Der jobbet hun som teknisk illustratør for regjeringen og for farmasøytisk firma Bayer.

I 1949 returnerte hun til Mexico og fortsatte å dedikere seg til kommersiell kunst til hun møtte Walter Gruen, som ble hennes siste partner og oppmuntret henne til å dedikere seg til kunsten. Fra 1952 påtok han seg således et nitid arbeid og utførte det meste av sitt arbeid.

Han deltok i div.utstillinger og ble kjent, men dessverre døde han av hjertestans i 1963. Selv om det ble holdt et retrospektiv etter hans død, tok det mange år før arven hans ble verdsatt. I 1994 opprettet Walter Gruen og hans kone en katalog og donerte 39 av verkene hans til Mexico.

Stil

Selv om han alltid beholdt sine surrealistiske røtter, var stilen hans preget av narrativ . Hun var en skaper av fantastiske universer , der hennes likes og tvangstanker levde: middelalderkultur, alkymi, paranormale fenomener, vitenskap og magi. Maleriene hans kan forstås som historier der magiske vesener bor og ting skjer. Det er et fantastisk plottinnhold .

På samme måte er det stor innflytelse fra favorittartistene hans, som Goya, El Bosco og El Greco, som kan sees i hans langstrakte figurer, i tonalitetene og bruken av merkelige skapninger.

Erfaringen han hadde med teknisk tegning førte til en meget nitid kreativ prosess, da han fulgte en metode som ligner den som ble brukt i renessansen. Før han laget et verk, laget han en tegning av samme størrelse som han senere sporet og malte. Dette oppnådde meget perfekte og matematiske komposisjoner, hvor detaljer florerer.

I tillegg er det et selvbiografisk element svært tilstede i hans kreasjoner. På en eller annen måte, alltidrepresenterer seg selv. Gjennom sine malerier-historier analyserte han omstendighetene eller følelsene han gikk gjennom til forskjellige tider, så vel som sine mystiske bekymringer. I nesten alle verkene hennes kan hun sees indirekte, siden hun pleide å lage ansikter med trekk som var veldig like hennes egne, med karakterer med store øyne og lange neser.

Bibliografi

• Calvo Chavez, Jorge. (2020). "Fenomenologisk analyse av fantasiens rolle i arbeidet til Remedios Varo". Marginal Reflections Magazine, nr. 59.
• Martín, Fernando. (1988). "Notater om en obligatorisk utstilling: Remedios Varo eller vidunderbarnet avslørt". Art Laboratory, nr. 1.
• Nonaka, Masayo. (2012). Remedios Varo: årene i Mexico . RM.
• Phoenix, Alex. "Det siste maleriet som Remedios Varo malte". Ibero 90.9.
• Varo, Beatriz. (1990). Remedios Varo: i midten av mikrokosmos . Økonomisk kulturfond.

På denne måten omtaler han malerhandlingen som en slags alkymistisk prosess . Kunstneren, akkurat som en vitenskapsmann, er i stand til å transformere materiale til nytt liv. Her, som i de fleste av hans arbeider, er det et miljø der magi og vitenskap krysser hverandre, og gir en mystisk karakter til det som er representert.

2. Ruptura

Museum of Modern Art, Mexico City

Remedios Varo studerte ved School of Arts and Crafts, ved School of Fine Arts i Madrid og ved Academy of San Fernando i Barcelona, ​​​​der hun oppnådde en mastergrad i tegning. I tillegg var faren hennes hydraulikkingeniør og han introduserte henne for teknisk tegning fra ung alder, som hun senere utdypet på disse kursene.

På denne måten kan man i dette maleriet fra 1953 sette pris på en veldig balansert sammensetning , der alle forsvinningspunktene samles på døren. Likevel er sentrum for oppmerksomheten den mystiske skikkelsen som går ned trappene. Selv om den går ned på høyre side, genererer skyggen en motvekt som gir harmoni til bildet.

I bakgrunnen kan man se en bygning gjennom vinduene hvor det samme ansiktet til hovedpersonen vises og papirer flyr fra døren. Selv om det er en enkel scene, har den mange symboler som kan egne seg til uliketolkninger.

En av de mest utbredte har en selvbiografisk korrelat . Mange bekrefter at det androgyne vesen er representasjonen av maleren som forlater fortiden sin for å gjøre plass for en ny kvinne . Av denne grunn gjentas ansiktet hennes i vinduene, fordi det tilsvarer hver versjon av henne selv som hun etterlot seg, for å bli en kunstner med et spesielt utseende.

