La Cène ( Le cenacolo ) est une peinture murale exécutée entre 1495 et 1498 par Léonard de Vinci (1452-1519), un homme aux multiples facettes. Elle a été commandée par Ludovic Sforza pour le réfectoire du couvent de Santa Maria delle Grazie à Milan, en Italie. Léonard ne l'a pas fait payer. La scène recrée le dernier repas de la Pâque entre Jésus et ses apôtres, d'après le récit décrit dans l'Évangile de Jean, au chapitre 13.

Léonard de Vinci : La Cène Tempera et huile sur plâtre, goudron et mastic. 4,6 x 8,8 m. Réfectoire du couvent Santa Maria delle Grazie, Milan, Italie.

Analyse de la fresque La Cène de Léonard de Vinci

Ernst Gombrich affirme que dans cette œuvre, Léonard n'a pas eu peur de faire les corrections de dessin nécessaires pour lui donner un naturalisme et une vraisemblance totaux, ce qui est rarement vu dans les peintures murales antérieures, qui se caractérisaient par le fait de sacrifier délibérément la justesse du dessin au profit d'autres éléments. C'était l'intention de Léonard en mélangeant la tempera et la peinture à l'huile pour cette œuvre.

Dans sa version de la Cène, Léonard a voulu montrer le moment précis de la réaction des disciples lorsque Jésus annonce la trahison de l'un d'entre eux (Jn 13, 21-31). Le choc est évident dans le tableau grâce au dynamisme des personnages qui, au lieu de rester inertes, réagissent énergiquement à l'annonce.

Pour la première fois dans ce type d'art, Léonard introduit un grand drame et une tension entre les personnages, ce qui est inhabituel, mais ne l'empêche pas de parvenir à une grande harmonie, à la sérénité et à l'équilibre de la composition, préservant ainsi les valeurs esthétiques de la Renaissance.

Les personnages de La Cène

Au Les carnets de Léonard de Vinci Les personnages sont identifiés, regroupés en trios à l'exception de Jésus. De gauche à droite, ils sont :

• Premier groupe : Barthélemy, Jacques le Mineur et André.
• Deuxième groupe : Judas Iscariote, Pierre et Jean, appelé "l'imberbe".
• Personnage central : Jésus.
• Troisième groupe : Thomas, Jacques l'Ancien indigné et Philippe.
• Quatrième groupe : Matthieu, Judas Thaddée et Simon.

Détail du premier groupe : Barthélemy, Jacques le Mineur et André.

Il est à noter que Judas, contrairement à la tradition iconographique, n'est pas séparé du groupe, mais est intégré parmi les convives, dans le même groupe que Pierre et Jean. Léonard introduit ainsi dans la fresque une innovation qui la place au centre des références artistiques de son époque.

Détail du deuxième groupe : Judas (tenant une caisse de pièces), Pierre (tenant un couteau) et Jean.

De plus, Leonardo parvient à donner un traitement véritablement différencié à chacun des personnages sur scène, ne généralisant pas leur représentation en un seul type, mais donnant à chacun d'entre eux des traits physiques et psychologiques propres.

Le fait que Léonard mette un couteau dans les mains de Pierre, allusion à ce qui se passera peu après lors de l'arrestation du Christ, est également surprenant : Léonard parvient ainsi à pénétrer dans la psychologie du personnage de Pierre, sans doute l'un des apôtres les plus radicaux.

Voir aussi La Passion de Jésus dans l'art.

Perspective des La Cène

Léonard utilise la perspective à point de fuite ou perspective linéaire, caractéristique de l'art de la Renaissance. Le point central de sa perspective sera Jésus, centre de référence de la composition. Bien que tous les points convergent vers Jésus, sa position ouverte et expansive, avec ses bras tendus et son regard calme, contraste et équilibre l'œuvre.

L'utilisation particulière par Léonard de la perspective à point de fuite, combinée à la représentation d'un espace architectural classique, crée l'illusion que l'espace du réfectoire est agrandi pour accueillir des convives aussi importants, ce qui fait partie de l'effet illusionniste obtenu par le principe de vraisemblance.

Eclairage

Détail : Jésus-Christ avec une fenêtre en arrière-plan.

L'un des éléments caractéristiques de la Renaissance est l'utilisation d'un système de fenêtres, dont Léonard a fait grand usage. Celles-ci permettaient d'introduire une source de lumière naturelle d'une part et une profondeur spatiale d'autre part. Pierre Francastel parlait de ces fenêtres comme d'une anticipation de ce qui allait devenir dans les siècles à venir la "veduta", c'est-à-dire la "véduta". voir du paysage.

L'illumination de la fresque La Cène Derrière Jésus, une fenêtre plus grande ouvre l'espace, délimitant également l'importance du personnage principal de la scène. De cette manière, Léonard évite également l'utilisation de l'auréole de sainteté qui était normalement disposée autour de la tête de Jésus ou des saints.

L'approche philosophique

Détail du quatrième groupe : probablement Ficin, Léonard et Platon sous les traits de Matthieu, Judas Thaddée et Simon Zélote.

Léonard de Vinci considérait la peinture comme une science, car elle impliquait la construction d'un savoir : philosophie, géométrie, anatomie et autres sont autant de disciplines que Léonard a appliquées à la peinture. L'artiste ne s'est pas contenté d'imiter la réalité ou de construire un principe de vraisemblance par pur formalisme. Au contraire, derrière chaque œuvre de Léonard, il y avait une vision plus large de l'homme et de la nature.rigoureux.

Détail du troisième groupe : Thomas, Jacques le Majeur et Philippe.