Det var øyeblikket hun bestemte seg for å forlate læretiden hennes som han hadde basert på kanonen, de surrealistiske påvirkningene fra årene hans i Paris og begi seg ut i å skape sin egen stil . Derav de flygende papirene, som selv om de var viktige i dannelsen hans, må fly for å vike for uttrykket til fantasien hans.

På den annen side er fargene veldig viktige i dette maleriet, de rødlige tonene antyder at det er solnedgangstid. Det vil si en dag som er i ferd med å ta slutt. Hvis det er knyttet til tittelen på verket, «La ruptura», forstår vi at det henspiller på en syklus som lukker seg for å vike for en annen.

3. Ubrukelig vitenskap eller alkymisten

Privat samling

Alkymi var et av temaene som mest lidenskapelige for kunstneren. I dette maleriet fra 1955 representerer han en kvinne som arbeider i skapelsesprosessen . Ved hjelp av en enhet forvandler han regnvann til en væske som han senere tapper på flasker.

Hovedpersonen dekker seg selv med samme etasje der hun slår seg ned for å jobbe, og demonstrerer den tekniske ferdigheten hun hadde Varus. På samme måte søker han gjennom fantasy å undersøke et av favorittkonseptene hans: evnen til å transformere virkeligheten . Dette gjøres gjennom representasjonen av alkymistisk arbeid og måten miljøet blandes med den unge kvinnen. Gulvet slutter å være noe stivt å smelte i endringsprosessen, som er fysisk og åndelig på samme tid.

4. Les feuilles mortes

Privat samling

I 1956 laget Remedios Varo dette maleriet som hun titulerte på fransk og betyr "døde blader". Den viser en kvinne som slynger en tråd som kommer fra en passasje som kommer ut av brystet til en figur som lener seg ved siden av henne. To fugler dukker også opp fra denne skyggen, den ene hvit og den andre rød.

Begge karakterene befinner seg i et rom med nøytrale toner som gir inntrykk av tomhet og forringelse. I bakgrunnen kan du se et åpent vindu med bølgende gardiner, som blader kommer inn gjennom. Det som er slående er at bare noen elementer har farge: kvinnen, tråden, bladene og fuglene. På grunn av dette kan de sees på som symbolske aspekter som kunstneren prøver å fremheve.

kvinne kan forstås som en representasjon av seg selv, som mediterer over livet og fortiden hennes . For øyeblikket er Varo permanent basert i Mexico og har bestemt seg for å dedikere seg helt til maleriet sitt. Av denne grunn blir hans fortid definitivt etterlatt som de tørre bladene, som til tross for at de har mistet vitaliteten, fortsatt er tilstede.

Men fokus er nå på arbeidet hans, som er presentert som en skapning som kommer til liv takket være tråden , som minner om bestemoren hennes, som lærte henne å sy som barn. Dermed er han med hånden i stand til å generere en helt ny virkelighet, som gir ham fred (hvit fugl) og styrke (rød fugl).

5. Still Life Resurrected

Museum of Modern Art, Mexico City

Dette var kunstnerens siste maleri, datert 1963. Det var et av hennes største malerier, og til tross for dets tilsynelatende enkelhet, en av de mest symbolske.

Det første som trekker oppmerksomheten er at det er et av hans få verk der ingen menneskelige eller antropomorfe karakterer er å se. Denne gangen bestemmer han seg for å gi hyllest til en kunstklassiker: stilleben eller stilleben, som var veldig populære på 1500-tallet. Denne typen maleri tjente til å vise kunstnerens tekniske mestring i forhold til lys, komposisjon og evnen til å skape et trofast portrett av virkeligheten.

Står overfor det somSå statiske som disse maleriene var, bestemte Varo seg for å fylle den med bevegelse og dynamikk . Det er interessant å se på tittelen, siden den valgte gerunden resuscitating , en verbform som henspiller på en dynamisk tid, det er en handling som skjer.

Det er også viktig for å nevne at det er et numerisk verk veldig subtilt i komposisjonen. Gulvet er bygd opp av 10 trekanter, to nøkkelsymboler, siden 10 forstås som det hellige og perfekte tallet, mens 3 tilsvarer den hellige treenighet og harmoni. I tillegg er det et rundt bord som refererer til det sykliske og evige. Det er et sett med åtte plater, et tall som refererer til uendelig.

Rundt det kan du se fire øyenstikkere som roterer med samme hastighet. De kan identifiseres som et tegn på endring og har en sterk symbolsk ladning som budbringere mellom åndelige plan. I alle fall er seilet aksen som hele den lille verden dreier seg om. Kritikere har forstått at lys er en representasjon av seg selv, siden det er plassert i sentrum av skapelsen, akkurat som kunstneren er i stand til å forestille seg verdener og fange dem på lerretet.