Selon certains chercheurs, Léonard aurait réfléchi dans la fresque de La Cène La triade platonicienne aurait été composée des valeurs de la La vérité les La gentillesse et le Beauté Cette école de pensée a défendu le néoplatonisme en opposition à l'aristotélisme et a cherché à réconcilier la doctrine chrétienne avec la philosophie de Platon.

La triade platonicienne est représentée d'une manière ou d'une autre dans trois des quatre groupes de personnages, le groupe avec Judas constituant une rupture. On suppose donc que le groupe à l'extrême droite de la fresque pourrait être la représentation de Platon, de Ficin et de Léonard lui-même en autoportrait, qui sont en train de discuter sur le thème de l'art et de la culture. vérité du Christ.

Le troisième groupe, en revanche, pourrait être interprété par certains chercheurs comme une évocation de l'amour platonique à la recherche de la beauté. Ce groupe pourrait également représenter la Sainte Trinité en raison des gestes des apôtres : Thomas montre le Très-Haut, Jacques le Majeur étend les bras comme pour évoquer le corps du Christ sur la croix et, enfin, Philippe ramène les mains sur sa poitrine, en signe d'amitié avec le Christ.de la présence intérieure de l'Esprit Saint.

État de conservation

Le travail La Cène Elle s'est détériorée au fil des ans. En fait, la détérioration a commencé quelques mois après son achèvement. C'est une conséquence des matériaux utilisés par Léonard. L'artiste prenait son temps pour travailler, et la technique de la fresque ne lui convenait pas car elle exigeait de la rapidité et ne permettait pas de repeindre, la surface en plâtre séchant très rapidement. Par conséquent, pour ne pas sacrifier le travail de Léonard, il a décidé d'utiliser la technique de la fresque.Grâce à sa maîtrise de l'exécution, Léonard a eu l'idée de mélanger l'huile à la détrempe.

Cependant, le plâtre n'absorbant pas suffisamment la peinture à l'huile, la fresque a rapidement entamé un processus de détérioration qui a donné lieu à de nombreuses tentatives de restauration. À ce jour, une grande partie de la surface a été perdue.

Voir aussi

• La Joconde de Léonard de Vinci.

Copies de La Cène de Léonard de Vinci

Giampetrino : La Cène Copie. 1515. Huile sur toile. Environ 8 x 3 m. Magdalen College Oxford.

De nombreuses copies ont été faites de La Cène de Léonard, ce qui en dit long sur l'influence de cette œuvre sur l'art occidental. La plus ancienne et la plus reconnue est celle de Giampetrino, disciple de Léonard. On pense que cette œuvre reconstitue en grande partie l'aspect original, car elle a été réalisée très près de la date d'achèvement, avant que les dommages ne soient évidents. L'œuvre était conservée par l'Académie royale des beaux-arts de Rome.Il a été donné au Magdalen College d'Oxford, où il se trouve actuellement.

Attribué à Andrea di Bartoli Solari : La Cène Copie. 16e siècle. Huile sur toile. 418 x 794 cm. Abbaye de Tongerlo, Belgique.

Cette copie s'ajoute à celles déjà connues, comme la version attribuée à Marco d'Oggiono, exposée au musée de la Renaissance du château d'Écouen, celle de l'abbaye de Tongerlo (Belgique) ou celle de l'église de Ponte Capriasca (Italie), parmi tant d'autres.

Marco d'Oggiono (attribué à) : La Cène. Musée de la Renaissance du Château d'Ecouen.

Ces dernières années, une nouvelle copie a également été découverte dans le monastère de Saracena, un édifice religieux accessible uniquement à pied, fondé en 1588 et fermé en 1915, après quoi il a été temporairement utilisé comme prison. La découverte n'est pas si récente, mais sa diffusion sur le marché du tourisme culturel l'est.

La Cène. Copie trouvée dans le monastère des Capucins de Saracena. Fresque.

La Cène de Léonard de Vinci dans la littérature de fiction

La Cène est l'une des œuvres les plus célèbres de la Renaissance et, avec la Joconde, c'est sans doute l'œuvre la plus connue de Léonard, un personnage sur lequel on ne cesse de spéculer, ce qui explique qu'au fil du temps on ait attribué à l'œuvre de Léonard un caractère secret et mystérieux.

L'intérêt pour les mystères supposés de la fresque s'est accru après la publication du livre Le Da Vinci Code Dans ce roman, Dan Brown aurait révélé plusieurs messages secrets que Léonard aurait peints sur la fresque, mais les experts soulignent que le roman est truffé d'erreurs historiques et artistiques.

Le roman de Brown repose sur l'hypothèse que Jésus et Madeleine auraient procréé une descendance, argument non original, et que leur descendant de nos jours serait le véritable Saint Graal à protéger du pouvoir ecclésiastique qui voudrait le cacher. Brown fonde son roman sur la lecture de L'énigme sacrée o La Sainte Bible et la Sainte Graal, où il est affirmé que St. Gréal signifierait "sang royal" et ferait référence à une lignée royale et non à un objet.

Pour justifier son argumentation, Brown se tourne vers la fresque de Léonard de Vinci, dans laquelle il y a de nombreux verres à vin mais pas de véritable calice, et tente donc d'y trouver un mystère : pourquoi n'y aurait-il pas de calice comme dans toutes les autres peintures sur le sujet ? Cela l'amène à analyser les autres éléments de la fresque à la recherche d'un "code". C'est ainsi que le personnage principaldu roman conclut que Jean est en réalité Marie-Madeleine.