På samme måte vises en handling av magi der objektene får sitt eget liv og simulerer bevegelsen til kosmos, siden du kan se fruktene gå i bane. Det er som om han viste oss skapelsen av universet, siden det er engranateple og en appelsin som eksploderer og frøene deres utvider seg. Derfor henspiller den på tilværelsens sykliske natur. Det vil si at ingenting blir ødelagt, bare transformert.

6. Mot tårnet

Privat samling

Inspirasjonen til dette bildet kom fra en drøm som venninnen hennes, Kati Horna, en fotograf av ungarsk opprinnelse bosatt i Mexico, fortalte henne. Ideen om en gruppe jenter som angrep et tårn ble senere blandet med hans egne minner.

Derfor bestemte han seg i 1960 for å lage en storstilt triptyk for å fortelle en enhetlig historie. Til tross for intensjonene hans, regnes i dag hver del som et autonomt maleri.

I dette første fragmentet viser han til barndommen hans i katolske skoler i hjemlandet Spania . Atmosfæren er mørk og dyster, med tåke og golde trær. Jentene er identisk kledd og coiffed. De blir eskortert av en mann og en nonne. Hele -miljøet refererer til gråtoner og homogenitet , og det er grunnen til at det er en veldig streng og kontrollert utdanning

Kunstneren skildrer seg selv i sentrum . Mens resten av jentene avanserer autonomt og med tapte øyne, ser hun mistenksomt til høyre. Faktisk er det den eneste som har et uttrykksfullt utseende i hele scenen.

Stilen på maleriet, med mørke toner, langstrakte figurer og enganske flat bakgrunn, som minner om malerier fra tidlig renessanse, som de av Giotto. Det er imidlertid visse fantastiske detaljer , for eksempel syklene som ser ut til å være laget av tråd og kommer fra de samme klærne som karakterene.

I tillegg vises veiledningen som en spesielt vesen, siden det dukker opp vinger fra klærne hans som fugler kommer og går fra. På denne måten, hvis du ser på hver eneste detalj, kan det virke som en illustrasjon fra et eventyr.

7. Brodering av den jordiske mantelen

Privat samling

I 1961 laget Remedios Varo den andre delen av triptyken som hadde begynt året før. Her fortsetter historien om jentene, som nå jobber i et isolert tårn . De broderer bokstavelig talt jorden, akkurat som tittelen sier.

I sentrum er det et magisk vesen som gir dem tråden for å oppnå oppgaven sin. På denne måten introduserer han sin forkjærlighet for alkymi, ved å vise hvordan virkeligheten har kapasitet til å transformere .

I dag regnes dette maleriet som et av mesterverkene til maleren fordi av hvordan hun leker med konisk perspektiv . Her bestemmer han seg for å skape en gimmicky atmosfære ved å bruke tre forsvinningspunkter, som simulerer et slags fiskeøye som bidrar til å produsere en magisk atmosfære som akkompagnerer det representerte motivet.

8. Flukten

Museum for moderne kunst,Mexico City

Med dette bildet fullførte han triptyken i 1961. Som i den første delen fortsetter han med det selvbiografiske temaet, som vi kan se den samme jenta som lurt observerte, flyktet med henne elsker Hun vises i en aktiv positur og med håret nede. Til slutt klarte han å frigjøre seg fra det undertrykkende miljøet og legge ut på et nytt eventyr.

I oktober 1941 flyktet Remedios Varo og Benjamin Peret fra Frankrike på grunn av nazistenes okkupasjon. De foretok en lang reise som tok dem til Marseille, Casablanca og til slutt til Mexico. Denne reisen gjenspeiles i dette paret som møter fare med integritet og tillit til fremtiden.

De langstrakte figurene og tonene minner om malerier av El Greco. Likevel kan du se innføringen av stilen hans, siden karakterene ser ut til å sveve i et hav av skyer på en båt med eteriske egenskaper.

9. Oppfordringen

National Museum of Women Artists, Washington, USA

Dette maleriet fra 1961 er et av de som best beskriver skapelsen av et fantastisk univers der det mystiske er tilstede . Tittelen viser til det åndelige «kallet» som bringer hovedpersonen nærmere hennes skjebne. Derfor er fokuset på maleriet en "opplyst" kvinne som bærer gjenstander av alkymisk opprinnelse i hendene og nakken.

Håret hennes er